Думаю, что еще не поздно для очередного выпуска этой рубрики 🙈
#Аниме выходного дня: «Порко Россо» (Kurenai no buta, 1992), реж. Хаяо Миядзаки
Почему-то во время обсуждения работ Миядзаки фильму «Порко Россо» часто уделяется меньше внимания, чем другим его произведениям. А ведь это один из тех фильмов, где в центре всего находится одно из главных увлечений Хаяо — самолёты. Полное юмора и символизма, это произведение рассказывает историю Порко Россо (настоящее имя — Марко Пагот), военного лётчика, который после Первой мировой войны столкнулся с глубокой депрессией и оказался на грани утраты смысла жизни.
Порко Россо — человек в обличии свиньи. Причины его трансформации зрителю не объясняются напрямую, но становится очевидно, что это метафора. Свинья, хотя и воспринимается как несуразное, но милое животное, в то же время обладает силой и важной ролью в экосистеме. Несмотря на свой внешний вид, Порко не утратил своей человечности и доброты, хотя долгое время ведёт отшельнический образ жизни и избегает контактов с окружающими.
«Порко Россо» — это доброе аниме, которое заманивает зрителя в свои увлекательные приключения. Здесь царит атмосфера полётов с воздушными пиратами, которые захватывают людей и устраивают баталии в воздухе, в то время как наш главный герой всегда готов прийти на помощь, забыв о своём уединении. Некоторые персонажи в фильме напоминают мне героев советских мультфильмов как по рисовке, так и по характеру. И, что приятно, «Порко Россо» оставляет после просмотра только позитивные эмоции.
#скриншоты
#Аниме выходного дня: «Порко Россо» (Kurenai no buta, 1992), реж. Хаяо Миядзаки
Почему-то во время обсуждения работ Миядзаки фильму «Порко Россо» часто уделяется меньше внимания, чем другим его произведениям. А ведь это один из тех фильмов, где в центре всего находится одно из главных увлечений Хаяо — самолёты. Полное юмора и символизма, это произведение рассказывает историю Порко Россо (настоящее имя — Марко Пагот), военного лётчика, который после Первой мировой войны столкнулся с глубокой депрессией и оказался на грани утраты смысла жизни.
Порко Россо — человек в обличии свиньи. Причины его трансформации зрителю не объясняются напрямую, но становится очевидно, что это метафора. Свинья, хотя и воспринимается как несуразное, но милое животное, в то же время обладает силой и важной ролью в экосистеме. Несмотря на свой внешний вид, Порко не утратил своей человечности и доброты, хотя долгое время ведёт отшельнический образ жизни и избегает контактов с окружающими.
«Порко Россо» — это доброе аниме, которое заманивает зрителя в свои увлекательные приключения. Здесь царит атмосфера полётов с воздушными пиратами, которые захватывают людей и устраивают баталии в воздухе, в то время как наш главный герой всегда готов прийти на помощь, забыв о своём уединении. Некоторые персонажи в фильме напоминают мне героев советских мультфильмов как по рисовке, так и по характеру. И, что приятно, «Порко Россо» оставляет после просмотра только позитивные эмоции.
#скриншоты
👍11❤6🔥5
Пересматривая фильмографию Стэнли Кубрика, единственной работой, которую я не смотрел, была «Барри Линдон» (Barry Lyndon, 1975). Что же, настало и её время.
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
4 премии «Оскар» на церемонии 1976 года — «Лучшая работа оператора», «Лучшие декорации», «Лучшие костюмы», «Лучшая музыкальная адаптация», признание критиков, культовый статус и… очень средние мои личные впечатления от фильма. Бывает и такое. Почему? Попытаемся разобраться.
Мне кажется, что основная причина таких впечатлений — отсутствие эмоциональной привязанности к сюжету. Кубрик выстраивает мир «Барри Линдона» как восковую фигуру музейного экспоната. Герои тут совсем не кажутся живыми людьми — они как фигуры на шахматной доске, передвигаемые по полю самим Кубриком. В итоге всё это смотрится с позиции эмоциональной отстранённости.
В фильме происходит много событий: мы наблюдаем за интересной жизнью ирландского парня Редмонда Барри, который убил на дуэли офицера английской армии, сбежал из родного дома в Ирландии, записался в ряды английской армии и при этом отдал грабителям все свои сбережения, коня и оружие. Казалось бы, шикарная динамика. Но нет, «Барри Линдон» — очень медленный фильм, при том, что длится 3 часа и 5 минут. Его ритм не способен удерживать внимание зрителя.
Визуально, конечно, это шедевр (огромная заслуга оператора Джона Олкотта). Да, мог бы им быть, если бы Кубрик не демонстрировал все эти красоты интерьеров и экстерьеров так статично и медленно. Вместо того чтобы двигаться динамично, ты как будто тяжело и мучительно проходишь через эти сцены. Ты не погружаешься в события, а скорее скользишь по ним, как случайный прохожий по льду незнакомой улицы.
В итоге «Барри Линдон» — это фильм, который скорее как учебник исследует, а не заставляет испытывать переживания. Нам показывают в теории увлекательную жизнь главного героя, но зрителя как будто не приглашают стать частью этой жизни. Ожидание ярких и захватывающих приключений терпит крах, и зритель вынужден принять факт: да, у Стэнли Кубрика есть такой фильм под названием «Барри Линдон», но во второй раз мы его, конечно, смотреть не будем.
#фильм #драма #скриншоты
🔥9❤6❤🔥5🕊3👍2👎2🤔1
🎥 Почему я продолжаю смотреть «Крёстного отца» — и каждый раз будто впервые
Что можно нового сказать о фильмах, про которые уже всё написано? Оказывается, многое — если смотреть сердцем, а не википедией.
У меня есть традиция — раз в несколько лет пересматривать дилогию «Крёстный отец» (The Godfather, 1972, 1974) Фрэнсиса Форда Копполы. Именно дилогию, не трилогию. И каждый раз я открываю для себя что-то новое, хотя удовольствие от просмотра всегда остаётся неизменным. Я будто бы переношусь в другой мир, не похожий ни на что.
И в этот раз я подумал: как можно написать об этой классике так, чтобы это было интересно читателю? Кажется, о «Крёстном отце» только ленивый не написал пару строк. И вот ведь удивительно — все что-то писали, а я нет. Надо бы тоже.
Что можно сказать о «Крёстном отце» в 2025 году? Наверное, то, что такого Копполы, как Коппола времён «Крёстного отца», уже не будет. Он сразу шагнул в ранг классиков мирового кинематографа — и одновременно начал путь в киноандерграунд, итогом которого (надеюсь, всё же не финальным) стал недавний «Мегалополис».
Полны сил и жизненной энергии здесь и Аль Пачино, и Роберт Де Ниро. Но в этот раз я особенно обратил внимание именно на Де Ниро. Какой же Бобби красавец во второй части! Пересматривая сиквел, я не мог оторвать глаз от него. Как он играет! Как он изображает хриплый голос Вито Корлеоне, как одними глазами передаёт страх, когда не в силах что-либо сделать, пока его маленький сын Фредо тяжело болен пневмонией. Абсолютно заслуженный «Оскар» за лучшую мужскую роль второго плана.
Что касается Пачино, то это, конечно, тоже тонкая и гениальная роль. У нас есть уникальная возможность проследить постепенную трансформацию Майкла Корлеоне. Его путь от мирного человека до хладнокровного главы семейства — это не просто сюжетный ход, а настоящая драма молчания, взглядов и минималистичной игры. Майкл будто насильно сдерживает и топит в себе эмоции, и это делает его не только сильным, но и максимально трагичным персонажем.
И ещё: если вынести за скобки тему мафии и криминала, «Крёстный отец» — это, прежде всего, история о крепких семейных узах. Преступления здесь воспринимаются как нечто само собой разумеющееся, а настоящий акцент Коппола делает на том, как всё происходящее влияет на судьбы героев. Каждый их выбор — отражение привязанности к семье, верности традициям и внутренних конфликтов. Из этого рождается ощущение кинематографической гравитации. Это как чёрная дыра: чем глубже втягиваешься, тем труднее выбраться.
Трудно выйти из событий и зрителю — особенно если сравнивать с моим недавним просмотром «Барри Линдона» Кубрика, где временами не понимаешь, куда себя деть и чем заняться. А вот с «Крёстным отцом» таких вопросов не возникает: ты не хочешь выходить из этого мира, хочешь оставаться в нём, хотя бы сторонним наблюдателем, которому посчастливилось узнать Вито, Майкла, Санни, Тома и Фредо.
#обзор #классика #скриншоты
😎 А что для вас «Крёстный отец»? Смотрели? Пересматриваете?👇
Что можно нового сказать о фильмах, про которые уже всё написано? Оказывается, многое — если смотреть сердцем, а не википедией.
У меня есть традиция — раз в несколько лет пересматривать дилогию «Крёстный отец» (The Godfather, 1972, 1974) Фрэнсиса Форда Копполы. Именно дилогию, не трилогию. И каждый раз я открываю для себя что-то новое, хотя удовольствие от просмотра всегда остаётся неизменным. Я будто бы переношусь в другой мир, не похожий ни на что.
И в этот раз я подумал: как можно написать об этой классике так, чтобы это было интересно читателю? Кажется, о «Крёстном отце» только ленивый не написал пару строк. И вот ведь удивительно — все что-то писали, а я нет. Надо бы тоже.
Что можно сказать о «Крёстном отце» в 2025 году? Наверное, то, что такого Копполы, как Коппола времён «Крёстного отца», уже не будет. Он сразу шагнул в ранг классиков мирового кинематографа — и одновременно начал путь в киноандерграунд, итогом которого (надеюсь, всё же не финальным) стал недавний «Мегалополис».
Полны сил и жизненной энергии здесь и Аль Пачино, и Роберт Де Ниро. Но в этот раз я особенно обратил внимание именно на Де Ниро. Какой же Бобби красавец во второй части! Пересматривая сиквел, я не мог оторвать глаз от него. Как он играет! Как он изображает хриплый голос Вито Корлеоне, как одними глазами передаёт страх, когда не в силах что-либо сделать, пока его маленький сын Фредо тяжело болен пневмонией. Абсолютно заслуженный «Оскар» за лучшую мужскую роль второго плана.
Что касается Пачино, то это, конечно, тоже тонкая и гениальная роль. У нас есть уникальная возможность проследить постепенную трансформацию Майкла Корлеоне. Его путь от мирного человека до хладнокровного главы семейства — это не просто сюжетный ход, а настоящая драма молчания, взглядов и минималистичной игры. Майкл будто насильно сдерживает и топит в себе эмоции, и это делает его не только сильным, но и максимально трагичным персонажем.
И ещё: если вынести за скобки тему мафии и криминала, «Крёстный отец» — это, прежде всего, история о крепких семейных узах. Преступления здесь воспринимаются как нечто само собой разумеющееся, а настоящий акцент Коппола делает на том, как всё происходящее влияет на судьбы героев. Каждый их выбор — отражение привязанности к семье, верности традициям и внутренних конфликтов. Из этого рождается ощущение кинематографической гравитации. Это как чёрная дыра: чем глубже втягиваешься, тем труднее выбраться.
Трудно выйти из событий и зрителю — особенно если сравнивать с моим недавним просмотром «Барри Линдона» Кубрика, где временами не понимаешь, куда себя деть и чем заняться. А вот с «Крёстным отцом» таких вопросов не возникает: ты не хочешь выходить из этого мира, хочешь оставаться в нём, хотя бы сторонним наблюдателем, которому посчастливилось узнать Вито, Майкла, Санни, Тома и Фредо.
#обзор #классика #скриншоты
😎 А что для вас «Крёстный отец»? Смотрели? Пересматриваете?👇
❤🔥19👍6🔥6💯1
Вы, наверное, подумали, что я уже забыл о своём стихийном марафоне фильмов с Вэлом Килмером, но нет. Продолжаем.
«Виллоу» (Willow, 1988) Рона Ховарда — наивное, доброе фэнтези конца 80-х, снятое с размахом, но всё же явно нацеленное на детскую аудиторию. Несмотря на магические сражения, демонстрацию смертей и финальную битву со злом, фильм остаётся милой сказкой: сюжет линеен и прост, спецэффекты устарели, а миниатюрные создания, которые ещё мельче гномов, ныне смотрятся скорее как смешная (или несмешная) шутка. Это кино — артефакт эпохи, когда фэнтези снималось с душой, но ещё без того технического размаха, привычного нам.
Однако именно в этом сказочном хаосе сияет Вэл Килмер — молодой, харизматичный, обаятельный парень. Он играет Мэдмартигана, второго по значимости персонажа: авантюриста, который поначалу заботится лишь о своей выгоде, но постепенно раскрывается с другой стороны. На фоне главного героя — доброго и простенького гнома в исполнении Уорвика Дэвиса — Килмер выглядит особенно ярко. Его экранное появление здесь каждый раз воспринимается как праздник. Даже играя роль второго плана, Вэл перетягивает на себя внимание, добавляя фильму весёлой хулиганской энергии.
#фильм #скриншоты
«Виллоу» (Willow, 1988) Рона Ховарда — наивное, доброе фэнтези конца 80-х, снятое с размахом, но всё же явно нацеленное на детскую аудиторию. Несмотря на магические сражения, демонстрацию смертей и финальную битву со злом, фильм остаётся милой сказкой: сюжет линеен и прост, спецэффекты устарели, а миниатюрные создания, которые ещё мельче гномов, ныне смотрятся скорее как смешная (или несмешная) шутка. Это кино — артефакт эпохи, когда фэнтези снималось с душой, но ещё без того технического размаха, привычного нам.
Однако именно в этом сказочном хаосе сияет Вэл Килмер — молодой, харизматичный, обаятельный парень. Он играет Мэдмартигана, второго по значимости персонажа: авантюриста, который поначалу заботится лишь о своей выгоде, но постепенно раскрывается с другой стороны. На фоне главного героя — доброго и простенького гнома в исполнении Уорвика Дэвиса — Килмер выглядит особенно ярко. Его экранное появление здесь каждый раз воспринимается как праздник. Даже играя роль второго плана, Вэл перетягивает на себя внимание, добавляя фильму весёлой хулиганской энергии.
#фильм #скриншоты
🔥6😍3👍2❤1
#анимевыходногодня: «За облаками» (Kumo no Mukou, Yakusoku no Basho, 2004), реж. Макото Синкай, Ёсио Судзуки.
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
Скажу так: для меня лично Макото Синкай — автор неоднозначный. Есть «Сад изящных слов», «Твоё имя», «5 сантиметров в секунду» — работы, от которых я в восторге, которые хочется с удовольствием пересматривать.
А есть и другая сторона — «Дитя погоды», «Судзумэ, закрывающая двери» и вот «За облаками», где Синкай излишне усложняет. Макото вообще любит мудрить, и в «За облаками» он обозначил столько различных тем, что не смог их развить, зато легко запутал зрителя.
А что нужно было для успешного восприятия #аниме «За облаками»? Остановиться на романтике — на нежных и трепетных отношениях главных героев, что у Синкая всегда получается особенно хорошо.
Но нет, он взял кучу тем: разделение Японии на две части после войны (одна — под управлением СССР, другая — США), строительство загадочной высоченной башни Советами, смысл которой героям этой истории нужно понять ценой жизни... И всё это ещё разбавлено расчётами и рассуждениями каких-то учёных, чей лепет обычный зритель не поймёт, только раздражится.
Я лично раздражался тем, что «За облаками» из-за высоких амбиций Синкая не выдерживает одно настроение, а рвётся на части (их там действительно много).
Но с другой стороны — это очень красивый фильм. И, возможно, он бы остался именно таким по впечатлению, оставь его Синкай мечтательным, воздушным, как эти облака в кадре. Всё это ещё обволакивается прекрасной музыкой композитора Тэнмона. Послушайте хотя бы этот трек 🎧, тогда вы всё поймёте.
Почему я выбрал именно эту работу для традиционной рубрики? Потому что «За облаками» стоит посмотреть на большом экране ради потрясающего визуала (а там, может быть, и сюжетом проникнитесь). Сейчас первую большую работу Макото Синкая можно увидеть в кинотеатрах — спасибо компании «Иноекино» за такую возможность.
#Цитадель_в_кино #скриншоты
❤10👍5🔥4
СТРАНА САША, 2022
реж. Юлия Трофимова
Во время просмотра мне хотелось назвать этот фильм милой безделушкой, но по мере развития сюжетной линии картина всё больше овладевала моим вниманием и пропитывала царящей в ней атмосферой, что в итоге «Страна Саша» мне очень понравился. И нет, не потому что меня тоже зовут Саша, и не потому что сейчас на хайпе Марк Эйдельштейн, а потому что в нём есть что-то такое, что цепляет.
Есть в нём воздушность, лёгкость, не без шероховатостей, конечно, но мы это можем воспринимать как кочки, когда летишь по улице на своём самокате, как Саша в исполнении Марка Эйдельштейна. На первый взгляд это типичная подростковая картина, но она затрагивает такие темы, как отношения отцов и детей (Саша до 17 лет не знал своего отца, который решил объявиться — и это очень лично во мне отзывается), неопределённость в жизни («мне 25, а до сих пор не знаю, чего хочу», почти по Гребенщикову), трудности первых отношений (Саша нравится одной девушке, но он боится вступать в отношения, пока случайно не встречает Женю в исполнении Марии Мацель, у которой в свою очередь хватает психических проблем), что добавляет, если не драматичности, то откликающейся мелодраматичности в большей степени.
Своеобразная игра Марка Эйдельштейна здесь очень даже в тему: его речь с паузами, эти выразительные и широко раскрытые глаза, его отношения с молодой матерью в исполнении Евгении Громовой — всё это и составляет мир этого фильма (или «страну» по названию). Ещё нравится роль Дмитрия Ендальцева, исполнившего друга Саши — Макса, какой-то образцовый старший товарищ получился (хоть и не без нюансов). Но больше всего меня поразила Мария Мацель. Какая-то особенная девушка, в которую влюбляешься, как и Саша из фильма. Я её видел в «Отпуске в октябре» Михайлова, но там почему-то она не такая особенная. Надо другие работы Михайлова с ней посмотреть (во многих, кстати, и Эйдельштейн засветился).
В итоге «Страна Саша» Юли Трофимовой оставляет после себя очень приятное послевкусие. Это фильм о поисках себя, о том, как важно понять свои чувства. Картина получилась из разряда тех, что не меняют твою жизнь, но могут напомнить о чём-то важном.
#фильм #скриншоты
реж. Юлия Трофимова
Во время просмотра мне хотелось назвать этот фильм милой безделушкой, но по мере развития сюжетной линии картина всё больше овладевала моим вниманием и пропитывала царящей в ней атмосферой, что в итоге «Страна Саша» мне очень понравился. И нет, не потому что меня тоже зовут Саша, и не потому что сейчас на хайпе Марк Эйдельштейн, а потому что в нём есть что-то такое, что цепляет.
Есть в нём воздушность, лёгкость, не без шероховатостей, конечно, но мы это можем воспринимать как кочки, когда летишь по улице на своём самокате, как Саша в исполнении Марка Эйдельштейна. На первый взгляд это типичная подростковая картина, но она затрагивает такие темы, как отношения отцов и детей (Саша до 17 лет не знал своего отца, который решил объявиться — и это очень лично во мне отзывается), неопределённость в жизни («мне 25, а до сих пор не знаю, чего хочу», почти по Гребенщикову), трудности первых отношений (Саша нравится одной девушке, но он боится вступать в отношения, пока случайно не встречает Женю в исполнении Марии Мацель, у которой в свою очередь хватает психических проблем), что добавляет, если не драматичности, то откликающейся мелодраматичности в большей степени.
Своеобразная игра Марка Эйдельштейна здесь очень даже в тему: его речь с паузами, эти выразительные и широко раскрытые глаза, его отношения с молодой матерью в исполнении Евгении Громовой — всё это и составляет мир этого фильма (или «страну» по названию). Ещё нравится роль Дмитрия Ендальцева, исполнившего друга Саши — Макса, какой-то образцовый старший товарищ получился (хоть и не без нюансов). Но больше всего меня поразила Мария Мацель. Какая-то особенная девушка, в которую влюбляешься, как и Саша из фильма. Я её видел в «Отпуске в октябре» Михайлова, но там почему-то она не такая особенная. Надо другие работы Михайлова с ней посмотреть (во многих, кстати, и Эйдельштейн засветился).
В итоге «Страна Саша» Юли Трофимовой оставляет после себя очень приятное послевкусие. Это фильм о поисках себя, о том, как важно понять свои чувства. Картина получилась из разряда тех, что не меняют твою жизнь, но могут напомнить о чём-то важном.
#фильм #скриншоты
👍10✍3❤2🔥1
КОМПАНЬОН (COMPANION), 2025
реж. Дрю Хэнкок
—
История об идеальной секс-кукле по имени Айрис, которая осознаёт себя и понимает, что вполне может жить собственной жизнью среди людей. При желании, кстати, этот фильм мог бы стать эпизодом одного из сезонов «Чёрного зеркала» — тема идеально ложится в концепцию.
—
А вообще, эта развлекательная безделушка успешно удерживала моё внимание за счёт главной актрисы — Софи Тэтчер. Не будь её — точно бы заскучал. Она обаятельна, и после прошлогоднего «Еретика» Скотта Бека и Брайана Вудса стала мелькать всё чаще (чему мы рады). Вот в «Шершнях» и «Книге Бобы Фетта» я её, честно говоря, совсем не запомнил.
—
Ещё один момент (помимо Тэтчер), который приятно выделяется в «Компаньоне» — сцена, где другая кукла по имени Патрик (Лукас Гейдж) по инициативе Джоша в исполнении Джека Куэйда (он играет владельца Айрис) получает «подкрутку» параметров до 100% агрессии, превращаясь в нечто вроде Т-1000. Очевидная отсылка к «Терминатору» — и в этот момент испытываешь почти детский восторг.
—
В остальном, конечно, «Компаньон» Дрю Хэнкока – всё та же одноразовая безделушка, которая через время выветрится из памяти. Хоть и симпатичная. Хоть и Софи Тэтчер. Думаю, что большие и запоминающиеся роли у этой девушки совсем уже близко.
—
#фильм #новинка #скриншоты
реж. Дрю Хэнкок
—
История об идеальной секс-кукле по имени Айрис, которая осознаёт себя и понимает, что вполне может жить собственной жизнью среди людей. При желании, кстати, этот фильм мог бы стать эпизодом одного из сезонов «Чёрного зеркала» — тема идеально ложится в концепцию.
—
А вообще, эта развлекательная безделушка успешно удерживала моё внимание за счёт главной актрисы — Софи Тэтчер. Не будь её — точно бы заскучал. Она обаятельна, и после прошлогоднего «Еретика» Скотта Бека и Брайана Вудса стала мелькать всё чаще (чему мы рады). Вот в «Шершнях» и «Книге Бобы Фетта» я её, честно говоря, совсем не запомнил.
—
Ещё один момент (помимо Тэтчер), который приятно выделяется в «Компаньоне» — сцена, где другая кукла по имени Патрик (Лукас Гейдж) по инициативе Джоша в исполнении Джека Куэйда (он играет владельца Айрис) получает «подкрутку» параметров до 100% агрессии, превращаясь в нечто вроде Т-1000. Очевидная отсылка к «Терминатору» — и в этот момент испытываешь почти детский восторг.
—
В остальном, конечно, «Компаньон» Дрю Хэнкока – всё та же одноразовая безделушка, которая через время выветрится из памяти. Хоть и симпатичная. Хоть и Софи Тэтчер. Думаю, что большие и запоминающиеся роли у этой девушки совсем уже близко.
—
#фильм #новинка #скриншоты
👍14❤8🔥2
Forwarded from Цитадель интересов
Ну, а если вы хотите сегодня чего-то незаезженного, то можно посмотреть картину "Солдат и слон" (1977) режиссёра Дмитрия Кесаянца с бенефисом Фрунзика Мкртчяна.
Добрейший фильм, который передаёт одними грустными глазами Фрунзика всю тяжесть того времени. Сам герой Мкртчяна всем своим нутром сопротивляется сложившимся обстоятельствам, выпуская наружу солнечного наивного ребёнка, помогающего ему спасаться.
Но при этом он настолько устал воевать, ему так опостылели кошмар и несправедливость войны, что временами он готов на луну выть. И тут как раз внезапно появляется слон, новоиспечённый друг, как чудо, которое нужно отвезти в Ереван, пока сослуживцы Арменака (так зовут персонажа Фрунзика) следуют прямо на Берлин. Можно представить чувства советского человека.
Фильм трогает, дарит улыбки и вызывает ком в горле. Настоящая находка в череде военных картин советского времени.
#фильм #скриншоты
Добрейший фильм, который передаёт одними грустными глазами Фрунзика всю тяжесть того времени. Сам герой Мкртчяна всем своим нутром сопротивляется сложившимся обстоятельствам, выпуская наружу солнечного наивного ребёнка, помогающего ему спасаться.
Но при этом он настолько устал воевать, ему так опостылели кошмар и несправедливость войны, что временами он готов на луну выть. И тут как раз внезапно появляется слон, новоиспечённый друг, как чудо, которое нужно отвезти в Ереван, пока сослуживцы Арменака (так зовут персонажа Фрунзика) следуют прямо на Берлин. Можно представить чувства советского человека.
Фильм трогает, дарит улыбки и вызывает ком в горле. Настоящая находка в череде военных картин советского времени.
#фильм #скриншоты
👍20❤6
ОТРАЖАЮЩАЯ КОЖА (THE REFLECTING SKIN), 1990
реж. Филип Ридли
—
Фильм — экспрессия, фильм — эмоция, где маленький Сет Дав (Бенджамин Купер) получает максимальную порцию отнюдь не детской беззаботности (хотя, и она присутствует), а детских страданий — причём гипертрофированных.
—
«Отражающая кожа» смотрит на происходящее глазами ребёнка, полными детского страха, искажения, фантастического восприятия. Причём это детство — внутренний кошмар, а не календарный возраст. Сет не защищается от безумного и беспощадного мира взрослых — он абсолютно перед ним беззащитен. Мальчик не знает, как реагировать на смерти и насилие, а потому рождаются домыслы, страшилки и фантазии — и они становятся практически реальными.
—
Этот фильм играет со зрителем на уровне ощущений и едва уловимых сигналов. И если вдруг удастся настроиться на его волну, то можно получить истинное удовольствие от просмотра — удовольствие, граничащее с тревогой, когда каждую сцену ты проживаешь вместе с героями.
—
Также «Отражающая кожа» — это про атмосферу, пронизывающую тебя с первых минут: крупные планы персонажей, величественная музыка композитора Ника Биката. А если углубиться в жанровое разнообразие, которое будто бисер по полу разбросал Ридли, то мы здесь увидим и хоррор с намёками на вампиризм, и триллер, где каждый герой кажется то ли жертвой, то ли маньяком, и, конечно же, глубокую драму.
—
«Отражающая кожа» — это одновременно самый поэтически утончённый и депрессивный фильм, который мне довелось посмотреть за последние годы. Здесь американская мечта осталась где-то за прилавком старьёвщика, а на первом плане виднеется лишь отсутствие надежд и будущего в глубинке, кивающей куда-то в сторону «Пустошей» Терренса Малика, а также тот всепоглощающий ужас, перекочевавший будто бы из соседнего «Синего бархата» Дэвида Линча.
—
#фильм #скриншоты #драма
реж. Филип Ридли
—
Фильм — экспрессия, фильм — эмоция, где маленький Сет Дав (Бенджамин Купер) получает максимальную порцию отнюдь не детской беззаботности (хотя, и она присутствует), а детских страданий — причём гипертрофированных.
—
«Отражающая кожа» смотрит на происходящее глазами ребёнка, полными детского страха, искажения, фантастического восприятия. Причём это детство — внутренний кошмар, а не календарный возраст. Сет не защищается от безумного и беспощадного мира взрослых — он абсолютно перед ним беззащитен. Мальчик не знает, как реагировать на смерти и насилие, а потому рождаются домыслы, страшилки и фантазии — и они становятся практически реальными.
—
Этот фильм играет со зрителем на уровне ощущений и едва уловимых сигналов. И если вдруг удастся настроиться на его волну, то можно получить истинное удовольствие от просмотра — удовольствие, граничащее с тревогой, когда каждую сцену ты проживаешь вместе с героями.
—
Также «Отражающая кожа» — это про атмосферу, пронизывающую тебя с первых минут: крупные планы персонажей, величественная музыка композитора Ника Биката. А если углубиться в жанровое разнообразие, которое будто бисер по полу разбросал Ридли, то мы здесь увидим и хоррор с намёками на вампиризм, и триллер, где каждый герой кажется то ли жертвой, то ли маньяком, и, конечно же, глубокую драму.
—
«Отражающая кожа» — это одновременно самый поэтически утончённый и депрессивный фильм, который мне довелось посмотреть за последние годы. Здесь американская мечта осталась где-то за прилавком старьёвщика, а на первом плане виднеется лишь отсутствие надежд и будущего в глубинке, кивающей куда-то в сторону «Пустошей» Терренса Малика, а также тот всепоглощающий ужас, перекочевавший будто бы из соседнего «Синего бархата» Дэвида Линча.
—
#фильм #скриншоты #драма
❤6👍5🔥5✍2
А вы знали, что есть такой американский комедийный боевик режиссёра Филлипа Нойса под названием «Святой» (The Saint, 1997), который стал одним из первых голливудских фильмов 90-х, официально получивших разрешение на съёмки в Москве после распада СССР?
—
Сюжет строится на том, что неуловимый вор и мастер перевоплощений Саймон Темплар (Вэл Килмер) по прозвищу «Святой» берётся за задание украсть формулу холодного термоядерного синтеза. Но всё усложняется, когда он влюбляется в учёную, создавшую эту формулу, и оказывается втянут в опасную игру между наукой, политикой и русской мафией.
—
Съёмки проходили не просто на задворках, а в знаковых местах – на Красной площади, в храме Василия Блаженного, в здании МГУ и на центральных улицах. Это всё было впечатляющим событием для российского зрителя 90-х: впервые после холодной войны Москва в голливудском блокбастере была показана не карикатурой или шаржем, а как столица живой страны.
—
Здесь у нас Вэл Килмер оказывается в одном кадре с популярным на тот момент Валерием Николаевым, Ириной Апексимовой, Евгением Лазаревым, Львом Прыгуновым. Особенно запоминается молодой Николаев с длинной косой — глянцевый секс-символ 90-х и по совместительству гад на побегушках, готовый на всё ради денег. Его персонаж — олицетворение того, как тогдашний Запад видел образ «нового русского». Для Николаева это была первая и весьма заметная роль в большом англоязычном кино.
—
А ещё, «Святой», конечно, очень важен для самого Килмера, потому как он здесь играет неуловимого вора с уникальным даром перевоплощения. Вэл в этом фильме сыграл массу разных персонажей, причём ему удалось их воплотить по-разному. Он не просто переодевается, а работает с голосом, жестами, акцентами. Очень интересно смотреть, как он превращается то в шепелявого журналиста с кривыми зубами, то в пожилого профессора, то в немецкого учёного, то в итальянского плейбоя с отсылками к святому Томасу Мору, то в русского бандюгана... и это далеко не всё.
—
#funfact #фильм #скриншоты
—
Сюжет строится на том, что неуловимый вор и мастер перевоплощений Саймон Темплар (Вэл Килмер) по прозвищу «Святой» берётся за задание украсть формулу холодного термоядерного синтеза. Но всё усложняется, когда он влюбляется в учёную, создавшую эту формулу, и оказывается втянут в опасную игру между наукой, политикой и русской мафией.
—
Съёмки проходили не просто на задворках, а в знаковых местах – на Красной площади, в храме Василия Блаженного, в здании МГУ и на центральных улицах. Это всё было впечатляющим событием для российского зрителя 90-х: впервые после холодной войны Москва в голливудском блокбастере была показана не карикатурой или шаржем, а как столица живой страны.
—
Здесь у нас Вэл Килмер оказывается в одном кадре с популярным на тот момент Валерием Николаевым, Ириной Апексимовой, Евгением Лазаревым, Львом Прыгуновым. Особенно запоминается молодой Николаев с длинной косой — глянцевый секс-символ 90-х и по совместительству гад на побегушках, готовый на всё ради денег. Его персонаж — олицетворение того, как тогдашний Запад видел образ «нового русского». Для Николаева это была первая и весьма заметная роль в большом англоязычном кино.
—
А ещё, «Святой», конечно, очень важен для самого Килмера, потому как он здесь играет неуловимого вора с уникальным даром перевоплощения. Вэл в этом фильме сыграл массу разных персонажей, причём ему удалось их воплотить по-разному. Он не просто переодевается, а работает с голосом, жестами, акцентами. Очень интересно смотреть, как он превращается то в шепелявого журналиста с кривыми зубами, то в пожилого профессора, то в немецкого учёного, то в итальянского плейбоя с отсылками к святому Томасу Мору, то в русского бандюгана... и это далеко не всё.
—
#funfact #фильм #скриншоты
❤🔥9✍5🔥5❤3🦄1
«Доктор Стрейнджлав, или Как я научился не волноваться и полюбил атомную бомбу» (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1963) Стэнли Кубрика, мягко говоря, не является моей самой любимой работой у великого и ужасного, потому как изрядно устарела во всех смыслах. Но можно выделить один интересный #funfact.
—
Дело в том, что Питер Селлерс играл сразу три роли в фильме, и по контракту должен был сыграть ещё и четвёртую — майора Конга, ковбоя-пилота, сбрасывающего бомбу. Однако Селлерс отказался от этой роли, сославшись на травму ноги и сложности с акцентом южанина. В итоге роль досталась актёру Слиму Пикенсу, настоящему техасцу, что придало сценам с его участием дополнительный колорит.
—
Забавно, что Кубрик вначале настаивал на участии Селлерса во всех ключевых ролях, чтобы подчеркнуть абсурдность войны и взаимозаменяемость власти.
—
#скриншоты
—
Дело в том, что Питер Селлерс играл сразу три роли в фильме, и по контракту должен был сыграть ещё и четвёртую — майора Конга, ковбоя-пилота, сбрасывающего бомбу. Однако Селлерс отказался от этой роли, сославшись на травму ноги и сложности с акцентом южанина. В итоге роль досталась актёру Слиму Пикенсу, настоящему техасцу, что придало сценам с его участием дополнительный колорит.
—
Забавно, что Кубрик вначале настаивал на участии Селлерса во всех ключевых ролях, чтобы подчеркнуть абсурдность войны и взаимозаменяемость власти.
—
#скриншоты
❤16👍4🔥2😁1🤡1
2001 ГОД: КОСМИЧЕСКАЯ ОДИССЕЯ (2001: A SPACE ODYSSEY), 1968
реж. Стэнли Кубрик
—
У меня странные отношения с этой работой Кубрика. Впервые я увидел этот фильм, будучи учеником юридического лицея, и в процессе постоянно хватался за голову, мол, что это, «Восстание планеты обезьян»? Что за приматы вообще? Потом, во время длиннющих экспозиций космоса, мне казалось, что с колонками что-то не так — где звук? где речь? По итогу досмотрел и отложил в долгий ящик. Возраст был слишком ранним для такой картины.
—
И до сих пор споры вокруг этого фильма не утихают. Одни говорят: это псевдоинтеллектуальное произведение, сам Кубрик толком не понял, что хотел сказать. Другие уверены: это шедевр на все времена. Справедливости ради «Космическая одиссея» действительно регулярно попадает в вершины авторитетных списков. Насколько справедливо — вопрос. Что до моего мнения, то пересмотр мне понравился гораздо больше первого раза, и действительно заставил задуматься.
—
Здесь великолепный визуальный ряд, который вкупе с роскошной музыкой буквально уносит — не просто в космос, а вглубь сознания. От сотворения мира, где приматы сталкиваются с загадочным чёрным монолитом, до будущего, где экипаж корабля «Дискавери» отправляется к Юпитеру, чтобы исследовать источник сигнала — от ещё одного монолита, найденного на Луне. Монолит здесь — не просто объект. Это символ принудительной эволюции. Человечество сталкивается с ним на каждом этапе развития — и каждый раз вынуждено меняться, расти.
—
Удалось ли Кубрику предсказать будущее? Во многом – да. Изобретение искусственного интеллекта он совершенно точно смог разглядеть: HAL 9000, бортовой компьютер, ставший чуть ли не ключевым персонажем, это практически аналог любого современного chatgpt или deepseek. Беззвучный космос? В яблочко — именно это тогда показалось мне «глюком колонок». Видеосвязь? Уже обыденность. Полёт на Луну? Состоялся в 1969-м, а фильм вышел в 1968-м. Совпадение? Не думаю.
—
Но, естественно, масштабно Стэнли Кубрик не смог предсказать то, как будет выглядеть мир образца 2001 года. Понял ли я этот фильм, пересмотрев его во вполне уже осознанном возрасте? Сомнительно, честно. Это, безусловно, великая картина. О жизни. О человеке. О его месте в мире. О том, как далеко мы можем зайти — и в пространстве, и в сознании. Мы задаёмся вопросами о прочности и границах человеческого познания и то, в каком виде мы сможем существовать в будущем. Это всё за пределами человеческого понимания. Кубрик уже давно сам часть того самого Космоса. И мы там будем. Но совершенно точно: «2001 год: Космическая одиссея» Кубрика – это визуальный шедевр. И настоящяя киноэмоция.
—
#фильм #фантастика #скриншоты
реж. Стэнли Кубрик
—
У меня странные отношения с этой работой Кубрика. Впервые я увидел этот фильм, будучи учеником юридического лицея, и в процессе постоянно хватался за голову, мол, что это, «Восстание планеты обезьян»? Что за приматы вообще? Потом, во время длиннющих экспозиций космоса, мне казалось, что с колонками что-то не так — где звук? где речь? По итогу досмотрел и отложил в долгий ящик. Возраст был слишком ранним для такой картины.
—
И до сих пор споры вокруг этого фильма не утихают. Одни говорят: это псевдоинтеллектуальное произведение, сам Кубрик толком не понял, что хотел сказать. Другие уверены: это шедевр на все времена. Справедливости ради «Космическая одиссея» действительно регулярно попадает в вершины авторитетных списков. Насколько справедливо — вопрос. Что до моего мнения, то пересмотр мне понравился гораздо больше первого раза, и действительно заставил задуматься.
—
Здесь великолепный визуальный ряд, который вкупе с роскошной музыкой буквально уносит — не просто в космос, а вглубь сознания. От сотворения мира, где приматы сталкиваются с загадочным чёрным монолитом, до будущего, где экипаж корабля «Дискавери» отправляется к Юпитеру, чтобы исследовать источник сигнала — от ещё одного монолита, найденного на Луне. Монолит здесь — не просто объект. Это символ принудительной эволюции. Человечество сталкивается с ним на каждом этапе развития — и каждый раз вынуждено меняться, расти.
—
Удалось ли Кубрику предсказать будущее? Во многом – да. Изобретение искусственного интеллекта он совершенно точно смог разглядеть: HAL 9000, бортовой компьютер, ставший чуть ли не ключевым персонажем, это практически аналог любого современного chatgpt или deepseek. Беззвучный космос? В яблочко — именно это тогда показалось мне «глюком колонок». Видеосвязь? Уже обыденность. Полёт на Луну? Состоялся в 1969-м, а фильм вышел в 1968-м. Совпадение? Не думаю.
—
Но, естественно, масштабно Стэнли Кубрик не смог предсказать то, как будет выглядеть мир образца 2001 года. Понял ли я этот фильм, пересмотрев его во вполне уже осознанном возрасте? Сомнительно, честно. Это, безусловно, великая картина. О жизни. О человеке. О его месте в мире. О том, как далеко мы можем зайти — и в пространстве, и в сознании. Мы задаёмся вопросами о прочности и границах человеческого познания и то, в каком виде мы сможем существовать в будущем. Это всё за пределами человеческого понимания. Кубрик уже давно сам часть того самого Космоса. И мы там будем. Но совершенно точно: «2001 год: Космическая одиссея» Кубрика – это визуальный шедевр. И настоящяя киноэмоция.
—
#фильм #фантастика #скриншоты
👍14❤7🔥6👏3
#анимевыходногодня: «Акира» (Akira, 1987)
реж. Кацухиро Отомо
—
Прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря компании «Иноекино» — увидеть на большом экране легендарное #аниме Кацухиро Отомо «Акира». Причём не просто увидеть, а в реставрированной 4K-версии. Это жёсткое и даже жестокое кино, от которого, тем не менее, тяжело оторваться. Пусть местами рисовка и кажется устаревшей, но именно это придаёт особую атмосферу. А если ещё вспомнить, что каждый кадр здесь отрисован вручную (всего их 160 000, и использовано 327 уникальных цветов), — то остаётся только диву даваться.
—
«Акира», словно в лучших традициях хоррора, пугает, при этом не являясь фильмом ужасов в привычном смысле. Это скорее драматический триллер, разворачивающийся в антиутопическом будущем — в Нео-Токио, городе на грани краха. Здесь — деструктивное общество, уличные банды, погромы, протесты, страх и насилие. Страдание порождает страдание. Ненависть порождает ненависть.
—
Невозможно говорить об «Акире» Кацухиро Отомо в отрыве от его исторического и культурного статуса. Это уже не просто аниме, это что-то близкое к мифу, закодированному в неоновом шуме мегаполиса. Когда-то именно эта работа Отомо вырвалась из Японии на Запад, проложив путь для целого поколения зрителей. Сначала — для тех, кто просто искал необычную анимацию. Потом — для настоящих анимешников. И поэтому именно сейчас полезно снова посмотреть этот проект на большом экране, чтобы понять – он всё ещё работает. И как зрелище. И как что-то, что с лёгкостью вызывает тревогу.
—
История Тэцумо – это отображение взросления, беспомощного, бесконтрольного, в котором нет опоры и обратной силы. Ему «повезло» оказаться не в то время и не в том месте, чтобы овладеть божественной силой, но при этом он всё равно уязвим. Другое дело, что этот процесс никто не смог остановить – ни правительство, ни его друг Канэда, ни сам Тэцумо.
—
«Акира» Отомо – про неконтролируемую эволюцию, про губительную силу, про дружбу, предательство, про будущее, которого не избежать. И всё это — в запоминающейся анимации, нарисованной с душой.
—
И навсегда в памяти крик Канэды прямо в ночь – крик к другу, который уходит куда-то далеко.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #скриншоты
реж. Кацухиро Отомо
—
Прямо сейчас есть уникальная возможность — благодаря компании «Иноекино» — увидеть на большом экране легендарное #аниме Кацухиро Отомо «Акира». Причём не просто увидеть, а в реставрированной 4K-версии. Это жёсткое и даже жестокое кино, от которого, тем не менее, тяжело оторваться. Пусть местами рисовка и кажется устаревшей, но именно это придаёт особую атмосферу. А если ещё вспомнить, что каждый кадр здесь отрисован вручную (всего их 160 000, и использовано 327 уникальных цветов), — то остаётся только диву даваться.
—
«Акира», словно в лучших традициях хоррора, пугает, при этом не являясь фильмом ужасов в привычном смысле. Это скорее драматический триллер, разворачивающийся в антиутопическом будущем — в Нео-Токио, городе на грани краха. Здесь — деструктивное общество, уличные банды, погромы, протесты, страх и насилие. Страдание порождает страдание. Ненависть порождает ненависть.
—
Невозможно говорить об «Акире» Кацухиро Отомо в отрыве от его исторического и культурного статуса. Это уже не просто аниме, это что-то близкое к мифу, закодированному в неоновом шуме мегаполиса. Когда-то именно эта работа Отомо вырвалась из Японии на Запад, проложив путь для целого поколения зрителей. Сначала — для тех, кто просто искал необычную анимацию. Потом — для настоящих анимешников. И поэтому именно сейчас полезно снова посмотреть этот проект на большом экране, чтобы понять – он всё ещё работает. И как зрелище. И как что-то, что с лёгкостью вызывает тревогу.
—
История Тэцумо – это отображение взросления, беспомощного, бесконтрольного, в котором нет опоры и обратной силы. Ему «повезло» оказаться не в то время и не в том месте, чтобы овладеть божественной силой, но при этом он всё равно уязвим. Другое дело, что этот процесс никто не смог остановить – ни правительство, ни его друг Канэда, ни сам Тэцумо.
—
«Акира» Отомо – про неконтролируемую эволюцию, про губительную силу, про дружбу, предательство, про будущее, которого не избежать. И всё это — в запоминающейся анимации, нарисованной с душой.
—
И навсегда в памяти крик Канэды прямо в ночь – крик к другу, который уходит куда-то далеко.
—
#Цитадель_в_кино #премьера #скриншоты
❤🔥11👍6🔥2
ВОИНЫ СВЕТА (DAYBREAKERS), 2009
реж. Майкл Спириг, Питер Спириг
—
А вот и картина, которая способна порадовать куда сильнее, чем недавние «Грешники». Я с самого детства люблю фильмы про вампиров — «От заката до рассвета», «Блэйд», «Вампиры», «Интервью с вампиром» — это то, что я готов с удовольствием пересматривать и сейчас. После просмотра «Воинов света» братьев Спириг могу смело сказать: этот фильм тоже теперь в моём списке.
—
«Воины света» оригинальны уже тем, что предлагают альтернативный взгляд на вещь вроде бы привычную. Вампиры победили. Теперь они — вершина пищевой цепи, а люди — низшая каста, подопытный вид, которых истреблять нельзя, ведь они — носители ценной крови, без которой вампиры не выживут.
—
Вампиры здесь — офисные сотрудники, учёные, полицейские, заказывающие в кофейнях капучино с каплей крови. Их образ жизни – не прежняя романтика с острыми клыками и длинными кожаными плащами, а рутинное выживание за счёт людей, которых остаётся всё меньше. Самые уважаемые умы работают над тем, чтобы разработать заменитель человеческой крови. Один из них — Эдвард Далтон (Итан Хоук).
—
Далтон в исполнении Хоука — меланхоличный, уставший, равнодушный к новой реальности вампир. Ему наскучила эта жизнь, он передвигается исключительно с сигаретой в зубах и отвергает бокал за бокалом высококачественной крови из рук родного брата. Кажется, что все его разработки зашли в тупик. Но неожиданная встреча с группой выживших людей, в числе которых Лайонел, он же Элвис (Уиллем Дефо), и Одри (Клаудия Карван), открывает Эдварду путь к спасению — возможно, даже для всего вида.
—
«Воины света» — это стильная антиутопия. Стиль задаёт уже один только образ Хоука — будто герой нуара 40-х, застрявший в будущем. Фильм — коктейль жанров: вампирский хоррор, сайфай, нео-нуар, драма. Суровая визуальность: бесконечные подземные коридоры, наглухо тонированные автомобили, архитектура без солнца. Быт «новой реальности» продуман до деталей, и в какой-то момент ты перестаёшь удивляться — веришь в этот мир.
—
Конечно же, фильм не без минусов. Например, после демонстрации этой оригинальной идеи с бытом вампиров в первой половине фильма, во второй половине всё уходит в привычный шаблонный экшен – кровавые перестрелки, погони, взрывы, будто бы начинается какой-то боевичок. Но и это можно простить и обратить в плюс, ведь за всем этим всё же находится тоска по утраченному миру. Фильм не просто пугает, он напоминает, что страшен не тот, кто пьёт кровь, а тот, кто спокойно живёт без неё.
—
«Воинам света» можно простить многое: и повороты в жанровое кино, и не слишком тонкую мораль. За оригинальную идею, за тревожный подтекст, за Хоука и Дефо, за Сэма Нила в роли образцового антагониста. Мне кажется, эта картина незаслуженно забыта. А ведь она всё ещё работает — и как хоррор, и как аллегория.
—
#фильм #хоррор #скриншоты
реж. Майкл Спириг, Питер Спириг
—
А вот и картина, которая способна порадовать куда сильнее, чем недавние «Грешники». Я с самого детства люблю фильмы про вампиров — «От заката до рассвета», «Блэйд», «Вампиры», «Интервью с вампиром» — это то, что я готов с удовольствием пересматривать и сейчас. После просмотра «Воинов света» братьев Спириг могу смело сказать: этот фильм тоже теперь в моём списке.
—
«Воины света» оригинальны уже тем, что предлагают альтернативный взгляд на вещь вроде бы привычную. Вампиры победили. Теперь они — вершина пищевой цепи, а люди — низшая каста, подопытный вид, которых истреблять нельзя, ведь они — носители ценной крови, без которой вампиры не выживут.
—
Вампиры здесь — офисные сотрудники, учёные, полицейские, заказывающие в кофейнях капучино с каплей крови. Их образ жизни – не прежняя романтика с острыми клыками и длинными кожаными плащами, а рутинное выживание за счёт людей, которых остаётся всё меньше. Самые уважаемые умы работают над тем, чтобы разработать заменитель человеческой крови. Один из них — Эдвард Далтон (Итан Хоук).
—
Далтон в исполнении Хоука — меланхоличный, уставший, равнодушный к новой реальности вампир. Ему наскучила эта жизнь, он передвигается исключительно с сигаретой в зубах и отвергает бокал за бокалом высококачественной крови из рук родного брата. Кажется, что все его разработки зашли в тупик. Но неожиданная встреча с группой выживших людей, в числе которых Лайонел, он же Элвис (Уиллем Дефо), и Одри (Клаудия Карван), открывает Эдварду путь к спасению — возможно, даже для всего вида.
—
«Воины света» — это стильная антиутопия. Стиль задаёт уже один только образ Хоука — будто герой нуара 40-х, застрявший в будущем. Фильм — коктейль жанров: вампирский хоррор, сайфай, нео-нуар, драма. Суровая визуальность: бесконечные подземные коридоры, наглухо тонированные автомобили, архитектура без солнца. Быт «новой реальности» продуман до деталей, и в какой-то момент ты перестаёшь удивляться — веришь в этот мир.
—
Конечно же, фильм не без минусов. Например, после демонстрации этой оригинальной идеи с бытом вампиров в первой половине фильма, во второй половине всё уходит в привычный шаблонный экшен – кровавые перестрелки, погони, взрывы, будто бы начинается какой-то боевичок. Но и это можно простить и обратить в плюс, ведь за всем этим всё же находится тоска по утраченному миру. Фильм не просто пугает, он напоминает, что страшен не тот, кто пьёт кровь, а тот, кто спокойно живёт без неё.
—
«Воинам света» можно простить многое: и повороты в жанровое кино, и не слишком тонкую мораль. За оригинальную идею, за тревожный подтекст, за Хоука и Дефо, за Сэма Нила в роли образцового антагониста. Мне кажется, эта картина незаслуженно забыта. А ведь она всё ещё работает — и как хоррор, и как аллегория.
—
#фильм #хоррор #скриншоты
👍17❤5🔥5
КЕЙ-ПОП-ОХОТНИЦЫ НА ДЕМОНОВ (KPOP DEMON HUNTERS), 2025
реж. Крис Аппельханс, Мэгги Кан
—
Вот уже в который раз говорю себе: не жди от проекта ничего — и получишь удовольствие. Всё это напомнило мне полтора часа в Fortnite: но теперь с основной темой борьбы с демонами и кей-поп-девочками. Вполне можно представить такой сезон в игре, и я бы с радостью в него залип. А стиль графики тут ещё чем-то напоминает «Человека-паука: Через вселенные» и «Паутину вселенных» — люблю такой визуал, и он здесь вполне к месту.
—
Суть простая и забавная: с древних времён девушки с талантом к пению защищают людей от демонов. В наше время такую миссию выполняет трио Huntrix — красавицы и звёзды кей-попа. Между концертами они сражаются с нечистью, мечтая об отпуске, диване, кимпабах и острой лапше Buldak. Однажды демоны принимают облик бойз-бэнда и начинают переманивать фанатов, выкачивая из них души — что логично воспринимается не только как вызов, но и удар по самолюбию талантливых девочек. Концертный тур превращается в поле битвы.
—
Да, это безумие, да, это немного сюжетно поверхностно — но местами очень даже весело. Анимация яркая, ритм бодрый, фансервис умеренный, и главное — в этом чувствуется драйв, будто создатели реально кайфовали от идеи. У мультфильма отличный порог вхождения: необязательно любить кей-поп или мюзиклы — песни тут крутые сами по себе, и всё работает как музыкальное шоу. Не каждый день выходят мультфильмы, где демоны сражаются на сцене против гёрлз-бэнда. И именно в этом вся прелесть.
—
#новинка #мультфильм #скриншоты
реж. Крис Аппельханс, Мэгги Кан
—
Вот уже в который раз говорю себе: не жди от проекта ничего — и получишь удовольствие. Всё это напомнило мне полтора часа в Fortnite: но теперь с основной темой борьбы с демонами и кей-поп-девочками. Вполне можно представить такой сезон в игре, и я бы с радостью в него залип. А стиль графики тут ещё чем-то напоминает «Человека-паука: Через вселенные» и «Паутину вселенных» — люблю такой визуал, и он здесь вполне к месту.
—
Суть простая и забавная: с древних времён девушки с талантом к пению защищают людей от демонов. В наше время такую миссию выполняет трио Huntrix — красавицы и звёзды кей-попа. Между концертами они сражаются с нечистью, мечтая об отпуске, диване, кимпабах и острой лапше Buldak. Однажды демоны принимают облик бойз-бэнда и начинают переманивать фанатов, выкачивая из них души — что логично воспринимается не только как вызов, но и удар по самолюбию талантливых девочек. Концертный тур превращается в поле битвы.
—
Да, это безумие, да, это немного сюжетно поверхностно — но местами очень даже весело. Анимация яркая, ритм бодрый, фансервис умеренный, и главное — в этом чувствуется драйв, будто создатели реально кайфовали от идеи. У мультфильма отличный порог вхождения: необязательно любить кей-поп или мюзиклы — песни тут крутые сами по себе, и всё работает как музыкальное шоу. Не каждый день выходят мультфильмы, где демоны сражаются на сцене против гёрлз-бэнда. И именно в этом вся прелесть.
—
#новинка #мультфильм #скриншоты
🍾15❤6🔥2😈2
СИЯНИЕ (THE SHINING), 1980
реж. Стэнли Кубрик
—
Danny, I’m coming!
—
«Сияние» — самый мной пересматриваемый и, наверное, самый любимый фильм Кубрика. Это, на мой взгляд, мастерская экранизация Кинга, хотя сам Стивен долгое время терпеть её не мог, считая худшей адаптацией своих книг. Он говорил, что Кубрик совсем не понял его замысел. Но время всё расставило на свои места: спустя годы «Сияние» признаётся одним из величайших хорроров всех времён. Да и сам Кинг со временем смягчился — особенно после выхода сиквела «Доктор Сон» в 2019 году, о котором он отозвался теплее, и заодно признал, что и «Сияние» «ничего».
—
Лично я впервые увидел все эти сцены, ставшие культурным кодом, не в фильме 1980 года, а в неожиданном месте – в клипе группы Slipknot на трек «Spit it Out» (посмотрите). Девочек-близняшек, коридоры отеля Оверлук, трёхколёсный велосипед, образ Джека Торранса, роль которого в клипе исполняет солист группы Кори Тейлор. Это были не просто цитаты, а реконструкция визуального стиля Кубрика, но при этом с мрачной эстетикой Слипнота. Вот так вот.
—
Мне кажется, что в этом фильме для меня всё «сошлось»: «убийственная» актёрская игра Джека Николсона, которая с каждым просмотром раскрывается всё глубже. Поначалу может показаться, что он чересчур переигрывает, но вскоре понимаешь — это часть безумия, оно должно быть именно таким. Атмосфера нарастающего ужаса, подчёркнутая резким, тревожным музыкальным сопровождением. Изоляция и безумие, вытекающее из неё. Стирание границ между внутренним миром героя и прóклятым отелем.
—
Моим любимым криповым моментом в фильме помимо, конечно, сцен с Николсоном и топором, является каждое появление в коридорах отеля девочек-близняшек, терзающих сознание маленького Дэнни (Дэнни Ллойд). Явись мне такое во сне – я бы тоже проснулся, причитая «redrum».
—
Во время последнего пересмотра я впервые по-настоящему переживал за Венди (Шелли Дювалл). Раньше она меня, честно говоря, раздражала. Возможно, это изменилось после того, как я узнал, как Кубрик буквально изводил актрису на съёмках. Её психическое истощение не было актёрским приёмом — это был результат бесконечных дублей и давления, которое преследовало её потом всю жизнь. Та самая сцена с бейсбольной битой, которую переснимали около 100 раз — яркое тому доказательство.
—
Основная претензия Кинга заключалась в том, что Кубрик, по его мнению, «не дал отелю голоса». В книге Оверлук — почти самостоятельный персонаж. Но я не согласен: в фильме влияние отеля чувствуется буквально во всём. Он влияет не только на Джека, но и на его жену и сына. Здесь, скорее, столкнулись два сильных характера — писатель и режиссёр, у каждого своя правда.
—
Наверное, странно напоминать, что «Сияние» — легендарный хоррор, оказавший влияние на весь жанр. Но я всё же напомню. Его прелесть в том, что он продолжает преследовать тебя задолго после окончания финальных титров. Потому что настоящий ужас исходит не от каких-то там приведений, настоящий ужас — в человеке.
—
#фильм #хоррор #скриншоты
реж. Стэнли Кубрик
—
Danny, I’m coming!
—
«Сияние» — самый мной пересматриваемый и, наверное, самый любимый фильм Кубрика. Это, на мой взгляд, мастерская экранизация Кинга, хотя сам Стивен долгое время терпеть её не мог, считая худшей адаптацией своих книг. Он говорил, что Кубрик совсем не понял его замысел. Но время всё расставило на свои места: спустя годы «Сияние» признаётся одним из величайших хорроров всех времён. Да и сам Кинг со временем смягчился — особенно после выхода сиквела «Доктор Сон» в 2019 году, о котором он отозвался теплее, и заодно признал, что и «Сияние» «ничего».
—
Лично я впервые увидел все эти сцены, ставшие культурным кодом, не в фильме 1980 года, а в неожиданном месте – в клипе группы Slipknot на трек «Spit it Out» (посмотрите). Девочек-близняшек, коридоры отеля Оверлук, трёхколёсный велосипед, образ Джека Торранса, роль которого в клипе исполняет солист группы Кори Тейлор. Это были не просто цитаты, а реконструкция визуального стиля Кубрика, но при этом с мрачной эстетикой Слипнота. Вот так вот.
—
Мне кажется, что в этом фильме для меня всё «сошлось»: «убийственная» актёрская игра Джека Николсона, которая с каждым просмотром раскрывается всё глубже. Поначалу может показаться, что он чересчур переигрывает, но вскоре понимаешь — это часть безумия, оно должно быть именно таким. Атмосфера нарастающего ужаса, подчёркнутая резким, тревожным музыкальным сопровождением. Изоляция и безумие, вытекающее из неё. Стирание границ между внутренним миром героя и прóклятым отелем.
—
Моим любимым криповым моментом в фильме помимо, конечно, сцен с Николсоном и топором, является каждое появление в коридорах отеля девочек-близняшек, терзающих сознание маленького Дэнни (Дэнни Ллойд). Явись мне такое во сне – я бы тоже проснулся, причитая «redrum».
—
Во время последнего пересмотра я впервые по-настоящему переживал за Венди (Шелли Дювалл). Раньше она меня, честно говоря, раздражала. Возможно, это изменилось после того, как я узнал, как Кубрик буквально изводил актрису на съёмках. Её психическое истощение не было актёрским приёмом — это был результат бесконечных дублей и давления, которое преследовало её потом всю жизнь. Та самая сцена с бейсбольной битой, которую переснимали около 100 раз — яркое тому доказательство.
—
Основная претензия Кинга заключалась в том, что Кубрик, по его мнению, «не дал отелю голоса». В книге Оверлук — почти самостоятельный персонаж. Но я не согласен: в фильме влияние отеля чувствуется буквально во всём. Он влияет не только на Джека, но и на его жену и сына. Здесь, скорее, столкнулись два сильных характера — писатель и режиссёр, у каждого своя правда.
—
Наверное, странно напоминать, что «Сияние» — легендарный хоррор, оказавший влияние на весь жанр. Но я всё же напомню. Его прелесть в том, что он продолжает преследовать тебя задолго после окончания финальных титров. Потому что настоящий ужас исходит не от каких-то там приведений, настоящий ужас — в человеке.
—
#фильм #хоррор #скриншоты
🔥12❤5👏3😱1💋1😈1
С ШИРОКО ЗАКРЫТЫМИ ГЛАЗАМИ (EYES WIDE SHUT), 1999
реж. Стэнли Кубрик
—
Вроде бы брак. Вроде бы верность. Вроде бы Том Круз и Николь Кидман. Но вдруг — откровение, маскарад, ночь, где всё зыбко: желания, роли, границы. Кубрик проводит героя сквозь сон, похожий на измену, на исповедь, на кошмар. Секс — как иллюзия близости. Правда — как утечка снов. И ты не уверен, что проснулся.
—
Во время выхода фильм восприняли прохладно — критики ругали его за медлительность, пустоту (слово так и хочется взять в кавычки) и излишне неоправданную эротичность. Кубрик умер незадолго до премьеры, так и не услышав, что спустя годы лента будет переосмыслена и названа одним из его самых личных произведений. Сегодня «С широко закрытыми глазами» — это классика, опередившая своё время. И, наверное, не зря: я и сам то ругаю этот фильм, то растворяюсь в нём с удовольствием. Видимо, именно в этой неустойчивости и кроется его сила — в неустойчивости чувств, в том, как он ускользает и оставляет послевкусие.
—
Последний фильм Стэнли Кубрика. Самый неуловимый. Не про плоть — про страх. Не про секс — про одиночество. Мы все с кем-то живём. И притворяемся, что друг друга знаем. Ирония ли, что по одной из версий Круз и Кидман в итоге развелись, не выдержав проверку Кубриком.
—
#фильм #триллер #скриншоты
реж. Стэнли Кубрик
—
Вроде бы брак. Вроде бы верность. Вроде бы Том Круз и Николь Кидман. Но вдруг — откровение, маскарад, ночь, где всё зыбко: желания, роли, границы. Кубрик проводит героя сквозь сон, похожий на измену, на исповедь, на кошмар. Секс — как иллюзия близости. Правда — как утечка снов. И ты не уверен, что проснулся.
—
Во время выхода фильм восприняли прохладно — критики ругали его за медлительность, пустоту (слово так и хочется взять в кавычки) и излишне неоправданную эротичность. Кубрик умер незадолго до премьеры, так и не услышав, что спустя годы лента будет переосмыслена и названа одним из его самых личных произведений. Сегодня «С широко закрытыми глазами» — это классика, опередившая своё время. И, наверное, не зря: я и сам то ругаю этот фильм, то растворяюсь в нём с удовольствием. Видимо, именно в этой неустойчивости и кроется его сила — в неустойчивости чувств, в том, как он ускользает и оставляет послевкусие.
—
Последний фильм Стэнли Кубрика. Самый неуловимый. Не про плоть — про страх. Не про секс — про одиночество. Мы все с кем-то живём. И притворяемся, что друг друга знаем. Ирония ли, что по одной из версий Круз и Кидман в итоге развелись, не выдержав проверку Кубриком.
—
#фильм #триллер #скриншоты
👍19❤4🔥3👏2