Обнаженная натура – один из любимых сюжетов классицистов. Новаторство этой картины в том, что это ню в бытовом жанре. Некоторые исследователи вообще полагают «Купальщицу Вальпинсона» первым полотном, на котором обнаженная натура появилась в рамках бытового жанра.

Обращает на себя внимание, с одной стороны, целомудренность изображения. Девушка сидит, повернувшись спиной. Теплое, золотистое, гладкое тело оттенено белоснежной прохладой простыней. Сюжет скромен, но каков простор для воображения! Вот эти слегка скомканные простыни, кажется, еще помнят тепло ее тела. Скрещенные ноги, правая ступня видна зрителям, под ногами сброшенные красные туфли. Сброшенные – ключевое слово. Почти 60 лет спустя «Женщина с попугаем» Гюстава Курбе вызовет грандиозный скандал. Возле обнаженной девушки – о, ужас! – небрежно сброшенное одеяние. Эта не просто обнаженная женщина, она, страшно сказать, раздета! Энгр гораздо сдержаннее – его купальщица всего лишь разута! Лицо женщины мы практически не видим, волосы ее собраны шелковой косынкой, но, учитывая страстность, с которой кисть Энгра, кажется, обласкала каждый сантиметр бархатной кожи, это только усиливает чувственность изображения.

Отдельного внимания заслуживает такая деталь, как открытый кран в ванной (внизу слева). Когда его замечаешь, кажется, становится слышным журчание воды. Впрочем, главная его функция даже не эта. Картине в вину современники ставили чрезмерную откровенность – живость, с которой Энгр изобразил купальщицу, позволяет воображению зрителя самостоятельно воссоздать последующие события. А ведь через несколько минут девушка отбросит ниспадающее с левой руки покрывало и опустится в наполненную прозрачной водой ванну…

Широкой публике картина была представлена на Всемирной выставке в 1855 году. Заслуга в том Эдгара Дега – он увидел картину в доме приятеля своего отца, известного коллекционера Эдуарда Вальпинсона, по имени которого нередко называют эту купальщицу, и уговорил его выставить полотно.

@pic_history

#ДоминикЭнгр #Портрет #Классицизм

Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши – эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам.

Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода».

Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.

В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца.

И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни.

Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо.

Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году – и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм.

«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Экспрессионизм

"Зима на юге"
1977 г.
Дмитрий Дмитриевич Жилинский
Государственная Третьяковская галерея.

Автопортрет художника с матерью Анастасией Фёдоровной в ее доме в поселке Уч-Дере близ Сочи. Художник изображает не просто отдых, он рассказывает о своем искусстве, о жизни, о стремлении и судьбе. В картине громко звучит гимн материнству, любви к творчеству и искусству. Поначалу кажущийся обыденным сюжет претворяется в символы человеческих ценностей – семья, мир детства, воспоминания. Символической глубиной обладает образ матери – единственной выжившей из старшего поколения семьи Жилинских – хранительницы памяти и семейного очага.

В этой работе он достиг редкого проникновения во внутренний мир человека и открытого эмоционального звучания. Четкие контуры, активные цветовые доминанты, отсутствие теней, сложнейшие ракурсы – за красивейшим по исполнению произведением не чувствуется той трудоемкой работы, которую проделал мастер, написавший этот двойной портрет. «Зима на юге» явилась творческим кредо мастера, в котором ему удалось определить возможности своего искусства, где выразилась гармония единства замысла и исполнения.

@pic_history

#ДмитрийЖилинский #Портрет

Что известно о короле Карле III из истории?

Король Карл III (1716-1788) из династии Бурбонов, на время правления которого приходится начало и середина творческой жизни Гойи, был для Испании далеко не худшим монархом. Он провёл множество серьёзных реформ в духе просвещённого абсолютизма. Реформы касались экономики, просвещения, государственного администрирования и были настолько успешны, что позволили Карлу III вытащил Испанию из кризиса и морального упадка, в котором она пребывала в XVII веке. Карл III сбалансировал налоги, ограничил привилегии грандов и увеличил доходы испанской казны в 4 раза. При нём стали бурно строиться новые шоссейные дороги и военные корабли. Конечно, никакие реформы не обходятся без сопротивления, и при Карле III тоже неоднократно вспыхивали народные бунты, подстрекаемые иезуитами. Например, когда была введена свобода хлебной торговли, бунтовали Барселона, Андалусия и родная Гойе Сарагоса. Карл III отреагировал на восстания бессмертным афоризмом: «Мой народ как ребёнок – он плачет, когда его моют».

В жизни Карл III отличался весёлым характером, славился своей вежливостью и обходительностью, был честен и справедлив. Некоторые историки берутся утверждать, что Карл III был лучшим испанским монархом со времён Фердинанда и Изабеллы (2 пол. XV – начало XVI вв.). Причём если Фердинанд Католик и Изабелла Кастильская взлелеяли в Испании институт инквизиции, то Карл III инквизицию, напротив, как следует поприжал, чтобы не зверствовала. И за всё время правления Карла III инквизиция казнила только четверых.

Гойя – придворный художник испанских королей

Придворным художником Гойя желал стать со всей страстью, доступной его холерическому темпераменту. В 1785 или 1786 году, когда Гойе было уже под сорок, он наконец получает почётный заказ – написать портрет Карла III в костюме охотника, когда король выезжал пострелять дичь в горах за пределами Мадрида. Из писем Гойи известно, как бурно художник радовался этому заказу, что не помешало ему изобразить короля без всякой идеализации. «Он отобразил Карла III, – пишет Антон Ноймайр, – таким, каким увидел его в действительности: уставшим, преждевременно постаревшим, со сгорбленными плечами, худым лицом, без зубов и кривоногим, а также с «шеей общипанной птицы». Но всё-таки талант художника превратил изображаемую модель в шедевр искусства и наградил всемогущего монарха миролюбивыми чертами человеческой сущности».

В июле 1786 года Гойя пишет радостное письмо своему ближайшему другу Мартину Сапатеру о том, что после возобновления работы королевской мануфактуры гобеленов королю было представлено несколько кандидатур тех, кто мог бы возглавить её работу, и король среди всех выбрал Гойю. «Так случилось, что отныне я – придворный художник, – ликует в письме Гойя, – Трудно привыкнуть к мысли, что мой годовой доход теперь будет составлять 15 тысяч реалов!»

Известен также другой, более торжественный, портрет Карла III работы Гойи, написанный приблизительно в 1886-1887 годах.

Официальным художником Карла III Гойя пробыл всего два года: в 1788-м монарха не стало. Впрочем, и его преемник Карл IV (не обладавший, к сожалению, и десятой долей государственных талантов Карла III) не только оставит Гойю на должности придворного художника, но и сделает его чуть ли не своим конфидентом и существенно увеличит мастеру жалованье.

@pic_history

#ФрансискоГойя #Портрет #Романтизм

Лемпицка, прославившаяся как светская львица, в начале 1930-х годов находилась на пике славы. Профессиональные и социальные аспекты её жизни были неразрывно связаны друг с другом, а центром притяжения стала специально обустроенная в стиле ар-деко студия на рю Мешен, 7 в 14-м округе Парижа. Она вела собственный независимый образ жизни, который тогда был относительно редким достижением для женщины.

После короткой поездки в Нью-Йорк в конце 1929-го – начале 1930 года Лемпицка стала первым портретистом, востребованным как среди состоятельных европейцев, так и среди американцев, следивших за модернизмом, доминирующем в международном послевоенном искусстве. Она могла принимать заказы или отказываться от них, когда считала нужным. Интернациональный круг клиентов Лемпицкой был шире, чем у её главного конкурента Кеса ван Донгена. Хотя у того был более пылкий и безрассудный подход к работе, ему не хватало американских связей.

С конца 1920-х годов Лемпицка писала в своём фирменном высоком классическом стиле, который проявляется во всех аспектах этого смело задуманного «Портрета Марджори Ферри». Обстановка на нём, скорее всего, воображаемая, как если бы это были декорации к фильму о Древней Греции. В концепции Лемпицки полированная изогнутая каменная балюстрада и четыре восходящие колонны подхватывают её модель и возносят на высоту Олимпа, откуда Марджори Ферри взирает на мир. Решение художницы обрезать макушку натурщицы – кинематографический ход, но смелый и нечастый приём в портретной живописи; таким образом зритель воспринимает женщину более высокой. Тщательность, с которой Лемпицка выполнила драпировку, также является прямой отсылкой к древнегреческой классике.

Комбинируя стилистические черты французского кубизма, послевоенного пуризма и неоклассицизма со своими исследованиями ранних итальянских мастеров и демонстрируя понимание современных реалистических тенденций в Германии, Лемпицка создала собственный смело космополитичный и классический стиль. Она черпала вдохновение у Энгра, чей образцовый классицизм середины XIX века побудил Пикассо вернуться к фигуративной живописи после Первой мировой войны.

Лемпицка написала Марджори Ферри на переломном этапе своей карьеры, на фоне событий, произошедших тремя годами ранее. В октябре 1929 года, через девять дней после её прибытия в Нью-Йорк, рухнул фондовый рынок Уолл-стрит. Разорился и закрылся банк, куда художница внесла значительную сумму. Спасли её заказы, которые Лемпицки получала, благодаря своей деловой хватке (она утверждала, что к 28-ми годам стала миллионером) – художница умела «приземляться на ноги» в ситуациях, которые могли быть губительными для её коллег.

Парижский арт-рынок во многом держался за счёт богатых американских туристов и временно живущих во Франции граждан США. По мере развития кризиса они начали возвращаться домой. Дилеры перестали покупать, снизили цены и заменили персональные выставки групповыми. Пострадали даже ведущие художники – только Пикассо, самый известный и самый богатый из них, доверил своё значительное состояние разумному банкиру и с комфортом пережил финансовый хаос.

@pic_history

#ТамараЛемпицка #Портрет

Картина «Сломанная колонна» разительно контрастирует с большинством автопортретов Кало. На ней нет ни цветов в высокой прическе, ни буйства растительности на заднем плане, ни обожаемых художницей обезьянок и попугаев. Только стоящая посреди голой пустыни под грозовым небом, почти обнаженная, уязвимая и беззащитная фигура - олицетворение одиночества и боли, груз которых стал невыносимым для одного хрупкого человека. Темные бреши в земле повторяют линию разлома в теле Фриды, в котором видна рассыпающаяся ионическая колонна. Всю эту непрочную конструкцию удерживает вместе лишь корсет, который кажется сплетенным из невесомых бинтов, а не собранным из удушающих металлических ободов.

Сложно поверить, но даже к этой глубоко трагической картине Фрида отнеслась с присущим ей юмором. Художница спрятала в ней тайное послание, дарящее надежду: в каждом ее зрачке изображен крошечный белый голубь – символ мира.

«Сломанная колонна» послужила источником вдохновения для Жана-Поля Готье, создававшего костюмы для фильма «Пятый элемент». Наряд из белых полосок ткани – первый костюм Лилу, героини Миллы Йовович. В 1998 году Готье посвятил Фриде целую коллекцию одежды, объединив два образа художницы – народный мексиканский и европеизированный, принадлежащий Новому Свету. Кроме этого, «Сломанная колонна» в 2013 году была изображена на почтовой марке Кот-д’Ивуара.

@pic_history

#ФридаКало #Портрет #Символизм

Левитановский Чехов другой – волевой, уверенный, энергичный. И дело не только в полутора десятилетиях, разделяющих тот и этот портреты. В портрете Браза сконцентрировалось всё, что вмещает в себя «официальный», очищенный советской цензурой от всего живого Чехов: смертельная чахотка, жена-актриса МХАТа, «в человеке должно быть всё прекрасно...» Образ этакого мирского аскета, скучного моралиста Антона Павловича, чуть ли не ханжи, от воспоминания о котором сводит скулы. Образ, взлелеянный школьной и вузовской традициями, но не имеющий к реальному Чехову отношения. И недаром, увидев законченный портрет Браза, реальный Чехов только хмыкнул: «Говорят, что и я, и галстук очень похожи, но выражение… такое, точно я нанюхался хрену».

Левитановский Чехов, повторим, – другой. В год, когда эскиз с портретом своего приятеля «Антоши» набрасывает Левитан, им обоим по 26. Исаак, его однокашник по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества Николай Чехов и его младший брат, медик и писатель-юморист Антон обожают хохотать, дурачиться и сочинять уморительные небылицы и мизансцены. Из них потом родятся миниатюры Антоши Чехонте, журнальные гонорары за которые будут кормить приехавшего из провинциального Таганрога Чехова в его первые московские годы.

«Как-то раз Антон, Коля, Левитан и еще один студент-художник скупили у лавочника апельсины и стали продавать их на улице так дёшево, что лавочник вызвал полицию и студентов забрали в участок», — рассказывает биограф Чехова Дональд Рейфилд. Друг другу в этой компании давали смешные прозвища, которые прирастали к человеку надолго. Левитан, например, ко всем обращался не иначе как «крокодил» («Вы такой талантливый крокодил, а пишете пустяки!» — адресовалось Антону Чехову). Товарищи в отместку за крокодилов звали Левитана — Левиафан. Смеяться надо всем, чем можно, и шутить на грани фола – такими были отношения молодых Чехова и Левитана.

Так уж получилось, что биография Левитана, с его романами и страстями, известна больше, чем биография Чехова. А между тем, 1886 год в жизни привлекательного молодого человека, каким его изобразил Левитан, тоже полон событий. Например, в этот год у него состоялась тайная и краткая помолвка с его давней подругой Дуней Эфрос, которая, правда, была расторгнута так же спешно, как и заключена. Другая Чеховская амурная привязанность, Наталия Гольден выговаривала ему ему в тот же год в письме: «У Вас две болезни, влюбчивость и кровохарканье, первая не опасна, о второй прошу сообщать самым подробным образом, иначе я не буду вести с Вами переписку». А еще 1886 год для Чехова творчески переломный: он начинает писать не юмористические, а серьезные рассказы, которые сделают Чехова великим. Похоронив «Антошу Чехонте», он становится Антоном Чеховым. «Чехов научается быть серьезным», — напишет его биограф Рейфильд и добавит: «В свои 26 он прощался с уходящей молодостью».

Этюд маслом на картоне, возможно, сделан Левитаном летом, когда художник и писатель гостили в подмосковном имении Бабкино (примерно в это же время или чуть ранее свою версию профильного портрета Чехова выполнит и его брат Николай). Многое в отношениях Чехова и Левитана еще впереди: Чехову еще предстоит предотвратить левитановскую попытку самоубийства, познакомить Левитана с «женщиной его жизни» Софьей Кувшнинниковой и написать по мотивам их романа «Попрыгунью», а Левитану – вызвать за это Чехова на дуэль, примириться с ним спустя три года разрыва, многое написать, осмыслить, пережить и – тоже стать великим.

@pic_history

#ИсаакЛевитан #Портрет

Фешин использует экстравагантный композиционный приём: девочка сидит на столе. Это придает картине особую прелесть и подчеркивает обособленность пространства – радостного, светлого, яркого, в котором любимому ребенку можно многое. Это – защищенный мир (между тем, на дворе 1914 год, Первая мировая война). Лицо Вареньки сияет чистотой и ясностью детского мироощущения, натюрморт на переднем плане сочетает легкую небрежность и беспорядок (здесь играл ребенок!) и удивительную завершенность. Это не парадный портрет, это – часть жизни живой, подвижной, возможно, несколько стеснительной девочки с пытливым взглядом. Сама Варя вспоминала: «Мне было тогда 9 лет, я была довольно застенчива и дика…»

Начиная с «Портрета Вади Адоратской», художник часто обращался к форме композиционного портрета-картины. Но перед нами ни в коем случае не «портрет на фоне аксессуаров». Сама девочка и детали интерьера неразделимы – это та обстановка, в которой только и может жить ребенок с таким ясным взглядом. Помимо смысловой нагрузки, интерьер выполняет и важную цветовую задачу. Удивительно, что такой светлое, радостное пространство, говорящее о здоровой, счастливой жизни, создано, по сути, серым цветом. Но серый Фешина – это цвет спокойствия и благополучия, рассеянный свет дня, он дышит, живет и переливается, словно перламутр, это светлый фон, создающий защищенность. Яркие акценты вносят чистые цвета оранжевого, желтого и голубого. Градация холодных цветов доходит до черного, теплых – до солнечного. Самый светлый штрих – белоснежное платье девочки – приобретает особую теплоту на прохладном фоне стен.

Фешин довольно часто использовал такой технический контраст: достаточно сдержанная палитра и экспрессия нанесения мазков и наложения цвета. Великолепно передана игра фактур: гладкая кожа, тонкое платьице, прозрачный стакан, блестящий чайник, матовые фрукты и прохладная ваза.
На самом деле, Фешин писал Варю не в детской, а в мастерской Надежды Сапожниковой. Повзрослевшая Варвары Адоратская вспоминала, что позировать ей было не очень-то удобно, постоянно немели ноги. Отец Вари отказался приобрести портрет, и его забрала себе Надежда Сапожникова. После смерти она завещала картину ее героине. В ГМИИ Татарстана портрет был передан в 1964 году.

Детская тема занимает большое место в наследии Фешина. Особенно часто он писал свою дочь Ию. Уже эмигрировав в США, Фешин напишет парафраз к «Портрету Вари Адоратской», импрессионистическую картину «Ия с дыней». Сонная Ия в ночной рубашке сидит на столе, в руках у нее дыня, возле нее фруктово-цветочный натюрморт, фоном служит драпировка. Девочка тоже смещена от центра в сторону. В американской картине четко противопоставлены плотность портрета и натюрморта: фрукты осязаемые, густо написанные, а девочка кажется светящейся, полупрозрачной.

@pic_history

#НиколайФешин #Портрет

Очевидно, в планы Казимира Малевича не входило ни живописать частную карьерную драму, ни изображать такие социальные недуги, как тунеядство и безработица. Девушка понадобилась ему для других целей – с ее помощью он рассчитывал подправить задним числом свою творческую биографию.

Сам Малевич датировал эту работу 1904-м. Однако большинство экспертов сходится во мнении, что «Девушка» была написана намного позднее – непосредственно для персональной выставки, которая открылась в Третьяковке в 1929 году.

Малевич постарался как следует запутать следы. Он не только указал другой год на холсте. Он – вот ведь хитрец – еще и выбрал «исчезающую натуру». В 1930-м закроется последняя московская биржа труда – СССР объявит себя первой в мире страной, победившей безработицу. Еще через четыре года картины Малевича будут экспонироваться на выставке «Женщина в социалистическом строительстве». Уже в 29-м «Безработная девушка» казалась архаикой, сюжетом из прошлой эпохи.

Обмануть всех Малевичу все же не удалось. Сравнив несколько импрессионистских работ Казимира Севериновича (его роман с импрессионизмом начался в начале века), искусствоведы пришли к выводу, что некоторые из них написаны определенно более опытной и уверенной рукой, чем другие. Их создал зрелый Малевич, Малевич который «прошел» множество живописных направлений, Малевич, который уже сочинил супрематизм, художник, чья выставка в Третьяковской галерее была приурочена к 30-летнему юбилею его творческой деятельности.

Зачем Малевичу понадобилось ломать хронологию? Некоторые исследователи полагают, что для выставки в Третьяковке художник восстановил по памяти свои ранние работы, которые оставил на хранение в Берлине. И датировал эти авторские повторения годами создания оригиналов. Малевич чуял недоброе и не надеялся когда-нибудь увидеть их снова. К картинам, которые хранил германский архитектор Гуго Херинг, он приложил записку-волеизъявление: «В случае моей смерти или безвыходного тюремного заключения…». Вскоре после открытия выставки в Москве его и в самом деле арестуют как германского шпиона.

Впрочем, куда вероятнее, что Малевич – виртуоз автопиара – хотел представить свой творческий путь в виде постоянного движения вперед. Импрессионизм он видел промежуточным звеном, венцом эволюции считал беспредметное, «ноль форм». Первым делом для него был супрематизм, ну а девушки – с работой или без нее – потом. Однако эго не позволяло Казимиру Севериновичу оставить этот творческий этап таким, каким он был. Пусть «прошлое дело», пусть мимолетная интрижка. Малевичу было важно доказать, что он не только перерос импрессионизм, но и стал в нем «чемпионом мира». И он с очевидным упоением писал девушек в шляпках.

Как и полагается всякому гению, Малевич был на короткой ноге с парадоксами. Самые удачные свои импрессионистские картины он создал, пытаясь от импрессионизма откреститься.

@pic_history

#КазимирМалевич #Портрет #Импрессионизм

Елизавета II терпеливо позировала Фрейду долгих 19 месяцев, и результатом их совместной работы стал этот крошечный (по сравнению с остальными) портрет, который разделил британцев на два лагеря. Представители одного из них рассыпались в похвалах, называя Фрейда самым блестящим художником современности. Другие же отзывались о картине куда менее восторженно, утверждая, что королева должна посадить Фрейда в тюрьму за столь уродливый портрет. Некоторые СМИ называли эту работу самым грандиозным провалом художника.

«Уродливый» - это, конечно, слишком сильное слово по отношению к портрету Елизаветы II. Хотя достаточно сказать, что картина получилась более чем в духе Фрейда. Не будучи связанным с королевой никакими обязательствами, в том числе и материальными, он не стал приукрашивать, льстить или сглаживать острые углы. Пожилой художник имел смелость изобразить просто такую же пожилую женщину (даже королевская тиара была дорисована Фрейдом позже, чтобы все же сделать героиню портрета узнаваемой с первого взгляда), лицо которой занимает почти всю площадь очень маленького холста и кажется гораздо более обнаженным, чем все его голые натурщики вместе взятые.

@pic_history

#ЛюсьенФрейд #Портрет

Почему Джонатан Баттл одет в костюм аристократа?

Джонатан Баттл, как уже отмечалось, вовсе не был аристократом. Почему же тогда он одет в столь пышный костюм – белые чулки, голубые атласные бриджи и такой же камзол с золотым шитьем, воротником и манжетами из дорогих кружев? Это объясняется распространившейся в 1770-е в Британии модой позировать для портретов в костюмах XVII века наподобие тех, в какие одеты аристократы с полотен Рубенса и Ван Дейка – кстати, двух любимых художников Гейнсборо, очень сильно повлиявших на его стиль.

«Голубого мальчика» часто превозносили за изысканность. Однако вполне в демократическом духе Гейнсборо утверждает этим портретом: благородство не в аристократических генах, а в свойствах самой личности.

Композиция и колористическое решение картины

Как и у большинства портретов Гейнсборо, композиция «Голубого мальчика» очень проста: человеческая фигура располагается в самом центре полотна, выдвинув плечо и одну сторону тела немного вперёд. С большим мастерством Гейнсборо передаёт живую лёгкость фигуры вопреки внешней статичности позы.

«Голубой мальчик» Гейнсборо демонстрирует богатое разнообразие холодных тонов: серебристо-голубого, темного синего, глухого зелёного, серебристо-палевого, серого. Картина даже дала основание утверждать, что голубой был любимым цветом художника. Также существует версия о том, что «Голубой мальчик» - это скрытая полемика Гейнсборо с его конкурентом в практике портрета и оппонентом во взглядах на искусство Джошуа Рейнолдсом.

Придерживаясь академически-классицистских взглядов, Рейнолдс считал, что в основе портретных изображений всегда должны лежать теплые тона на основе коричневого и красного, а холодные могут служить лишь дополнением к ним. Холодные оттенки, согласно рейнолдсовской теории распределения цветов, могут использоваться только там, где художнику необходимо изобразить тень. Гейнсборо, как правило, воздерживался от теоретических дебатов в стенах Королевской Академии; тезис Рейнолдса он опроверг самим существованием «Портрета Джонатана Баттла».

@pic_history

#ТомасГейнсборо #Портрет

Рождественские праздники Пикассо и Касагемас провели в Барселоне, а затем отправились в Малагу навестить родственников Пабло. Карлос, однако, здесь надолго не задержался – он вернулся в Барселону, а оттуда снова в Париж. Но Жермен продолжала отвергать его чувства. 17 февраля 1901 года Касагемас организовал ужин в одном из парижских кафе, на который пригласил свою возлюбленную и нескольких друзей. После нескольких порций вина и абсента Карлос в последний раз предложил Жермен выйти за него. Когда девушка вновь ответила ему отказом, он выхватил пистолет и выстрелил в нее. Пуля прошла мимо, Касагемас приставил дуло к правому виску и выстрелил снова. Он умер в больнице тем же вечером.

Картина «Смерть Касагемаса» стала точкой отсчета «голубого» периода в творчестве Пабло Пикассо. Во многих работах следующих нескольких лет художник будет оплакивать своего друга, хоть и не всегда настолько очевидно. Пикассо вернулся в Париж в мае 1901 года, снял ту же студию, которую они делили с Касагемасом, и побывал в кафе, где Карлос совершил самоубийство. И, в конце концов (это было вполне в духе Пикассо), завел роман с Жермен. Она оставалась частью его жизни на протяжении многих лет и была одной из моделей, позировавших ему для «Авиньонских девиц».

Существует теория, согласно которой Пикассо считал Касагемаса в некотором смысле родственной душой Винсента Ван Гога. Как раз на те годы, когда молодой испанец приехал покорять Париж, пришелся первый взрыв популярности Ван Гога, начали впервые публиковаться его письма к брату. И в ранних парижских работах Пикассо вполне отчетливо просматривается влияние голландского художника. В «Смерти Касагемаса» это не только палитра, имитирующая вангоговские «Автопортрет в серой фетровой шляпе» и «Кресло Поля Гогена». Эксперты считают, что композиция картины Пикассо повторяет маленький рисунок, сделанный доктором Гаше, который изображает Ван Гога на смертном одре.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм

Фернанда была частой гостьей в Бато-Лавуар – общежитии, в котором обитали молодые бедные художники, - поскольку зарабатывала на жизнь позированием. Судьба была к ней не слишком благосклонной: она была незаконнорожденным ребенком, воспитывали Фернанду мать и дядя, который планировал жениться на девочке, когда та вырастет. Она сбежала из дома и вышла замуж за мужчину, который с ней жестоко обращался. Девушке снова пришлось бежать: в возрасте 19 лет она перебралась в Париж и сменила фамилию, чтобы муж не мог ее разыскать. Здесь она довольно быстро завела знакомства с художниками и писателями и вошла в круг друзей Гийома Аполлинера. Через несколько лет Фернанда познакомилась с Пикассо, и с этих пор он заявил эксклюзивное право на то, чтобы писать ее портреты. Пожениться они так и не смогли, поскольку официально Оливье по-прежнему была замужем.

Служить музой Пикассо было нелегко. Яркая и красивая Фернанда, привыкшая к восхищению, которое находило отражение на картинах других художников, с трудом понимала эксперименты Пикассо со стилями. С началом их отношений «голубой» период в его творчестве трансформировался в «розовый», но постепенно условно классическая фигуративная живопись начала отступать на второй план, формы в работах Пикассо стали упрощаться, а пропорции – искажаться. И Фернанде пришлось мириться с несовпадением ее представлений о собственной внешности и порождений фантазии Пабло, пережить «африканский» период и «Авиньонских девиц». Портрет «Дама с веером» появился в момент следующей трансформации, на переходе к чистому кубизму.

Приблизительно в это же время отношения Фернанды и Пабло начали рушиться. В 1907 году Оливье взяла из приюта 13-летнюю сироту, однако полноценной семьи у них так и не получилось, и девочку отправили обратно. Пикассо же с приходом успеха начал терять интерес к Фернанде, потому что она служила живым напоминанием о тяжелых временах. В 1912 году они расстались, и женщине пришлось сменить множество низкооплачиваемых работ, чтобы прокормить себя. Спустя 20 лет Фернанда написала мемуары о совместной жизни с Пикассо, которые в 1930 году по частям публиковались в крупной бельгийской газете. Художник, в то время уже находившийся на пике популярности, нанял адвокатов, чтобы воспрепятствовать публикациям. В итоге Пикассо добился своего, а Оливье получила крупные отступные.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм

Однако для Ренуара, как и для его собратьев по кисти, такая реакция была лишь стимулом. Живописцы искали новые методы, которые помогли бы им запечатлеть на холсте яркий красочный мир во всем его многообразии и те мимолетные впечатления, которые он вызывает. К 1874 году — моменту создания картины Огюста Ренуара «Танцовщица», описание которой мы вам предлагаем ниже — в арсенале будущих импрессионистов уже были такие приемы, как отказ от четкого контура и создание очертаний объекта при помощи множества мелких и контрастных мазков; использование пастельных оттенков, создающих ощущение прозрачности; смазанный фон, усиливающий впечатление движения; применение отталкивающих свет красок, которые создавали «внешнее» свечение картины, и пр.

В 1872 году Ренуар, очарованный открывшимися перед ним художественными перспективами, собрал вокруг себя единомышленников, которые стали членами «Анонимного кооперативного сообщества». Они объединились для того, чтобы поддерживать друг друга и других независимых живописцев, избравших новый путь. На первой выставке сообщества, проходившей в Париже в середине апреля 1874 года, среди прочих произведений была представлена «Танцовщица» — картина Огюста Ренуара. Выставка оказалась провальной: критики не поскупились на насмешки, в числе которых было прозвище «импрессионисты».

Париж, 25 апреля 1874 года. Постоянные читатели газеты Le Charivari покупают утренний выпуск, надеясь хорошо повеселиться — редакция издания предпочитала подавать любую информацию в юмористическом ключе. Их ожидания оправдались: популярный парижский журналист Луи Леруа написал веселую статью о своем посещении художественной выставки. Текст был построен в виде реплик двух персонажей, которые пришли на выставку, желая насладиться произведениями искусства, а в итоге покинули ее, разочарованные и возмущенные. Первый удар незадачливым посетителям нанесла картина Огюста Ренуара «Танцовщица». Вот что пишет об этом произведении Леруа:

«— Какая жалость, что художник, явно имеющий чувство цвета, не научился хорошо рисовать! — сказал он мне. — Ноги его танцовщицы выглядят такими же безжизненными, как их газовые юбки!
— Пожалуй, вы к нему слишком жестоки, — не согласился я. — На мой взгляд, у этого художника очень даже четкий рисунок!
Ученик Бертена решил, что я иронизирую, и вместо ответа лишь пожал плечами.»

Что же изображено на полотне, которое произвело такое сильное впечатление на современников живописца? Центральную часть картины Огюста Ренуара «Танцовщица» занимает фигура девочки, которая одета в костюм балерины. Юная танцовщица стоит вполоборота к зрителю, ее ноги поставлены в 4-ю позицию, левое плечо отведено назад — естественность позы говорит о том, что девушка любит и знает в совершенстве искусство танца. Мы видим танцовщицу не в сценическом образе — она предстает перед нами в роли самой себя. Не остается сомнений, что танец в ее исполнении так же прекрасен.

Чтобы передать невесомость и прозрачность ткани балетной пачки, Ренуар использует для ее изображения множество легких мазков, создающих мягкий контур. Пуанты, сделанные из плотного розового атласа, напротив, тщательно выписаны — кажется, будто стоит лишь прикоснуться к ним, и можно почувствовать под пальцами холодок ткани. Белоснежную кожу девочки оттеняют лаконичные украшения черного цвета на руке и шее. Фоном, выгодно контрастирующим с изящной светлой фигуркой, служит растушеванная штриховка, насыщенная бархатными тенями.

@pic_history

#ПьерОгюстРенуар #Импрессионизм #Портрет

Идеальный муж и идеальная жена

Изабелле Брандт было 18 лет. Дочь антверпенского издателя классических античных авторов, она была далека от круга придворных светских красавиц. Этого круга Рубенс избегал всю жизнь, даже много лет спустя, даже будучи уже дворянином и дипломатом, самым известным европейским художником. Но пока Питер Пауль еще дворянским титулом не награжден, к политике отношения не имеет и при европейских королевских дворах о нем еще мало слышали. Он совсем недавно вернулся из Италии, где провел 8 лет при дворе Винченцо Гонзага и едва успел предстать перед эрцгерцогом Альбрехтом и инфантой Изабеллой. Вскоре Рубенс напишет их портреты и будет сразу же принят придворным художником, причем на собственных условиях, с ежемесячным жалованьем. Скоро он купит в Антверпене землю и начнет строить огромный дом для своей молодой, пока еще бездетной, семьи.

Не удивительно, что юная Изабелла так быстро согласилась на брак. Во-первых, биографы Рубенса склоняются к почти сказочной версии взаимной любви с первого взгляда, а во-вторых, вынуждены признать Рубенса исключительно положительным и добропорядочным персонажем, ни разу не замеченным в мимолетной интриге или ветренном любовном приключении.

Племянник Рубенса вспоминал: «Он поднимался в четыре часа утра, взяв за правило начинать новый день с посещения мессы, если только его не терзал приступ подагры, изрядно отравлявшей ему существование; затем он принимался за работу, усадив возле себя наемного чтеца, который вслух читал ему какую-нибудь хорошую книгу, чаще всего Плутарха, Тита Ливия или Сенеку. Свою работу он любил больше всего на свете, а потому всегда устраивался так, чтобы не испытывать при этом неудобств и не наносить вреда здоровью. По этой же причине он мало ел. Он опасался, как бы запахи мяса не помешали его трудам и, наоборот, как бы труд не помешал перевариванию мяса. Работал он до пяти часов вечера, а потом седлал коня и отправлялся на прогулку по городу или в крепость, либо находил другое занятие, которое приносило отдохновение от забот. По возвращении его обычно уже дожидались несколько друзей, с которыми он ужинал. Он терпеть не мог злоупотребления вином и обжорства, как и азартных игр».

К такому безупречному образу жизни стоит добавить высокую образованность и внешнюю привлекательность жениха – и согласиться, что с замужеством Изабелле Брандт удивительно повезло. Если уж пытаться отыскать в Рубенсе хотя бы небольшую слабость, рассматривая парный свадебный портрет с Изабеллой, то смотреть нужно на левую руку художника. Рука спокойно, уверенно, даже как-то буднично, придерживает эфес шпаги. Той шпаги, которую Рубенсу носить не положено. Потому что он не дворянин. Пока не дворянин. При всем сдержанном, но настойчивом, неприятии придворных кругов, категорическом отказе жить в Брюсселе рядом с эрцгерцогом, Рубенс тщеславен. Он пишет свадебный портрет, удивительно теплый и счастливый, а заодно декларирует план собственных действий на ближайшее будущее. План в том, чтобы будучи художником, добиться настолько заметного успеха, что монарх пожалует ему дворянство и признает достойным носить шпагу наравне со знатью, героями и политическими деятелями.

@pic_history

#ПитерРубенс #Портрет #Барокко

Картина, ставшая предзнаменованием

Французская художница Ева Гонсалес не написала ни единого автопортрета, что большая редкость в среде импрессионистов. Ее излюбленной моделью была младшая сестра Жанна, тоже увлекавшаяся написанием картин, но достигшая более значительного успеха на поприще позирования.

Некоторые исследователи творчества Гонсалес считают, что именно в сестре Ева видела свое отражение, почему предпочитала изображать ее так, как видела саму себя. В доказательство этой гипотезы приводится факт, что спустя некоторое время после свадьбы с другом Эдуара Мане художником Анри Жераром художница написала портрет Жанны, облаченную в свой собственный подвенечный наряд.

И что примечательно: картина стала в какой-то мере предзнаменованием. Спустя 9 лет после скоропостижной кончины Гонсалес от эмболии, Жанна стала второй женой овдовевшего мужа сестры и приемной матерью для ее ребенка – своего племянника.

Картина Евы Гонсалес «Утреннее пробуждение» – одно из многочисленных полотен, запечатлевших повседневные моменты из жизни младшей сестры. К слову, учитель и наставник художницы Эдуар Мане настаивал, что модель на этой картине стоило изобразить обнаженной. Но в контексте всего творчества Гонсалес подобный облик сестры вообразить решительно невозможно. Жанна предстает на ее работах исключительно целомудренной, впрочем, как и другие представительницы прекрасного пола.

Даже в тех случаях, когда на них нет совсем одежды – женское тело Гонсалес пишет так деликатно, что и в тех случаях, когда ему отводится большая часть холста, в нем нет и намека на чувственность или эротизм.

В этом, пожалуй, и состоит главное отличие импрессионистской живописи Гонсалес от творений ее коллег-мужчин. На ее работах не отыщешь ни обнаженных барышень, завтракающих на пикнике в компании полностью одетых мужчин, ни будоражащей умы возмущенной публики «бесстыдницы» вроде Олимпии. Оставляя прерогативу на подобные выходки своему покровителю, Гонсалес сохраняла исключительно женственную, хрупкую и мягкую манеру письма в тех рамках, которые позволял импрессионизм.

@pic_history

#ЕваГонсалес #Портрет #Импрессионизм

Над "Мертвыми душами" Шагал работал с 1923 по 1925 годы, создав 107 оригинальных досок. Он задействовал несколько гравировальных техник: сухую иглу, акватинту, офорт, комбинируя их для получения нужного ему результата. Офорты отпечатали в 1927 году, но книга увидела свет только в 1948-м. Ее тираж составил всего 368 экземпляров; Шагал пронумеровал и подписал каждый из них. В том же году за иллюстрации к "Мертвым душам" Шагал получил Гран-при на биеннале графики в Венеции.

Первые навыки в технике гравировки Марк Шагал получил в Берлине, в 1922 году. Его учителем стал знаменитый график и педагог Герман Штук. Первой самостоятельной графической работой Шагала в книжной иллюстрации стали рисунки к его книге воспоминаний "Моя жизнь", изданной в 1923 году. Оформить книгу оригинальными работами художнику предложил его издатель, Поль Кассирер. Шагалом было создано 40 гравированных досок, однако в "Мою жизнь" вошли только 20 офортов.

Воллар оплачивал Шагалу все заказы, и вовремя, что ощутимо поправило финансовые дела семьи. В 1924 году художник с Беллой и Идой переехал в новую мастерскую на авеню д’Орлеан. Здесь было просторно и комфортно, здесь он чувствовал себя в родных стенах, работалось легко и весело. Воротнички Беллы стали "кружевными", но это не помешало художнику создать офорт по мотивам одной из своих любимых картин "Белла в белом воротничке", написанной еще в 1917 году, с которой он никогда не расставался.

Когда Шагал работал над этой картиной, в их семье уже появилась дочь Ида. Значимость роли Матери, ее божественное право повелевать миром - вот основная тема произведения. Фигура Беллы возвышается над бушующим океаном зелени, а образ ее напоминает традиционный сюжет «Вознесение Девы Марии». Внизу Шагал изобразил маленькие фигурки - себя и крошку Иду.

Офорт "Белла", созданный Шагалом в 1924 году по мотивам этой живописной работы, выполнен в технике травления; изображение развернуто в другую сторону относительно вертикали. Художник сделал 100 экземпляров оттисков с этой доски, каждый был подписан и пронумерован. Сегодня эти уникальные офорты иногда встречаются на аукционах, и можно попытаться приобрести для себя "настоящего Шагала" за приемлемую сумму в 8-10 тысяч долларов.

@pic_history

#МаркШагал #Портрет

История создания, гонения, побег во Францию

С начала XIX века родину Гойи сотрясали войны и политические катаклизмы. В 1808-м войска Наполеона вторглись в Испанию, испанское народное сопротивление было подавлено, Бонапарт посадил на испанский трон своего брата Жозефа. Но и при французах Гойя, отличавшийся талантом политического лавирования, сумел сохранить своё положение придворного художника. В 1812-м умерла жена Гойи Хосефа, а с 1819-го он отошёл от дел, поселившись в загородном имении Кинта дель Сордо. В начале 1820-х годов испанцы возвращают себе корону: на трон восходит Фердинанд VII, который начинает с репрессий либералов. Вольнодумному престарелому Гойе, писавшему еще его деда Карла III и отца Карла IV и дружившему с либералами-просветителями Ховеляносом и Компаманесом, новый монарх прямо заявляет: «Вы достойны петли!» Работами Гойи тут же начинает живо интересоваться восстановленная после французского упразднения инквизиция. Опасаясь гонений, Гойя уезжает во Францию и поселяется в городе Бордо. С ним вместе в качестве компаньонки едет молодая женщина по имени Леокадия Вейс – последняя любовь в жизни Гойи. Не испугавшись разницы лет, Леокадия бросила состоятельного мужа, чтобы быть опорой овдовевшему старому и глухому, но безусловно гениальному художнику. Вернуться на родину Гойе не удалось. Последние годы его жизни прошли в Бордо. Именно там написана «Молочница».

Высказывались сомнения в авторстве Гойи, хотя манера мастера и узнаваема, и характерна. Предполагали, что «Молочницу из Бордо» под руководством Гойи могла написать его и Леокадии незаконнорожденная дочка-подросток, Мария дель Росарио. Потерявший множество детей от своего брака с Хосефой Байеу, Гойя очень любил Росариту, своё позднее счастье, тем более, девочка унаследовала некоторые художественные способности. В каком-то смысле Гойя сам дал повод приписывать картину дочке – он свято уверовал, что его художественный гений перевоплотился в дочь. С восторгом Гойя писал одному из друзей: «Этот удивительный ребёнок и миниатюрный живописец хочет учиться, и я хочу также, так как это то, что осуществится с возрастом, и, может быть, даст миру великий феномен». Ослепление любящего отца объяснимо. Так же как объяснимо желание исследователей установить работы «миниатюрного живописца» Марии дель Росарио: полный грациозного смирения образ «Молочницы из Бордо» вполне подходил на эту роль.

Как бы там ни было, картина, безусловно, родилась в доме Гойи в Бордо, а после его смерти даже стала предметом имущественного спора между Леокадией, последней спутницей жизни Гойи, и его сыном и законным наследником Хавьером, алчным человеком, который очень боялся, как бы наследство отца не пришлось делить с кем-то еще.

@pic_history

#ФрансискоГойя #Портрет #Романтизм

«Она некрасива, но когда она поет, вы понимаете французское выражение: "Лучше, чем красивая". Все лицо ее оживает, и вы готовы дать клятву, что в жизни не видали ничего красивее этой женщины со смеющимися глазами и тонкою, чуть-чуть насмешливой улыбкой.

(…) Ваши мысли бродили по чердакам, подвалам и бельэтажам, о которых пела Гильбер. Вы улыбались или делались грустными, - как хотела эта поющая волшебница. Она пела про большой дом, где в бельэтаже живет шикарная кокотка и дурачит своих богатых и глупых поклонников и где в подвале, грязном, сыром, холодном, мать судорожно прижимает к себе умирающего ребенка: он умирает, потому что у нее нет денег на лекарство. И когда она пела об этой матери и об этом ребенке, и об этом лекарстве, за которым не на что послать, - ее пение было похоже на стон, на вопли исстрадавшегося сердца. И вы слышали голос этой матери.
На глазах у женщин блистали слезы, и грешный зал убирался святыми бриллиантами. Вы чувствовали, что у вас у самого слезы подступают к горлу и сейчас же... не могли удержаться от смеха, потому что Иветта пела уже про чердак того же дома, про маленькую мансарду, где живет бедняга поэт, к которому прибежала хохотунья прачка, чтобы при лунном свете весело скоротать голодный вечер.
И все это произошло в течение двух минут! Неужели только двух минут?»

Само собой, художник Анри де Тулуз-Лотрек был потрясен и увлечен этой звездой. Еще раньше, чем на ее концерты парижане начали занимать места среди бела дня, чтоб попасть поздним вечером. Но оказаться в поле зрения Лотрека и под прицелом его беспощадного карандаша – приключение не для слабых. Его представление о привлекательности весьма своеобразно и может стать настоящим испытанием для светской женщины, тем более женщины, добивающейся внимания и славы. Но мы-то помним, что Гильбер не была привлекательной – и попытки привлечь зрителя впечатляющей внешностью, растиражированной в плакатах, могли сойти за ложь или за вынужденную лесть. И то, и другое Иветт Гильбер не устраивало. Тулуз-Лотрек удачно оказался рядом и предложил ей, на первый взгляд, совсем невыгодный путь – на его плакатах Гильбер не будет красивой, она будет лучше, чем красивой.

@pic_history

#ТулузЛотрек #Импрессионизм #Портрет

Что мы знаем об Анне Петровне Ге?

Всю жизнь она была верной спутницей художника: 13 лет чета Ге прожила в Италии, там родились их сыновья Пётр и Николай («беленький и чёрненький», как называл их Ге), потом они вернулись в Россию и после четырех лет, проведённых в Петербурге, Ге и Анна Петровна навсегда перебрались на хутор Ивановское, на Черниговщину. Вскоре Ге заразился идеями Льва Толстого, стал вегетарианцем, бросил курить, раздал многие из принадлежащих ему земельных наделов крестьянам, научился работать в поле и выкладывать печи, стремясь жить так, чтобы это приносило пользу ближнему. Его «опрощение» давалось супруге нелегко: они иногда ссорились, но до такой конфронтации, как у Толстого и Софьи Андреевны, всё же не доходило. «Моя барыня не желает жить просто», – шутя жаловался в письме Толстому Ге.

Дочка Толстого Татьяна Львовна вспоминает, что за решительность и бескомпромиссность в суждениях Ге называл любимую жену «прокурором», и, работая над картинами, часто приглашал её оценить сделанное: «А ну-ка, Анечка, посмотри-ка, что здесь не так». Анна Петровна, намётанным глазом безошибочно видя огрехи, ровным голосом озвучивала свои суждения, и почти всегда Ге оказывался с нею согласен.

Жена Толстого Софья Андреевна в мемуарах «Моя жизнь» тоже оставила несколько строк об Анне Петровне. Они не блещут особым тактом: «Жена Николая Николаевича… была маленького роста белокурая и некрасивая женщина с большой головой и приятной улыбкой. Она как-то покровительственно относилась к мужу, подчёркивая его легкомыслие, рассеянность, и более похоже было, что она его мать, чем жена». Еще Толстая называет Анну Ге «совсем не грациозной натурой и мало подходящей художнику». Впрочем, это воспоминания больше говорят нам о характере Софьи Андреевны, чем проливают свет на то, какой на самом деле была жена Ге.

Художник недаром говорил случайной посетительнице о «своей Мадонне»: Анна Петровна изображена на картине так, как часто писали Деву Марию с Младенцем Христом и Иоанном Крестителем. В Киевском Музее русского искусства хранится еще один портрет Анны Петровны Ге: очаровательная и серьёзная молодая женщина в белом утреннем платье расположилась в кресле с книгой, а сквозь балконный проём видны белые дома и синеватые горы Италии. Обе картины молчаливо свидетельствуют: Николай Ге относился к жене с благоговением и трепетом.

Анна Петровна Ге умерла в 1891-м году, и Ге похоронил её в Ивановском, прямо в саду их усадьбы. Он переживёт жену всего на три года и будет погребён рядом с ней.

@pic_history

#НиколайГе #Портрет #Реализм