С завтрашнего дня (13 марта) в российском прокате благодаря компании «Про:взгляд» картина Тима Милантса (сериалы «Острые козырьки», «Легион») «Мелочи жизни» (Small Things Like These, 2024) с Киллианом Мёрфи в главной роли. И это тот фильм, который за долгое время заставил меня расчувствоваться. Он натурально выбил из меня эмоцию. По настроению и действию этот ирландский фильм можно сравнить с какой-то российской авторской работой, поэтому нашему зрителю не нужно адаптироваться к происходящему, здесь вполне всё понятно.
Киллиан Мёрфи «на классе» и, казалось бы, без особых усилий, играет в этом фильме обычного семьянина — мужика, зарабатывающего на жизнь собственными руками и сумевшего организовать угольный бизнес. И однажды, накануне Рождества 1985 года, Билл Фёрлонг, именно так зовут героя Мёрфи, становится свидетелем происходящего в приюте Магдалины, где над девушками буквально издеваются.
Хотя история является вымышленной (над ней поработали сценаристы Энда Уолш и Клэр Киган, а к Киллиану она попала ещё во время работы над «Оппенгеймером» Нолана), в её основе лежат реально существовавшие приюты Магдалины (функционировали они примерно с XVIII века и до 1996 года, когда закрылся последний, расположенный в Дублине). Они изначально создавались как приюты для «падших женщин», где помогали незамужним матерям, сиротам, но в итоге они превратились в места жестокого обращения и эксплуатации тысяч девушек и женщин.
Фильм «Мелочи жизни» подкупает добропорядочным и совестливым главным героем в исполнении Киллиана Мёрфи, и именно это формирует 80% положительного восприятия работы Милантса. Оставшиеся 20% — это флешбэки главного героя в детство, которые во мне отозвались и сумели выбить скупую мужскую слезу. Увидев, как обращаются с женщинами в приюте, Билл разрывается между молчанием, которое будет терзать его совесть, и попыткой спасти хотя бы кого-то, рассказав миру о жестокой реальности.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
Киллиан Мёрфи «на классе» и, казалось бы, без особых усилий, играет в этом фильме обычного семьянина — мужика, зарабатывающего на жизнь собственными руками и сумевшего организовать угольный бизнес. И однажды, накануне Рождества 1985 года, Билл Фёрлонг, именно так зовут героя Мёрфи, становится свидетелем происходящего в приюте Магдалины, где над девушками буквально издеваются.
Хотя история является вымышленной (над ней поработали сценаристы Энда Уолш и Клэр Киган, а к Киллиану она попала ещё во время работы над «Оппенгеймером» Нолана), в её основе лежат реально существовавшие приюты Магдалины (функционировали они примерно с XVIII века и до 1996 года, когда закрылся последний, расположенный в Дублине). Они изначально создавались как приюты для «падших женщин», где помогали незамужним матерям, сиротам, но в итоге они превратились в места жестокого обращения и эксплуатации тысяч девушек и женщин.
Фильм «Мелочи жизни» подкупает добропорядочным и совестливым главным героем в исполнении Киллиана Мёрфи, и именно это формирует 80% положительного восприятия работы Милантса. Оставшиеся 20% — это флешбэки главного героя в детство, которые во мне отозвались и сумели выбить скупую мужскую слезу. Увидев, как обращаются с женщинами в приюте, Билл разрывается между молчанием, которое будет терзать его совесть, и попыткой спасти хотя бы кого-то, рассказав миру о жестокой реальности.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
👍12❤🔥7❤5🔥2
«Микки 17» (Mickey 17, 2025) продолжает традиционную любовь Пон Джун-хо к фантастическим фильмам. Если проанализировать его творчество, становится очевидно, что его привлекают два направления: условный жёсткий гиперреализм («Воспоминания об убийстве», «Паразиты», «Лающие собаки никогда не кусают») и условная фантастика («Вторжение динозавра», «Сквозь снег», «Окча»). «Микки 17» как раз относится ко второй группе.
Мы все давно ждали новый проект от корейского режиссёра, подарившего нам ряд крутейших фильмов, но «Микки 17» долго и нудно переносили. Трудно представить, сколько материала пришлось вырезать. В итоге мы получили картину с множеством перформансов Роберта Паттинсона, а если точнее — двумя. Ведь по большей части мы видим его в двух ипостасях: простого, скромного и нерешительного 17-го, а также нагловатого, уверенного и местами более жестокого 18-го.
Что же вышло из истории про специальную экспедицию, отправившуюся на планету Нифльхейм, чтобы адаптировать её для человечества? Получился бодрый комедийный фантастический фильм, который местами слегка провисает, но всё равно веселит, и за его просмотром приятно провести время. Плюс здесь есть Марк Руффало, совершенно прекрасно олицетворяющий карикатурный образ любого современного правителя — он и смешит, и бесит одновременно. Ну и Паттинсон, на месте которого уже трудно представить другого актёра.
«Микки 17» от Пон Джун-хо — прикольный комедийно-фантастический аттракцион, который при повторном просмотре уже не будет таким захватывающим.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
Мы все давно ждали новый проект от корейского режиссёра, подарившего нам ряд крутейших фильмов, но «Микки 17» долго и нудно переносили. Трудно представить, сколько материала пришлось вырезать. В итоге мы получили картину с множеством перформансов Роберта Паттинсона, а если точнее — двумя. Ведь по большей части мы видим его в двух ипостасях: простого, скромного и нерешительного 17-го, а также нагловатого, уверенного и местами более жестокого 18-го.
Что же вышло из истории про специальную экспедицию, отправившуюся на планету Нифльхейм, чтобы адаптировать её для человечества? Получился бодрый комедийный фантастический фильм, который местами слегка провисает, но всё равно веселит, и за его просмотром приятно провести время. Плюс здесь есть Марк Руффало, совершенно прекрасно олицетворяющий карикатурный образ любого современного правителя — он и смешит, и бесит одновременно. Ну и Паттинсон, на месте которого уже трудно представить другого актёра.
«Микки 17» от Пон Джун-хо — прикольный комедийно-фантастический аттракцион, который при повторном просмотре уже не будет таким захватывающим.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
❤16🔥6👍5
#Аниме выходного дня: «Сад изящных слов» (Koto no ha no niwa, 2013), реж. Макото Синкай
«Сад изящных слов», несмотря на свой короткий хронометраж (всего 46 минут), является цельным произведением, способным сказать больше, чем многие двухчасовые фильмы. Опираясь на мотивы и отсылки к «Норвежскому лесу» Харуки Мураками, Макото Синкай порой шёпотом, а порой срываясь на крик, говорит о одиночестве, эмоциональном взрослении и сложных человеческих отношениях.
Он — 15-летний школьник. Она — 27-летняя женщина, чей род занятий для него остаётся загадкой. Он талантливо рисует и делает первые шаги в создании обуви. Она с утра пьёт шоколадное пиво, закусывая вредными сладостями, и совершенно не умеет готовить. Их встречи происходят в беседке японского парка, но только во время дождя. Они даже не знают имён друг друга, но постепенно между ними рождается эмоциональная привязанность.
Кстати, дождь — важный элемент не только в «Саде изящных слов», но и в «Норвежском лесе» Мураками. В обоих произведениях он символизирует одиночество, ассоциируется с памятью и личными переживаниями героев. У Синкая дождь становится связующим звеном, своего рода музыкальным сопровождением к их встречам, создавая атмосферу уюта и меланхолии.
«Сад изящных слов», рассказывая о случайной встрече двух незнакомцев, удивляет поэтичностью. Она скользит не только в их диалогах, когда звучат строки из «Манъёсю» (древней японской антологии), но и в ритме дождя, в каждой прорисованной капле, в каждом листке, травинке этого сада. Этот фильм — возможно, самая красивая работа Синкая, а может, и одно из самых визуально совершенных аниме.
Прямо сейчас, кстати, «Сад изящных слов» идёт в кинотеатрах благодаря компании «Иноекино». Есть прекрасный шанс увидеть всю эту красоту на большом экране.
#Цитадель_в_кино
«Сад изящных слов», несмотря на свой короткий хронометраж (всего 46 минут), является цельным произведением, способным сказать больше, чем многие двухчасовые фильмы. Опираясь на мотивы и отсылки к «Норвежскому лесу» Харуки Мураками, Макото Синкай порой шёпотом, а порой срываясь на крик, говорит о одиночестве, эмоциональном взрослении и сложных человеческих отношениях.
Он — 15-летний школьник. Она — 27-летняя женщина, чей род занятий для него остаётся загадкой. Он талантливо рисует и делает первые шаги в создании обуви. Она с утра пьёт шоколадное пиво, закусывая вредными сладостями, и совершенно не умеет готовить. Их встречи происходят в беседке японского парка, но только во время дождя. Они даже не знают имён друг друга, но постепенно между ними рождается эмоциональная привязанность.
Кстати, дождь — важный элемент не только в «Саде изящных слов», но и в «Норвежском лесе» Мураками. В обоих произведениях он символизирует одиночество, ассоциируется с памятью и личными переживаниями героев. У Синкая дождь становится связующим звеном, своего рода музыкальным сопровождением к их встречам, создавая атмосферу уюта и меланхолии.
«Сад изящных слов», рассказывая о случайной встрече двух незнакомцев, удивляет поэтичностью. Она скользит не только в их диалогах, когда звучат строки из «Манъёсю» (древней японской антологии), но и в ритме дождя, в каждой прорисованной капле, в каждом листке, травинке этого сада. Этот фильм — возможно, самая красивая работа Синкая, а может, и одно из самых визуально совершенных аниме.
Прямо сейчас, кстати, «Сад изящных слов» идёт в кинотеатрах благодаря компании «Иноекино». Есть прекрасный шанс увидеть всю эту красоту на большом экране.
#Цитадель_в_кино
❤8👍5🔥3🥴1
Во все времена и во всех странах революции неизменно приводят к жестоким и печальным последствиям. Так произошло с царской Россией, так случилось и с королевской Францией: «Марсельеза» уже звучит отовсюду, а площадь Людовика XV переименована в площадь Революции. Фильм «Падение короны» (Le Déluge, 2024) Джанлуки Йодиче без прикрас показывает последние дни Людовика XVI и его супруги Марии-Антуанетты.
Спустя несколько минут после начала фильма зритель ощущает подвох и какую-то несправедливость. Людовик, которого теперь называют Луи Капетом, предстаёт скромным, добродушным, чувствительным и тихим человеком, любящим отцом и мужем, который сомневается и мучается. Однако его обвиняют во всех смертных грехах, а его судьба уже предрешена. Он — символ старой Франции, и потому должен быть уничтожен. Гийом Кане в этой роли практически неузнаваем: на нём много грима, но его игра поражает, начиная от выразительных глаз и заканчивая виноватой, тяжёлой походкой.
Мария-Антуанетта в исполнении Мелани Лоран (та самая Шошанна Дрейфус из «Бесславных ублюдков» Тарантино) тоже производит впечатление. Эта неоднозначная, но притягательная фигура не раз становилась героиней фильмов и сериалов. В картине Йодиче она — стержень и воля королевской семьи. Кажется, что всё держится только на ней, пока она с Людовиком и детьми находится в заточении. Она внушает уверенность, но в ней чувствуется скрытая напряжённость. Случится ли что-то неожиданное? Узнаете сами.
«Падение короны» — грустный и чертовски красивый фильм, выполненный в цветах туманной дымки, словно само время заволокло всё происходящее. Страшная точность документальной реконструкции событий в сочетании с отличной актёрской игрой создаёт запоминающееся зрелище. Даже зная исход, во время просмотра невозможно избежать боли.
С завтрашнего дня (03.04.2025) «Падение короны» Джанлуки Йодиче выходит в широкий прокат благодаря компании RWV Film. Посмотрите этот #фильм на большом экране.
#Цитадель_в_кино #драма
Спустя несколько минут после начала фильма зритель ощущает подвох и какую-то несправедливость. Людовик, которого теперь называют Луи Капетом, предстаёт скромным, добродушным, чувствительным и тихим человеком, любящим отцом и мужем, который сомневается и мучается. Однако его обвиняют во всех смертных грехах, а его судьба уже предрешена. Он — символ старой Франции, и потому должен быть уничтожен. Гийом Кане в этой роли практически неузнаваем: на нём много грима, но его игра поражает, начиная от выразительных глаз и заканчивая виноватой, тяжёлой походкой.
Мария-Антуанетта в исполнении Мелани Лоран (та самая Шошанна Дрейфус из «Бесславных ублюдков» Тарантино) тоже производит впечатление. Эта неоднозначная, но притягательная фигура не раз становилась героиней фильмов и сериалов. В картине Йодиче она — стержень и воля королевской семьи. Кажется, что всё держится только на ней, пока она с Людовиком и детьми находится в заточении. Она внушает уверенность, но в ней чувствуется скрытая напряжённость. Случится ли что-то неожиданное? Узнаете сами.
«Падение короны» — грустный и чертовски красивый фильм, выполненный в цветах туманной дымки, словно само время заволокло всё происходящее. Страшная точность документальной реконструкции событий в сочетании с отличной актёрской игрой создаёт запоминающееся зрелище. Даже зная исход, во время просмотра невозможно избежать боли.
С завтрашнего дня (03.04.2025) «Падение короны» Джанлуки Йодиче выходит в широкий прокат благодаря компании RWV Film. Посмотрите этот #фильм на большом экране.
#Цитадель_в_кино #драма
❤7✍5👍2
Режиссёру Алексу Шарфману, который до своего дебюта «Смерть единорога» (Death of a Unicorn, 2025) занимался исключительно продюсированием, идея фильма пришла ещё 10 лет назад, а точнее, завязка, заключающаяся в том, что папа (Пол Радд), мчась по заповедной трассе вместе со своей дочерью (Дженна Ортега), сбивает единорога. С этим замыслом Шарфман планировал сначала снять короткометражку, но, поразмыслив, понял, что затраты всё равно будут немаленькие, а потому можно замахнуться и на полнометражный фильм.
В итоге получился жанровый коктейль, в котором переплетаются комедия, хоррор, фэнтези и драма. В комедийной части особенно выделяются Уилл Поултер и Энтони Карриган, в хорроре — внезапные бу- и 18+ моменты, фэнтези, увы, несколько страдает от недостаточно качественного изображения единорогов (иногда сложно поверить, что они не настоящие). Драма, в свою очередь, раскрывает взаимоотношения персонажей Радда и Ортеги, переживающих семейную трагедию. Иногда прямо заметно, что Шарфман теряется в таком многообразии жанров, но комедия, в которой находит себе место зрительский смех, однозначно выделяется, позволяя отвлечься от будней.
В плане актёрской игры, конечно, все лавры уходят к Поултеру. Юмор в «Смерти единорога» отличает ненавязчивость и естественность: реакция на шутки такая, как она должна быть во время просмотра. На втором месте по актёрской игре — Карриган, исполнивший роль слуги-дворецкого в семье богачей. Кажется, что он самый адекватный из всех присутствующих, при этом выделяется своим остроумием. Третью позицию я бы отдал Дженне Ортеге. Неожиданно для меня, она показала себя в драматическом амплуа, и в определённые моменты ей это удалось — зритель вполне может расчувствоваться вместе с юной актрисой.
Короче говоря, с помощью «Смерти единорога» и компании «Вольга», которая прямо сейчас прокатывает картину по кинотеатрам, можно приятно провести вечер. Эта дебютная работа Алекса Шарфмана, конечно, не претендует на звание шедевра, но развлекательный компонент присутствует.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
В итоге получился жанровый коктейль, в котором переплетаются комедия, хоррор, фэнтези и драма. В комедийной части особенно выделяются Уилл Поултер и Энтони Карриган, в хорроре — внезапные бу- и 18+ моменты, фэнтези, увы, несколько страдает от недостаточно качественного изображения единорогов (иногда сложно поверить, что они не настоящие). Драма, в свою очередь, раскрывает взаимоотношения персонажей Радда и Ортеги, переживающих семейную трагедию. Иногда прямо заметно, что Шарфман теряется в таком многообразии жанров, но комедия, в которой находит себе место зрительский смех, однозначно выделяется, позволяя отвлечься от будней.
В плане актёрской игры, конечно, все лавры уходят к Поултеру. Юмор в «Смерти единорога» отличает ненавязчивость и естественность: реакция на шутки такая, как она должна быть во время просмотра. На втором месте по актёрской игре — Карриган, исполнивший роль слуги-дворецкого в семье богачей. Кажется, что он самый адекватный из всех присутствующих, при этом выделяется своим остроумием. Третью позицию я бы отдал Дженне Ортеге. Неожиданно для меня, она показала себя в драматическом амплуа, и в определённые моменты ей это удалось — зритель вполне может расчувствоваться вместе с юной актрисой.
Короче говоря, с помощью «Смерти единорога» и компании «Вольга», которая прямо сейчас прокатывает картину по кинотеатрам, можно приятно провести вечер. Эта дебютная работа Алекса Шарфмана, конечно, не претендует на звание шедевра, но развлекательный компонент присутствует.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
👍12❤2🔥2✍1
С сегодняшнего дня в повторном прокате (спасибо компании «Иноекино») фильм братьев Коэн «Внутри Льюина Дэвиса» (Inside Llewyn Davis, 2012). Я вам точно могу сказать, что это не та картина, с которой нужно начинать знакомство с братьями-режиссёрами (наверное, стоит начать хотя бы с «Фарго»), но история про Льюина Дэвиса — одна из самых атмосферных в фильмографии этих культовых авторов.
Так вышло, что премьеру фильма в 2013 году я тоже смотрел в кино, и, пересмотрев его сейчас в кинотеатре, понял, что это идеальное кино именно для большого экрана. Ведь именно так раскрывается вся прелесть операторской работы Брюно Дельбоннеля, который, кстати, снимал «Амели». Этакая мягкая и приятная сигаретная дымка добавляет фильму не только атмосферы, но и ощущение давности времени, словно смотришь хронику событий. И почти так оно и есть, ведь нам демонстрируется 1961 год, эпоха битников, а картину можно назвать лёгким байопиком, так как она частично основана на жизни фолк-певца Дэйва Ван Ронка.
Льюин Дэвис в исполнении Оскара Айзека — небесталанный певец, которому постоянно не везёт. Участник более-менее популярного дуэта теперь вынужден выступать в одиночку, его пластинки чертовски плохо продаются, он ради заработка участвует в записях песен в качестве приглашённого гостя, а ради того, чтобы попасть на смотрины к известному продюсеру, парень готов бросить всё и поехать автостопом из Нью-Йорка в Чикаго.
В самом начале картины он получает кулаком в лицо, и дальше мчится так называемая его жизнь — из постели в постель, из приюта в приют. Где-то мелькают «дяди в шляпах», но никому до него нет дела, каким бы прекрасным он ни был.
После пересмотра я выделил для себя три вещи, которые особенно мне нравятся в «Внутри Льюина Дэвиса»:
1. Оскар Айзек. Тут без вариантов. Попадание в образ 100%-ное, здесь ему нет равных. Остроумный, талантливый, глазами изображающий всю грусть этого мира, но при этом во всех тяжёлых ситуациях старающийся ещё и шутки шутить.
2. Песня «Please Mr. Kennedy» в исполнении Джастина Тимберлейка, Оскара Айзека и Адама Драйвера. Это вообще лучшее, что в плане музыки предлагают здесь Итан и Джоэл Коэн. Во время просмотра настроение поднимается мгновенно. Особенно меня веселит здесь Драйвер со своими вставками типа: «О-ооуу», «Аутаа спейс», «Кенедиии». Шикарно!
3. Кот. Рыжий кот — это нечто. Полноценный персонаж, которого Коэны задумали, даже не видя оригинальную обложку альбома Вон Ронка «Inside Dave Van Ronk», где котяра случайно попал в кадр. Кот постоянно убегает от персонажа Айзека (словно бы его мечта), но при этом между ними возникает особая связь. А ещё с этим животным связаны запоминающиеся юморные моменты.
Повторю мысль: такое нужно смотреть на большом экране!
#Цитадель_в_кино #премьера #драма
Так вышло, что премьеру фильма в 2013 году я тоже смотрел в кино, и, пересмотрев его сейчас в кинотеатре, понял, что это идеальное кино именно для большого экрана. Ведь именно так раскрывается вся прелесть операторской работы Брюно Дельбоннеля, который, кстати, снимал «Амели». Этакая мягкая и приятная сигаретная дымка добавляет фильму не только атмосферы, но и ощущение давности времени, словно смотришь хронику событий. И почти так оно и есть, ведь нам демонстрируется 1961 год, эпоха битников, а картину можно назвать лёгким байопиком, так как она частично основана на жизни фолк-певца Дэйва Ван Ронка.
Льюин Дэвис в исполнении Оскара Айзека — небесталанный певец, которому постоянно не везёт. Участник более-менее популярного дуэта теперь вынужден выступать в одиночку, его пластинки чертовски плохо продаются, он ради заработка участвует в записях песен в качестве приглашённого гостя, а ради того, чтобы попасть на смотрины к известному продюсеру, парень готов бросить всё и поехать автостопом из Нью-Йорка в Чикаго.
В самом начале картины он получает кулаком в лицо, и дальше мчится так называемая его жизнь — из постели в постель, из приюта в приют. Где-то мелькают «дяди в шляпах», но никому до него нет дела, каким бы прекрасным он ни был.
После пересмотра я выделил для себя три вещи, которые особенно мне нравятся в «Внутри Льюина Дэвиса»:
1. Оскар Айзек. Тут без вариантов. Попадание в образ 100%-ное, здесь ему нет равных. Остроумный, талантливый, глазами изображающий всю грусть этого мира, но при этом во всех тяжёлых ситуациях старающийся ещё и шутки шутить.
2. Песня «Please Mr. Kennedy» в исполнении Джастина Тимберлейка, Оскара Айзека и Адама Драйвера. Это вообще лучшее, что в плане музыки предлагают здесь Итан и Джоэл Коэн. Во время просмотра настроение поднимается мгновенно. Особенно меня веселит здесь Драйвер со своими вставками типа: «О-ооуу», «Аутаа спейс», «Кенедиии». Шикарно!
3. Кот. Рыжий кот — это нечто. Полноценный персонаж, которого Коэны задумали, даже не видя оригинальную обложку альбома Вон Ронка «Inside Dave Van Ronk», где котяра случайно попал в кадр. Кот постоянно убегает от персонажа Айзека (словно бы его мечта), но при этом между ними возникает особая связь. А ещё с этим животным связаны запоминающиеся юморные моменты.
Повторю мысль: такое нужно смотреть на большом экране!
#Цитадель_в_кино #премьера #драма
❤15👍9🔥6
Алекс Гарленд, после демонстрации тернистого пути журналистов в картине «Падение империи» (Civil War, 2023), решил продолжить освещение сложных и узких тематик. На этот раз он уделяет внимание отдельному эпизоду военной кампании в Ираке. В картине «Под огнём» отряд морских котиков, выбрав для укрытия один из местных домов, оказывается окружённым — они заперты, почти замурованы. Всё, что им остаётся, — изредка отстреливаться и выбираться наружу, чтобы затащить внутрь раненых боевых товарищей.
Из сильных сторон фильма можно выделить следующие:
1. Звук. Только ленивый не отметил работу со звуком в этой картине — и я не исключение. Выстрелы звучат максимально реалистично, а во время оглушения создаётся ощущение, будто находишься на дне аквариума. Каждая подорвавшаяся взрывчатка буквально проносится через тебя. Особую выразительность придаёт почти полное отсутствие музыкального сопровождения. Музыка звучит лишь в начале — когда солдаты отдыхают — и во время финальных титров (Low – Dancing and Blood добивает окончательно).
2. Реалистичность. Фильм основан на воспоминаниях непосредственных участников событий, что вызывает особое доверие. Здесь почти нет вымысла, и ты веришь каждому действию. Гарленд отказывается от образов суперменов: американцы показаны уязвимыми, испуганными, реальными — это простые люди, не герои из пропагандистской ленты.
3. Актёрская игра. Уилл Поултер, Космо Джарвис, Кит Коннор, Джозеф Куинн, Д’Фарао Ун-А-Тай, Тейлор Джон Смит — все играют сдержанно. Их герои обезличены не в плохом смысле, а в настоящем: это обычные парни, отправленные на бойню без внятных целей. И это работает на общее ощущение беспомощности и хаоса.
В итоге: «Под огнём» — антивоенное высказывание, демонстрирующее бесполезность и бессмысленную жестокость военных операций. Это театр сценаристов, остающихся за кадром, но калечащих судьбы обычных людей.
«Под огнём» — это технически выверенная работа Гарленда под чутким руководством Рэя Мендосы, ветерана спецназа, чья история и легла в основу фильма.
Спасибо за прокат, @volgafilms, как и всегда. Жаль, что в зале мы были в гордом одиночестве.
#Цитадель_в_кино #новинка
Из сильных сторон фильма можно выделить следующие:
1. Звук. Только ленивый не отметил работу со звуком в этой картине — и я не исключение. Выстрелы звучат максимально реалистично, а во время оглушения создаётся ощущение, будто находишься на дне аквариума. Каждая подорвавшаяся взрывчатка буквально проносится через тебя. Особую выразительность придаёт почти полное отсутствие музыкального сопровождения. Музыка звучит лишь в начале — когда солдаты отдыхают — и во время финальных титров (Low – Dancing and Blood добивает окончательно).
2. Реалистичность. Фильм основан на воспоминаниях непосредственных участников событий, что вызывает особое доверие. Здесь почти нет вымысла, и ты веришь каждому действию. Гарленд отказывается от образов суперменов: американцы показаны уязвимыми, испуганными, реальными — это простые люди, не герои из пропагандистской ленты.
3. Актёрская игра. Уилл Поултер, Космо Джарвис, Кит Коннор, Джозеф Куинн, Д’Фарао Ун-А-Тай, Тейлор Джон Смит — все играют сдержанно. Их герои обезличены не в плохом смысле, а в настоящем: это обычные парни, отправленные на бойню без внятных целей. И это работает на общее ощущение беспомощности и хаоса.
В итоге: «Под огнём» — антивоенное высказывание, демонстрирующее бесполезность и бессмысленную жестокость военных операций. Это театр сценаристов, остающихся за кадром, но калечащих судьбы обычных людей.
«Под огнём» — это технически выверенная работа Гарленда под чутким руководством Рэя Мендосы, ветерана спецназа, чья история и легла в основу фильма.
Спасибо за прокат, @volgafilms, как и всегда. Жаль, что в зале мы были в гордом одиночестве.
#Цитадель_в_кино #новинка
👍11🔥5✍4❤2
#анимевыходногодня: «За облаками» (Kumo no Mukou, Yakusoku no Basho, 2004), реж. Макото Синкай, Ёсио Судзуки.
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
❤10👍5🔥4
ЛИЛО И СТИЧ (LILO & STITCH), 2025
реж. Дин Флейшер-Кэмп
—
Перед нами тот редкий случай, когда Disney наконец-то сделала что-то стоящее. Да, это почти дословная игровая адаптация одноимённого мультфильма 2002 года — с лишь незначительными сюжетными и визуальными изменениями, — но сделанная со вкусом и уважением к зрителю. Сохранена и фирменная атмосфера солнечных Гавайев, где разворачиваются события — с их уличной культурой и океанскими пейзажами. Дин Флейшер-Кэмп и команда сценаристов, видно, действительно постарались.
—
Больше всего в этом фильме понравилась линия сестёр — Лило (Майя Кеалоха) и старшей Нани (Сидни Агудонг), — где последняя изо всех сил пытается заменить Лило маму. Родителей у девочек нет, а потому Нани приходится не только учиться, но и работать, чтобы обеспечить им жизнь. Лило можно назвать трудным ребёнком — она не ладит со сверстниками, грубит взрослым и частенько не слушается сестру. Нани же делает всё, чтобы быть одновременно и мамой, и подругой, и старшей сестрой.
—
Стича тоже нельзя обойти стороной. В начале он даже слегка раздражает своим почти «туалетным» юмором, но постепенно сбавляет обороты, почти очеловечивается — и становится по-настоящему обаятельным. Его сюжетная линия — инопланетный беглец, скрывающийся от галактической полиции, — по-прежнему звучит слегка абсурдно, но благодаря исполнению она не только работает, но и вызывает улыбку. В собачьем приюте этот пушистый монстр оказывается «усыновлён» Лило — и вот тут начинается настоящая история
—
«Лило и Стич» Флейшера-Кэмпа — это редкий за последнее время пример семейного кино, которое не стыдно включить детям и приятно смотреть взрослым. А ещё это история о боли утраты, поиске своего места и о том, что семья — это не только кровь, но и выбор. Особенно в финале фильм красиво и честно проговаривает: «ohana значит семья». А семья — это когда никто не брошен и не забыт.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
реж. Дин Флейшер-Кэмп
—
Перед нами тот редкий случай, когда Disney наконец-то сделала что-то стоящее. Да, это почти дословная игровая адаптация одноимённого мультфильма 2002 года — с лишь незначительными сюжетными и визуальными изменениями, — но сделанная со вкусом и уважением к зрителю. Сохранена и фирменная атмосфера солнечных Гавайев, где разворачиваются события — с их уличной культурой и океанскими пейзажами. Дин Флейшер-Кэмп и команда сценаристов, видно, действительно постарались.
—
Больше всего в этом фильме понравилась линия сестёр — Лило (Майя Кеалоха) и старшей Нани (Сидни Агудонг), — где последняя изо всех сил пытается заменить Лило маму. Родителей у девочек нет, а потому Нани приходится не только учиться, но и работать, чтобы обеспечить им жизнь. Лило можно назвать трудным ребёнком — она не ладит со сверстниками, грубит взрослым и частенько не слушается сестру. Нани же делает всё, чтобы быть одновременно и мамой, и подругой, и старшей сестрой.
—
Стича тоже нельзя обойти стороной. В начале он даже слегка раздражает своим почти «туалетным» юмором, но постепенно сбавляет обороты, почти очеловечивается — и становится по-настоящему обаятельным. Его сюжетная линия — инопланетный беглец, скрывающийся от галактической полиции, — по-прежнему звучит слегка абсурдно, но благодаря исполнению она не только работает, но и вызывает улыбку. В собачьем приюте этот пушистый монстр оказывается «усыновлён» Лило — и вот тут начинается настоящая история
—
«Лило и Стич» Флейшера-Кэмпа — это редкий за последнее время пример семейного кино, которое не стыдно включить детям и приятно смотреть взрослым. А ещё это история о боли утраты, поиске своего места и о том, что семья — это не только кровь, но и выбор. Особенно в финале фильм красиво и честно проговаривает: «ohana значит семья». А семья — это когда никто не брошен и не забыт.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
❤22👍6🔥4🤔2🦄1
ГАДКАЯ СЕСТРА (DEN STYGGE STESØSTEREN), 2025
реж. Эмили Блихфельдт
—
С сегодняшнего дня в прокате — благодаря компании «Иноекино» — полнометражный дебют норвежки Эмили Блихфельдт. И это, без преувеличения, один из самых смешных боди-хорроров, что мне доводилось видеть. Всё начинается с оплеухи, которую мать даёт читающей книгу стихов Эльвире (Леа Мюрен), и дальше фильм только набирает обороты — с помощью гэгов, абсурдных ситуаций и словесной игры. Нас ждёт довольно бодрый коктейль из комедии и боди-хоррора, где при этом ещё и неожиданно уживаются фарс, визуальная эстетика сказки и физиологическая мерзость — но всё это удивительно органично.
—
Женщина в возрасте, воспитывающая двух дочерей-подростков, выходит замуж за, как ей кажется, состоятельного мужчину, который внезапно умирает, оставив ей, дочерям и своей красавице-дочери — одни долги. Эта дама принимает решение сделать всё — изменить внешность старшей дочери Эльвиры, отдать её на обучение танцам, чтобы та смогла на предстоящем бале соблазнить местного принца, выйти за него и принести этой семье богатство. Главное — подальше спрятать красавицу-дочь покойного мужа, Агнес (Теа Софье Лок Несс), чтобы она не затмила Эльвиру.
—
Можно сколько угодно говорить, что «Гадкая сестра» — это новая версия «Субстанции», но фильм сохраняет свою самобытность: у нас есть внешнее преображение Эльвиры, яркие и запоминающиеся элементы боди-хоррора. Эльвира — скорее антигероиня: формально антагонист, но при этом та, за кого зритель почему-то переживает. Кстати, запоминающаяся игра Леи Мюрен — она впечатляет не только своими внешними преображениями, но и актёрством. И да, когда становится понятно, что мы всё же имеем дело с намёком на классический сюжет и переосмыслением «Золушки», ассоциации с «Субстанцией» постепенно выветриваются.
—
«Гадкая сестра» снята очень выразительно — хочется делать скриншоты почти с каждой сцены. Оператор Марсель Зискинд постарался на славу, этого не отнять. Среди других фильмов, над которыми работал этот оператор, мне довелось видеть «Мистер Одиночество» Хармони Корина, «Убийца внутри меня» Майка Уинтерботтома и «Падение» Вигго Мортенсена. Так вот могу сказать, что среди перечисленных «Гадкая сестра» — самая совершенная работа Зискинда: лёгкая затуманенность, внимание к деталям, крупные планы лиц и частей тела — всё это задаёт определённую атмосферу, которая ещё и подчёркивается абсурдом или готической иронией саундтрека.
—
По итогу можно сказать, что в копилке авторского боди-хоррора — удачное пополнение: Эмили Блихфельдт вполне может встать в один ряд с Жюлией Дюкурно и Корали Форжа (с оговоркой, что Эмили в ближайшее время снимет что-то ещё не хуже этого фильма). А в 2025 году «Гадкая сестра» — пока лучший комедийно-фэнтезийный боди-хоррор.
—
Ну а урчание в животе у меня теперь упорно будет ассоциироваться именно с «Гадкой сестрой» Блихфельдт.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
реж. Эмили Блихфельдт
—
С сегодняшнего дня в прокате — благодаря компании «Иноекино» — полнометражный дебют норвежки Эмили Блихфельдт. И это, без преувеличения, один из самых смешных боди-хорроров, что мне доводилось видеть. Всё начинается с оплеухи, которую мать даёт читающей книгу стихов Эльвире (Леа Мюрен), и дальше фильм только набирает обороты — с помощью гэгов, абсурдных ситуаций и словесной игры. Нас ждёт довольно бодрый коктейль из комедии и боди-хоррора, где при этом ещё и неожиданно уживаются фарс, визуальная эстетика сказки и физиологическая мерзость — но всё это удивительно органично.
—
Женщина в возрасте, воспитывающая двух дочерей-подростков, выходит замуж за, как ей кажется, состоятельного мужчину, который внезапно умирает, оставив ей, дочерям и своей красавице-дочери — одни долги. Эта дама принимает решение сделать всё — изменить внешность старшей дочери Эльвиры, отдать её на обучение танцам, чтобы та смогла на предстоящем бале соблазнить местного принца, выйти за него и принести этой семье богатство. Главное — подальше спрятать красавицу-дочь покойного мужа, Агнес (Теа Софье Лок Несс), чтобы она не затмила Эльвиру.
—
Можно сколько угодно говорить, что «Гадкая сестра» — это новая версия «Субстанции», но фильм сохраняет свою самобытность: у нас есть внешнее преображение Эльвиры, яркие и запоминающиеся элементы боди-хоррора. Эльвира — скорее антигероиня: формально антагонист, но при этом та, за кого зритель почему-то переживает. Кстати, запоминающаяся игра Леи Мюрен — она впечатляет не только своими внешними преображениями, но и актёрством. И да, когда становится понятно, что мы всё же имеем дело с намёком на классический сюжет и переосмыслением «Золушки», ассоциации с «Субстанцией» постепенно выветриваются.
—
«Гадкая сестра» снята очень выразительно — хочется делать скриншоты почти с каждой сцены. Оператор Марсель Зискинд постарался на славу, этого не отнять. Среди других фильмов, над которыми работал этот оператор, мне довелось видеть «Мистер Одиночество» Хармони Корина, «Убийца внутри меня» Майка Уинтерботтома и «Падение» Вигго Мортенсена. Так вот могу сказать, что среди перечисленных «Гадкая сестра» — самая совершенная работа Зискинда: лёгкая затуманенность, внимание к деталям, крупные планы лиц и частей тела — всё это задаёт определённую атмосферу, которая ещё и подчёркивается абсурдом или готической иронией саундтрека.
—
По итогу можно сказать, что в копилке авторского боди-хоррора — удачное пополнение: Эмили Блихфельдт вполне может встать в один ряд с Жюлией Дюкурно и Корали Форжа (с оговоркой, что Эмили в ближайшее время снимет что-то ещё не хуже этого фильма). А в 2025 году «Гадкая сестра» — пока лучший комедийно-фэнтезийный боди-хоррор.
—
Ну а урчание в животе у меня теперь упорно будет ассоциироваться именно с «Гадкой сестрой» Блихфельдт.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
❤15🔥11👍10✍1🦄1
ЖИЗНЬ ЧАКА (THE LIFE OF CHUCK), 2024
реж. Майк Флэнаган
—
Если с новинками дома мне как-то не очень везёт в последнее время, то с новинками, просмотренными в кинотеатрах, полный порядок. У меня изначально были определённые надежды на очередную экранизацию Стивена Кинга Майком Флэнаганом — и они вполне оправдались. «Жизнь Чака» — это тот случай, когда не получается сразу сесть и написать отзыв «по горячим следам»: хочется дать эмоциям настояться, чтобы потом в полной мере прочувствовать послевкусие, которое, что характерно, уже подталкивает к пересмотру.
—
Фильм снят в обратном порядке — в духе «Мементо», но гораздо мягче. Вначале зритель с лёгким раздражением задаётся вопросом: «А кто вообще этот ваш Чак?» — его лицо повсюду, на баннерах, в рекламах, в новостях, в то время как вокруг начинается апокалипсис. И именно в этом эпизоде мы ближе всего подбираемся к хоррору: ужасает не монстр, а чувство конца. Ужасает — и одновременно трогает: отношения Марти Андерсона (Чиветель Эджиофор) и его бывшей жены Фелиции (Карен Гиллан) искренни, тихи и болезненно точны. Парадоксально, но именно развод помогает им увидеть друг в друге главное.
—
Далее мы наконец знакомимся с самим Чаком — и здесь блистает Том Хиддлстон, показывая трогательную скромность человека, который мечтал танцевать, но стал бухгалтером по настоянию деда (Марк Хэмилл). Танец всё же случится — и станет одной из самых запоминающихся сцен (этот эпизод обязательно отправится в рубрику #Танцы_на_ЦИ). Финальная часть переносит нас в детство Чака — и всё неожиданно складывается в цельную и очень личную историю.
—
«Жизнь Чака» — не типичный ужастик Кинга, а экзистенциальная драма, которую можно поставить в один ряд с «Останься со мной», «Долгой прогулкой», «11/22/63» и, пожалуй, «Побегом из Шоушенка». Здесь страх не в чудовищах, а во взрослении, в утрате, во времени, которое идёт только в одну сторону.
—
Почему именно Чак? Да ни почему. Он — просто человек. Но в этом и суть: фильм Флэнагана (как и новелла Кинга) говорит о двух концах — апокалипсисе и смерти. И то, и другое фатально, необратимо. Но что-то всё-таки остаётся: твой опыт, твоя любовь, твои воспоминания. Их не отнять. Потому что даже одна жизнь — это множество. Потому и лейтмотив фильма — строчка из Уолта Уитмена: «I am large, I contain multitudes» («Я велик, я вмещаю в себя множество»).
—
«Жизнь Чака» Флэнагана – экранизация Стивена Кинга, красивая, тёплая и немного грустная, она о том, как важно жить, а не просто существовать. Здесь и закаты, и звёздное небо, и настоящая темнота — всё это откликается. Фильм будто бы под конец тихо обнимает тебя и говорит: «Ничего, всё будет хорошо». А это, пожалуй, самое важное, что можно услышать.
—
39 замечательных лет. Спасибо, Чак.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
реж. Майк Флэнаган
—
Если с новинками дома мне как-то не очень везёт в последнее время, то с новинками, просмотренными в кинотеатрах, полный порядок. У меня изначально были определённые надежды на очередную экранизацию Стивена Кинга Майком Флэнаганом — и они вполне оправдались. «Жизнь Чака» — это тот случай, когда не получается сразу сесть и написать отзыв «по горячим следам»: хочется дать эмоциям настояться, чтобы потом в полной мере прочувствовать послевкусие, которое, что характерно, уже подталкивает к пересмотру.
—
Фильм снят в обратном порядке — в духе «Мементо», но гораздо мягче. Вначале зритель с лёгким раздражением задаётся вопросом: «А кто вообще этот ваш Чак?» — его лицо повсюду, на баннерах, в рекламах, в новостях, в то время как вокруг начинается апокалипсис. И именно в этом эпизоде мы ближе всего подбираемся к хоррору: ужасает не монстр, а чувство конца. Ужасает — и одновременно трогает: отношения Марти Андерсона (Чиветель Эджиофор) и его бывшей жены Фелиции (Карен Гиллан) искренни, тихи и болезненно точны. Парадоксально, но именно развод помогает им увидеть друг в друге главное.
—
Далее мы наконец знакомимся с самим Чаком — и здесь блистает Том Хиддлстон, показывая трогательную скромность человека, который мечтал танцевать, но стал бухгалтером по настоянию деда (Марк Хэмилл). Танец всё же случится — и станет одной из самых запоминающихся сцен (этот эпизод обязательно отправится в рубрику #Танцы_на_ЦИ). Финальная часть переносит нас в детство Чака — и всё неожиданно складывается в цельную и очень личную историю.
—
«Жизнь Чака» — не типичный ужастик Кинга, а экзистенциальная драма, которую можно поставить в один ряд с «Останься со мной», «Долгой прогулкой», «11/22/63» и, пожалуй, «Побегом из Шоушенка». Здесь страх не в чудовищах, а во взрослении, в утрате, во времени, которое идёт только в одну сторону.
—
Почему именно Чак? Да ни почему. Он — просто человек. Но в этом и суть: фильм Флэнагана (как и новелла Кинга) говорит о двух концах — апокалипсисе и смерти. И то, и другое фатально, необратимо. Но что-то всё-таки остаётся: твой опыт, твоя любовь, твои воспоминания. Их не отнять. Потому что даже одна жизнь — это множество. Потому и лейтмотив фильма — строчка из Уолта Уитмена: «I am large, I contain multitudes» («Я велик, я вмещаю в себя множество»).
—
«Жизнь Чака» Флэнагана – экранизация Стивена Кинга, красивая, тёплая и немного грустная, она о том, как важно жить, а не просто существовать. Здесь и закаты, и звёздное небо, и настоящая темнота — всё это откликается. Фильм будто бы под конец тихо обнимает тебя и говорит: «Ничего, всё будет хорошо». А это, пожалуй, самое важное, что можно услышать.
—
39 замечательных лет. Спасибо, Чак.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
🔥20✍7👍7❤4🦄1
БАЛЕРИНА (BALLERINA), 2025
реж. Лен Уайзман
—
«Балерина» Уайзмана — это как смотреть прохождение однотипного шутера у ютубера: такое же укачивающее и бесполезное занятие. В этом фильме хромает не героиня Аны де Армас — здесь хромают сценаристы Шей Хаттен и Дерек Колстад, и режиссёр Лен Уайзман, который всё это и поставил. Ну и, конечно, хромаем мы, зрители, — мозгами после просмотра. Лично я зазевался и словил укачку в равной степени. Пытаясь вникнуть в смысл происходящего, ты как зритель терпишь поражение.
—
Да, я всё понимаю — кино о мести, и у большинства людей составляющие этого состояния схожи. Но можно было бы добавить хоть щепотку оригинальности, а не двигаться по шаблону: вы убили моего отца у меня на глазах, я выросла, натренировалась, стала безжалостным Джоном Уиком в юбке — и теперь иду мстить. «Прекрасно». Сначала я критиковал, думая, что это даже не фансервис, а не пойми что. Потом, когда на экране появился сам Джон Уик в исполнении нашего любимого Киану Ривза, я взял слова обратно — да, это банальный фансервис. И, судя по всему, нас ждёт столько же фильмов о Еве (Ана де Армас), сколько и о Джоне Уике, если не больше. На этих словах я зеваю ещё раз.
—
Холодным умом можно понять, почему это нравится публике — перед ней аттракцион с бесконечными боёвками и операторскими ухищрениями. Но холодным же умом я это никогда не приму как человек хоть сколько-нибудь думающий. Я люблю милаху Анечку де Армас, но не могу не признать: здесь она играет плохо. Отдельно жаль, что очень мало экранного времени досталось Норману Ридусу — он мог бы добавить фильму пару лишних положительных эмоций. Из того, что всё-таки понравилось, — сцены с огнемётами: это было действительно эффектно. Всё остальное — средне и банально.
—
2 с лишним «замечательных» часа. Спасибо, Ева.
—
А теперь серьёзно. «Балерина» — пример того, как студия, вдохновлённая успехом оригинала, пытается повторить формулу, забывая о том, что в любом уравнении есть не только структура, но и душа. Персонажи здесь — не люди, а цели для урона. Эмоции — не мотивация, а ширма. И за всем этим действием, с огнемётами, драками и пафосными крупными планами, не чувствуется жизни. Только монтаж и гул выстрелов.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка #фильм
реж. Лен Уайзман
—
«Балерина» Уайзмана — это как смотреть прохождение однотипного шутера у ютубера: такое же укачивающее и бесполезное занятие. В этом фильме хромает не героиня Аны де Армас — здесь хромают сценаристы Шей Хаттен и Дерек Колстад, и режиссёр Лен Уайзман, который всё это и поставил. Ну и, конечно, хромаем мы, зрители, — мозгами после просмотра. Лично я зазевался и словил укачку в равной степени. Пытаясь вникнуть в смысл происходящего, ты как зритель терпишь поражение.
—
Да, я всё понимаю — кино о мести, и у большинства людей составляющие этого состояния схожи. Но можно было бы добавить хоть щепотку оригинальности, а не двигаться по шаблону: вы убили моего отца у меня на глазах, я выросла, натренировалась, стала безжалостным Джоном Уиком в юбке — и теперь иду мстить. «Прекрасно». Сначала я критиковал, думая, что это даже не фансервис, а не пойми что. Потом, когда на экране появился сам Джон Уик в исполнении нашего любимого Киану Ривза, я взял слова обратно — да, это банальный фансервис. И, судя по всему, нас ждёт столько же фильмов о Еве (Ана де Армас), сколько и о Джоне Уике, если не больше. На этих словах я зеваю ещё раз.
—
Холодным умом можно понять, почему это нравится публике — перед ней аттракцион с бесконечными боёвками и операторскими ухищрениями. Но холодным же умом я это никогда не приму как человек хоть сколько-нибудь думающий. Я люблю милаху Анечку де Армас, но не могу не признать: здесь она играет плохо. Отдельно жаль, что очень мало экранного времени досталось Норману Ридусу — он мог бы добавить фильму пару лишних положительных эмоций. Из того, что всё-таки понравилось, — сцены с огнемётами: это было действительно эффектно. Всё остальное — средне и банально.
—
2 с лишним «замечательных» часа. Спасибо, Ева.
—
А теперь серьёзно. «Балерина» — пример того, как студия, вдохновлённая успехом оригинала, пытается повторить формулу, забывая о том, что в любом уравнении есть не только структура, но и душа. Персонажи здесь — не люди, а цели для урона. Эмоции — не мотивация, а ширма. И за всем этим действием, с огнемётами, драками и пафосными крупными планами, не чувствуется жизни. Только монтаж и гул выстрелов.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка #фильм
👍13🔥5👏4🤔4🤡4👎2🍾1🦄1
СКАЗАНИЯ ЗЕМНОМОРЬЯ (GEDO SENKI), 2006
реж. Горо Миядзаки
—
С завтрашнего дня благодаря компании RWV Film в широкий прокат выходит дебютное #аниме Горо Миядзаки — сына Хаяо Миядзаки, — которое в своё время наделало немало шума. Горо получил японский аналог «Золотой малины» (Bunshun Raspberry Award) за этот фильм, а его отец, как утверждают, покинул зал во время показа, не досмотрев картину. Тем не менее, на Венецианском кинофестивале фильм удостоился продолжительных оваций (порядка 7 минут). Вот такие «Сказания Земноморья» — работа, которая не оставляет равнодушных.
—
«Сказания Земноморья» являются свободной интерпретацией серии фэнтезийных книг американской писательницы Урсулы Ле Гуин. При первом просмотре в 2018 году я об этом даже не знал, но после пересмотра на большом экране захотелось ближе познакомиться с этой книжной вселенной. Сама Ле Гуин, мечтавшая, чтобы её работы перенёс в анимацию Хаяо Миядзаки, осталась недовольной экранизацией Горо, хотя и признала, что Миядзаки-младший оказался в непростой ситуации: дебют, громкое имя отца и весьма непростой исходный материал.
—
Да, как экранизация «Сказания Земноморья» действительно хромают, зато визуально Горо создал очень красивый фильм. Он с детства хорошо рисовал — и, как говорят, именно по его чертежам и под его руководством проектировался парк Ghibli в Японии. Сильная сторона Горо — ландшафты, и в «Сказаниях» они действительно получились: мир, интерьеры, пейзажи — всё выполнено с любовью и вниманием к деталям.
—
Хотя «Сказания Земноморья» и не передают в полной мере философию и дух книг Ле Гуин, они изображают мир в стиле студии Ghibli, с магией, мифологией и темами равновесия, жизни и смерти, отказа от бессмертия — или наоборот, стремления к нему. Главный герой — юный Аррен, убивший собственного отца и покинувший родной замок в поисках смысла. На своём пути он встречает мага Геда (Сокола), с которым вступает в противостояние с тёмным волшебником Кобом, считающим, что ему подвластны тайны жизни и смерти.
—
У меня к фильму только один серьёзный вопрос — это его фрагментарность. Не совсем ясно, с чего и когда начались все происходящие в мире конфликты. Но в остальном — перед нами достойная, атмосферная и красивая работа, пусть и далёкая от первоисточника. «Сказания Земноморья» — аниме, в котором Горо Миядзаки показал, что способен быть самостоятельным автором, и на котором природа точно не отдыхает.
—
#Цитадель_в_кино #премьера
реж. Горо Миядзаки
—
С завтрашнего дня благодаря компании RWV Film в широкий прокат выходит дебютное #аниме Горо Миядзаки — сына Хаяо Миядзаки, — которое в своё время наделало немало шума. Горо получил японский аналог «Золотой малины» (Bunshun Raspberry Award) за этот фильм, а его отец, как утверждают, покинул зал во время показа, не досмотрев картину. Тем не менее, на Венецианском кинофестивале фильм удостоился продолжительных оваций (порядка 7 минут). Вот такие «Сказания Земноморья» — работа, которая не оставляет равнодушных.
—
«Сказания Земноморья» являются свободной интерпретацией серии фэнтезийных книг американской писательницы Урсулы Ле Гуин. При первом просмотре в 2018 году я об этом даже не знал, но после пересмотра на большом экране захотелось ближе познакомиться с этой книжной вселенной. Сама Ле Гуин, мечтавшая, чтобы её работы перенёс в анимацию Хаяо Миядзаки, осталась недовольной экранизацией Горо, хотя и признала, что Миядзаки-младший оказался в непростой ситуации: дебют, громкое имя отца и весьма непростой исходный материал.
—
Да, как экранизация «Сказания Земноморья» действительно хромают, зато визуально Горо создал очень красивый фильм. Он с детства хорошо рисовал — и, как говорят, именно по его чертежам и под его руководством проектировался парк Ghibli в Японии. Сильная сторона Горо — ландшафты, и в «Сказаниях» они действительно получились: мир, интерьеры, пейзажи — всё выполнено с любовью и вниманием к деталям.
—
Хотя «Сказания Земноморья» и не передают в полной мере философию и дух книг Ле Гуин, они изображают мир в стиле студии Ghibli, с магией, мифологией и темами равновесия, жизни и смерти, отказа от бессмертия — или наоборот, стремления к нему. Главный герой — юный Аррен, убивший собственного отца и покинувший родной замок в поисках смысла. На своём пути он встречает мага Геда (Сокола), с которым вступает в противостояние с тёмным волшебником Кобом, считающим, что ему подвластны тайны жизни и смерти.
—
У меня к фильму только один серьёзный вопрос — это его фрагментарность. Не совсем ясно, с чего и когда начались все происходящие в мире конфликты. Но в остальном — перед нами достойная, атмосферная и красивая работа, пусть и далёкая от первоисточника. «Сказания Земноморья» — аниме, в котором Горо Миядзаки показал, что способен быть самостоятельным автором, и на котором природа точно не отдыхает.
—
#Цитадель_в_кино #премьера
🔥15👍8❤6
ДАНДАДАН: ЗЛОЙ ГЛАЗ (DANDADAN: EVIL EYE), 2025
реж. Абель Гонгора, Фуга Ямасиро
—
Вот у кого как, а у меня самым ожидаемым продолжением 2025 года был не новый сезон «Чёрного зеркала» или «Одни из нас», не «Любовь, смерть и роботы» и не «Фоллаут», а второй сезон #аниме «Дандадан» (о первом писал здесь). И прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря Амедиатеке — увидеть полуторачасовое превью. Причём не как-нибудь, а на большом экране. Кстати, ждать второго сезона осталось совсем недолго: старт уже 4 июля.
—
«Злой глаз» — это подарок не только фанатам этого в хорошем смысле сумасшедшего тайтла, но и тем, кто ещё не знаком с проектом. Фильм может стать отличной точкой входа и подтолкнуть к просмотру первого сезона. Да и вообще — необычное дело: смотреть на большом экране не полнометражку, а сериал. Почаще бы так!
—
Я сюжетно пересказывать не буду, скажу лишь, что «Злой глаз» — это первые три серии нового сезона, объединённые в полнометражный фильм. Эти эпизоды продолжают арку Дзидзи, который тащит с собой Момо и Кэна в квартал горячих источников — чтобы те помогли разобраться, действительно ли его жильё заполонили злые духи. И, конечно же, всё обрывается на самом интересном — на так называемом клифхэнгере.
—
Из полезного — в «Злом глазе» есть краткий пересказ первого сезона. Для меня (да и для многих) это было очень кстати: кое-что из памяти уже успело выветриться. А из интересного – здесь у нас есть интервью с режиссёрами Фугой Ямасиро и Абелем Гонгорой, которые поясняют, например, почему антагонист был нарисован фиолетовым, а не белым.
—
Ждём второй сезон! Чуть осталось. И я всем советую сходить в кино на «Дандадан: Злой глаз», потому что это всё отлично смотрится на большом экране.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
реж. Абель Гонгора, Фуга Ямасиро
—
Вот у кого как, а у меня самым ожидаемым продолжением 2025 года был не новый сезон «Чёрного зеркала» или «Одни из нас», не «Любовь, смерть и роботы» и не «Фоллаут», а второй сезон #аниме «Дандадан» (о первом писал здесь). И прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря Амедиатеке — увидеть полуторачасовое превью. Причём не как-нибудь, а на большом экране. Кстати, ждать второго сезона осталось совсем недолго: старт уже 4 июля.
—
«Злой глаз» — это подарок не только фанатам этого в хорошем смысле сумасшедшего тайтла, но и тем, кто ещё не знаком с проектом. Фильм может стать отличной точкой входа и подтолкнуть к просмотру первого сезона. Да и вообще — необычное дело: смотреть на большом экране не полнометражку, а сериал. Почаще бы так!
—
Я сюжетно пересказывать не буду, скажу лишь, что «Злой глаз» — это первые три серии нового сезона, объединённые в полнометражный фильм. Эти эпизоды продолжают арку Дзидзи, который тащит с собой Момо и Кэна в квартал горячих источников — чтобы те помогли разобраться, действительно ли его жильё заполонили злые духи. И, конечно же, всё обрывается на самом интересном — на так называемом клифхэнгере.
—
Из полезного — в «Злом глазе» есть краткий пересказ первого сезона. Для меня (да и для многих) это было очень кстати: кое-что из памяти уже успело выветриться. А из интересного – здесь у нас есть интервью с режиссёрами Фугой Ямасиро и Абелем Гонгорой, которые поясняют, например, почему антагонист был нарисован фиолетовым, а не белым.
—
Ждём второй сезон! Чуть осталось. И я всем советую сходить в кино на «Дандадан: Злой глаз», потому что это всё отлично смотрится на большом экране.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
❤10❤🔥5👍5🔥1
МАТЕРИАЛИСТКА (MATERIALISTS), 2025
реж. Селин Сон
—
Я очень ждал этот фильм, поэтому скорее всего сработал эффект завышенных ожиданий. Эмоции во время просмотра метались, как на качелях: то захватывало, то откатывалось назад. Тема женского материализма мне, мягко говоря, не близка (как, думаю, многим другим мужчинам), зато важна тема искренней любви. И одно и другое в «Материалистке» ярко изображено, поэтому картина Селин Сон вряд ли оставит кого-то равнодушным.
—
Фильм достаточно интересно смотреть, но всё же после финальных титров возникает какое-то ощущение вторичности увиденного. То есть, будто бы Селин Сон могла смыслово развернуть историю шире, но всё споткнулось о довольно прямолинейное противопоставление духовного и материального.
—
Впрочем, «Материалистка» и не претендует на сложную философию — она скорее зеркало, в котором легко узнаются отношения в эпоху маркетинга чувств.
—
Мы видим сваху в исполнении Дакоты Джонсон из элитного агентства, которое помогает людям отыскивать пары по критериям — достаток, ну и рост желательно под 180 см — всё, это рецепт идеального жениха для девушек. Вроде бы всё просто в теории, но на практике всё не так гладко с личной жизнью даже у самой героини Джонсон.
—
Классные актёрские работы Дакоты Джонсон, Педро Паскаля, Криса Эванса. Музыка подобрана хорошо, работает на настроение картины. Однако «переизобрести» ромком Селин Сон не удалось. Финал, к тому же, оказался немного подзатянут, хоть он и привёл к позиции, которая лично мне была близка.
—
Я не считаю предыдущую работу Селин Сон «Прошлые жизни» безоговорочным шедевром, у меня к ней спокойное отношение, но «Материалистка» даже на его фоне ощущается проще и прямолинельнее: менее тонкая, менее глубокая, хотя и вполне смотрибельная. Но лично мне хотелось большего.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
реж. Селин Сон
—
Я очень ждал этот фильм, поэтому скорее всего сработал эффект завышенных ожиданий. Эмоции во время просмотра метались, как на качелях: то захватывало, то откатывалось назад. Тема женского материализма мне, мягко говоря, не близка (как, думаю, многим другим мужчинам), зато важна тема искренней любви. И одно и другое в «Материалистке» ярко изображено, поэтому картина Селин Сон вряд ли оставит кого-то равнодушным.
—
Фильм достаточно интересно смотреть, но всё же после финальных титров возникает какое-то ощущение вторичности увиденного. То есть, будто бы Селин Сон могла смыслово развернуть историю шире, но всё споткнулось о довольно прямолинейное противопоставление духовного и материального.
—
Впрочем, «Материалистка» и не претендует на сложную философию — она скорее зеркало, в котором легко узнаются отношения в эпоху маркетинга чувств.
—
Мы видим сваху в исполнении Дакоты Джонсон из элитного агентства, которое помогает людям отыскивать пары по критериям — достаток, ну и рост желательно под 180 см — всё, это рецепт идеального жениха для девушек. Вроде бы всё просто в теории, но на практике всё не так гладко с личной жизнью даже у самой героини Джонсон.
—
Классные актёрские работы Дакоты Джонсон, Педро Паскаля, Криса Эванса. Музыка подобрана хорошо, работает на настроение картины. Однако «переизобрести» ромком Селин Сон не удалось. Финал, к тому же, оказался немного подзатянут, хоть он и привёл к позиции, которая лично мне была близка.
—
Я не считаю предыдущую работу Селин Сон «Прошлые жизни» безоговорочным шедевром, у меня к ней спокойное отношение, но «Материалистка» даже на его фоне ощущается проще и прямолинельнее: менее тонкая, менее глубокая, хотя и вполне смотрибельная. Но лично мне хотелось большего.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
❤9👍6🔥6👌1
#анимевыходногодня: «Акира» (Akira, 1987)
реж. Кацухиро Отомо
—
Прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря компании «Иноекино» — увидеть на большом экране легендарное #аниме Кацухиро Отомо «Акира». Причём не просто увидеть, а в реставрированной 4K-версии. Это жёсткое и даже жестокое кино, от которого, тем не менее, тяжело оторваться. Пусть местами рисовка и кажется устаревшей, но именно это придаёт особую атмосферу. А если ещё вспомнить, что каждый кадр здесь отрисован вручную (всего их 160 000, и использовано 327 уникальных цветов), — то остаётся только диву даваться.
—
«Акира», словно в лучших традициях хоррора, пугает, при этом не являясь фильмом ужасов в привычном смысле. Это скорее драматический триллер, разворачивающийся в антиутопическом будущем — в Нео-Токио, городе на грани краха. Здесь — деструктивное общество, уличные банды, погромы, протесты, страх и насилие. Страдание порождает страдание. Ненависть порождает ненависть.
—
Невозможно говорить об «Акире» Кацухиро Отомо в отрыве от его исторического и культурного статуса. Это уже не просто аниме, это что-то близкое к мифу, закодированному в неоновом шуме мегаполиса. Когда-то именно эта работа Отомо вырвалась из Японии на Запад, проложив путь для целого поколения зрителей. Сначала — для тех, кто просто искал необычную анимацию. Потом — для настоящих анимешников. И поэтому именно сейчас полезно снова посмотреть этот проект на большом экране, чтобы понять – он всё ещё работает. И как зрелище. И как что-то, что с лёгкостью вызывает тревогу.
—
История Тэцумо – это отображение взросления, беспомощного, бесконтрольного, в котором нет опоры и обратной силы. Ему «повезло» оказаться не в то время и не в том месте, чтобы овладеть божественной силой, но при этом он всё равно уязвим. Другое дело, что этот процесс никто не смог остановить – ни правительство, ни его друг Канэда, ни сам Тэцумо.
—
«Акира» Отомо – про неконтролируемую эволюцию, про губительную силу, про дружбу, предательство, про будущее, которого не избежать. И всё это — в запоминающейся анимации, нарисованной с душой.
—
И навсегда в памяти крик Канэды прямо в ночь – крик к другу, который уходит куда-то далеко.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #скриншоты
реж. Кацухиро Отомо
—
Прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря компании «Иноекино» — увидеть на большом экране легендарное #аниме Кацухиро Отомо «Акира». Причём не просто увидеть, а в реставрированной 4K-версии. Это жёсткое и даже жестокое кино, от которого, тем не менее, тяжело оторваться. Пусть местами рисовка и кажется устаревшей, но именно это придаёт особую атмосферу. А если ещё вспомнить, что каждый кадр здесь отрисован вручную (всего их 160 000, и использовано 327 уникальных цветов), — то остаётся только диву даваться.
—
«Акира», словно в лучших традициях хоррора, пугает, при этом не являясь фильмом ужасов в привычном смысле. Это скорее драматический триллер, разворачивающийся в антиутопическом будущем — в Нео-Токио, городе на грани краха. Здесь — деструктивное общество, уличные банды, погромы, протесты, страх и насилие. Страдание порождает страдание. Ненависть порождает ненависть.
—
Невозможно говорить об «Акире» Кацухиро Отомо в отрыве от его исторического и культурного статуса. Это уже не просто аниме, это что-то близкое к мифу, закодированному в неоновом шуме мегаполиса. Когда-то именно эта работа Отомо вырвалась из Японии на Запад, проложив путь для целого поколения зрителей. Сначала — для тех, кто просто искал необычную анимацию. Потом — для настоящих анимешников. И поэтому именно сейчас полезно снова посмотреть этот проект на большом экране, чтобы понять – он всё ещё работает. И как зрелище. И как что-то, что с лёгкостью вызывает тревогу.
—
История Тэцумо – это отображение взросления, беспомощного, бесконтрольного, в котором нет опоры и обратной силы. Ему «повезло» оказаться не в то время и не в том месте, чтобы овладеть божественной силой, но при этом он всё равно уязвим. Другое дело, что этот процесс никто не смог остановить – ни правительство, ни его друг Канэда, ни сам Тэцумо.
—
«Акира» Отомо – про неконтролируемую эволюцию, про губительную силу, про дружбу, предательство, про будущее, которого не избежать. И всё это — в запоминающейся анимации, нарисованной с душой.
—
И навсегда в памяти крик Канэды прямо в ночь – крик к другу, который уходит куда-то далеко.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #скриншоты
❤🔥11👍6🔥2
ДИКАЯ СЕМЕЙКА (SAUVAGES), 2024
реж. Клод Баррас
—
С сегодняшнего дня в широком прокате — силами компании RWV Film — новая кукольная работа Клода Барраса, автора запоминающейся «Жизни Кабачка», - «Дикая семейка». За визуальной лёгкостью и на первый взгляд весёлой обёрткой скрывается серьёзная история. Мультфильм поднимает темы исчезновения лесов, давления цивилизации на древние культуры и постепенного стирания коренных народов, отказывающихся принимать разрушительный «прогресс».
—
Главные герои – девочка Керия, живущая с отцом на границе с тропическим лесом Борнео, и её кузен Селай – мальчик, выросший в самом сердце этого леса. Когда в их мир приходят экскаваторы, трубопроводы и те, кто называет это «развитием», двум детям приходится бежать, выживать, учиться понимать и себя, и окружающий мир. В «Дикой семейке» есть тревога, растерянность, любовь к земле и уважение к жизни во всех её формах.
—
Это семейный #мультфильм, но, пожалуй, в первую очередь он для взрослых. В нём нет громких лозунгов — только честный, тёплый и искренний рассказ о хрупкости мира и о том, что нужно уметь его слышать. После «Дикой семейки» ещё долго остаётся послевкусие – будто тебе что-то важное сказала сама природа, и ты наконец услышал. Мне очень понравилось.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
реж. Клод Баррас
—
С сегодняшнего дня в широком прокате — силами компании RWV Film — новая кукольная работа Клода Барраса, автора запоминающейся «Жизни Кабачка», - «Дикая семейка». За визуальной лёгкостью и на первый взгляд весёлой обёрткой скрывается серьёзная история. Мультфильм поднимает темы исчезновения лесов, давления цивилизации на древние культуры и постепенного стирания коренных народов, отказывающихся принимать разрушительный «прогресс».
—
Главные герои – девочка Керия, живущая с отцом на границе с тропическим лесом Борнео, и её кузен Селай – мальчик, выросший в самом сердце этого леса. Когда в их мир приходят экскаваторы, трубопроводы и те, кто называет это «развитием», двум детям приходится бежать, выживать, учиться понимать и себя, и окружающий мир. В «Дикой семейке» есть тревога, растерянность, любовь к земле и уважение к жизни во всех её формах.
—
Это семейный #мультфильм, но, пожалуй, в первую очередь он для взрослых. В нём нет громких лозунгов — только честный, тёплый и искренний рассказ о хрупкости мира и о том, что нужно уметь его слышать. После «Дикой семейки» ещё долго остаётся послевкусие – будто тебе что-то важное сказала сама природа, и ты наконец услышал. Мне очень понравилось.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
✍8👍3🔥1
«F1»? У нас есть «Гонка» дома!
(ну, в кинотеатрах, спасибо @inoekino)
—
ГОНКА (RUSH), 2013
реж. Рон Ховард
—
Этот фильм в будущем точно ждёт статус классики спортивного кино – и как же мощно он смотрится в зале! Рёв моторов, заносы на поворотах, рок-н-ролл 70-х и, конечно же, косые взгляды между Ники Лаудой и Джеймсом Хантом – всё на месте.
—
Рон Ховард сделал не просто захватывающее кино про Формулу-1, а фильм о странной, напряжённой мужской дружбе. Почему странной? Потому что она основана на соперничестве гуляки и любимца девушек Ханта (Крис Хемсворт) и сдержанного, трудолюбивого, умного Лауды (Даниэль Брюль). За пределами трассы – колкости и презрение. На трассе – битва на грани жизни и смерти. И в итоге, пройдя путь от ненависти до уважения, эти двое становятся стимулом друг для друга.
—
Точно подобранный актёрский состав, где Хемсворт и Брюль почти вылитые реальные Хант и Лауда. История Формулы-1 знала немало противостояний, но столь ожесточённого, как у Ханта и Лауды, пожалуй, не было. В «Гонке» сначала симпатия на стороне Ханта, но постепенно восхищение и сочувствие переходят к Лауде.
—
Во время просмотра «Гонки» Ховарда то ёрзаешь на месте, то сидишь на краю кресла, а после титров хочется жить на полной скорости – пусть даже не на трассе, а хотя бы в своих делах. Ну или минимум начать разбираться в Формуле-1. Обязательно сходите на этот спортивно-драматический аттракцион в кино!
—
#Цитадель_в_кино #премьера #спорт
(ну, в кинотеатрах, спасибо @inoekino)
—
ГОНКА (RUSH), 2013
реж. Рон Ховард
—
Этот фильм в будущем точно ждёт статус классики спортивного кино – и как же мощно он смотрится в зале! Рёв моторов, заносы на поворотах, рок-н-ролл 70-х и, конечно же, косые взгляды между Ники Лаудой и Джеймсом Хантом – всё на месте.
—
Рон Ховард сделал не просто захватывающее кино про Формулу-1, а фильм о странной, напряжённой мужской дружбе. Почему странной? Потому что она основана на соперничестве гуляки и любимца девушек Ханта (Крис Хемсворт) и сдержанного, трудолюбивого, умного Лауды (Даниэль Брюль). За пределами трассы – колкости и презрение. На трассе – битва на грани жизни и смерти. И в итоге, пройдя путь от ненависти до уважения, эти двое становятся стимулом друг для друга.
—
Точно подобранный актёрский состав, где Хемсворт и Брюль почти вылитые реальные Хант и Лауда. История Формулы-1 знала немало противостояний, но столь ожесточённого, как у Ханта и Лауды, пожалуй, не было. В «Гонке» сначала симпатия на стороне Ханта, но постепенно восхищение и сочувствие переходят к Лауде.
—
Во время просмотра «Гонки» Ховарда то ёрзаешь на месте, то сидишь на краю кресла, а после титров хочется жить на полной скорости – пусть даже не на трассе, а хотя бы в своих делах. Ну или минимум начать разбираться в Формуле-1. Обязательно сходите на этот спортивно-драматический аттракцион в кино!
—
#Цитадель_в_кино #премьера #спорт
🔥13👍9🍾5
‘Cause I’m a punkrocker, yes, I am
—
СУПЕРМЕН (SUPERMAN), 2025
реж. Джеймс Ганн
—
Новый «Супермен» Джеймса Ганна доставил мне какую-то детскую радость. Чтобы вы понимали: я видел все основные фильмы про Супермена, кроме выборочных продолжений (например, четвёртой части), а потому вообще не ждал ничего от нового фильма – подозревал очередную адаптацию, что называется «слово в слово». Но каково же было моё удивление, когда я увидел отличный летний семейный блокбастер, который так нам нужен в это тяжёлое время.
—
Джеймс Ганн намеренно отказался от демонстрации привычных и набивших оскомину не только зрителю, но и ему самому, сцен – отправления Кал-Эла родителями на Землю, детства Кларка Кента в приёмной семье, знакомства с Лоис Лейн, даже первых битв. Мы «врываемся» в уже начавшееся противостояние. Вместо экспозиции – хроника текстом на экране. Умный и логичный ход: сразу в экшен, без «repeat after me».
—
Смысла углубляться в сюжет нет никакого. Зато можно коротко пройтись по тому, что добавил Ганн – и что пошло фильму только на пользу. Во-первых, сумасшедший и непослушный пёс Крипто, за которым приглядывает Кал-Эл. Масса милых, трогательных и уморительных моментов связано именно с ним. Верный пёс делает Супермена человечнее и нередко его спасает. Во-вторых, «второй план» героев, включая отряд Зелёных фонарей и в особенности Мистера Террифика (Эди Гатеги) – отличный, «двигающий» сюжет персонаж. А ещё – Гай Гарднер (Нэйтан Филлион) с причёской «а-ля деревенщина» и поведением, вызывающим смех и симпатию. Третьим пунктом выделю шикарное исполнение роли Лекса Лютера Николасом Холтом. Отлично изобразил всю суть зла одними глазами – восторг!
—
Что до самого Супермена – можно сколько угодно спорить, кто лучше: Кристофер Рив, Том Уэллинг, Генри Кавилл или Дэвид Коренсвет. Но могу точно сказать: Коренсвет подарил герою из Криптона свежесть, сохранив при этом уважение к канону. Коренсвет в образе Супермена «сидит как влитой».
—
«Супермен» у Джеймса Ганна удался. Когда картина, будь она хоть развлекательной, хоть бесконечно серьёзной, приносит удовольствие – это дорогого стоит. Очередные приключения Кларка Кента дарят летнее настроение, отвлекают от будней и, кажется, вполне успешно перезапускают вселенную DC.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
—
Кстати, о супергероике в целом и о традиционном Супермене в частности поговорили в новом выпуске подкаста. Приглашаю к прослушиванию – #ЦИподкаст.
—
СУПЕРМЕН (SUPERMAN), 2025
реж. Джеймс Ганн
—
Новый «Супермен» Джеймса Ганна доставил мне какую-то детскую радость. Чтобы вы понимали: я видел все основные фильмы про Супермена, кроме выборочных продолжений (например, четвёртой части), а потому вообще не ждал ничего от нового фильма – подозревал очередную адаптацию, что называется «слово в слово». Но каково же было моё удивление, когда я увидел отличный летний семейный блокбастер, который так нам нужен в это тяжёлое время.
—
Джеймс Ганн намеренно отказался от демонстрации привычных и набивших оскомину не только зрителю, но и ему самому, сцен – отправления Кал-Эла родителями на Землю, детства Кларка Кента в приёмной семье, знакомства с Лоис Лейн, даже первых битв. Мы «врываемся» в уже начавшееся противостояние. Вместо экспозиции – хроника текстом на экране. Умный и логичный ход: сразу в экшен, без «repeat after me».
—
Смысла углубляться в сюжет нет никакого. Зато можно коротко пройтись по тому, что добавил Ганн – и что пошло фильму только на пользу. Во-первых, сумасшедший и непослушный пёс Крипто, за которым приглядывает Кал-Эл. Масса милых, трогательных и уморительных моментов связано именно с ним. Верный пёс делает Супермена человечнее и нередко его спасает. Во-вторых, «второй план» героев, включая отряд Зелёных фонарей и в особенности Мистера Террифика (Эди Гатеги) – отличный, «двигающий» сюжет персонаж. А ещё – Гай Гарднер (Нэйтан Филлион) с причёской «а-ля деревенщина» и поведением, вызывающим смех и симпатию. Третьим пунктом выделю шикарное исполнение роли Лекса Лютера Николасом Холтом. Отлично изобразил всю суть зла одними глазами – восторг!
—
Что до самого Супермена – можно сколько угодно спорить, кто лучше: Кристофер Рив, Том Уэллинг, Генри Кавилл или Дэвид Коренсвет. Но могу точно сказать: Коренсвет подарил герою из Криптона свежесть, сохранив при этом уважение к канону. Коренсвет в образе Супермена «сидит как влитой».
—
«Супермен» у Джеймса Ганна удался. Когда картина, будь она хоть развлекательной, хоть бесконечно серьёзной, приносит удовольствие – это дорогого стоит. Очередные приключения Кларка Кента дарят летнее настроение, отвлекают от будней и, кажется, вполне успешно перезапускают вселенную DC.
—
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
—
Кстати, о супергероике в целом и о традиционном Супермене в частности поговорили в новом выпуске подкаста. Приглашаю к прослушиванию – #ЦИподкаст.
👍9❤7🔥4🥴3🍾2🦄1
БАНДА АУТСАЙДЕРОВ (BANDE Á PART), 1964
реж. Жан-Люк Годар
—
Прямо сейчас благодаря компании «Иноекино» в прокате легендарная «Банда аутсайдеров» Жан-Люка Годара. Пересматривая её на большом экране, будто оказываешься внутри самой истории – не просто зрителем, а четвёртым участником этой мечтательной троицы. В зале кинотеатра на время стирается граница между экраном и реальностью: ты уже не сидишь в кресле, а несёшься по коридорам Лувра, танцуешь в кафе и делишь с ними ощущение юношеской беспечности, наивности, замышляя революцию против скуки этого мира.
—
Этот фильм давно стал больше, чем просто страницей в истории «новой волны» – он стал отправной точкой для целых поколений режиссёров. В их числе и Тарантино, который настолько вдохновился фильмом, что назвал свою студию A Band Apart – в честь оригинального названия картины (Bande à part). Но влияние «Банды» чувствуется не только в названиях – это настроение, стиль, свобода, которая проникла в ДНК кино всего мира.
—
Годар снимает легко, как будто импровизируя, но именно в этом его сила. Фильм похож на глоток холодной воды в жаркий день: освежает, пробуждает и оставляет желание жить смелее. Сила этой троицы в искренности, и Анна Карина – сердце этого маленького заговора против обыденности. Её химия с Сами Фрейем и Клодом Брассёром настолько органична, что кажется будто они были друзьями и до съёмок, и после них.
—
#Цитадель_в_кино #криминал #драма
реж. Жан-Люк Годар
—
Прямо сейчас благодаря компании «Иноекино» в прокате легендарная «Банда аутсайдеров» Жан-Люка Годара. Пересматривая её на большом экране, будто оказываешься внутри самой истории – не просто зрителем, а четвёртым участником этой мечтательной троицы. В зале кинотеатра на время стирается граница между экраном и реальностью: ты уже не сидишь в кресле, а несёшься по коридорам Лувра, танцуешь в кафе и делишь с ними ощущение юношеской беспечности, наивности, замышляя революцию против скуки этого мира.
—
Этот фильм давно стал больше, чем просто страницей в истории «новой волны» – он стал отправной точкой для целых поколений режиссёров. В их числе и Тарантино, который настолько вдохновился фильмом, что назвал свою студию A Band Apart – в честь оригинального названия картины (Bande à part). Но влияние «Банды» чувствуется не только в названиях – это настроение, стиль, свобода, которая проникла в ДНК кино всего мира.
—
Годар снимает легко, как будто импровизируя, но именно в этом его сила. Фильм похож на глоток холодной воды в жаркий день: освежает, пробуждает и оставляет желание жить смелее. Сила этой троицы в искренности, и Анна Карина – сердце этого маленького заговора против обыденности. Её химия с Сами Фрейем и Клодом Брассёром настолько органична, что кажется будто они были друзьями и до съёмок, и после них.
—
#Цитадель_в_кино #криминал #драма
❤14👍3🔥3