"Жаклин с цветами"
1954 г.
Пабло Пикассо
Частная коллекция, Париж.
Пабло Пикассо и Жаклин Рок прожили вместе почти 20 лет до самой его смерти, и за это время он написал около 400 ее портретов. Всех своих возлюбленных художник рисовал по-особенному, каждый раз как будто создавая новый стиль под определенную женщину. Не стала исключением и Жаклин Рок. Большинство ее портретов написаны в легко узнаваемом стиле позднего Пикассо, картина «Жаклин с цветами» - одна из самых ярких работ этого периода. Чаще всего художник изображал свою вторую жену именно так: в профиль, с огромными миндалевидными глазами, неестественно длинной шеей и треугольным кошачьим лицом.
Это была, к слову, самая любимая поза Жаклин для позирования. В частности, именно в ней женщина изображена в знаменитой серии «Одалиски». Благодаря этой позе Антонина Валлентин, написавшая биографию Пикассо, окрестила Жаклин «современным сфинксом».
Пикассо познакомился с Жаклин в 1953 году на керамической фабрике Мадура в Валлорисе, ему было 72 года, а ей – 27. Художник мелом нарисовал на стене ее дома белого голубя, а затем в течение полугода каждый день преподносил женщине розу, чтобы добиться ее расположения. Они тихо поженились все в том же Валлорисе лишь в 1961 году после смерти первой супруги Пикассо Ольги Хохловой.
«Жаклин с цветами» - первый портрет будущей жены Пикассо, отправная точка нового этапа в его личной жизни и нового периода в его творчестве. Когда они познакомились, художник только начал работать над серией «Алжирские женщины» по мотивам знаменитого полотна Эжена Делакруа. Неудивительно, что новая страсть Пикассо наделила всех героинь этих 15 полотен чертами его возлюбленной. В завораживающих темных глазах Жаклин, ее черных бровях и высоких скулах он увидел тот классический средиземноморский тип внешности, которым должны были обладать его «Алжирские женщины». Ее же черты он видел и на вдохновившем его полотне, говоря, что «Делакруа уже был знаком с Жаклин раньше».
#ПаблоПикассо #Кубизм
@pic_history
1954 г.
Пабло Пикассо
Частная коллекция, Париж.
Пабло Пикассо и Жаклин Рок прожили вместе почти 20 лет до самой его смерти, и за это время он написал около 400 ее портретов. Всех своих возлюбленных художник рисовал по-особенному, каждый раз как будто создавая новый стиль под определенную женщину. Не стала исключением и Жаклин Рок. Большинство ее портретов написаны в легко узнаваемом стиле позднего Пикассо, картина «Жаклин с цветами» - одна из самых ярких работ этого периода. Чаще всего художник изображал свою вторую жену именно так: в профиль, с огромными миндалевидными глазами, неестественно длинной шеей и треугольным кошачьим лицом.
Это была, к слову, самая любимая поза Жаклин для позирования. В частности, именно в ней женщина изображена в знаменитой серии «Одалиски». Благодаря этой позе Антонина Валлентин, написавшая биографию Пикассо, окрестила Жаклин «современным сфинксом».
Пикассо познакомился с Жаклин в 1953 году на керамической фабрике Мадура в Валлорисе, ему было 72 года, а ей – 27. Художник мелом нарисовал на стене ее дома белого голубя, а затем в течение полугода каждый день преподносил женщине розу, чтобы добиться ее расположения. Они тихо поженились все в том же Валлорисе лишь в 1961 году после смерти первой супруги Пикассо Ольги Хохловой.
«Жаклин с цветами» - первый портрет будущей жены Пикассо, отправная точка нового этапа в его личной жизни и нового периода в его творчестве. Когда они познакомились, художник только начал работать над серией «Алжирские женщины» по мотивам знаменитого полотна Эжена Делакруа. Неудивительно, что новая страсть Пикассо наделила всех героинь этих 15 полотен чертами его возлюбленной. В завораживающих темных глазах Жаклин, ее черных бровях и высоких скулах он увидел тот классический средиземноморский тип внешности, которым должны были обладать его «Алжирские женщины». Ее же черты он видел и на вдохновившем его полотне, говоря, что «Делакруа уже был знаком с Жаклин раньше».
#ПаблоПикассо #Кубизм
@pic_history
"Смерть Касагемаса"
1901 г.
Пабло Пикассо
Музей Пикассо, Париж.
Молодой каталанский художник Карлос Касагемас был ближайшим другом Пабло Пикассо в богемной Барселоне. Не удивительно, что именно он стал спутником Пикассо в первой поездке в Париж на рубеже веков. Но если для Пикассо это путешествие было первым крошечным шагом к будущей мировой славе, для Касагемаса оно стало началом конца. В Париже Карлос страстно влюбился в юную натурщицу по имени Жермен. Очевидно, эти чувства не были взаимными, Касагемас погрузился в глубокую депрессию и стал часто говорить о самоубийстве.
Рождественские праздники Пикассо и Касагемас провели в Барселоне, а затем отправились в Малагу навестить родственников Пабло. Карлос, однако, здесь надолго не задержался – он вернулся в Барселону, а оттуда снова в Париж. Но Жермен продолжала отвергать его чувства. 17 февраля 1901 года Касагемас организовал ужин в одном из парижских кафе, на который пригласил свою возлюбленную и нескольких друзей. После нескольких порций вина и абсента Карлос в последний раз предложил Жермен выйти за него. Когда девушка вновь ответила ему отказом, он выхватил пистолет и выстрелил в нее. Пуля прошла мимо, Касагемас приставил дуло к правому виску и выстрелил снова. Он умер в больнице тем же вечером.
Картина «Смерть Касагемаса» стала точкой отсчета «голубого» периода в творчестве Пабло Пикассо. Во многих работах следующих нескольких лет художник будет оплакивать своего друга, хоть и не всегда настолько очевидно. Пикассо вернулся в Париж в мае 1901 года, снял ту же студию, которую они делили с Касагемасом, и побывал в кафе, где Карлос совершил самоубийство. И, в конце концов (это было вполне в духе Пикассо), завел роман с Жермен. Она оставалась частью его жизни на протяжении многих лет и была одной из моделей, позировавших ему для «Авиньонских девиц».
Существует теория, согласно которой Пикассо считал Касагемаса в некотором смысле родственной душой Винсента Ван Гога. Как раз на те годы, когда молодой испанец приехал покорять Париж, пришелся первый взрыв популярности Ван Гога, начали впервые публиковаться его письма к брату. И в ранних парижских работах Пикассо вполне отчетливо просматривается влияние голландского художника. В «Смерти Касагемаса» это не только палитра, имитирующая вангоговские «Автопортрет в серой фетровой шляпе» и «Кресло Поля Гогена». Эксперты считают, что композиция картины Пикассо повторяет маленький рисунок, сделанный доктором Гаше, который изображает Ван Гога на смертном одре.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
1901 г.
Пабло Пикассо
Музей Пикассо, Париж.
Молодой каталанский художник Карлос Касагемас был ближайшим другом Пабло Пикассо в богемной Барселоне. Не удивительно, что именно он стал спутником Пикассо в первой поездке в Париж на рубеже веков. Но если для Пикассо это путешествие было первым крошечным шагом к будущей мировой славе, для Касагемаса оно стало началом конца. В Париже Карлос страстно влюбился в юную натурщицу по имени Жермен. Очевидно, эти чувства не были взаимными, Касагемас погрузился в глубокую депрессию и стал часто говорить о самоубийстве.
Рождественские праздники Пикассо и Касагемас провели в Барселоне, а затем отправились в Малагу навестить родственников Пабло. Карлос, однако, здесь надолго не задержался – он вернулся в Барселону, а оттуда снова в Париж. Но Жермен продолжала отвергать его чувства. 17 февраля 1901 года Касагемас организовал ужин в одном из парижских кафе, на который пригласил свою возлюбленную и нескольких друзей. После нескольких порций вина и абсента Карлос в последний раз предложил Жермен выйти за него. Когда девушка вновь ответила ему отказом, он выхватил пистолет и выстрелил в нее. Пуля прошла мимо, Касагемас приставил дуло к правому виску и выстрелил снова. Он умер в больнице тем же вечером.
Картина «Смерть Касагемаса» стала точкой отсчета «голубого» периода в творчестве Пабло Пикассо. Во многих работах следующих нескольких лет художник будет оплакивать своего друга, хоть и не всегда настолько очевидно. Пикассо вернулся в Париж в мае 1901 года, снял ту же студию, которую они делили с Касагемасом, и побывал в кафе, где Карлос совершил самоубийство. И, в конце концов (это было вполне в духе Пикассо), завел роман с Жермен. Она оставалась частью его жизни на протяжении многих лет и была одной из моделей, позировавших ему для «Авиньонских девиц».
Существует теория, согласно которой Пикассо считал Касагемаса в некотором смысле родственной душой Винсента Ван Гога. Как раз на те годы, когда молодой испанец приехал покорять Париж, пришелся первый взрыв популярности Ван Гога, начали впервые публиковаться его письма к брату. И в ранних парижских работах Пикассо вполне отчетливо просматривается влияние голландского художника. В «Смерти Касагемаса» это не только палитра, имитирующая вангоговские «Автопортрет в серой фетровой шляпе» и «Кресло Поля Гогена». Эксперты считают, что композиция картины Пикассо повторяет маленький рисунок, сделанный доктором Гаше, который изображает Ван Гога на смертном одре.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
"Дама с веером"
1909 г.
Пабло Пикассо
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
В 1904 году Пабло Пикассо встретил свою первую многолетнюю музу – Фернанду Оливье. Она была высокой рыжеволосой красавицей, мгновенно привлекающей к себе внимание и способной конкурировать с пылким молодым испанцем по части темперамента. В будущем, кстати, Пикассо станет выбирать в качестве спутниц жизни в основном невысоких и покорных женщин. Отношения Пабло и Фернады, продлившиеся семь лет, были бурными, полными ревности и даже доходившими до насилия. Но все это лишь подпитывало вдохновение художника, и он писал свою возлюбленную много и страстно.
Фернанда была частой гостьей в Бато-Лавуар – общежитии, в котором обитали молодые бедные художники, - поскольку зарабатывала на жизнь позированием. Судьба была к ней не слишком благосклонной: она была незаконнорожденным ребенком, воспитывали Фернанду мать и дядя, который планировал жениться на девочке, когда та вырастет. Она сбежала из дома и вышла замуж за мужчину, который с ней жестоко обращался. Девушке снова пришлось бежать: в возрасте 19 лет она перебралась в Париж и сменила фамилию, чтобы муж не мог ее разыскать. Здесь она довольно быстро завела знакомства с художниками и писателями и вошла в круг друзей Гийома Аполлинера. Через несколько лет Фернанда познакомилась с Пикассо, и с этих пор он заявил эксклюзивное право на то, чтобы писать ее портреты. Пожениться они так и не смогли, поскольку официально Оливье по-прежнему была замужем.
Служить музой Пикассо было нелегко. Яркая и красивая Фернанда, привыкшая к восхищению, которое находило отражение на картинах других художников, с трудом понимала эксперименты Пикассо со стилями. С началом их отношений «голубой» период в его творчестве трансформировался в «розовый», но постепенно условно классическая фигуративная живопись начала отступать на второй план, формы в работах Пикассо стали упрощаться, а пропорции – искажаться. И Фернанде пришлось мириться с несовпадением ее представлений о собственной внешности и порождений фантазии Пабло, пережить «африканский» период и «Авиньонских девиц». Портрет «Дама с веером» появился в момент следующей трансформации, на переходе к чистому кубизму.
Приблизительно в это же время отношения Фернанды и Пабло начали рушиться. В 1907 году Оливье взяла из приюта 13-летнюю сироту, однако полноценной семьи у них так и не получилось, и девочку отправили обратно. Пикассо же с приходом успеха начал терять интерес к Фернанде, потому что она служила живым напоминанием о тяжелых временах. В 1912 году они расстались, и женщине пришлось сменить множество низкооплачиваемых работ, чтобы прокормить себя. Спустя 20 лет Фернанда написала мемуары о совместной жизни с Пикассо, которые в 1930 году по частям публиковались в крупной бельгийской газете. Художник, в то время уже находившийся на пике популярности, нанял адвокатов, чтобы воспрепятствовать публикациям. В итоге Пикассо добился своего, а Оливье получила крупные отступные.
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
@pic_history
1909 г.
Пабло Пикассо
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
В 1904 году Пабло Пикассо встретил свою первую многолетнюю музу – Фернанду Оливье. Она была высокой рыжеволосой красавицей, мгновенно привлекающей к себе внимание и способной конкурировать с пылким молодым испанцем по части темперамента. В будущем, кстати, Пикассо станет выбирать в качестве спутниц жизни в основном невысоких и покорных женщин. Отношения Пабло и Фернады, продлившиеся семь лет, были бурными, полными ревности и даже доходившими до насилия. Но все это лишь подпитывало вдохновение художника, и он писал свою возлюбленную много и страстно.
Фернанда была частой гостьей в Бато-Лавуар – общежитии, в котором обитали молодые бедные художники, - поскольку зарабатывала на жизнь позированием. Судьба была к ней не слишком благосклонной: она была незаконнорожденным ребенком, воспитывали Фернанду мать и дядя, который планировал жениться на девочке, когда та вырастет. Она сбежала из дома и вышла замуж за мужчину, который с ней жестоко обращался. Девушке снова пришлось бежать: в возрасте 19 лет она перебралась в Париж и сменила фамилию, чтобы муж не мог ее разыскать. Здесь она довольно быстро завела знакомства с художниками и писателями и вошла в круг друзей Гийома Аполлинера. Через несколько лет Фернанда познакомилась с Пикассо, и с этих пор он заявил эксклюзивное право на то, чтобы писать ее портреты. Пожениться они так и не смогли, поскольку официально Оливье по-прежнему была замужем.
Служить музой Пикассо было нелегко. Яркая и красивая Фернанда, привыкшая к восхищению, которое находило отражение на картинах других художников, с трудом понимала эксперименты Пикассо со стилями. С началом их отношений «голубой» период в его творчестве трансформировался в «розовый», но постепенно условно классическая фигуративная живопись начала отступать на второй план, формы в работах Пикассо стали упрощаться, а пропорции – искажаться. И Фернанде пришлось мириться с несовпадением ее представлений о собственной внешности и порождений фантазии Пабло, пережить «африканский» период и «Авиньонских девиц». Портрет «Дама с веером» появился в момент следующей трансформации, на переходе к чистому кубизму.
Приблизительно в это же время отношения Фернанды и Пабло начали рушиться. В 1907 году Оливье взяла из приюта 13-летнюю сироту, однако полноценной семьи у них так и не получилось, и девочку отправили обратно. Пикассо же с приходом успеха начал терять интерес к Фернанде, потому что она служила живым напоминанием о тяжелых временах. В 1912 году они расстались, и женщине пришлось сменить множество низкооплачиваемых работ, чтобы прокормить себя. Спустя 20 лет Фернанда написала мемуары о совместной жизни с Пикассо, которые в 1930 году по частям публиковались в крупной бельгийской газете. Художник, в то время уже находившийся на пике популярности, нанял адвокатов, чтобы воспрепятствовать публикациям. В итоге Пикассо добился своего, а Оливье получила крупные отступные.
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Актер"
1904 г.
Пабло Пикассо
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Простая, но запоминающаяся картина «Актёр» – это работа, с которой у Пикассо родился интерес к цирковому миру акробатов и комедиантов. Удлинённая тонкая фигура и необычное положение рук ещё напоминают маньеризм «голубого периода», вдохновлённый Эль Греко. Но «Актёра» уже можно рассматривать как пролог к серии произведений, кульминацией которых стало огромное полотно «Семья комедиантов».
Фактически эта картина своей новой тематикой, палитрой и чувственностью открывает «розовый период» в творчестве Пикассо (с 1904-го по 1906 год), который совпадает с появлением в жизни 24-летнего художника новой возлюбленной, Фернанды Оливье. До этого – в годы «голубого периода» – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это выражалось в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
Романтическая связь с Фернандой благоприятно повлияла на творчество Пикассо. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. В картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца его долгой карьеры.
И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни.
Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. «Актёр» – один из примеров этому: узнаваем тип человека, а не сам человек; персонаж охарактеризован, но это не портрет.
«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
Первым владельцем «Актёра» был Фрэнк Бёрти Хэвиленд – богатый франко-американский художник и друг Пикассо. Картина впервые предстала перед публикой на выставке Sonderbund в Кёльне в 1912 году, куда её одолжил немецкий промышленник Пауль Леффман. В 1938 году коллекционер продал полотно, бежав из нацистской Германии. На этом основании в 2011 году его наследники подали иск о реституции против Метрополитен-музея, который в 1951 году получил работу в подарок от наследницы автопромышленной империи Тельмы Крайслер Фой. Однако американские суды разных инстанций последовательно вынесли решение в пользу музея.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
1904 г.
Пабло Пикассо
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Простая, но запоминающаяся картина «Актёр» – это работа, с которой у Пикассо родился интерес к цирковому миру акробатов и комедиантов. Удлинённая тонкая фигура и необычное положение рук ещё напоминают маньеризм «голубого периода», вдохновлённый Эль Греко. Но «Актёра» уже можно рассматривать как пролог к серии произведений, кульминацией которых стало огромное полотно «Семья комедиантов».
Фактически эта картина своей новой тематикой, палитрой и чувственностью открывает «розовый период» в творчестве Пикассо (с 1904-го по 1906 год), который совпадает с появлением в жизни 24-летнего художника новой возлюбленной, Фернанды Оливье. До этого – в годы «голубого периода» – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это выражалось в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
Романтическая связь с Фернандой благоприятно повлияла на творчество Пикассо. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. В картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца его долгой карьеры.
И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни.
Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. «Актёр» – один из примеров этому: узнаваем тип человека, а не сам человек; персонаж охарактеризован, но это не портрет.
«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
Первым владельцем «Актёра» был Фрэнк Бёрти Хэвиленд – богатый франко-американский художник и друг Пикассо. Картина впервые предстала перед публикой на выставке Sonderbund в Кёльне в 1912 году, куда её одолжил немецкий промышленник Пауль Леффман. В 1938 году коллекционер продал полотно, бежав из нацистской Германии. На этом основании в 2011 году его наследники подали иск о реституции против Метрополитен-музея, который в 1951 году получил работу в подарок от наследницы автопромышленной империи Тельмы Крайслер Фой. Однако американские суды разных инстанций последовательно вынесли решение в пользу музея.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Девушка в сорочке"
1905 г.
Пабло Пикассо
Тейт Модерн, Лондон.
Достоверно неизвестно, когда была создана картина «Девушка в сорочке», но общепринято, что она знаменует собой конец «голубого периода» Пикассо. Синий в его полотнах теряет ледяную холодность, в работы возвращается женская красота и сексуальность, которые прежде были вытеснены эмоциональными оттенками обездоленных персонажей.
Голубой период Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда художник писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Для «Девушки с сорочкой», вероятно, позировала новая любовница художника, Мадлен. Летом 1904 года она забеременела от Пикассо, но он, якобы, заставил её сделать аборт. Однако, несмотря на то, что живописец завёл роман с другой своей натурщицей, Фернандой Оливье, Мадлен продолжала появляться в его работах в образе матери с дитя – как раз в тот период, когда мог родиться её собственный ребёнок.
И именем Фернанды Оливье связывают окончание «голубого периода» Пикассо и начало «розового», когда в его палитре начали доминировать тёплые цвета. Однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за розовым), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
1905 г.
Пабло Пикассо
Тейт Модерн, Лондон.
Достоверно неизвестно, когда была создана картина «Девушка в сорочке», но общепринято, что она знаменует собой конец «голубого периода» Пикассо. Синий в его полотнах теряет ледяную холодность, в работы возвращается женская красота и сексуальность, которые прежде были вытеснены эмоциональными оттенками обездоленных персонажей.
Голубой период Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда художник писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Для «Девушки с сорочкой», вероятно, позировала новая любовница художника, Мадлен. Летом 1904 года она забеременела от Пикассо, но он, якобы, заставил её сделать аборт. Однако, несмотря на то, что живописец завёл роман с другой своей натурщицей, Фернандой Оливье, Мадлен продолжала появляться в его работах в образе матери с дитя – как раз в тот период, когда мог родиться её собственный ребёнок.
И именем Фернанды Оливье связывают окончание «голубого периода» Пикассо и начало «розового», когда в его палитре начали доминировать тёплые цвета. Однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за розовым), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
@pic_history
В "Проворном кролике"
1905 г.
Пабло Пикассо
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
«В «Проворном кролике»» – знаменитая работа, ныне ставшая иконой богемного Парижа на рубеже XX века, на которой Пикассо изобразил себя в костюме Арлекина. Его сопровождает бывшая любовница Жермен Пишо. Прежде ею был одержим близкий друг Пикассо, Карлос Касагемас, который из-за несчастной любви покончил жизнь самоубийством в 1901 году. Картину заказал Фреде Жерар (он играет на гитаре на заднем плане) для своего его кабаре «Проворный кролик» на Монмартре. Это была единственная работа Пикассо, постоянно выставленная в Париже с 1905-го по 1912 год. После она была продана немецкому коллекционеру, а сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.
Суицид Касагемаса, который застрелился в парижском кафе на глаза своей возлюбленной и друзей, послужил отправной точкой для «голубого периода» в творчестве Пикассо. К изумлению окружающих, он сошёлся с бывшей пассией друга, однако испытывал депрессию, отчуждённость и нищету. Их художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. Начался «розовый период», который продлился до 1906 года и имел гораздо большее художественно-историческое значение, чем предшествующий «голубой». Именно к «розовому периоду» относится сцена «В «Проворном кролике»».
Произведения Пикассо в этот отрезок времени начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. Ещё одним важным прорывом этого короткого периода стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году. Её беглость и утончённость – уникальный вклад художника в экспрессионизм.
«Розовый период» также отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
1905 г.
Пабло Пикассо
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
«В «Проворном кролике»» – знаменитая работа, ныне ставшая иконой богемного Парижа на рубеже XX века, на которой Пикассо изобразил себя в костюме Арлекина. Его сопровождает бывшая любовница Жермен Пишо. Прежде ею был одержим близкий друг Пикассо, Карлос Касагемас, который из-за несчастной любви покончил жизнь самоубийством в 1901 году. Картину заказал Фреде Жерар (он играет на гитаре на заднем плане) для своего его кабаре «Проворный кролик» на Монмартре. Это была единственная работа Пикассо, постоянно выставленная в Париже с 1905-го по 1912 год. После она была продана немецкому коллекционеру, а сейчас находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.
Суицид Касагемаса, который застрелился в парижском кафе на глаза своей возлюбленной и друзей, послужил отправной точкой для «голубого периода» в творчестве Пикассо. К изумлению окружающих, он сошёлся с бывшей пассией друга, однако испытывал депрессию, отчуждённость и нищету. Их художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. Начался «розовый период», который продлился до 1906 года и имел гораздо большее художественно-историческое значение, чем предшествующий «голубой». Именно к «розовому периоду» относится сцена «В «Проворном кролике»».
Произведения Пикассо в этот отрезок времени начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. Ещё одним важным прорывом этого короткого периода стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году. Её беглость и утончённость – уникальный вклад художника в экспрессионизм.
«Розовый период» также отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Если бы у вас возникла необходимость составить впечатление о «розовом периоде» творчества Пабло Пикассо всего по одной картине, для этой цели как нельзя лучше подошла бы «Семья комедиантов». Это огромное полотно (одно из самых больших за всю жизнь художника) объединяет в себе сразу несколько отличительных особенностей: приглушенные цвета, делающие картину похожей на фреску, композиционное решение и, наконец, выбор героев.
В 1904 году Пикассо окончательно поселяется в Париже и знакомится со своей первой музой – Фернандой Оливье. Благодаря ей он становится завсегдатаем цирка Медрано, который находился неподалеку от студии художника на Монмартре. В частности, именно поэтому героями полотен «розового периода» чаще всего являются цирковые артисты. Они становятся для художника некой новой формой изгоев, которые пришли на смену несчастным, обездоленным и больным людям, населявшим его картины в предыдущие несколько лет.
Однако к этой теме Пикассо неоднократно обращался и в более ранних своих работах. Многие исследователи сходятся во мнении о том, что каждого своего Арлекина художник писал с себя. В некоторой степени он отождествляет себя со всеми героями картины, тонко ощущая и передавая их двойственность. С одной стороны странствующие циркачи являлись для него олицетворением внутренней свободы и независимости, а с другой – едва ли сложно понять, что постоянные переезды и выступления на потеху публики были для этих людей единственным способом выжить.
Что же касается остальных героев полотна, то маленькую девочку, которую Арлекин держит за руку, искусствоведы считают данью памяти сестре художника Кончите, скончавшейся от дифтерии в 1895 году. Считается, что толстый шут изображает Гийома Аполлинера, а прототипами для старшего мальчика акробата по разным версиям стали поэты Макс Жакоб и Андре Сальмон. Сидящая на земле женщина, которая отделена от группы и композиционно, и эмоционально, - это, скорее всего, возлюбленная Пикассо Фернанда Оливье.
Сохранилось несколько предварительных набросков «Семьи комедиантов», на которых видно, что изначальным фоном для циркачей служил ипподром, но в конце концов художник заменил его пустынным пейзажем, похожим на виды его родной Андалусии. Теплые, прозрачные цвета создают ощущение вибрации воздуха, окружающего героев полотна. А лишенный какой бы то ни было жизни фон подчеркивает обособленность этой маленькой группы, обреченной на постоянное бегство и невозможность найти свое место в мире.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
В 1904 году Пикассо окончательно поселяется в Париже и знакомится со своей первой музой – Фернандой Оливье. Благодаря ей он становится завсегдатаем цирка Медрано, который находился неподалеку от студии художника на Монмартре. В частности, именно поэтому героями полотен «розового периода» чаще всего являются цирковые артисты. Они становятся для художника некой новой формой изгоев, которые пришли на смену несчастным, обездоленным и больным людям, населявшим его картины в предыдущие несколько лет.
Однако к этой теме Пикассо неоднократно обращался и в более ранних своих работах. Многие исследователи сходятся во мнении о том, что каждого своего Арлекина художник писал с себя. В некоторой степени он отождествляет себя со всеми героями картины, тонко ощущая и передавая их двойственность. С одной стороны странствующие циркачи являлись для него олицетворением внутренней свободы и независимости, а с другой – едва ли сложно понять, что постоянные переезды и выступления на потеху публики были для этих людей единственным способом выжить.
Что же касается остальных героев полотна, то маленькую девочку, которую Арлекин держит за руку, искусствоведы считают данью памяти сестре художника Кончите, скончавшейся от дифтерии в 1895 году. Считается, что толстый шут изображает Гийома Аполлинера, а прототипами для старшего мальчика акробата по разным версиям стали поэты Макс Жакоб и Андре Сальмон. Сидящая на земле женщина, которая отделена от группы и композиционно, и эмоционально, - это, скорее всего, возлюбленная Пикассо Фернанда Оливье.
Сохранилось несколько предварительных набросков «Семьи комедиантов», на которых видно, что изначальным фоном для циркачей служил ипподром, но в конце концов художник заменил его пустынным пейзажем, похожим на виды его родной Андалусии. Теплые, прозрачные цвета создают ощущение вибрации воздуха, окружающего героев полотна. А лишенный какой бы то ни было жизни фон подчеркивает обособленность этой маленькой группы, обреченной на постоянное бегство и невозможность найти свое место в мире.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Сцена «Жизнь», написанная в 1903 году – один из шедевров «голубого периода» Пикассо. Художник никогда не пытался дать миру чёткое представление об этой картине, которая сейчас является одной из жемчужин Музея изящных искусств в Кливленде. Однако нам известны трагические обстоятельства, которые стали «спусковым крючком» для легендарного «голубого периода».
Он приходится на 1900 – 1904 годы, когда Пикассо писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Предполагается, что отправной точкой для этого периода у Пикассо стало самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Начиная с конца 1901 года Пикассо написал несколько посмертных портретов Касагемаса, кульминацией которых стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь». Такое же настроение пронизывает хорошо известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода. Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми.
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между голубым и розовым периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого» и «розового» периодов Пикассо стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Он приходится на 1900 – 1904 годы, когда Пикассо писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Предполагается, что отправной точкой для этого периода у Пикассо стало самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Начиная с конца 1901 года Пикассо написал несколько посмертных портретов Касагемаса, кульминацией которых стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь». Такое же настроение пронизывает хорошо известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода. Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми.
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между голубым и розовым периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого» и «розового» периодов Пикассо стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Пикассо рассказал о картине в письме своему другу, французскому поэту Максу Жакобу: «Я пишу слепого за столом. В левой руке он держит кусок хлеба, а правой дотрагивается до кувшина с вином. Рядом собака смотрит на него». Технический анализ показал, что изначально собака находилась внизу слева, рядом с тарелкой, однако потом художник убрал её из композиции.
«Голубой период» Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда он писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло путешествие по Испании и самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Настроение, которым пронизана композиция «Завтрак слепого», роднит её с мрачной аллегорической картиной «Жизнь» (1903, Музей изящных искусств Кливленда), а также гравюрой «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода, например, портрета «Селестина» (1903, Музей Пикассо в Париже) или «Старый еврей с мальчиком» (1903, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина). Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми.
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
«Голубой период» Пикассо приходится на 1900 – 1904 годы, когда он писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло путешествие по Испании и самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Настроение, которым пронизана композиция «Завтрак слепого», роднит её с мрачной аллегорической картиной «Жизнь» (1903, Музей изящных искусств Кливленда), а также гравюрой «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода, например, портрета «Селестина» (1903, Музей Пикассо в Париже) или «Старый еврей с мальчиком» (1903, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина). Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми.
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Жизнь"
1903 г.
Пабло Пикассо
Музей изящных искусств, Кливленд.
👀 Смотреть в высоком качестве
1903 г.
Пабло Пикассо
Музей изящных искусств, Кливленд.
👀 Смотреть в высоком качестве
Молодому испанцу посчастливилось жить в Париже в то время, когда здесь можно было в полной мере вкусить все прелести богемной жизни, включая походы по борделям в компании таких же полунищих художников и беспрепятственное употребление абсента. Но во французскую столицу Пикассо переедет только в 1904 году, а пока же он постоянно курсирует между Парижем и Барселоной, работая, как проклятый, и страдая от безденежья и неустроенности. «Любительница абсента» появляется на свет именно в этот период, который при всем желании нельзя назвать счастливым. В 1903 году Пикассо напишет «Портрет Анхеля Фернандеса де Сото», герой которого изображен за столиком перед бокалом абсента. В 1912 году художник вновь увековечит любимый напиток в кубистической работе «Бутылка «Перно» и бокал». И, наконец, в 1914-м, за год до того, как «зеленая фея» была запрещена во Франции, Пикассо создает скульптуру «Бокал абсента». До легализации напитка в европейских странах художник не дожил.
«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы. На картинах «голубого периода» Пикассо неоднократно будет изображать людей, похожих на героиню этого полотна. Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды.
Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и, с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя, а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз в жизни испытывали большинство людей.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы. На картинах «голубого периода» Пикассо неоднократно будет изображать людей, похожих на героиню этого полотна. Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды.
Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и, с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя, а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз в жизни испытывали большинство людей.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
Однажды Пикассо сказал: «Я терпеть не могу породистых кошечек, которые мурлычут на подушке в гостиной. Мне нравятся одичавшие кошки, которые охотятся за птицами, носятся по улицам как угорелые, тащат все, что ни попадя. Они смотрят на вас дикими глазами и того и гляди вцепятся вам в физиономию. А вы заметили, что кошки, живущие на воле, почти всегда брюхаты? Это вполне естественно: ведь они только о любви и думают».
Животное, изображенное на картине «Кошка, поймавшая птицу» имеет мало общего с этим немного жестоким, но вполне привлекательным и жизнерадостным образом. Кроме, разве что, диких глаз. Художник изобразил угрожающего хищника с полным ртом острых зубов, внушительными когтями и гипнотическим взглядом. Зритель почти может услышать издаваемый кошкой звук – что-то среднее между довольным урчанием и предостерегающим рыком. Благодаря ярко-белому цвету горящие глаза и устрашающие когти животного выделяются на фоне шерсти, выполненной в приглушенных, мрачных оттенках коричневого. Шерсть кажется грязной и свалявшейся, этот эффект усиливается благодаря песку, который художник подмешивал в краски во время работы над картиной. Вид открытой раны на теле птицы, бьющейся в тщетных попытках освободиться из хватки своего мучителя, вызывает ощущение неподдельного ужаса. Пикассо превращает сцену из повседневной жизни почти в апокалиптический сюжет.
Искусствоведы сходятся во мнении, что картины Пикассо этого периода, посвященные темам смерти и насилия, одновременно отражают его отношение к Гражданской войне в Испании и демонстрируют предчувствие кошмара Второй Мировой, в который совсем скоро погрузится весь мир. За первые три месяца 1939 года войска Франко заняли Барселону, Мадрид и Валенсию, а Гитлер уже начал вторжение в Восточную Европу. Трагическое событие произошло и в жизни самого Пикассо: в январе умерла его мать. Переживания художника выплеснулись на холст в виде жутких кошек и освежеванных бараньих голов.
Пикассо говорил: «Я не писал войну, потому что я не отношусь к тому типу художников, которые рисуют то, что видят, как фотографы. Но, несомненно, война присутствует на картинах, которые я писал в то время. Позднее историки, возможно, расскажут о том, как мои работы изменились под влиянием войны».
@pic_history
#ПаблоПикассо #Анимализм #Символизм
Животное, изображенное на картине «Кошка, поймавшая птицу» имеет мало общего с этим немного жестоким, но вполне привлекательным и жизнерадостным образом. Кроме, разве что, диких глаз. Художник изобразил угрожающего хищника с полным ртом острых зубов, внушительными когтями и гипнотическим взглядом. Зритель почти может услышать издаваемый кошкой звук – что-то среднее между довольным урчанием и предостерегающим рыком. Благодаря ярко-белому цвету горящие глаза и устрашающие когти животного выделяются на фоне шерсти, выполненной в приглушенных, мрачных оттенках коричневого. Шерсть кажется грязной и свалявшейся, этот эффект усиливается благодаря песку, который художник подмешивал в краски во время работы над картиной. Вид открытой раны на теле птицы, бьющейся в тщетных попытках освободиться из хватки своего мучителя, вызывает ощущение неподдельного ужаса. Пикассо превращает сцену из повседневной жизни почти в апокалиптический сюжет.
Искусствоведы сходятся во мнении, что картины Пикассо этого периода, посвященные темам смерти и насилия, одновременно отражают его отношение к Гражданской войне в Испании и демонстрируют предчувствие кошмара Второй Мировой, в который совсем скоро погрузится весь мир. За первые три месяца 1939 года войска Франко заняли Барселону, Мадрид и Валенсию, а Гитлер уже начал вторжение в Восточную Европу. Трагическое событие произошло и в жизни самого Пикассо: в январе умерла его мать. Переживания художника выплеснулись на холст в виде жутких кошек и освежеванных бараньих голов.
Пикассо говорил: «Я не писал войну, потому что я не отношусь к тому типу художников, которые рисуют то, что видят, как фотографы. Но, несомненно, война присутствует на картинах, которые я писал в то время. Позднее историки, возможно, расскажут о том, как мои работы изменились под влиянием войны».
@pic_history
#ПаблоПикассо #Анимализм #Символизм
Большинство портретов Доры Маар похожи в технике исполнения: Пикассо писал их в нарочито искаженной манере и довольно мрачной цветовой гамме, дублировал и множил части лица и тела своей возлюбленной, делал их неровными и угловатыми. Считается, что на манеру его письма серьезное влияние оказала развернувшаяся в то время в Европе Вторая Мировая война. Пикассо и Маар познакомились в 1936 году и прожили вместе до конца войны в оккупированном нацистами Париже, и, по мнению искусствоведов, художник именно таким видел тогда мир – искаженным и изломанным. Картина «Дора Маар с кошкой» была написана в 1941 году, когда война началась во Франции.
При создании портрета Доры Маар, сидящей в кресле с котенком на плече, Пикассо использовал непривычную для этого периода удивительно яркую цветовую палитру и проявил поразительное внимание к деталям. Он изобразил возлюбленную похожей то ли на некую языческую богиню, гордо восседающую на троне, то ли на ведьму с хитрым взглядом, готовую бросить заклинание. Эту схожесть подчеркивают заостренная шляпка женщины и ее длинные, хищные ногти. И, конечно, сложно представить себе уважающую себя ведьму без черной кошки. К слову, именно безупречный маникюр и изысканные головные уборы были своего рода «визитной карточкой» Доры Маар и предметами ее особенной гордости. «Дора Маар с кошкой» была продана в 2006 году на аукционе Сотбис анонимному коллекционеру за 95,2 миллиона долларов, и до сих пор находится в списке самых дорогих произведений искусства в истории.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
При создании портрета Доры Маар, сидящей в кресле с котенком на плече, Пикассо использовал непривычную для этого периода удивительно яркую цветовую палитру и проявил поразительное внимание к деталям. Он изобразил возлюбленную похожей то ли на некую языческую богиню, гордо восседающую на троне, то ли на ведьму с хитрым взглядом, готовую бросить заклинание. Эту схожесть подчеркивают заостренная шляпка женщины и ее длинные, хищные ногти. И, конечно, сложно представить себе уважающую себя ведьму без черной кошки. К слову, именно безупречный маникюр и изысканные головные уборы были своего рода «визитной карточкой» Доры Маар и предметами ее особенной гордости. «Дора Маар с кошкой» была продана в 2006 году на аукционе Сотбис анонимному коллекционеру за 95,2 миллиона долларов, и до сих пор находится в списке самых дорогих произведений искусства в истории.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
Эта картина – знаковый пример испанской живописи. Она продолжает антивоенную тему, которую художник начал в своей эпической работе «Герника» (1937), ставшей его реакцией на бомбардировки мирных жителей во время гражданской войны в Испании. Завершив роспись, Пикассо много месяцев создавал серию изображений плачущих женщин, прототипом которых стала одна из фигур в «Гернике». «Плачущая женщина» из галереи Тейт – последняя и самая сложная из этого цикла. Другие хранятся в таких крупных институтах, как Национальная галерея Виктории в Мельбурне, Музей Пикассо в Париже, Центр искусств округа Лос-Анджелес и других.
Моделью для всей серии «Плачущих женщин» стала потрясающе красивая профессиональный фотограф Дора Маар (урождённая Генриетта Теодора Маркович), которая была одним из ведущих сюрреалистов в 1930-х годах. Встретившись с Пикассо в Париже в 1936 году, она стала его любовницей, музой и интеллектуальным компаньоном. Будучи сильной личностью, она сыграла важную роль в становлении политических взглядов Пикассо, а он рисовал её десятки раз в период их отношений с 1938-го по 1945 год. Маар также написала несколько незначительных деталей в «Гернике», но наиболее известна серия её фотографий, документирующих последовательные этапы создания фрески в мастерской Пикассо на улице Гран-Огюстен в 1937 году.
«Плачущая женщина» изображает мучительно рыдающую героиню, которая прижимает к лицу платок в попытке остановить обильно текущие слёзы. Это универсальное изображение страдания написано в стиле раннего аналитического кубизма. Он характеризуется использованием угловых и накладывающихся друг на друга фрагментов лица модели, как если бы оно было нарисовано с разных точек зрения одновременно. Чтобы подчеркнуть двумерный характер работы, Пикассо не делает попытки создать «глубину» в картине с помощью линейной перспективы или какого-либо моделирования / затенения вроде кьяроскуро.
Пикассо так пояснял искажения и деформацию, которым он подвергал лицо Доры: «Для меня она – плачущая женщина. В течение многих лет я писал её в искажённых формах не из садизма или удовольствия, а просто подчиняясь видению, которое навязалось мне. Это была глубинная, а не поверхностная реальность... Женщины страдают от машин».
Наиболее очевидное значение «Плачущей женщины» довольно простое, принимая во внимание продолжающуюся гражданскую войну в Испании. Строго одетая, как на похороны, она выражает душераздирающее горе, которое испытывают матери, сестры и другие близкие после смерти любимого – особенно во время войны. Как и в «Гернике», основное внимание уделяется боли и страданиям, которым подвергаются невинные люди. Ключевой элемент всех картин цикла – это экспрессивное выражение женских глаз. Неизменно широко раскрытые, они символизируют силу её горя.
Есть ещё одна – более тонкая – интерпретация произведения. Некоторые искусствоведы считают, что оно представляет собой автопортрет, раскрывающий внутренние муки художника при мысли о его родной стране, раздираемой гражданской войной. Пикассо был крайне удручён конфликтом и поклялся никогда не возвращаться в Испанию, пока Франко остаётся у власти. Генерал пережил художника на два года.
«Плачущую женщину» можно рассматривать также в религиозном ключе. Например, она может символизировать пьету – муку Девы Марии, оплакивающую ужасную смерть своего сына Иисуса. На руке растоптанного тела под лошадью в «Гернике» есть признаки стигматов Христа, указывающие на мученичество, так что и в этом полотне могут содержаться религиозные отсылки.
А вот цветовая схема, использованная в картине, остаётся загадкой. Демонстрируя боль и страдания, Пикассо зачастую использовал монохромную палитру или даже гризайль. Но в «Плачущей женщине» есть все основные цвета, включая красный, жёлтый, синий, а также оранжевый, зелёный и коричневый. Пытался ли художник наполнить свою героиню сильными чувствами или ощущением жизни? Пытался ли он противопоставить этот портрет чёрно-серой гамме «Герники»? По этому вопросу нет единого мнения.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
Моделью для всей серии «Плачущих женщин» стала потрясающе красивая профессиональный фотограф Дора Маар (урождённая Генриетта Теодора Маркович), которая была одним из ведущих сюрреалистов в 1930-х годах. Встретившись с Пикассо в Париже в 1936 году, она стала его любовницей, музой и интеллектуальным компаньоном. Будучи сильной личностью, она сыграла важную роль в становлении политических взглядов Пикассо, а он рисовал её десятки раз в период их отношений с 1938-го по 1945 год. Маар также написала несколько незначительных деталей в «Гернике», но наиболее известна серия её фотографий, документирующих последовательные этапы создания фрески в мастерской Пикассо на улице Гран-Огюстен в 1937 году.
«Плачущая женщина» изображает мучительно рыдающую героиню, которая прижимает к лицу платок в попытке остановить обильно текущие слёзы. Это универсальное изображение страдания написано в стиле раннего аналитического кубизма. Он характеризуется использованием угловых и накладывающихся друг на друга фрагментов лица модели, как если бы оно было нарисовано с разных точек зрения одновременно. Чтобы подчеркнуть двумерный характер работы, Пикассо не делает попытки создать «глубину» в картине с помощью линейной перспективы или какого-либо моделирования / затенения вроде кьяроскуро.
Пикассо так пояснял искажения и деформацию, которым он подвергал лицо Доры: «Для меня она – плачущая женщина. В течение многих лет я писал её в искажённых формах не из садизма или удовольствия, а просто подчиняясь видению, которое навязалось мне. Это была глубинная, а не поверхностная реальность... Женщины страдают от машин».
Наиболее очевидное значение «Плачущей женщины» довольно простое, принимая во внимание продолжающуюся гражданскую войну в Испании. Строго одетая, как на похороны, она выражает душераздирающее горе, которое испытывают матери, сестры и другие близкие после смерти любимого – особенно во время войны. Как и в «Гернике», основное внимание уделяется боли и страданиям, которым подвергаются невинные люди. Ключевой элемент всех картин цикла – это экспрессивное выражение женских глаз. Неизменно широко раскрытые, они символизируют силу её горя.
Есть ещё одна – более тонкая – интерпретация произведения. Некоторые искусствоведы считают, что оно представляет собой автопортрет, раскрывающий внутренние муки художника при мысли о его родной стране, раздираемой гражданской войной. Пикассо был крайне удручён конфликтом и поклялся никогда не возвращаться в Испанию, пока Франко остаётся у власти. Генерал пережил художника на два года.
«Плачущую женщину» можно рассматривать также в религиозном ключе. Например, она может символизировать пьету – муку Девы Марии, оплакивающую ужасную смерть своего сына Иисуса. На руке растоптанного тела под лошадью в «Гернике» есть признаки стигматов Христа, указывающие на мученичество, так что и в этом полотне могут содержаться религиозные отсылки.
А вот цветовая схема, использованная в картине, остаётся загадкой. Демонстрируя боль и страдания, Пикассо зачастую использовал монохромную палитру или даже гризайль. Но в «Плачущей женщине» есть все основные цвета, включая красный, жёлтый, синий, а также оранжевый, зелёный и коричневый. Пытался ли художник наполнить свою героиню сильными чувствами или ощущением жизни? Пытался ли он противопоставить этот портрет чёрно-серой гамме «Герники»? По этому вопросу нет единого мнения.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
Хаиме Сабартес был одним из ближайших друзей Пабло Пикассо на протяжении почти всей жизни. Они были ровесниками и разделяли общие взгляды и устремления. Сабартес, как и Пикассо, был художником, но кроме этого еще писал стихи и прозу и получил большую известность в качестве поэта. Хаиме родился и много лет прожил в Барселоне, в юности он был завсегдатаем знаменитого местного кафе «Четыре кота», где и познакомился с Пикассо. В 1935 году Сабартес переехал в Париж по просьбе художника и до конца жизни был его личным секретарем и менеджером, занимаясь, среди прочего, организацией выставок художника.
Хаиме Сабартес любил в шутку называть себя «прародителем синевы «голубого» периода». В его первом портрете работы Пикассо объединились и синяя цветовая гамма, и ощущение тоски, которое будет пронизывать все картины художника последующих четырех лет. Сабартес рассказывал, как была написана эта работа. Он сидел за столиком парижского кафе в полном одиночестве и скучал, как вдруг появился Пикассо в компании друзей. Оказалось, художник заметил друга раньше и успел набросать его портрет, для которого Сабартес, конечно, не позировал, поскольку был уверен, что никто не обращает на него внимания. Спустя несколько дней Пикассо пригласил Хаиме в свою студию и показал ему готовую работу. Сабартес вспоминал: «Когда он положил портрет на мольберт, я был поражен, увидев себя и призрак своего одиночества, каким его видел Пикассо».
@pic_history
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
Хаиме Сабартес любил в шутку называть себя «прародителем синевы «голубого» периода». В его первом портрете работы Пикассо объединились и синяя цветовая гамма, и ощущение тоски, которое будет пронизывать все картины художника последующих четырех лет. Сабартес рассказывал, как была написана эта работа. Он сидел за столиком парижского кафе в полном одиночестве и скучал, как вдруг появился Пикассо в компании друзей. Оказалось, художник заметил друга раньше и успел набросать его портрет, для которого Сабартес, конечно, не позировал, поскольку был уверен, что никто не обращает на него внимания. Спустя несколько дней Пикассо пригласил Хаиме в свою студию и показал ему готовую работу. Сабартес вспоминал: «Когда он положил портрет на мольберт, я был поражен, увидев себя и призрак своего одиночества, каким его видел Пикассо».
@pic_history
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
«Бюст женщины», написанный на пике отношений Маар и Пикассо, – один из лучших в серии колоритных погрудных портретов, на которых Дора носит яркие шляпы. Её тёмные волосы заправлены за ухо, на голове красуется богато украшенная красная шляпа, платье выделяется на светящемся белом фоне. Картина насыщена ослепительными полосами розового, пылающего оранжевого и жёлтого, а также более холодными оттенками бирюзового, синего и белого, которые переплетаются и сливаются внутри композиции. Голова Доры, составленная из смело прописанных граней и линий, излучает энергию, жизнерадостность и любовь.
Картина демонстрирует высочайшее мастерство Пикассо в переосмыслении человеческого лица и его передаче на собственном радикальном и уникальном изобразительном языке. Как и в случае с предыдущими возлюбленными, он впервые впитал образ Доры, изобразив её в серии интимных зарисовок, и лишь в конце 1936 года лицо девушки в работах художника стало искажаться. Постепенно эта стилизация и деформация усилились, достигнув пика в серии «Плачущая женщина» в октябре 1937 года.
Пикассо продолжал одержимо искажать, деформировать и деконструировать образ Доры. В «Бюсте женщины» её лицо больше не цельное и объёмное, а разделено на сложную сеть фрагментов и граней цвета, линий и паттернов. Хотя Пикассо изобразил натурщицу в профиль, он включил в изображение оба глаза – это было доминирующей чертой его портретов 1937-го и 1938 годов. Этими работами художник сформировал новую концепцию портретной живописи, избегая объёмных изображений в пользу сплющенной и стилизованной композиции из линии и цвета.
Вместе Пикассо и Дора пережили одно из самых неспокойных и трагических десятилетий XX века, став свидетелями расцвета фашизма, развязывания гражданской войны в Испании и Второй мировой войны, а также мрачных реалий жизни в оккупированном Париже. Несмотря на это сложное время, Дора вдохновила художника на поразительный всплеск творчества, служа его музой и сотрудником. Фотографии, сделанные ею в студии Пикассо, иллюстрируют этот период высокой продуктивности, показывая ряды полотен, сложенных в мастерской. На одном из самых известных снимков, сделанном в 1939 году, видно множество картин с женскими головами, выстроенных вдоль стены в студии. Многие из них в настоящее время хранятся в известных музейных коллекциях по всему миру. В центре фото видны яркая шляпа и резкие формы «Бюста женщины». Этот портрет оставался в личной коллекции художника в течение многих лет и был одной из картин, включенных в книгу «Работы Пикассо» Дэвида Дугласа Дункана. Этот труд, опубликованный в 1961 году, открыл публике многие ранее не виденные произведения, которые хранились у автора.
В 2016 году «Бюст женщины» был впервые выставлен на аукцион и продан за 22,6 миллиона долларов США.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Картина демонстрирует высочайшее мастерство Пикассо в переосмыслении человеческого лица и его передаче на собственном радикальном и уникальном изобразительном языке. Как и в случае с предыдущими возлюбленными, он впервые впитал образ Доры, изобразив её в серии интимных зарисовок, и лишь в конце 1936 года лицо девушки в работах художника стало искажаться. Постепенно эта стилизация и деформация усилились, достигнув пика в серии «Плачущая женщина» в октябре 1937 года.
Пикассо продолжал одержимо искажать, деформировать и деконструировать образ Доры. В «Бюсте женщины» её лицо больше не цельное и объёмное, а разделено на сложную сеть фрагментов и граней цвета, линий и паттернов. Хотя Пикассо изобразил натурщицу в профиль, он включил в изображение оба глаза – это было доминирующей чертой его портретов 1937-го и 1938 годов. Этими работами художник сформировал новую концепцию портретной живописи, избегая объёмных изображений в пользу сплющенной и стилизованной композиции из линии и цвета.
Вместе Пикассо и Дора пережили одно из самых неспокойных и трагических десятилетий XX века, став свидетелями расцвета фашизма, развязывания гражданской войны в Испании и Второй мировой войны, а также мрачных реалий жизни в оккупированном Париже. Несмотря на это сложное время, Дора вдохновила художника на поразительный всплеск творчества, служа его музой и сотрудником. Фотографии, сделанные ею в студии Пикассо, иллюстрируют этот период высокой продуктивности, показывая ряды полотен, сложенных в мастерской. На одном из самых известных снимков, сделанном в 1939 году, видно множество картин с женскими головами, выстроенных вдоль стены в студии. Многие из них в настоящее время хранятся в известных музейных коллекциях по всему миру. В центре фото видны яркая шляпа и резкие формы «Бюста женщины». Этот портрет оставался в личной коллекции художника в течение многих лет и был одной из картин, включенных в книгу «Работы Пикассо» Дэвида Дугласа Дункана. Этот труд, опубликованный в 1961 году, открыл публике многие ранее не виденные произведения, которые хранились у автора.
В 2016 году «Бюст женщины» был впервые выставлен на аукцион и продан за 22,6 миллиона долларов США.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо того периода. Она объединяет «Селестину» с такими произведениями, как «Завтрак слепого», «Старый еврей с мальчиком» или хорошо известной гравюрой «Скудная трапеза», на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом.
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло путешествие по Испании и самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного. Их кульминацией стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь».
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм #Портрет
Неясно, что именно стало отправной точкой для этого периода. Возможно, на Пикассо повлияло путешествие по Испании и самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного. Их кульминацией стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь».
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого периода» Пикассо, перешедшей и в «розовый», стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм #Портрет
Telegram
ИОК | Картины
«Сидящая женщина в синем платье» отличается не только яркой палитрой, её сопровождает не менее захватывающая история.
Картина изначально принадлежала Полю Розенбергу, дилеру Пикассо, но была конфискована нацистами в 1940 году – вскоре после написания. Её отправили в Германию, но по дороге поезд был перехвачен силами движения «Свободная Франция». Это событие легло в основу сюжета фильма «Поезд» (1964) с Бертом Ланкастером и Жанной Моро в главных ролях.
В реальности же одним из тех, кто помогал саботировать попытки нацистов вывезти произведения искусства из Франции, был Александр Розенберг – сын Поля Розенберга. Он вступил в ряды движения «Свободная Франция» (позже переименованного в «Сражающуюся Францию») после вторжения гитлеровских войск в 1940 году и был лейтенантом Второй бронетанковой дивизии. Именно он командовал взводом из девяти человек, которые остановили поезд.
Дора Маар была одной из важнейших муз Пикассо. Их роман начался на закате отношений художника с Марией-Терезой Вальтер. Та была молодой, спортивной блондинкой с солнечным нравом и милым характером. Во время жизни с ней Пикассо писал плавные, мягкие и чувственные изображения. Маар, как можно видеть по «Сидящей женщине в синем платье», была сложной, беспокойной и контрастной персоной. Интеллектуальная и креативная, фотограф и художник сама по себе, она была для Пикассо спарринг-партнером. К тому времени, когда они стали парой, она самостоятельно уже засветилась в кругах сюрреалистов.
Пикассо часто изображал Маар в шляпах, которые ей нравились, и эта черта первой выделяет её среди муз художника. В «Сидящей женщине в синем платье» шляпа представляет собой аксессуар в фиолетовую полоску, украшенный чем-то напоминающим зелёный плюмаж или листву. Такие головные уборы привносят игривую атмосферу в портреты Доры кисти Пикассо. Они также смягчают резкость, с которой он представлял её лицо, – как в случае со смещёнными и искажёнными чертами на этой картине.
Некоторые критики находят связь между образами Доры Маар и напряженностью, которая была вызвана гражданской войной в Испании и Второй мировой. Какова бы ни была истинность этой идеи, кажется, что Пикассо, чьи картины часто были барометром состояния его ума, нашёл музу, которая прекрасно отражала его переживания в тот период.
После Второй мировой войны картина была возвращена Полю Розенбергу, который продал её Джорджу Дэвиду Томпсону, стальному магнату из Питтсбурга (США). Искусствовед Альфред Барр назвал Томпсона «одним из великих собирателей искусства нашего времени» – многие работы из его бывшей коллекции украшают стены музеев в Соединённых Штатах и Европе. В 2011 году «Сидящая женщина в синем платье» была выставлена на аукцион и продана за сумму, эквивалентную 29 миллионам долларов. Шесть лет спустя она вновь попала на открытые торги и ушла с молотка уже за 45 миллионов.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Картина изначально принадлежала Полю Розенбергу, дилеру Пикассо, но была конфискована нацистами в 1940 году – вскоре после написания. Её отправили в Германию, но по дороге поезд был перехвачен силами движения «Свободная Франция». Это событие легло в основу сюжета фильма «Поезд» (1964) с Бертом Ланкастером и Жанной Моро в главных ролях.
В реальности же одним из тех, кто помогал саботировать попытки нацистов вывезти произведения искусства из Франции, был Александр Розенберг – сын Поля Розенберга. Он вступил в ряды движения «Свободная Франция» (позже переименованного в «Сражающуюся Францию») после вторжения гитлеровских войск в 1940 году и был лейтенантом Второй бронетанковой дивизии. Именно он командовал взводом из девяти человек, которые остановили поезд.
Дора Маар была одной из важнейших муз Пикассо. Их роман начался на закате отношений художника с Марией-Терезой Вальтер. Та была молодой, спортивной блондинкой с солнечным нравом и милым характером. Во время жизни с ней Пикассо писал плавные, мягкие и чувственные изображения. Маар, как можно видеть по «Сидящей женщине в синем платье», была сложной, беспокойной и контрастной персоной. Интеллектуальная и креативная, фотограф и художник сама по себе, она была для Пикассо спарринг-партнером. К тому времени, когда они стали парой, она самостоятельно уже засветилась в кругах сюрреалистов.
Пикассо часто изображал Маар в шляпах, которые ей нравились, и эта черта первой выделяет её среди муз художника. В «Сидящей женщине в синем платье» шляпа представляет собой аксессуар в фиолетовую полоску, украшенный чем-то напоминающим зелёный плюмаж или листву. Такие головные уборы привносят игривую атмосферу в портреты Доры кисти Пикассо. Они также смягчают резкость, с которой он представлял её лицо, – как в случае со смещёнными и искажёнными чертами на этой картине.
Некоторые критики находят связь между образами Доры Маар и напряженностью, которая была вызвана гражданской войной в Испании и Второй мировой. Какова бы ни была истинность этой идеи, кажется, что Пикассо, чьи картины часто были барометром состояния его ума, нашёл музу, которая прекрасно отражала его переживания в тот период.
После Второй мировой войны картина была возвращена Полю Розенбергу, который продал её Джорджу Дэвиду Томпсону, стальному магнату из Питтсбурга (США). Искусствовед Альфред Барр назвал Томпсона «одним из великих собирателей искусства нашего времени» – многие работы из его бывшей коллекции украшают стены музеев в Соединённых Штатах и Европе. В 2011 году «Сидящая женщина в синем платье» была выставлена на аукцион и продана за сумму, эквивалентную 29 миллионам долларов. Шесть лет спустя она вновь попала на открытые торги и ушла с молотка уже за 45 миллионов.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Что же касается мужских персонажей, то на самых поздних своих полотнах Пикассо изображает преимущественно самого себя, не отказывая себе в удовольствии романтизировать собственный образ. Героем его последних портретов становится некий Мушкетер – немного неопрятный немолодой мужчина с седеющими волосами в барочном костюме и широкополой шляпе. Этого персонажа мы, кроме прочего, можем увидеть на картине «Отцовство», и его же черты с легкостью просматриваются в лице героя полотна «Поцелуй», написанного в 1969 году.
Пикассо изображает пару, сливающуюся в поцелуе, практически на голом фоне, сосредотачиваясь только лишь на лицах героев. Он не стесняется искажать лица любовников с целью максимально приблизить их друг к другу, отобразить глубокое слияние двух целующихся людей. Чтобы подчеркнуть это единение, Пикассо наделяет пару похожими чертами лица (например, одинаковой формой носа). Лысеющий мужчина с длинной седой бородой, одетый в узнаваемую тельняшку, - это, без сомнения, сам Пикассо. Его глаза широко раскрыты, как будто он только что пережил некое откровение. Открыты и глаза его возлюбленной, и зритель может видеть их оба, несмотря на то, что женщина написана в профиль. На ее фоне лицо мужчины кажется непропорционально большим, но это удивительным образом создает ощущение исходящей от него ласки и заботы. В этот период из картин Пикассо, изображающих влюбленные пары, уходит всепоглощающая сексуальная лихорадка, остается лишь нежность и безмятежность, которыми были наполнены годы его жизни с Жаклин.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Сюрреализм
Пикассо изображает пару, сливающуюся в поцелуе, практически на голом фоне, сосредотачиваясь только лишь на лицах героев. Он не стесняется искажать лица любовников с целью максимально приблизить их друг к другу, отобразить глубокое слияние двух целующихся людей. Чтобы подчеркнуть это единение, Пикассо наделяет пару похожими чертами лица (например, одинаковой формой носа). Лысеющий мужчина с длинной седой бородой, одетый в узнаваемую тельняшку, - это, без сомнения, сам Пикассо. Его глаза широко раскрыты, как будто он только что пережил некое откровение. Открыты и глаза его возлюбленной, и зритель может видеть их оба, несмотря на то, что женщина написана в профиль. На ее фоне лицо мужчины кажется непропорционально большим, но это удивительным образом создает ощущение исходящей от него ласки и заботы. В этот период из картин Пикассо, изображающих влюбленные пары, уходит всепоглощающая сексуальная лихорадка, остается лишь нежность и безмятежность, которыми были наполнены годы его жизни с Жаклин.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Сюрреализм
Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене».
Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены.
По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Кубизм
Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены.
По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Кубизм
О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше.
Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения.
Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей.
Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи.
К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Графика
Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения.
Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей.
Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи.
К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Графика