«Горная невеста» (Vermiglio, 2024, реж. Мауро Дельперо) - такой #фильм, о котором тяжело что-то выразить в словах, но зато рука так и тянется сделать скриншоты, потому как операторская работа Михаила Кричмана очень красивая.
#Скриншоты вашему вниманию.
#Скриншоты вашему вниманию.
Пол Дано в первом сезоне сериала «Мистер и миссис Смит» (Mr. & Mrs. Smith, 2024). В сериале, кстати, достаточно звёздных актёров на втором плане.
#скриншоты
#скриншоты
Сразу выдавая в «Антихристе» (Antichrist, 2009) на рассмотрение ключевую сцену — отправную точку всего действа (будто бы Гагарин произносит своё знаменитое «Поехали!»), Ларс фон Триер постепенно начинает мистифицированный обман. Дефо и Генсбур, под стилизованную чёрно-белую картинку, в замедленном изображении и почти в такт умиротворяющим нотам Генделя, растворяются в едином соитии. И да, это именно обман. Пролог завораживает зрителя, вводит в транс восхищения, но затем действие неминуемо движется к хаосу, который, как известно, правит.
Доподлинно никто не узнает, правда ли, что во время создания этой картины фон Триер впал в крайнюю степень депрессии, и у него разыгралась нешуточная шизофрения, грозившая режиссёру попрощаться с кино. Так ли это или всего лишь очередная гениальная рекламная кампания, сработавшая на зрителей и критиков? Известно одно: «шиза» у Триера была, есть и будет. В этом фильме она просто представлена в своей самой прогрессивной форме.
Таинственность здесь исходит буквально от всего — от названия и постера до визуального ряда и звуков, которые Фон Триер намеренно вводит в зону настоящего хоррора. Датчанин посвятил свою работу памяти Андрея Тарковского, но здесь ощущаются и «приветы» к «Часу волка» Бергмана, и даже к Дэвиду Линчу. Правда, Триер пошёл дальше, вызывая у зрителя откровенный тошнотворный эффект, а порой заставляя прочувствовать боль героев — как психическую, связанную с потерей двухлетнего сына, так и физическую, кровоточащую.
После просмотра остаются неоднозначные ощущения. Главное — не получается принять сторону ни одного из героев. Где-то был прав он, как психотерапевт, настаивая на принципе «клин клином вышибают», где-то она, пытаясь сначала убежать от страданий, а затем поддавшись монстру, что вырвался наружу. Фильм полон символов и загадок: этот лес, этот Эдем — словно ад с горящей лавой. Выживет тот, кто сумеет найти свой рай, тот, кто очистится.
#фильм #скриншоты #хоррор
Доподлинно никто не узнает, правда ли, что во время создания этой картины фон Триер впал в крайнюю степень депрессии, и у него разыгралась нешуточная шизофрения, грозившая режиссёру попрощаться с кино. Так ли это или всего лишь очередная гениальная рекламная кампания, сработавшая на зрителей и критиков? Известно одно: «шиза» у Триера была, есть и будет. В этом фильме она просто представлена в своей самой прогрессивной форме.
Таинственность здесь исходит буквально от всего — от названия и постера до визуального ряда и звуков, которые Фон Триер намеренно вводит в зону настоящего хоррора. Датчанин посвятил свою работу памяти Андрея Тарковского, но здесь ощущаются и «приветы» к «Часу волка» Бергмана, и даже к Дэвиду Линчу. Правда, Триер пошёл дальше, вызывая у зрителя откровенный тошнотворный эффект, а порой заставляя прочувствовать боль героев — как психическую, связанную с потерей двухлетнего сына, так и физическую, кровоточащую.
После просмотра остаются неоднозначные ощущения. Главное — не получается принять сторону ни одного из героев. Где-то был прав он, как психотерапевт, настаивая на принципе «клин клином вышибают», где-то она, пытаясь сначала убежать от страданий, а затем поддавшись монстру, что вырвался наружу. Фильм полон символов и загадок: этот лес, этот Эдем — словно ад с горящей лавой. Выживет тот, кто сумеет найти свой рай, тот, кто очистится.
#фильм #скриншоты #хоррор
«Бруталист» (The Brutalist, 2024), считающийся одним из лучших фильмов 2024 года, уже получил 10 номинаций на премию «Оскар», что автоматически делает его одним из главных фаворитов сезона. Однако этот тяжеловесный фильм с хронометражем 3 часа 35 минут не оправдывает завышенных ожиданий. Вместо монументального шедевра, которому прочили статус «Войны и мира» в мире кино, он больше напоминает разрозненные фрагменты, которые не всегда складываются в цельную историю.
Это не значит, что фильм плох — так о нём сказать нельзя. В отдельные моменты «Бруталист» действительно завораживает, но в целом ему не хватает цельности и эмоциональной вовлечённости. Однако у фильма есть несколько неоспоримых достоинств:
✅ Великолепная актёрская игра Эдриана Броуди, Гая Пирса и Фелисити Джонс.
✅ Отличная операторская работа Ли Кроули, благодаря которой каждый кадр выглядит эстетично.
✅ Выразительный саундтрек Дэниэла Блумберга, подчёркивающий атмосферу истории.
«Бруталист» — это в первую очередь история эмиграции. Ласло Тот (Эдриан Броуди), талантливый архитектор, покидает Европу в 1947 году и приезжает в США — страну, где, казалось бы, возможна «американская мечта». Но на деле он оказывается без гроша в кармане, вынужден питаться в благотворительных столовых и бороться за своё место в чужой стране. При этом его главная цель — не просто добиться успеха, но и воссоединиться с женой Эржебет (Фелисити Джонс), оставшейся в разрушенной послевоенной Европе.
Фильм пытается разобрать нюансы адаптации эмигрантов, столкновение мечты и реальности, классовые различия, а также влияние бруталистской архитектуры на визуальный стиль и смысловую глубину истории, но при этом «Бруталист» — неоднозначное кино, которое поражает эстетикой, но не всегда работает как цельное произведение.
#фильм #Оскар #новинка #скриншоты
Это не значит, что фильм плох — так о нём сказать нельзя. В отдельные моменты «Бруталист» действительно завораживает, но в целом ему не хватает цельности и эмоциональной вовлечённости. Однако у фильма есть несколько неоспоримых достоинств:
✅ Великолепная актёрская игра Эдриана Броуди, Гая Пирса и Фелисити Джонс.
✅ Отличная операторская работа Ли Кроули, благодаря которой каждый кадр выглядит эстетично.
✅ Выразительный саундтрек Дэниэла Блумберга, подчёркивающий атмосферу истории.
«Бруталист» — это в первую очередь история эмиграции. Ласло Тот (Эдриан Броуди), талантливый архитектор, покидает Европу в 1947 году и приезжает в США — страну, где, казалось бы, возможна «американская мечта». Но на деле он оказывается без гроша в кармане, вынужден питаться в благотворительных столовых и бороться за своё место в чужой стране. При этом его главная цель — не просто добиться успеха, но и воссоединиться с женой Эржебет (Фелисити Джонс), оставшейся в разрушенной послевоенной Европе.
Фильм пытается разобрать нюансы адаптации эмигрантов, столкновение мечты и реальности, классовые различия, а также влияние бруталистской архитектуры на визуальный стиль и смысловую глубину истории, но при этом «Бруталист» — неоднозначное кино, которое поражает эстетикой, но не всегда работает как цельное произведение.
#фильм #Оскар #новинка #скриншоты
#Аниме выходного дня: «Фабрика иллюзий Алисы и Терезы» (Alice to Therese no Maboroshi Koujou, 2023), реж. Мари Окада.
«Фабрика иллюзий Алисы и Терезы» – это странное, но завораживающее аниме, где логика порой уступает место чистым эмоциям. История о подростках, застрявших в городе без выхода, сначала кажется запутанной и даже хаотичной, но постепенно раскрывает свой смысл, тонко балансируя между сюрреализмом и драмой.
В тайтле завораживающий визуал: красивая анимация, детализированные фоны и яркие цветовые решения делают его эстетическим наслаждением. Музыка вдвойне усиливает эффект, погружая в атмосферу чего-то одновременно прекрасного и пугающего.
Несмотря на свою странность, «Фабрика иллюзий Алисы и Терезы» в конечном итоге цепляет. Это не просто история о взрослении, а мощная эмоциональная буря, которая затягивает в себя, даже если не всё в ней поддаётся рациональному объяснению. Мари Окада доказывает, что умеет говорить языком чувств, а не только слов.
#скриншоты
«Фабрика иллюзий Алисы и Терезы» – это странное, но завораживающее аниме, где логика порой уступает место чистым эмоциям. История о подростках, застрявших в городе без выхода, сначала кажется запутанной и даже хаотичной, но постепенно раскрывает свой смысл, тонко балансируя между сюрреализмом и драмой.
В тайтле завораживающий визуал: красивая анимация, детализированные фоны и яркие цветовые решения делают его эстетическим наслаждением. Музыка вдвойне усиливает эффект, погружая в атмосферу чего-то одновременно прекрасного и пугающего.
Несмотря на свою странность, «Фабрика иллюзий Алисы и Терезы» в конечном итоге цепляет. Это не просто история о взрослении, а мощная эмоциональная буря, которая затягивает в себя, даже если не всё в ней поддаётся рациональному объяснению. Мари Окада доказывает, что умеет говорить языком чувств, а не только слов.
#скриншоты
Through the darkness of future past
The magician longs to see
One chants out between two worlds
Fire, walk with me!
«Кто убил Лору Палмер?», - этот вопрос не особо должен тревожить умы людей, которые внимательно посмотрели сериал и приквел (а для полноты картины можно добавить сюда и несколько книг), т.к. всё более-менее становится понятным, хотя от неразгаданных головоломок никуда не деться — и это естественно.
Что касается конкретно «Огонь, иди за мной» (Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1992), то её лучше смотреть после сериала. Тогда многие запутавшиеся нити сюжета смогут выпрямиться и встать на свои места. Если же начать с предыстории, то не всё может проясниться, а учитывая внушительную продолжительность оригинального «Твин Пикса», некоторые детали и вовсе забудутся.
Мы приближаемся к небольшому, на первый взгляд уютному городку Твин Пикс. Природные красоты, добродушные люди, чертовски хороший кофе (и горячий) и вкуснейшие пироги – всё это обманка. Потому что то, что творится здесь ночью, вряд ли поддаётся логике.
Иногда тёмные силы выбираются наружу и преследуют свою жертву, чаще всего – красивую девушку, вселяясь попутно в местных жителей. Так загадочным образом погибла Тереза Бэнкс (Памела Гидли), и на её расследование были отправлены агенты ФБР. Затем фокус смещается на Дэйла Купера (Кайл Маклоклен), которому снятся кошмары, перерастающие в видения о Красной комнате, её странных обитателях и БОБе – злой сущности, играющей ключевую роль в событиях.
Дэвид Линч мастерски нагнетает атмосферу, смешивает реальность и проецирует загадочность на повседневность. Для незнакомых с его стилем зрителей фильм может показаться пугающим, но те, кто его полюбил, знают – без этого привлекательного хаоса уже никуда.
Лора Палмер (Шерил Ли) – лучезарная блондинка, покорившая весь город, но в глубине души сломленная и потерянная. Если в сериале её образ казался ангельским, то фильм раскрывает её истинную сущность. Она испытала всё, но так и не нашла себя.
Эта лента Линча – визуализация того загадочного стихотворения, которое я привёл в начале текста. Но на этот раз Лору Палмер действительно манит огонь, и она идёт навстречу пламени, которое, наконец, осветит её белоснежную улыбку.
#Цитадель_в_кино #фильм #скриншоты
The magician longs to see
One chants out between two worlds
Fire, walk with me!
«Кто убил Лору Палмер?», - этот вопрос не особо должен тревожить умы людей, которые внимательно посмотрели сериал и приквел (а для полноты картины можно добавить сюда и несколько книг), т.к. всё более-менее становится понятным, хотя от неразгаданных головоломок никуда не деться — и это естественно.
Что касается конкретно «Огонь, иди за мной» (Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1992), то её лучше смотреть после сериала. Тогда многие запутавшиеся нити сюжета смогут выпрямиться и встать на свои места. Если же начать с предыстории, то не всё может проясниться, а учитывая внушительную продолжительность оригинального «Твин Пикса», некоторые детали и вовсе забудутся.
Мы приближаемся к небольшому, на первый взгляд уютному городку Твин Пикс. Природные красоты, добродушные люди, чертовски хороший кофе (и горячий) и вкуснейшие пироги – всё это обманка. Потому что то, что творится здесь ночью, вряд ли поддаётся логике.
Иногда тёмные силы выбираются наружу и преследуют свою жертву, чаще всего – красивую девушку, вселяясь попутно в местных жителей. Так загадочным образом погибла Тереза Бэнкс (Памела Гидли), и на её расследование были отправлены агенты ФБР. Затем фокус смещается на Дэйла Купера (Кайл Маклоклен), которому снятся кошмары, перерастающие в видения о Красной комнате, её странных обитателях и БОБе – злой сущности, играющей ключевую роль в событиях.
Дэвид Линч мастерски нагнетает атмосферу, смешивает реальность и проецирует загадочность на повседневность. Для незнакомых с его стилем зрителей фильм может показаться пугающим, но те, кто его полюбил, знают – без этого привлекательного хаоса уже никуда.
Лора Палмер (Шерил Ли) – лучезарная блондинка, покорившая весь город, но в глубине души сломленная и потерянная. Если в сериале её образ казался ангельским, то фильм раскрывает её истинную сущность. Она испытала всё, но так и не нашла себя.
Эта лента Линча – визуализация того загадочного стихотворения, которое я привёл в начале текста. Но на этот раз Лору Палмер действительно манит огонь, и она идёт навстречу пламени, которое, наконец, осветит её белоснежную улыбку.
#Цитадель_в_кино #фильм #скриншоты
#Аниме выходного дня: «Мононокэ: Зонтик» (Mononoke Movie: Karakasa, 2024), реж. Кэндзи Накамура.
Когда я начинал смотреть «Мононокэ: Зонтик», у меня была уверенность, что это логическое продолжение «Принцессы Мононоке» Хаяо Миядзаки. Оказалось, что это не так. И я немного подрасстроился.
На самом деле «Мононокэ: Зонтик» — это продолжение тайтла «Мононокэ» (2007) от студии Toei Animation. Мистический хоррор о странствующем аптекаре, который на своём пути сталкивается с многочисленными демонами.
Кстати сказать, слово «мононокэ», которое объединяет это и аниме Миядзаки, обозначает злобных духов или сверхъестественные сущности.
Но в «Мононокэ: Зонтик» от хоррора почти ничего не осталось. Зато появилось столько экшена, что в какой-то момент кажется, будто смотришь «Миссию: невыполнима» с Томом Крузом. Сюжетные смыслы теряются — всё превращается в сплошную динамику.
В этот раз режиссёр Кэндзи Накамура сделал акцент на двух девушках — Аса и Камэ. Они только начинают свою службу в ооку — закрытой части замка, где жили жёны, наложницы и служанки сёгуна в период Эдо. Но однажды здесь появляется аптекарь. Как будто кто-то потянул за тумблер — и начинается нескончаемый экшен.
Сам по себе тайтл очень красивый, выполненный в необычной рисовке. Но перед его просмотром явно не помешало бы предупреждение о возможных приступах эпилепсии. Здесь всё ну очень ярко, броско, психоделически и экспериментально.
«Мононокэ: Зонтик» — не самое обязательное аниме, но его визуальная стилистика напоминает тревожные, кошмарные сны с искажённой перспективой. Скоротать полтора часа за просмотром можно, но лучше заранее отключить мозг. Хотя, возможно, это и есть главный посыл тайтла.
#скриншоты
Когда я начинал смотреть «Мононокэ: Зонтик», у меня была уверенность, что это логическое продолжение «Принцессы Мононоке» Хаяо Миядзаки. Оказалось, что это не так. И я немного подрасстроился.
На самом деле «Мононокэ: Зонтик» — это продолжение тайтла «Мононокэ» (2007) от студии Toei Animation. Мистический хоррор о странствующем аптекаре, который на своём пути сталкивается с многочисленными демонами.
Кстати сказать, слово «мононокэ», которое объединяет это и аниме Миядзаки, обозначает злобных духов или сверхъестественные сущности.
Но в «Мононокэ: Зонтик» от хоррора почти ничего не осталось. Зато появилось столько экшена, что в какой-то момент кажется, будто смотришь «Миссию: невыполнима» с Томом Крузом. Сюжетные смыслы теряются — всё превращается в сплошную динамику.
В этот раз режиссёр Кэндзи Накамура сделал акцент на двух девушках — Аса и Камэ. Они только начинают свою службу в ооку — закрытой части замка, где жили жёны, наложницы и служанки сёгуна в период Эдо. Но однажды здесь появляется аптекарь. Как будто кто-то потянул за тумблер — и начинается нескончаемый экшен.
Сам по себе тайтл очень красивый, выполненный в необычной рисовке. Но перед его просмотром явно не помешало бы предупреждение о возможных приступах эпилепсии. Здесь всё ну очень ярко, броско, психоделически и экспериментально.
«Мононокэ: Зонтик» — не самое обязательное аниме, но его визуальная стилистика напоминает тревожные, кошмарные сны с искажённой перспективой. Скоротать полтора часа за просмотром можно, но лучше заранее отключить мозг. Хотя, возможно, это и есть главный посыл тайтла.
#скриншоты
Решил себе устроить небольшой марафон фильмов с участием Вэла Килмера. В первую очередь выбор пал на картину Рассела Малкэя «Настоящая МакКой» (The Real McCoy, 1993). Здесь, конечно, полноценно солирует и выделяется немного подзабытая Ким Бейсингер (какая же она классная), но и у Килмера приятная роль, он обаятелен, хоть и не слишком уж надёжен для героини Бейсингер.
По сюжету Кэрин МакКой – талантливая грабительница банков. Однажды, во время очередного «дела», её схватили и отправили отбывать срок. По возвращении она планировала провести спокойную жизнь с маленьким сыном, но его похитили недоброжелатели, связанные с нечистым бизнесом, при этом ещё и сообщив ребёнку, что его настоящая мама умерла. МакКой приходится идти на очередное ограбление, чтобы вернуть сына.
У Вэла Килмера здесь хоть и второстепенная, но вполне запоминающаяся роль помощника МакКой – неуклюжего подручного, который вместе с ней втягивается в ограбление, но создаётся ощущение, что парень в любой момент может подвести. Он очень симпатичный, обаятельный, отвечающий за юмор в картине Рассела Малкэя.
Важно отметить, что по сравнению с другими типичными боевиками 90-х, к которым преимущественно и относится история о МакКой, тот же персонаж Килмера здесь не изображён супергероем. Он не лидер и не спаситель, а человек, оказавшийся рядом с криминальным миром волею случая.
#фильм #боевик #скриншоты
По сюжету Кэрин МакКой – талантливая грабительница банков. Однажды, во время очередного «дела», её схватили и отправили отбывать срок. По возвращении она планировала провести спокойную жизнь с маленьким сыном, но его похитили недоброжелатели, связанные с нечистым бизнесом, при этом ещё и сообщив ребёнку, что его настоящая мама умерла. МакКой приходится идти на очередное ограбление, чтобы вернуть сына.
У Вэла Килмера здесь хоть и второстепенная, но вполне запоминающаяся роль помощника МакКой – неуклюжего подручного, который вместе с ней втягивается в ограбление, но создаётся ощущение, что парень в любой момент может подвести. Он очень симпатичный, обаятельный, отвечающий за юмор в картине Рассела Малкэя.
Важно отметить, что по сравнению с другими типичными боевиками 90-х, к которым преимущественно и относится история о МакКой, тот же персонаж Килмера здесь не изображён супергероем. Он не лидер и не спаситель, а человек, оказавшийся рядом с криминальным миром волею случая.
#фильм #боевик #скриншоты
Думаю, что еще не поздно для очередного выпуска этой рубрики 🙈
#Аниме выходного дня: «Порко Россо» (Kurenai no buta, 1992), реж. Хаяо Миядзаки
Почему-то во время обсуждения работ Миядзаки фильму «Порко Россо» часто уделяется меньше внимания, чем другим его произведениям. А ведь это один из тех фильмов, где в центре всего находится одно из главных увлечений Хаяо — самолёты. Полное юмора и символизма, это произведение рассказывает историю Порко Россо (настоящее имя — Марко Пагот), военного лётчика, который после Первой мировой войны столкнулся с глубокой депрессией и оказался на грани утраты смысла жизни.
Порко Россо — человек в обличии свиньи. Причины его трансформации зрителю не объясняются напрямую, но становится очевидно, что это метафора. Свинья, хотя и воспринимается как несуразное, но милое животное, в то же время обладает силой и важной ролью в экосистеме. Несмотря на свой внешний вид, Порко не утратил своей человечности и доброты, хотя долгое время ведёт отшельнический образ жизни и избегает контактов с окружающими.
«Порко Россо» — это доброе аниме, которое заманивает зрителя в свои увлекательные приключения. Здесь царит атмосфера полётов с воздушными пиратами, которые захватывают людей и устраивают баталии в воздухе, в то время как наш главный герой всегда готов прийти на помощь, забыв о своём уединении. Некоторые персонажи в фильме напоминают мне героев советских мультфильмов как по рисовке, так и по характеру. И, что приятно, «Порко Россо» оставляет после просмотра только позитивные эмоции.
#скриншоты
#Аниме выходного дня: «Порко Россо» (Kurenai no buta, 1992), реж. Хаяо Миядзаки
Почему-то во время обсуждения работ Миядзаки фильму «Порко Россо» часто уделяется меньше внимания, чем другим его произведениям. А ведь это один из тех фильмов, где в центре всего находится одно из главных увлечений Хаяо — самолёты. Полное юмора и символизма, это произведение рассказывает историю Порко Россо (настоящее имя — Марко Пагот), военного лётчика, который после Первой мировой войны столкнулся с глубокой депрессией и оказался на грани утраты смысла жизни.
Порко Россо — человек в обличии свиньи. Причины его трансформации зрителю не объясняются напрямую, но становится очевидно, что это метафора. Свинья, хотя и воспринимается как несуразное, но милое животное, в то же время обладает силой и важной ролью в экосистеме. Несмотря на свой внешний вид, Порко не утратил своей человечности и доброты, хотя долгое время ведёт отшельнический образ жизни и избегает контактов с окружающими.
«Порко Россо» — это доброе аниме, которое заманивает зрителя в свои увлекательные приключения. Здесь царит атмосфера полётов с воздушными пиратами, которые захватывают людей и устраивают баталии в воздухе, в то время как наш главный герой всегда готов прийти на помощь, забыв о своём уединении. Некоторые персонажи в фильме напоминают мне героев советских мультфильмов как по рисовке, так и по характеру. И, что приятно, «Порко Россо» оставляет после просмотра только позитивные эмоции.
#скриншоты
Пересматривая фильмографию Стэнли Кубрика, единственной работой, которую я не смотрел, была «Барри Линдон» (Barry Lyndon, 1975). Что же, настало и её время.
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
🎥 Почему я продолжаю смотреть «Крёстного отца» — и каждый раз будто впервые
Что можно нового сказать о фильмах, про которые уже всё написано? Оказывается, многое — если смотреть сердцем, а не википедией.
У меня есть традиция — раз в несколько лет пересматривать дилогию «Крёстный отец» (The Godfather, 1972, 1974) Фрэнсиса Форда Копполы. Именно дилогию, не трилогию. И каждый раз я открываю для себя что-то новое, хотя удовольствие от просмотра всегда остаётся неизменным. Я будто бы переношусь в другой мир, не похожий ни на что.
И в этот раз я подумал: как можно написать об этой классике так, чтобы это было интересно читателю? Кажется, о «Крёстном отце» только ленивый не написал пару строк. И вот ведь удивительно — все что-то писали, а я нет. Надо бы тоже.
Что можно сказать о «Крёстном отце» в 2025 году? Наверное, то, что такого Копполы, как Коппола времён «Крёстного отца», уже не будет. Он сразу шагнул в ранг классиков мирового кинематографа — и одновременно начал путь в киноандерграунд, итогом которого (надеюсь, всё же не финальным) стал недавний «Мегалополис».
Полны сил и жизненной энергии здесь и Аль Пачино, и Роберт Де Ниро. Но в этот раз я особенно обратил внимание именно на Де Ниро. Какой же Бобби красавец во второй части! Пересматривая сиквел, я не мог оторвать глаз от него. Как он играет! Как он изображает хриплый голос Вито Корлеоне, как одними глазами передаёт страх, когда не в силах что-либо сделать, пока его маленький сын Фредо тяжело болен пневмонией. Абсолютно заслуженный «Оскар» за лучшую мужскую роль второго плана.
Что касается Пачино, то это, конечно, тоже тонкая и гениальная роль. У нас есть уникальная возможность проследить постепенную трансформацию Майкла Корлеоне. Его путь от мирного человека до хладнокровного главы семейства — это не просто сюжетный ход, а настоящая драма молчания, взглядов и минималистичной игры. Майкл будто насильно сдерживает и топит в себе эмоции, и это делает его не только сильным, но и максимально трагичным персонажем.
И ещё: если вынести за скобки тему мафии и криминала, «Крёстный отец» — это, прежде всего, история о крепких семейных узах. Преступления здесь воспринимаются как нечто само собой разумеющееся, а настоящий акцент Коппола делает на том, как всё происходящее влияет на судьбы героев. Каждый их выбор — отражение привязанности к семье, верности традициям и внутренних конфликтов. Из этого рождается ощущение кинематографической гравитации. Это как чёрная дыра: чем глубже втягиваешься, тем труднее выбраться.
Трудно выйти из событий и зрителю — особенно если сравнивать с моим недавним просмотром «Барри Линдона» Кубрика, где временами не понимаешь, куда себя деть и чем заняться. А вот с «Крёстным отцом» таких вопросов не возникает: ты не хочешь выходить из этого мира, хочешь оставаться в нём, хотя бы сторонним наблюдателем, которому посчастливилось узнать Вито, Майкла, Санни, Тома и Фредо.
#обзор #классика #скриншоты
😎 А что для вас «Крёстный отец»? Смотрели? Пересматриваете?👇
Что можно нового сказать о фильмах, про которые уже всё написано? Оказывается, многое — если смотреть сердцем, а не википедией.
У меня есть традиция — раз в несколько лет пересматривать дилогию «Крёстный отец» (The Godfather, 1972, 1974) Фрэнсиса Форда Копполы. Именно дилогию, не трилогию. И каждый раз я открываю для себя что-то новое, хотя удовольствие от просмотра всегда остаётся неизменным. Я будто бы переношусь в другой мир, не похожий ни на что.
И в этот раз я подумал: как можно написать об этой классике так, чтобы это было интересно читателю? Кажется, о «Крёстном отце» только ленивый не написал пару строк. И вот ведь удивительно — все что-то писали, а я нет. Надо бы тоже.
Что можно сказать о «Крёстном отце» в 2025 году? Наверное, то, что такого Копполы, как Коппола времён «Крёстного отца», уже не будет. Он сразу шагнул в ранг классиков мирового кинематографа — и одновременно начал путь в киноандерграунд, итогом которого (надеюсь, всё же не финальным) стал недавний «Мегалополис».
Полны сил и жизненной энергии здесь и Аль Пачино, и Роберт Де Ниро. Но в этот раз я особенно обратил внимание именно на Де Ниро. Какой же Бобби красавец во второй части! Пересматривая сиквел, я не мог оторвать глаз от него. Как он играет! Как он изображает хриплый голос Вито Корлеоне, как одними глазами передаёт страх, когда не в силах что-либо сделать, пока его маленький сын Фредо тяжело болен пневмонией. Абсолютно заслуженный «Оскар» за лучшую мужскую роль второго плана.
Что касается Пачино, то это, конечно, тоже тонкая и гениальная роль. У нас есть уникальная возможность проследить постепенную трансформацию Майкла Корлеоне. Его путь от мирного человека до хладнокровного главы семейства — это не просто сюжетный ход, а настоящая драма молчания, взглядов и минималистичной игры. Майкл будто насильно сдерживает и топит в себе эмоции, и это делает его не только сильным, но и максимально трагичным персонажем.
И ещё: если вынести за скобки тему мафии и криминала, «Крёстный отец» — это, прежде всего, история о крепких семейных узах. Преступления здесь воспринимаются как нечто само собой разумеющееся, а настоящий акцент Коппола делает на том, как всё происходящее влияет на судьбы героев. Каждый их выбор — отражение привязанности к семье, верности традициям и внутренних конфликтов. Из этого рождается ощущение кинематографической гравитации. Это как чёрная дыра: чем глубже втягиваешься, тем труднее выбраться.
Трудно выйти из событий и зрителю — особенно если сравнивать с моим недавним просмотром «Барри Линдона» Кубрика, где временами не понимаешь, куда себя деть и чем заняться. А вот с «Крёстным отцом» таких вопросов не возникает: ты не хочешь выходить из этого мира, хочешь оставаться в нём, хотя бы сторонним наблюдателем, которому посчастливилось узнать Вито, Майкла, Санни, Тома и Фредо.
#обзор #классика #скриншоты
😎 А что для вас «Крёстный отец»? Смотрели? Пересматриваете?👇
Вы, наверное, подумали, что я уже забыл о своём стихийном марафоне фильмов с Вэлом Килмером, но нет. Продолжаем.
«Виллоу» (Willow, 1988) Рона Ховарда — наивное, доброе фэнтези конца 80-х, снятое с размахом, но всё же явно нацеленное на детскую аудиторию. Несмотря на магические сражения, демонстрацию смертей и финальную битву со злом, фильм остаётся милой сказкой: сюжет линеен и прост, спецэффекты устарели, а миниатюрные создания, которые ещё мельче гномов, ныне смотрятся скорее как смешная (или несмешная) шутка. Это кино — артефакт эпохи, когда фэнтези снималось с душой, но ещё без того технического размаха, привычного нам.
Однако именно в этом сказочном хаосе сияет Вэл Килмер — молодой, харизматичный, обаятельный парень. Он играет Мэдмартигана, второго по значимости персонажа: авантюриста, который поначалу заботится лишь о своей выгоде, но постепенно раскрывается с другой стороны. На фоне главного героя — доброго и простенького гнома в исполнении Уорвика Дэвиса — Килмер выглядит особенно ярко. Его экранное появление здесь каждый раз воспринимается как праздник. Даже играя роль второго плана, Вэл перетягивает на себя внимание, добавляя фильму весёлой хулиганской энергии.
#фильм #скриншоты
«Виллоу» (Willow, 1988) Рона Ховарда — наивное, доброе фэнтези конца 80-х, снятое с размахом, но всё же явно нацеленное на детскую аудиторию. Несмотря на магические сражения, демонстрацию смертей и финальную битву со злом, фильм остаётся милой сказкой: сюжет линеен и прост, спецэффекты устарели, а миниатюрные создания, которые ещё мельче гномов, ныне смотрятся скорее как смешная (или несмешная) шутка. Это кино — артефакт эпохи, когда фэнтези снималось с душой, но ещё без того технического размаха, привычного нам.
Однако именно в этом сказочном хаосе сияет Вэл Килмер — молодой, харизматичный, обаятельный парень. Он играет Мэдмартигана, второго по значимости персонажа: авантюриста, который поначалу заботится лишь о своей выгоде, но постепенно раскрывается с другой стороны. На фоне главного героя — доброго и простенького гнома в исполнении Уорвика Дэвиса — Килмер выглядит особенно ярко. Его экранное появление здесь каждый раз воспринимается как праздник. Даже играя роль второго плана, Вэл перетягивает на себя внимание, добавляя фильму весёлой хулиганской энергии.
#фильм #скриншоты
#анимевыходногодня: «За облаками» (Kumo no Mukou, Yakusoku no Basho, 2004), реж. Макото Синкай, Ёсио Судзуки.
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
СТРАНА САША, 2022
реж. Юлия Трофимова
Во время просмотра мне хотелось назвать этот фильм милой безделушкой, но по мере развития сюжетной линии картина всё больше овладевала моим вниманием и пропитывала царящей в ней атмосферой, что в итоге «Страна Саша» мне очень понравился. И нет, не потому что меня тоже зовут Саша, и не потому что сейчас на хайпе Марк Эйдельштейн, а потому что в нём есть что-то такое, что цепляет.
Есть в нём воздушность, лёгкость, не без шероховатостей, конечно, но мы это можем воспринимать как кочки, когда летишь по улице на своём самокате, как Саша в исполнении Марка Эйдельштейна. На первый взгляд это типичная подростковая картина, но она затрагивает такие темы, как отношения отцов и детей (Саша до 17 лет не знал своего отца, который решил объявиться — и это очень лично во мне отзывается), неопределённость в жизни («мне 25, а до сих пор не знаю, чего хочу», почти по Гребенщикову), трудности первых отношений (Саша нравится одной девушке, но он боится вступать в отношения, пока случайно не встречает Женю в исполнении Марии Мацель, у которой в свою очередь хватает психических проблем), что добавляет, если не драматичности, то откликающейся мелодраматичности в большей степени.
Своеобразная игра Марка Эйдельштейна здесь очень даже в тему: его речь с паузами, эти выразительные и широко раскрытые глаза, его отношения с молодой матерью в исполнении Евгении Громовой — всё это и составляет мир этого фильма (или «страну» по названию). Ещё нравится роль Дмитрия Ендальцева, исполнившего друга Саши — Макса, какой-то образцовый старший товарищ получился (хоть и не без нюансов). Но больше всего меня поразила Мария Мацель. Какая-то особенная девушка, в которую влюбляешься, как и Саша из фильма. Я её видел в «Отпуске в октябре» Михайлова, но там почему-то она не такая особенная. Надо другие работы Михайлова с ней посмотреть (во многих, кстати, и Эйдельштейн засветился).
В итоге «Страна Саша» Юли Трофимовой оставляет после себя очень приятное послевкусие. Это фильм о поисках себя, о том, как важно понять свои чувства. Картина получилась из разряда тех, что не меняют твою жизнь, но могут напомнить о чём-то важном.
#фильм #скриншоты
реж. Юлия Трофимова
Во время просмотра мне хотелось назвать этот фильм милой безделушкой, но по мере развития сюжетной линии картина всё больше овладевала моим вниманием и пропитывала царящей в ней атмосферой, что в итоге «Страна Саша» мне очень понравился. И нет, не потому что меня тоже зовут Саша, и не потому что сейчас на хайпе Марк Эйдельштейн, а потому что в нём есть что-то такое, что цепляет.
Есть в нём воздушность, лёгкость, не без шероховатостей, конечно, но мы это можем воспринимать как кочки, когда летишь по улице на своём самокате, как Саша в исполнении Марка Эйдельштейна. На первый взгляд это типичная подростковая картина, но она затрагивает такие темы, как отношения отцов и детей (Саша до 17 лет не знал своего отца, который решил объявиться — и это очень лично во мне отзывается), неопределённость в жизни («мне 25, а до сих пор не знаю, чего хочу», почти по Гребенщикову), трудности первых отношений (Саша нравится одной девушке, но он боится вступать в отношения, пока случайно не встречает Женю в исполнении Марии Мацель, у которой в свою очередь хватает психических проблем), что добавляет, если не драматичности, то откликающейся мелодраматичности в большей степени.
Своеобразная игра Марка Эйдельштейна здесь очень даже в тему: его речь с паузами, эти выразительные и широко раскрытые глаза, его отношения с молодой матерью в исполнении Евгении Громовой — всё это и составляет мир этого фильма (или «страну» по названию). Ещё нравится роль Дмитрия Ендальцева, исполнившего друга Саши — Макса, какой-то образцовый старший товарищ получился (хоть и не без нюансов). Но больше всего меня поразила Мария Мацель. Какая-то особенная девушка, в которую влюбляешься, как и Саша из фильма. Я её видел в «Отпуске в октябре» Михайлова, но там почему-то она не такая особенная. Надо другие работы Михайлова с ней посмотреть (во многих, кстати, и Эйдельштейн засветился).
В итоге «Страна Саша» Юли Трофимовой оставляет после себя очень приятное послевкусие. Это фильм о поисках себя, о том, как важно понять свои чувства. Картина получилась из разряда тех, что не меняют твою жизнь, но могут напомнить о чём-то важном.
#фильм #скриншоты
КОМПАНЬОН (COMPANION), 2025
реж. Дрю Хэнкок
—
История об идеальной секс-кукле по имени Айрис, которая осознаёт себя и понимает, что вполне может жить собственной жизнью среди людей. При желании, кстати, этот фильм мог бы стать эпизодом одного из сезонов «Чёрного зеркала» — тема идеально ложится в концепцию.
—
А вообще, эта развлекательная безделушка успешно удерживала моё внимание за счёт главной актрисы — Софи Тэтчер. Не будь её — точно бы заскучал. Она обаятельна, и после прошлогоднего «Еретика» Скотта Бека и Брайана Вудса стала мелькать всё чаще (чему мы рады). Вот в «Шершнях» и «Книге Бобы Фетта» я её, честно говоря, совсем не запомнил.
—
Ещё один момент (помимо Тэтчер), который приятно выделяется в «Компаньоне» — сцена, где другая кукла по имени Патрик (Лукас Гейдж) по инициативе Джоша в исполнении Джека Куэйда (он играет владельца Айрис) получает «подкрутку» параметров до 100% агрессии, превращаясь в нечто вроде Т-1000. Очевидная отсылка к «Терминатору» — и в этот момент испытываешь почти детский восторг.
—
В остальном, конечно, «Компаньон» Дрю Хэнкока – всё та же одноразовая безделушка, которая через время выветрится из памяти. Хоть и симпатичная. Хоть и Софи Тэтчер. Думаю, что большие и запоминающиеся роли у этой девушки совсем уже близко.
—
#фильм #новинка #скриншоты
реж. Дрю Хэнкок
—
История об идеальной секс-кукле по имени Айрис, которая осознаёт себя и понимает, что вполне может жить собственной жизнью среди людей. При желании, кстати, этот фильм мог бы стать эпизодом одного из сезонов «Чёрного зеркала» — тема идеально ложится в концепцию.
—
А вообще, эта развлекательная безделушка успешно удерживала моё внимание за счёт главной актрисы — Софи Тэтчер. Не будь её — точно бы заскучал. Она обаятельна, и после прошлогоднего «Еретика» Скотта Бека и Брайана Вудса стала мелькать всё чаще (чему мы рады). Вот в «Шершнях» и «Книге Бобы Фетта» я её, честно говоря, совсем не запомнил.
—
Ещё один момент (помимо Тэтчер), который приятно выделяется в «Компаньоне» — сцена, где другая кукла по имени Патрик (Лукас Гейдж) по инициативе Джоша в исполнении Джека Куэйда (он играет владельца Айрис) получает «подкрутку» параметров до 100% агрессии, превращаясь в нечто вроде Т-1000. Очевидная отсылка к «Терминатору» — и в этот момент испытываешь почти детский восторг.
—
В остальном, конечно, «Компаньон» Дрю Хэнкока – всё та же одноразовая безделушка, которая через время выветрится из памяти. Хоть и симпатичная. Хоть и Софи Тэтчер. Думаю, что большие и запоминающиеся роли у этой девушки совсем уже близко.
—
#фильм #новинка #скриншоты
Forwarded from Цитадель интересов
Ну, а если вы хотите сегодня чего-то незаезженного, то можно посмотреть картину "Солдат и слон" (1977) режиссёра Дмитрия Кесаянца с бенефисом Фрунзика Мкртчяна.
Добрейший фильм, который передаёт одними грустными глазами Фрунзика всю тяжесть того времени. Сам герой Мкртчяна всем своим нутром сопротивляется сложившимся обстоятельствам, выпуская наружу солнечного наивного ребёнка, помогающего ему спасаться.
Но при этом он настолько устал воевать, ему так опостылели кошмар и несправедливость войны, что временами он готов на луну выть. И тут как раз внезапно появляется слон, новоиспечённый друг, как чудо, которое нужно отвезти в Ереван, пока сослуживцы Арменака (так зовут персонажа Фрунзика) следуют прямо на Берлин. Можно представить чувства советского человека.
Фильм трогает, дарит улыбки и вызывает ком в горле. Настоящая находка в череде военных картин советского времени.
#фильм #скриншоты
Добрейший фильм, который передаёт одними грустными глазами Фрунзика всю тяжесть того времени. Сам герой Мкртчяна всем своим нутром сопротивляется сложившимся обстоятельствам, выпуская наружу солнечного наивного ребёнка, помогающего ему спасаться.
Но при этом он настолько устал воевать, ему так опостылели кошмар и несправедливость войны, что временами он готов на луну выть. И тут как раз внезапно появляется слон, новоиспечённый друг, как чудо, которое нужно отвезти в Ереван, пока сослуживцы Арменака (так зовут персонажа Фрунзика) следуют прямо на Берлин. Можно представить чувства советского человека.
Фильм трогает, дарит улыбки и вызывает ком в горле. Настоящая находка в череде военных картин советского времени.
#фильм #скриншоты
ОТРАЖАЮЩАЯ КОЖА (THE REFLECTING SKIN), 1990
реж. Филип Ридли
—
Фильм — экспрессия, фильм — эмоция, где маленький Сет Дав (Бенджамин Купер) получает максимальную порцию отнюдь не детской беззаботности (хотя, и она присутствует), а детских страданий — причём гипертрофированных.
—
«Отражающая кожа» смотрит на происходящее глазами ребёнка, полными детского страха, искажения, фантастического восприятия. Причём это детство — внутренний кошмар, а не календарный возраст. Сет не защищается от безумного и беспощадного мира взрослых — он абсолютно перед ним беззащитен. Мальчик не знает, как реагировать на смерти и насилие, а потому рождаются домыслы, страшилки и фантазии — и они становятся практически реальными.
—
Этот фильм играет со зрителем на уровне ощущений и едва уловимых сигналов. И если вдруг удастся настроиться на его волну, то можно получить истинное удовольствие от просмотра — удовольствие, граничащее с тревогой, когда каждую сцену ты проживаешь вместе с героями.
—
Также «Отражающая кожа» — это про атмосферу, пронизывающую тебя с первых минут: крупные планы персонажей, величественная музыка композитора Ника Биката. А если углубиться в жанровое разнообразие, которое будто бисер по полу разбросал Ридли, то мы здесь увидим и хоррор с намёками на вампиризм, и триллер, где каждый герой кажется то ли жертвой, то ли маньяком, и, конечно же, глубокую драму.
—
«Отражающая кожа» — это одновременно самый поэтически утончённый и депрессивный фильм, который мне довелось посмотреть за последние годы. Здесь американская мечта осталась где-то за прилавком старьёвщика, а на первом плане виднеется лишь отсутствие надежд и будущего в глубинке, кивающей куда-то в сторону «Пустошей» Терренса Малика, а также тот всепоглощающий ужас, перекочевавший будто бы из соседнего «Синего бархата» Дэвида Линча.
—
#фильм #скриншоты #драма
реж. Филип Ридли
—
Фильм — экспрессия, фильм — эмоция, где маленький Сет Дав (Бенджамин Купер) получает максимальную порцию отнюдь не детской беззаботности (хотя, и она присутствует), а детских страданий — причём гипертрофированных.
—
«Отражающая кожа» смотрит на происходящее глазами ребёнка, полными детского страха, искажения, фантастического восприятия. Причём это детство — внутренний кошмар, а не календарный возраст. Сет не защищается от безумного и беспощадного мира взрослых — он абсолютно перед ним беззащитен. Мальчик не знает, как реагировать на смерти и насилие, а потому рождаются домыслы, страшилки и фантазии — и они становятся практически реальными.
—
Этот фильм играет со зрителем на уровне ощущений и едва уловимых сигналов. И если вдруг удастся настроиться на его волну, то можно получить истинное удовольствие от просмотра — удовольствие, граничащее с тревогой, когда каждую сцену ты проживаешь вместе с героями.
—
Также «Отражающая кожа» — это про атмосферу, пронизывающую тебя с первых минут: крупные планы персонажей, величественная музыка композитора Ника Биката. А если углубиться в жанровое разнообразие, которое будто бисер по полу разбросал Ридли, то мы здесь увидим и хоррор с намёками на вампиризм, и триллер, где каждый герой кажется то ли жертвой, то ли маньяком, и, конечно же, глубокую драму.
—
«Отражающая кожа» — это одновременно самый поэтически утончённый и депрессивный фильм, который мне довелось посмотреть за последние годы. Здесь американская мечта осталась где-то за прилавком старьёвщика, а на первом плане виднеется лишь отсутствие надежд и будущего в глубинке, кивающей куда-то в сторону «Пустошей» Терренса Малика, а также тот всепоглощающий ужас, перекочевавший будто бы из соседнего «Синего бархата» Дэвида Линча.
—
#фильм #скриншоты #драма
А вы знали, что есть такой американский комедийный боевик режиссёра Филлипа Нойса под названием «Святой» (The Saint, 1997), который стал одним из первых голливудских фильмов 90-х, официально получивших разрешение на съёмки в Москве после распада СССР?
—
Сюжет строится на том, что неуловимый вор и мастер перевоплощений Саймон Темплар (Вэл Килмер) по прозвищу «Святой» берётся за задание украсть формулу холодного термоядерного синтеза. Но всё усложняется, когда он влюбляется в учёную, создавшую эту формулу, и оказывается втянут в опасную игру между наукой, политикой и русской мафией.
—
Съёмки проходили не просто на задворках, а в знаковых местах – на Красной площади, в храме Василия Блаженного, в здании МГУ и на центральных улицах. Это всё было впечатляющим событием для российского зрителя 90-х: впервые после холодной войны Москва в голливудском блокбастере была показана не карикатурой или шаржем, а как столица живой страны.
—
Здесь у нас Вэл Килмер оказывается в одном кадре с популярным на тот момент Валерием Николаевым, Ириной Апексимовой, Евгением Лазаревым, Львом Прыгуновым. Особенно запоминается молодой Николаев с длинной косой — глянцевый секс-символ 90-х и по совместительству гад на побегушках, готовый на всё ради денег. Его персонаж — олицетворение того, как тогдашний Запад видел образ «нового русского». Для Николаева это была первая и весьма заметная роль в большом англоязычном кино.
—
А ещё, «Святой», конечно, очень важен для самого Килмера, потому как он здесь играет неуловимого вора с уникальным даром перевоплощения. Вэл в этом фильме сыграл массу разных персонажей, причём ему удалось их воплотить по-разному. Он не просто переодевается, а работает с голосом, жестами, акцентами. Очень интересно смотреть, как он превращается то в шепелявого журналиста с кривыми зубами, то в пожилого профессора, то в немецкого учёного, то в итальянского плейбоя с отсылками к святому Томасу Мору, то в русского бандюгана... и это далеко не всё.
—
#funfact #фильм #скриншоты
—
Сюжет строится на том, что неуловимый вор и мастер перевоплощений Саймон Темплар (Вэл Килмер) по прозвищу «Святой» берётся за задание украсть формулу холодного термоядерного синтеза. Но всё усложняется, когда он влюбляется в учёную, создавшую эту формулу, и оказывается втянут в опасную игру между наукой, политикой и русской мафией.
—
Съёмки проходили не просто на задворках, а в знаковых местах – на Красной площади, в храме Василия Блаженного, в здании МГУ и на центральных улицах. Это всё было впечатляющим событием для российского зрителя 90-х: впервые после холодной войны Москва в голливудском блокбастере была показана не карикатурой или шаржем, а как столица живой страны.
—
Здесь у нас Вэл Килмер оказывается в одном кадре с популярным на тот момент Валерием Николаевым, Ириной Апексимовой, Евгением Лазаревым, Львом Прыгуновым. Особенно запоминается молодой Николаев с длинной косой — глянцевый секс-символ 90-х и по совместительству гад на побегушках, готовый на всё ради денег. Его персонаж — олицетворение того, как тогдашний Запад видел образ «нового русского». Для Николаева это была первая и весьма заметная роль в большом англоязычном кино.
—
А ещё, «Святой», конечно, очень важен для самого Килмера, потому как он здесь играет неуловимого вора с уникальным даром перевоплощения. Вэл в этом фильме сыграл массу разных персонажей, причём ему удалось их воплотить по-разному. Он не просто переодевается, а работает с голосом, жестами, акцентами. Очень интересно смотреть, как он превращается то в шепелявого журналиста с кривыми зубами, то в пожилого профессора, то в немецкого учёного, то в итальянского плейбоя с отсылками к святому Томасу Мору, то в русского бандюгана... и это далеко не всё.
—
#funfact #фильм #скриншоты