«Настоящая боль» (A Real Pain, 2024) — фильм-рефлексия, фильм-эмоция, фильм, который держится на крепкой игре Кирана Калкина. И это, пожалуй, один из лучших перформансов прошедшего сезона. Удивительно, что Кирана везде номинируют за лучшую роль второго плана, хотя его персонаж в этой истории не менее главный, чем у Джесси Айзенберга, а порой и заметно превосходит его по значимости.
Дебютный режиссёрский проект Джесси Айзенберга рассказывает о двоюродных братьях, которые впервые за много лет объединяются ради общей цели — поездки на родину недавно умершей бабушки, в Польшу. Бабушка прошла концлагеря, пережила множество трудностей, но всё же смогла вырваться в лучшую жизнь, эмигрировав в США. Бенджи (Калкин) и Дэвид (Айзенберг) являются полным контрастом героической женщине — два современных человека, чья жизнь заполнена лишь множеством ментальных и психологических проблем.
С самого детства эти двое были очень близки, но взрослая жизнь их разделила. Тяжесть их отношений упирается в непроговоренные обиды и скрытые травмы. У Дэвида есть семья, маленькая дочь, работа. У Бенджи — постоянные проблемы с трудоустройством и в целом с устройством жизни. Более того, Бенджи, на первый взгляд открытый и общительный человек, легко влюбляющий в себя окружающих (что случится и с туристической группой в Польше), на самом деле скрывает массу внутренней боли. Эта боль недавно чуть не убила его — он пытался покончить с собой, приняв смертельную дозу снотворного.
«Настоящая боль» хоть и проводит зрителя через мрачные места, такие как концлагерь, где уничтожали евреев, тем не менее, в большей степени концентрирует внимание на взаимоотношениях двух близких людей – братьев, которые выросли и сталкиваются с личностными проблемами. Дебют Айзенберга представляет собой смесь юмора и разрывающей сердца пустоты, одиночества, которое ощущается каждое мгновение, мальчишеской наивности и безрассудства, а также размышлений о семье, самоидентификации и эмоциональном выгорании.
Фильм пытается заставить зрителя задуматься: как мы справляемся с утратами? Насколько мы способны победить внутренних демонов? Будут ли ответы на эти вопросы? Каждый решит самостоятельно.
#фильм #драма #новинка
Дебютный режиссёрский проект Джесси Айзенберга рассказывает о двоюродных братьях, которые впервые за много лет объединяются ради общей цели — поездки на родину недавно умершей бабушки, в Польшу. Бабушка прошла концлагеря, пережила множество трудностей, но всё же смогла вырваться в лучшую жизнь, эмигрировав в США. Бенджи (Калкин) и Дэвид (Айзенберг) являются полным контрастом героической женщине — два современных человека, чья жизнь заполнена лишь множеством ментальных и психологических проблем.
С самого детства эти двое были очень близки, но взрослая жизнь их разделила. Тяжесть их отношений упирается в непроговоренные обиды и скрытые травмы. У Дэвида есть семья, маленькая дочь, работа. У Бенджи — постоянные проблемы с трудоустройством и в целом с устройством жизни. Более того, Бенджи, на первый взгляд открытый и общительный человек, легко влюбляющий в себя окружающих (что случится и с туристической группой в Польше), на самом деле скрывает массу внутренней боли. Эта боль недавно чуть не убила его — он пытался покончить с собой, приняв смертельную дозу снотворного.
«Настоящая боль» хоть и проводит зрителя через мрачные места, такие как концлагерь, где уничтожали евреев, тем не менее, в большей степени концентрирует внимание на взаимоотношениях двух близких людей – братьев, которые выросли и сталкиваются с личностными проблемами. Дебют Айзенберга представляет собой смесь юмора и разрывающей сердца пустоты, одиночества, которое ощущается каждое мгновение, мальчишеской наивности и безрассудства, а также размышлений о семье, самоидентификации и эмоциональном выгорании.
Фильм пытается заставить зрителя задуматься: как мы справляемся с утратами? Насколько мы способны победить внутренних демонов? Будут ли ответы на эти вопросы? Каждый решит самостоятельно.
#фильм #драма #новинка
Оскар Оскаром, а забывать про отечественные фильмы тоже не стоит.
На волне бешеной популярности Юры Борисова сейчас в прокате идёт «Кончится лето» — фильм режиссёров Максима Арбугаева и Владимира Мункуева, где Борисов сыграл вместе с Макаром Хлебниковым. Интересно, что на момент кастинга Юра проходил пробы наравне с сотней других актёров. Но теперь, после церемонии «Оскар», отборы он, скорее всего, будет обходить стороной.
Кеша (Юра Борисов) возвращается из мест не столь отдалённых в родной маленький городок, где его встречает младший брат Тима (Макар Хлебников). Тима твёрдо намерен поступать в университет во Владивостоке, причём на бюджет, чтобы выбраться из захолустья Якутии, куда можно добраться только на пароме. Кеша клянётся отцу и брату, что теперь всё будет иначе, он исправится. Но жизнь вносит свои коррективы — причём не только в его судьбу, но и в судьбу Тимы. Теперь двум братьям придётся спасаться.
«Кончится лето» держит марку российского авторского кино: здесь и мрачная атмосфера, и суровая, но завораживающая якутская природа, которая становится полноценным персонажем фильма. Режиссёры говорили, что хотели снять картину, понятную их соседу или бабушке — и им это удалось. Фильм погружает зрителя в меланхолию, затягивает в круговорот абсурдных, но фатальных ситуаций, которые, словно снежный ком, накатываются на персонажей.
Это кино о судьбе, в которую можно не верить, но которая всё равно диктует свои правила. Борисов и Хлебников создают крепкий экранный дуэт — не возникает сомнений, что они братья, и каждого хочется обнять по-отечески. «Кончится лето» возвращает с небес на землю, бьёт по голове, но при этом не отпускает и заставляет хотеть продолжения. Парадокс.
Спасибо компании «Вольгá» за прокат такого фильма.
#Цитадель_в_кино #драма #новинка
На волне бешеной популярности Юры Борисова сейчас в прокате идёт «Кончится лето» — фильм режиссёров Максима Арбугаева и Владимира Мункуева, где Борисов сыграл вместе с Макаром Хлебниковым. Интересно, что на момент кастинга Юра проходил пробы наравне с сотней других актёров. Но теперь, после церемонии «Оскар», отборы он, скорее всего, будет обходить стороной.
Кеша (Юра Борисов) возвращается из мест не столь отдалённых в родной маленький городок, где его встречает младший брат Тима (Макар Хлебников). Тима твёрдо намерен поступать в университет во Владивостоке, причём на бюджет, чтобы выбраться из захолустья Якутии, куда можно добраться только на пароме. Кеша клянётся отцу и брату, что теперь всё будет иначе, он исправится. Но жизнь вносит свои коррективы — причём не только в его судьбу, но и в судьбу Тимы. Теперь двум братьям придётся спасаться.
«Кончится лето» держит марку российского авторского кино: здесь и мрачная атмосфера, и суровая, но завораживающая якутская природа, которая становится полноценным персонажем фильма. Режиссёры говорили, что хотели снять картину, понятную их соседу или бабушке — и им это удалось. Фильм погружает зрителя в меланхолию, затягивает в круговорот абсурдных, но фатальных ситуаций, которые, словно снежный ком, накатываются на персонажей.
Это кино о судьбе, в которую можно не верить, но которая всё равно диктует свои правила. Борисов и Хлебников создают крепкий экранный дуэт — не возникает сомнений, что они братья, и каждого хочется обнять по-отечески. «Кончится лето» возвращает с небес на землю, бьёт по голове, но при этом не отпускает и заставляет хотеть продолжения. Парадокс.
Спасибо компании «Вольгá» за прокат такого фильма.
#Цитадель_в_кино #драма #новинка
«Бассейн» (La piscine, 1969) Жака Дере – рассказ о том, как страсть может погубить не только сами отношения мужчины и женщины (в данном случае — Жан-Поля в исполнении Алена Делона и Марианны в исполнении Роми Шнайдер), но и подтолкнуть к преступлению. Она может вспыхнуть внезапно, так же неожиданно угаснуть и уступить место ревности.
Жак Дере в своей психологической драме погружается в суть отношений мужчины и женщины. Жан-Поль и Марианна наслаждаются ленивым отдыхом на вилле в отпуск, пока их покой не нарушает нахальный Гарри (Морис Роне) со своей 18-летней дочерью Пенелопой (Джейн Биркин). Гарри — бывший любовник Марианны, а когда-то и друг Жан-Поля. Именно у него Жан-Поль с Марианной познакомились друг с другом. С его появлением отношения между парой подвергаются серьёзному испытанию, и в их основе начинает нарастать трещина.
Несмотря на тягучий, неспешный ритм повествования, который позволяет зрителю ощутить негу, жаркие солнечные лучи и брызги воды из того самого бассейна, Жак Дере постепенно нагнетает напряжение. В какой-то момент оно становится почти невыносимым — хочется сжать пальцы в кулак. Этому способствует не только мастерская режиссура, но и отличная игра актёров. Ален Делон в роли замкнутого, депрессивного Жан-Поля, Роми Шнайдер в образе женщины, которая, кажется, единственная способна вытянуть его из этой тьмы, настоящий гад Морис Роне, которому хочется собственноручно отвесить оплеуху, и обворожительная Джейн Биркин, притягивающая к себе всё внимание.
«Бассейн» Жака Дере – это натянутый нерв, скрытая буря эмоций, затаившаяся под гладью воды. Бассейн здесь становится метафорой: пока поверхность спокойна, кажется, что всё под контролем, но стоит появиться Гарри — и по воде идут волны, нарушая равновесие. В один момент эта история окрашивается в тона классического нуара. Дополнительный драматизм придаёт тот факт, что Ален Делон и Роми Шнайдер были парой в реальной жизни, но к моменту съёмок уже расстались. Они знали, что такое разбитое сердце, отразив это на экране.
Не упустите возможность увидеть эту работу Жака Дере в 4K-реставрации в кинотеатрах — спасибо за это компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #драма #премьера
Жак Дере в своей психологической драме погружается в суть отношений мужчины и женщины. Жан-Поль и Марианна наслаждаются ленивым отдыхом на вилле в отпуск, пока их покой не нарушает нахальный Гарри (Морис Роне) со своей 18-летней дочерью Пенелопой (Джейн Биркин). Гарри — бывший любовник Марианны, а когда-то и друг Жан-Поля. Именно у него Жан-Поль с Марианной познакомились друг с другом. С его появлением отношения между парой подвергаются серьёзному испытанию, и в их основе начинает нарастать трещина.
Несмотря на тягучий, неспешный ритм повествования, который позволяет зрителю ощутить негу, жаркие солнечные лучи и брызги воды из того самого бассейна, Жак Дере постепенно нагнетает напряжение. В какой-то момент оно становится почти невыносимым — хочется сжать пальцы в кулак. Этому способствует не только мастерская режиссура, но и отличная игра актёров. Ален Делон в роли замкнутого, депрессивного Жан-Поля, Роми Шнайдер в образе женщины, которая, кажется, единственная способна вытянуть его из этой тьмы, настоящий гад Морис Роне, которому хочется собственноручно отвесить оплеуху, и обворожительная Джейн Биркин, притягивающая к себе всё внимание.
«Бассейн» Жака Дере – это натянутый нерв, скрытая буря эмоций, затаившаяся под гладью воды. Бассейн здесь становится метафорой: пока поверхность спокойна, кажется, что всё под контролем, но стоит появиться Гарри — и по воде идут волны, нарушая равновесие. В один момент эта история окрашивается в тона классического нуара. Дополнительный драматизм придаёт тот факт, что Ален Делон и Роми Шнайдер были парой в реальной жизни, но к моменту съёмок уже расстались. Они знали, что такое разбитое сердце, отразив это на экране.
Не упустите возможность увидеть эту работу Жака Дере в 4K-реставрации в кинотеатрах — спасибо за это компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #драма #премьера
«Каникулы», реж. Анна Кузнецова.
Фильм Анны Кузнецовой, ученицы Бориса Хлебникова и Алексея Попогребского, официально датирован 2022 годом, когда картина активно участвовала в фестивалях. В 2023 году она стала обладателем гран-при кинофестиваля «Маяк», после чего всё неожиданно затихло — Кузнецовой отказали в выдаче прокатного удостоверения. Лишь в 2024 году «Каникулам» удалось выйти в ограниченный прокат, а затем премьера состоялась и на Первом канале.
По сюжету учительница Таня (Дарья Савельева) сопровождает детский театральный кружок из Калуги на фестиваль в Сочи, где ребята должны представить нестандартную постановку, рассказывающую о первой влюблённости и разочаровании. Таня ведёт себя с учениками легко, непринуждённо, порой даже безрассудно — но именно такой подход оказывается действенным. Она словно на одной волне с детьми, однако рядом есть и другая воспитательница — завуч школы Мария Генриховна (Полина Кутепова), которая, напротив, строгая и последовательная. Этот контраст помогает раскрыть обеих героинь.
На первый взгляд «Каникулы» — простой фильм, но он затрагивает важные темы: творческую и личную свободу, взросление и прощание с детством. Визуальный стиль сдержанный, без операторских изысков, но атмосфера осеннего курортного Сочи передана отлично. Это кино с мягким юмором и лёгкой грустью, которое не даёт зрителю заскучать. А ещё это словно глоток свежего воздуха для тех, кто привык считать, что российское кино — сплошная депрессия.
#фильм #драма #новинка
Фильм Анны Кузнецовой, ученицы Бориса Хлебникова и Алексея Попогребского, официально датирован 2022 годом, когда картина активно участвовала в фестивалях. В 2023 году она стала обладателем гран-при кинофестиваля «Маяк», после чего всё неожиданно затихло — Кузнецовой отказали в выдаче прокатного удостоверения. Лишь в 2024 году «Каникулам» удалось выйти в ограниченный прокат, а затем премьера состоялась и на Первом канале.
По сюжету учительница Таня (Дарья Савельева) сопровождает детский театральный кружок из Калуги на фестиваль в Сочи, где ребята должны представить нестандартную постановку, рассказывающую о первой влюблённости и разочаровании. Таня ведёт себя с учениками легко, непринуждённо, порой даже безрассудно — но именно такой подход оказывается действенным. Она словно на одной волне с детьми, однако рядом есть и другая воспитательница — завуч школы Мария Генриховна (Полина Кутепова), которая, напротив, строгая и последовательная. Этот контраст помогает раскрыть обеих героинь.
На первый взгляд «Каникулы» — простой фильм, но он затрагивает важные темы: творческую и личную свободу, взросление и прощание с детством. Визуальный стиль сдержанный, без операторских изысков, но атмосфера осеннего курортного Сочи передана отлично. Это кино с мягким юмором и лёгкой грустью, которое не даёт зрителю заскучать. А ещё это словно глоток свежего воздуха для тех, кто привык считать, что российское кино — сплошная депрессия.
#фильм #драма #новинка
После «Переходного возраста» (Adolescence, 2025) захотелось посмотреть первую совместную работу Фила Барантини и Стивена Грэма — фильм «Точка кипения» (Boiling Point, 2020). Помню, что собирался его заценить, но в своё время упустил. Во время просмотра мне пришла в голову мысль: это словно сериал «Медведь», только снятый одним планом. Зачем же именно одним планом? Чтобы удержать у экрана искушённого зрителя, конечно же. Ощущение, что ты находишься на одной кухне ресторана с героями, которые в своей повседневной жизни не знают ничего, кроме напряжения, — безусловный плюс.
Желание снимать одним планом у Барантини, а значит и одним дублем без видимых склеек, появилось ещё несколько лет назад, когда родилась одноимённая короткометражка «Точка кипения», ставшая предвестником этого полнометражного фильма. Почему я взял «без склеек» в кавычки? Потому что они, конечно, есть, но, как у Пушкина — «я сам обманываться рад», правда же? Ради этого мы и смотрим кино. В полнометражной «Точке кипения» монтажные стыки найти сложно — возможно, они спрятаны в затемнениях кадра.
Сюжет фильма строится вокруг шеф-повара Энди Джонса (Стивен Грэм), который, переживая личный и профессиональный кризис, пытается удержать на плаву ресторан, недавно потерявший две из пяти звёзд. Атмосфера и без того накалена до предела, но ситуацию осложняет неожиданный визит его бывшего босса Алистера Ская (Джейсон Флеминг) в сопровождении известного ресторанного критика Сары Саутворт (Лурдес Фаберес). Энди и без того тяжело справляться со своими зависимостями и внутренними демонами, а теперь ему предстоит выдержать ещё одно испытание.
Я уже хвалил Стивена Грэма после «Переходного возраста», да и вообще, где бы я его ни видел, он всегда запоминается. «Точка кипения» — не исключение. Его драматическая игра здесь достигает предела, идеально подстраиваясь под нерв фильма. Грэм — актёр, способный вытянуть как второстепенные роли, так и главные, но почему-то десятилетиями оставался в тени. Хочется верить, что его роль в «Переходном возрасте» от Netflix станет трамплином к признанию, которого он давно заслуживает.
«Точка кипения» — это кино, которое держит в напряжении с первых секунд и не отпускает до самого конца. Атмосфера нервного срыва, хаоса и высокой кухни передана так правдоподобно, что после просмотра хочется перевести дыхание, как после особенно сложного рабочего дня. Это история не только о кулинарии, но и о людях, доведённых до предела, о давлении, с которым многим приходится сталкиваться ежедневно. Очевидно, что передать напряжение зрителю было главной задачей фильма, и с ней работа Фила Барантини справляется на ура.
#фильм #драма
Желание снимать одним планом у Барантини, а значит и одним дублем без видимых склеек, появилось ещё несколько лет назад, когда родилась одноимённая короткометражка «Точка кипения», ставшая предвестником этого полнометражного фильма. Почему я взял «без склеек» в кавычки? Потому что они, конечно, есть, но, как у Пушкина — «я сам обманываться рад», правда же? Ради этого мы и смотрим кино. В полнометражной «Точке кипения» монтажные стыки найти сложно — возможно, они спрятаны в затемнениях кадра.
Сюжет фильма строится вокруг шеф-повара Энди Джонса (Стивен Грэм), который, переживая личный и профессиональный кризис, пытается удержать на плаву ресторан, недавно потерявший две из пяти звёзд. Атмосфера и без того накалена до предела, но ситуацию осложняет неожиданный визит его бывшего босса Алистера Ская (Джейсон Флеминг) в сопровождении известного ресторанного критика Сары Саутворт (Лурдес Фаберес). Энди и без того тяжело справляться со своими зависимостями и внутренними демонами, а теперь ему предстоит выдержать ещё одно испытание.
Я уже хвалил Стивена Грэма после «Переходного возраста», да и вообще, где бы я его ни видел, он всегда запоминается. «Точка кипения» — не исключение. Его драматическая игра здесь достигает предела, идеально подстраиваясь под нерв фильма. Грэм — актёр, способный вытянуть как второстепенные роли, так и главные, но почему-то десятилетиями оставался в тени. Хочется верить, что его роль в «Переходном возрасте» от Netflix станет трамплином к признанию, которого он давно заслуживает.
«Точка кипения» — это кино, которое держит в напряжении с первых секунд и не отпускает до самого конца. Атмосфера нервного срыва, хаоса и высокой кухни передана так правдоподобно, что после просмотра хочется перевести дыхание, как после особенно сложного рабочего дня. Это история не только о кулинарии, но и о людях, доведённых до предела, о давлении, с которым многим приходится сталкиваться ежедневно. Очевидно, что передать напряжение зрителю было главной задачей фильма, и с ней работа Фила Барантини справляется на ура.
#фильм #драма
Во все времена и во всех странах революции неизменно приводят к жестоким и печальным последствиям. Так произошло с царской Россией, так случилось и с королевской Францией: «Марсельеза» уже звучит отовсюду, а площадь Людовика XV переименована в площадь Революции. Фильм «Падение короны» (Le Déluge, 2024) Джанлуки Йодиче без прикрас показывает последние дни Людовика XVI и его супруги Марии-Антуанетты.
Спустя несколько минут после начала фильма зритель ощущает подвох и какую-то несправедливость. Людовик, которого теперь называют Луи Капетом, предстаёт скромным, добродушным, чувствительным и тихим человеком, любящим отцом и мужем, который сомневается и мучается. Однако его обвиняют во всех смертных грехах, а его судьба уже предрешена. Он — символ старой Франции, и потому должен быть уничтожен. Гийом Кане в этой роли практически неузнаваем: на нём много грима, но его игра поражает, начиная от выразительных глаз и заканчивая виноватой, тяжёлой походкой.
Мария-Антуанетта в исполнении Мелани Лоран (та самая Шошанна Дрейфус из «Бесславных ублюдков» Тарантино) тоже производит впечатление. Эта неоднозначная, но притягательная фигура не раз становилась героиней фильмов и сериалов. В картине Йодиче она — стержень и воля королевской семьи. Кажется, что всё держится только на ней, пока она с Людовиком и детьми находится в заточении. Она внушает уверенность, но в ней чувствуется скрытая напряжённость. Случится ли что-то неожиданное? Узнаете сами.
«Падение короны» — грустный и чертовски красивый фильм, выполненный в цветах туманной дымки, словно само время заволокло всё происходящее. Страшная точность документальной реконструкции событий в сочетании с отличной актёрской игрой создаёт запоминающееся зрелище. Даже зная исход, во время просмотра невозможно избежать боли.
С завтрашнего дня (03.04.2025) «Падение короны» Джанлуки Йодиче выходит в широкий прокат благодаря компании RWV Film. Посмотрите этот #фильм на большом экране.
#Цитадель_в_кино #драма
Спустя несколько минут после начала фильма зритель ощущает подвох и какую-то несправедливость. Людовик, которого теперь называют Луи Капетом, предстаёт скромным, добродушным, чувствительным и тихим человеком, любящим отцом и мужем, который сомневается и мучается. Однако его обвиняют во всех смертных грехах, а его судьба уже предрешена. Он — символ старой Франции, и потому должен быть уничтожен. Гийом Кане в этой роли практически неузнаваем: на нём много грима, но его игра поражает, начиная от выразительных глаз и заканчивая виноватой, тяжёлой походкой.
Мария-Антуанетта в исполнении Мелани Лоран (та самая Шошанна Дрейфус из «Бесславных ублюдков» Тарантино) тоже производит впечатление. Эта неоднозначная, но притягательная фигура не раз становилась героиней фильмов и сериалов. В картине Йодиче она — стержень и воля королевской семьи. Кажется, что всё держится только на ней, пока она с Людовиком и детьми находится в заточении. Она внушает уверенность, но в ней чувствуется скрытая напряжённость. Случится ли что-то неожиданное? Узнаете сами.
«Падение короны» — грустный и чертовски красивый фильм, выполненный в цветах туманной дымки, словно само время заволокло всё происходящее. Страшная точность документальной реконструкции событий в сочетании с отличной актёрской игрой создаёт запоминающееся зрелище. Даже зная исход, во время просмотра невозможно избежать боли.
С завтрашнего дня (03.04.2025) «Падение короны» Джанлуки Йодиче выходит в широкий прокат благодаря компании RWV Film. Посмотрите этот #фильм на большом экране.
#Цитадель_в_кино #драма
С сегодняшнего дня в повторном прокате (спасибо компании «Иноекино») фильм братьев Коэн «Внутри Льюина Дэвиса» (Inside Llewyn Davis, 2012). Я вам точно могу сказать, что это не та картина, с которой нужно начинать знакомство с братьями-режиссёрами (наверное, стоит начать хотя бы с «Фарго»), но история про Льюина Дэвиса — одна из самых атмосферных в фильмографии этих культовых авторов.
Так вышло, что премьеру фильма в 2013 году я тоже смотрел в кино, и, пересмотрев его сейчас в кинотеатре, понял, что это идеальное кино именно для большого экрана. Ведь именно так раскрывается вся прелесть операторской работы Брюно Дельбоннеля, который, кстати, снимал «Амели». Этакая мягкая и приятная сигаретная дымка добавляет фильму не только атмосферы, но и ощущение давности времени, словно смотришь хронику событий. И почти так оно и есть, ведь нам демонстрируется 1961 год, эпоха битников, а картину можно назвать лёгким байопиком, так как она частично основана на жизни фолк-певца Дэйва Ван Ронка.
Льюин Дэвис в исполнении Оскара Айзека — небесталанный певец, которому постоянно не везёт. Участник более-менее популярного дуэта теперь вынужден выступать в одиночку, его пластинки чертовски плохо продаются, он ради заработка участвует в записях песен в качестве приглашённого гостя, а ради того, чтобы попасть на смотрины к известному продюсеру, парень готов бросить всё и поехать автостопом из Нью-Йорка в Чикаго.
В самом начале картины он получает кулаком в лицо, и дальше мчится так называемая его жизнь — из постели в постель, из приюта в приют. Где-то мелькают «дяди в шляпах», но никому до него нет дела, каким бы прекрасным он ни был.
После пересмотра я выделил для себя три вещи, которые особенно мне нравятся в «Внутри Льюина Дэвиса»:
1. Оскар Айзек. Тут без вариантов. Попадание в образ 100%-ное, здесь ему нет равных. Остроумный, талантливый, глазами изображающий всю грусть этого мира, но при этом во всех тяжёлых ситуациях старающийся ещё и шутки шутить.
2. Песня «Please Mr. Kennedy» в исполнении Джастина Тимберлейка, Оскара Айзека и Адама Драйвера. Это вообще лучшее, что в плане музыки предлагают здесь Итан и Джоэл Коэн. Во время просмотра настроение поднимается мгновенно. Особенно меня веселит здесь Драйвер со своими вставками типа: «О-ооуу», «Аутаа спейс», «Кенедиии». Шикарно!
3. Кот. Рыжий кот — это нечто. Полноценный персонаж, которого Коэны задумали, даже не видя оригинальную обложку альбома Вон Ронка «Inside Dave Van Ronk», где котяра случайно попал в кадр. Кот постоянно убегает от персонажа Айзека (словно бы его мечта), но при этом между ними возникает особая связь. А ещё с этим животным связаны запоминающиеся юморные моменты.
Повторю мысль: такое нужно смотреть на большом экране!
#Цитадель_в_кино #премьера #драма
Так вышло, что премьеру фильма в 2013 году я тоже смотрел в кино, и, пересмотрев его сейчас в кинотеатре, понял, что это идеальное кино именно для большого экрана. Ведь именно так раскрывается вся прелесть операторской работы Брюно Дельбоннеля, который, кстати, снимал «Амели». Этакая мягкая и приятная сигаретная дымка добавляет фильму не только атмосферы, но и ощущение давности времени, словно смотришь хронику событий. И почти так оно и есть, ведь нам демонстрируется 1961 год, эпоха битников, а картину можно назвать лёгким байопиком, так как она частично основана на жизни фолк-певца Дэйва Ван Ронка.
Льюин Дэвис в исполнении Оскара Айзека — небесталанный певец, которому постоянно не везёт. Участник более-менее популярного дуэта теперь вынужден выступать в одиночку, его пластинки чертовски плохо продаются, он ради заработка участвует в записях песен в качестве приглашённого гостя, а ради того, чтобы попасть на смотрины к известному продюсеру, парень готов бросить всё и поехать автостопом из Нью-Йорка в Чикаго.
В самом начале картины он получает кулаком в лицо, и дальше мчится так называемая его жизнь — из постели в постель, из приюта в приют. Где-то мелькают «дяди в шляпах», но никому до него нет дела, каким бы прекрасным он ни был.
После пересмотра я выделил для себя три вещи, которые особенно мне нравятся в «Внутри Льюина Дэвиса»:
1. Оскар Айзек. Тут без вариантов. Попадание в образ 100%-ное, здесь ему нет равных. Остроумный, талантливый, глазами изображающий всю грусть этого мира, но при этом во всех тяжёлых ситуациях старающийся ещё и шутки шутить.
2. Песня «Please Mr. Kennedy» в исполнении Джастина Тимберлейка, Оскара Айзека и Адама Драйвера. Это вообще лучшее, что в плане музыки предлагают здесь Итан и Джоэл Коэн. Во время просмотра настроение поднимается мгновенно. Особенно меня веселит здесь Драйвер со своими вставками типа: «О-ооуу», «Аутаа спейс», «Кенедиии». Шикарно!
3. Кот. Рыжий кот — это нечто. Полноценный персонаж, которого Коэны задумали, даже не видя оригинальную обложку альбома Вон Ронка «Inside Dave Van Ronk», где котяра случайно попал в кадр. Кот постоянно убегает от персонажа Айзека (словно бы его мечта), но при этом между ними возникает особая связь. А ещё с этим животным связаны запоминающиеся юморные моменты.
Повторю мысль: такое нужно смотреть на большом экране!
#Цитадель_в_кино #премьера #драма
Пересматривая фильмографию Стэнли Кубрика, единственной работой, которую я не смотрел, была «Барри Линдон» (Barry Lyndon, 1975). Что же, настало и её время.
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
СВОЙ ЧЕЛОВЕК (THE INSIDER), 1999
реж. Майкл Манн
—
Крепкий и, можно сказать, очередной фильм о вечной дилемме: поступить по совести или поступить ради комфорта для себя и своих близких. Но, помимо этого, работа Майкла Манна, которая стала следующей после уже культовой «Схватки» (Heat, 1995), углубляется в более масштабный конфликт – журналистики против целых влиятельных корпораций.
—
Обозревая давно проверенные фильмы, нужно уделять время уже не сюжетным линиям, потому как это стало вторичным, а чему-то другому. В «Своём человеке», мне кажется, интересно не только противостояние журналистики и корпораций, но и столкновение противоположных актёрских школ – Аль Пачино vs. Рассел Кроу.
—
В «The Insider» встречаются две мощные, но при этом совершенно разные актёрские традиции: Аль Пачино с его театральной, экспрессивной манерой и Рассел Кроу – сдержанный, уравновешенный, но внутренне напряжённый.
—
Аль Пачино – яркий представитель актёрской школы, работающей по Станиславскому (наряду с Робертом Де Ниро, Дэниелом Дэй-Льюисом, Мэрил Стрип и др.), но при этом он делает явный акцент на эмоции. В каждой картине режиссёры находят для него сцену, где эти эмоции переливаются через край, когда Пачино способен перекричать все мысли в голове зрителя.
—
В «Своём человеке» Пачино исполняет роль журналиста Лоуэлла Бергмана – страстного, увлечённого делом, напористого. Он активен, говорит с нажимом, чтобы психологически воздействовать на другого человека, его эмоции достигают пика. Бергман – настоящий энерджайзер.
—
Игру Рассела Кроу часто относят к британской школе или австралийской, при том, что сам он родом из Новой Зеландии. Кроу делает акцент на телесной и психологической трансформации. Он сдержан, но физически напряжён, что заметно даже по его походке.
—
В «Своём человеке» Кроу играет доктора Джеффри Уайгенда, который становится осведомителем в борьбе (даже войне) с табачными корпорациями. Он погружён в себя, вдумчив, каждая его эмоция будто бы находится под давлением, взаперти, и стремится вырваться наружу. Даже по его осанке видно: он несёт на себе тяжёлый груз. Это выражается в медленных движениях и рассудительном, приглушённом голосе.
—
Майклу Манну нужно отдать должное: при внушительной продолжительности в 2 ч 37 мин ты боишься пропустить каждую фразу, слово, жест – настолько интересным получился «Свой человек». И это при, казалось бы, такой скучной теме на бумаге. Другое дело – реальность такова, что пока сигареты всё ещё побеждают.
—
#фильм #триллер #драма
реж. Майкл Манн
—
Крепкий и, можно сказать, очередной фильм о вечной дилемме: поступить по совести или поступить ради комфорта для себя и своих близких. Но, помимо этого, работа Майкла Манна, которая стала следующей после уже культовой «Схватки» (Heat, 1995), углубляется в более масштабный конфликт – журналистики против целых влиятельных корпораций.
—
Обозревая давно проверенные фильмы, нужно уделять время уже не сюжетным линиям, потому как это стало вторичным, а чему-то другому. В «Своём человеке», мне кажется, интересно не только противостояние журналистики и корпораций, но и столкновение противоположных актёрских школ – Аль Пачино vs. Рассел Кроу.
—
В «The Insider» встречаются две мощные, но при этом совершенно разные актёрские традиции: Аль Пачино с его театральной, экспрессивной манерой и Рассел Кроу – сдержанный, уравновешенный, но внутренне напряжённый.
—
Аль Пачино – яркий представитель актёрской школы, работающей по Станиславскому (наряду с Робертом Де Ниро, Дэниелом Дэй-Льюисом, Мэрил Стрип и др.), но при этом он делает явный акцент на эмоции. В каждой картине режиссёры находят для него сцену, где эти эмоции переливаются через край, когда Пачино способен перекричать все мысли в голове зрителя.
—
В «Своём человеке» Пачино исполняет роль журналиста Лоуэлла Бергмана – страстного, увлечённого делом, напористого. Он активен, говорит с нажимом, чтобы психологически воздействовать на другого человека, его эмоции достигают пика. Бергман – настоящий энерджайзер.
—
Игру Рассела Кроу часто относят к британской школе или австралийской, при том, что сам он родом из Новой Зеландии. Кроу делает акцент на телесной и психологической трансформации. Он сдержан, но физически напряжён, что заметно даже по его походке.
—
В «Своём человеке» Кроу играет доктора Джеффри Уайгенда, который становится осведомителем в борьбе (даже войне) с табачными корпорациями. Он погружён в себя, вдумчив, каждая его эмоция будто бы находится под давлением, взаперти, и стремится вырваться наружу. Даже по его осанке видно: он несёт на себе тяжёлый груз. Это выражается в медленных движениях и рассудительном, приглушённом голосе.
—
Майклу Манну нужно отдать должное: при внушительной продолжительности в 2 ч 37 мин ты боишься пропустить каждую фразу, слово, жест – настолько интересным получился «Свой человек». И это при, казалось бы, такой скучной теме на бумаге. Другое дело – реальность такова, что пока сигареты всё ещё побеждают.
—
#фильм #триллер #драма