"Воз сена"
1515 г.
Иероним Босх
Национальный музей Прадо, Мадрид.
В центральной части открытого триптиха «Воз сена» изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия и сюжеты картины. Воз влекут семь ужасных полулюдей-полузверей: наполовину львы, собаки, медведи, рыбы, волки. Они символизируют гордыню, деспотизм, жадность, жестокость и другие пороки. За повозкой следуют представители различных сословий, каждый из них стремится ухватить себе сена. Людьми движет жажда наживы, из-за которой они бьют и убивают друг друга. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. Только сильные мира сего не вмешиваются в драки, потому что этот воз итак принадлежит им. На вершине стога под аккомпанемент служителя Дьявола музицируют люди, за ними стоит, обнявшись, пара влюбленных. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Главный мотив картины человеческая глупость и жадность, из-за которых люди не могут сделать выбор между земными богатствами и возможностью вечно жить в раю.
#ИеронимБосх #АллегорическаяCцена #СеверноеВозрождение
1515 г.
Иероним Босх
Национальный музей Прадо, Мадрид.
В центральной части открытого триптиха «Воз сена» изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия и сюжеты картины. Воз влекут семь ужасных полулюдей-полузверей: наполовину львы, собаки, медведи, рыбы, волки. Они символизируют гордыню, деспотизм, жадность, жестокость и другие пороки. За повозкой следуют представители различных сословий, каждый из них стремится ухватить себе сена. Людьми движет жажда наживы, из-за которой они бьют и убивают друг друга. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. Только сильные мира сего не вмешиваются в драки, потому что этот воз итак принадлежит им. На вершине стога под аккомпанемент служителя Дьявола музицируют люди, за ними стоит, обнявшись, пара влюбленных. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Главный мотив картины человеческая глупость и жадность, из-за которых люди не могут сделать выбор между земными богатствами и возможностью вечно жить в раю.
#ИеронимБосх #АллегорическаяCцена #СеверноеВозрождение
"Искушение Святого Антония"
1946 г.
Сальвадор Дали
Королевские музеи изящных искусств, Брюссель.
Картина Сальвадора Дали “Искушение святого Антония” появилась благодаря кинематографу. Для фильма “Милый друг” потребовалось нарисовать образ святого, подвергающегося различным искушениям. Множество различных художников приняли участие в этом конкурсе, в том числе и великий сюрреалист Сальвадор Дали, но победу одержал некий художник – эмигрант из Европы.
Святой Антоний – это реально существующий отшельник, который жил в IV веке. По преданию, ему практически каждую ночь являлись демоны, мучающие его, или женщины, пытавшиеся его соблазнить.
Сюжет, изображающий искушения святого Антония был очень популярен в средние века; второе рождение он пережил уже в середине XX века. Сальвадор дали предложил достаточно оригинальную трактовку этого сюжета, впрочем, как и многих других.
Картина Сальвадора Дали “Искушение святого Антония” словно обладает дополнительным измерением между небом и землей, длинные и тонкие ноги слонов находятся именно там. В центре композиции художник изобразил все искушения, мучающие отшельника, а сам он находится в левом нижнем углу картины.
Искушения изображены в аллегорической форме: конь олицетворяет мощь, силу и наслаждение, один из слонов несет на спине Чашу Желания, второй – обелиск, символ власти. На заднем плане изображен Эскориал – символ гармонии души и тела, духовного и материального начала – цель Антония.
Эта картина, по мнению исследователей творчества Сальвадора Дали, стала началом нового направления в творчестве художника: в его работах начинает проявляться синтез трех элементов: традиционной живописи, спиритуализма и духа новой эпохи, эпохи атома.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1946 г.
Сальвадор Дали
Королевские музеи изящных искусств, Брюссель.
Картина Сальвадора Дали “Искушение святого Антония” появилась благодаря кинематографу. Для фильма “Милый друг” потребовалось нарисовать образ святого, подвергающегося различным искушениям. Множество различных художников приняли участие в этом конкурсе, в том числе и великий сюрреалист Сальвадор Дали, но победу одержал некий художник – эмигрант из Европы.
Святой Антоний – это реально существующий отшельник, который жил в IV веке. По преданию, ему практически каждую ночь являлись демоны, мучающие его, или женщины, пытавшиеся его соблазнить.
Сюжет, изображающий искушения святого Антония был очень популярен в средние века; второе рождение он пережил уже в середине XX века. Сальвадор дали предложил достаточно оригинальную трактовку этого сюжета, впрочем, как и многих других.
Картина Сальвадора Дали “Искушение святого Антония” словно обладает дополнительным измерением между небом и землей, длинные и тонкие ноги слонов находятся именно там. В центре композиции художник изобразил все искушения, мучающие отшельника, а сам он находится в левом нижнем углу картины.
Искушения изображены в аллегорической форме: конь олицетворяет мощь, силу и наслаждение, один из слонов несет на спине Чашу Желания, второй – обелиск, символ власти. На заднем плане изображен Эскориал – символ гармонии души и тела, духовного и материального начала – цель Антония.
Эта картина, по мнению исследователей творчества Сальвадора Дали, стала началом нового направления в творчестве художника: в его работах начинает проявляться синтез трех элементов: традиционной живописи, спиритуализма и духа новой эпохи, эпохи атома.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Некрофильный источник, забивший из рояля на коде"
1933 г.
Сальвадор Дали
Пустыня и холмы на горизонте. Мягкий закатный свет. В центре полотна – рояль, пронзенный насквозь стройным кипарисовым деревом. Клавиатура открыта, на клавишах стоит нотная тетрадь. Верхушка кипариса золотится в солнечных лучах.
За роялем виднеется наполовину скрытая деревом античная скульптура. На земле виднеется небольшое углубление-бассейн в форме крышки рояля. Из-под клавиш инструмента, как из водосточной трубы, в него льется вода.
Кипарис появляется на многих картинах Дали. Для художника кипарисы символизировали отсчет течения времени: в детстве он любил наблюдать из окна, как перемещаются по ним солнечные лучи и как изменяются отбрасываемые ими тени. Неоднократно явленный зрителю рояль под открытым небом – тоже воспоминание, идущее из детства. Дали упоминал в своих записках, что соседи, с которыми дружны были его родители, порой устраивали концерты на улице.
Для этого музыкальный инструмент выносился из дома во двор. Название картины, безусловно, было придумано, чтобы эпатировать зрителя и завладеть его вниманием.
В чем же заключается “некрофиличность” источника? Углубление в земле – аллегория могилы, захоронения. Поток воды, любовно устремляющийся в эту нишу, таким образом, становится некрофиличным.
Предметы, собранные на картине, – скульптура, кипарис, рояль, – символы всего отошедшего в прошлое, уходящего, умершего.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1933 г.
Сальвадор Дали
Пустыня и холмы на горизонте. Мягкий закатный свет. В центре полотна – рояль, пронзенный насквозь стройным кипарисовым деревом. Клавиатура открыта, на клавишах стоит нотная тетрадь. Верхушка кипариса золотится в солнечных лучах.
За роялем виднеется наполовину скрытая деревом античная скульптура. На земле виднеется небольшое углубление-бассейн в форме крышки рояля. Из-под клавиш инструмента, как из водосточной трубы, в него льется вода.
Кипарис появляется на многих картинах Дали. Для художника кипарисы символизировали отсчет течения времени: в детстве он любил наблюдать из окна, как перемещаются по ним солнечные лучи и как изменяются отбрасываемые ими тени. Неоднократно явленный зрителю рояль под открытым небом – тоже воспоминание, идущее из детства. Дали упоминал в своих записках, что соседи, с которыми дружны были его родители, порой устраивали концерты на улице.
Для этого музыкальный инструмент выносился из дома во двор. Название картины, безусловно, было придумано, чтобы эпатировать зрителя и завладеть его вниманием.
В чем же заключается “некрофиличность” источника? Углубление в земле – аллегория могилы, захоронения. Поток воды, любовно устремляющийся в эту нишу, таким образом, становится некрофиличным.
Предметы, собранные на картине, – скульптура, кипарис, рояль, – символы всего отошедшего в прошлое, уходящего, умершего.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Сострадание"
1795 г.
Уильям Блейк
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Уильям Блэйк – поэт, философ, художник, очень нестандартная личность в истории искусств. С раннего детства он видит ангелов и Херувимов, о чем пишет в своих дневниках. На ряду со светлыми созданиями, ему мерещатся и инфернальные существа.
Видения сопровождают его всю жизнь и влияют на его творчество, довольно мрачное, загадочное и символичное.
Рисунок иллюстрирует отрывок из пьесы “Макбет” Уильяма Шекспира, где герой размышляет о смерти Дункана: “И сострадание, как нагой младенец, Несомый ветром, или херувим На скакуне незримом и воздушном Пахнет ужасной вестью всем в глаза И бурю ливень слез прибьет к земле”. Картина написана в довольно мрачных тонах; фон очень темный, почти черный. Темноволосая женщина лежит на земле, до груди накрытая голубой тканью, руки сцеплены в замок, пальцы переплетены.
На лице у женщины гримаса страдания. Над ней на фоне темного неба с черно-синими грозовыми тучами пролетают две женщины, сидящие на конях. одна с распростертыми руками, вид со спины. Другая женщина с темными развивающимися на ветру волосами повернута лицом к нам.
Она держит нагого младенца, который похож больше не на ребенка, а на уменьшенного взрослого человека с простертыми к ней руками.
Большая часть картины темно-синяя, на контрасте выделяются фигуры белых лошадей со всадниками и лежащей на земле женщиной.
#УильямБлейк #АллегорическаяCцена #Романтизм
1795 г.
Уильям Блейк
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Уильям Блэйк – поэт, философ, художник, очень нестандартная личность в истории искусств. С раннего детства он видит ангелов и Херувимов, о чем пишет в своих дневниках. На ряду со светлыми созданиями, ему мерещатся и инфернальные существа.
Видения сопровождают его всю жизнь и влияют на его творчество, довольно мрачное, загадочное и символичное.
Рисунок иллюстрирует отрывок из пьесы “Макбет” Уильяма Шекспира, где герой размышляет о смерти Дункана: “И сострадание, как нагой младенец, Несомый ветром, или херувим На скакуне незримом и воздушном Пахнет ужасной вестью всем в глаза И бурю ливень слез прибьет к земле”. Картина написана в довольно мрачных тонах; фон очень темный, почти черный. Темноволосая женщина лежит на земле, до груди накрытая голубой тканью, руки сцеплены в замок, пальцы переплетены.
На лице у женщины гримаса страдания. Над ней на фоне темного неба с черно-синими грозовыми тучами пролетают две женщины, сидящие на конях. одна с распростертыми руками, вид со спины. Другая женщина с темными развивающимися на ветру волосами повернута лицом к нам.
Она держит нагого младенца, который похож больше не на ребенка, а на уменьшенного взрослого человека с простертыми к ней руками.
Большая часть картины темно-синяя, на контрасте выделяются фигуры белых лошадей со всадниками и лежащей на земле женщиной.
#УильямБлейк #АллегорическаяCцена #Романтизм
"Изобретения монстров"
1937 г.
Сальвадор Дали
Картина, как верил Дали, служила предзнаменованием войны. Художник описал эту работу как пророческую, из-за предсказания Нострадамуса о том, что появление монстров, будет означать скорое начало войны. Художник написал картину во время своего пребывания в Австрии, за несколько месяцев до аншлюса.
Полотно содержит несколько визуальных иллюзий. Лицо фигуры на переднем плане, с бабочкой в руке, на самом деле это две головы, обе повернуты так, что открывают только одну свою часть, но соединяясь вместе, образуют единое, непропорциональное лицо. Эта техника применена также с котом и ангелом в маске. Кстати, в утреннем фрагменте изображен сам Сальвадор Дали с его женой и музой Галой!
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1937 г.
Сальвадор Дали
Картина, как верил Дали, служила предзнаменованием войны. Художник описал эту работу как пророческую, из-за предсказания Нострадамуса о том, что появление монстров, будет означать скорое начало войны. Художник написал картину во время своего пребывания в Австрии, за несколько месяцев до аншлюса.
Полотно содержит несколько визуальных иллюзий. Лицо фигуры на переднем плане, с бабочкой в руке, на самом деле это две головы, обе повернуты так, что открывают только одну свою часть, но соединяясь вместе, образуют единое, непропорциональное лицо. Эта техника применена также с котом и ангелом в маске. Кстати, в утреннем фрагменте изображен сам Сальвадор Дали с его женой и музой Галой!
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Музы"
1893 г.
Морис Дени
Музей д’Орсе, Париж.
Едва выхватив взглядом работу Мориса Дени – французского символиста, в ту же секунду понимаешь, что это нечто новое, тщательно продуманное, организованное и упорядоченное. И действительно, в каждой своей работе мастер доказывал жизнеспособность своей теории по особой обработке картинной поверхности. Полагаясь на гармоничную упорядоченность структуры, особый декоративизм в расположении человеческих фигур или элементов пейзажа, Дени явился апологетом модерна.
Полотно “Музы” или “Музы в священной роще” – явный транслятор принципов, на которых зиждется творчество мастера. Картина изображает реальный лес в Сен-Жермен, олицетворяя любимую мастером “священную рощу”. Музы, покровительницы искусства – это аллегория, выраженная в двухмерном плоскостном изображении.
Нет привычных атрибутов в руках дев, по которым можно было бы идентифицировать, кто какому искусству покровительствует – лишь плавные фигуры в тени каштановой рощи.
Женские фигуры гармонично вписаны в пейзаж, состоящий в основном из деревьев. Привлекают внимание тщательно подчеркнутые силуэты, линии, отличающиеся особой плавностью, а также цветовой колорит и простота, некая схематичность в рисунке.
Благодаря четко очерченным контурам цветовые пятна трансформируются в узор, отдельные фигуры, создавая единый гармоничный сюжет. Как, пожалуй, любое произведение символиста, представленная картина не может иметь однозначной трактовки. Тем и интереснее работа – она многолика и многогранна.
#МорисДени #АллегорическаяCцена #Наби
1893 г.
Морис Дени
Музей д’Орсе, Париж.
Едва выхватив взглядом работу Мориса Дени – французского символиста, в ту же секунду понимаешь, что это нечто новое, тщательно продуманное, организованное и упорядоченное. И действительно, в каждой своей работе мастер доказывал жизнеспособность своей теории по особой обработке картинной поверхности. Полагаясь на гармоничную упорядоченность структуры, особый декоративизм в расположении человеческих фигур или элементов пейзажа, Дени явился апологетом модерна.
Полотно “Музы” или “Музы в священной роще” – явный транслятор принципов, на которых зиждется творчество мастера. Картина изображает реальный лес в Сен-Жермен, олицетворяя любимую мастером “священную рощу”. Музы, покровительницы искусства – это аллегория, выраженная в двухмерном плоскостном изображении.
Нет привычных атрибутов в руках дев, по которым можно было бы идентифицировать, кто какому искусству покровительствует – лишь плавные фигуры в тени каштановой рощи.
Женские фигуры гармонично вписаны в пейзаж, состоящий в основном из деревьев. Привлекают внимание тщательно подчеркнутые силуэты, линии, отличающиеся особой плавностью, а также цветовой колорит и простота, некая схематичность в рисунке.
Благодаря четко очерченным контурам цветовые пятна трансформируются в узор, отдельные фигуры, создавая единый гармоничный сюжет. Как, пожалуй, любое произведение символиста, представленная картина не может иметь однозначной трактовки. Тем и интереснее работа – она многолика и многогранна.
#МорисДени #АллегорическаяCцена #Наби
"Древний ужас"
1908 г.
Леон Бакст
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Для написания картины “Древний ужас”, Лев Бакст несколько раз посещал Грецию. Каждый раз при посещении этой страны с древней историей, он выносил для себя новую идею для своего будущего шедевра. Так как искусство Греции непрерывно развивается с незапамятных времен, на полотне Леона Бакста, невзирая на временные рамки мирно сосуществуют и памятники культуры древней эгейской культуры, и произведения искусства Классической Греции.
Центральным композиционным объектом стала статуя богини Афродиты, держащей в руке голубя. За ее спиной видна катастрофа, уносящая некую цивилизацию в небытие.
Что же хотел рассказать миру художник этой картиной? Произведение задумывалось во время первой русской революции 1905 года, когда люди, привыкшие к однообразной, размеренной жизни, сталкивались со множеством новых явлений и понятий. Может быть художник хотел показать неотвратимость гибели старого уклада для обретения новых идеалов и целей?
Судьба картины “Древний ужас” подтвердила ее шедевральность: в 1909 году она экспонировалась в Париже, в следующем она получает золотую медаль на выставке в Брюсселе. И для самого Льва Бакста она оказалась поворотной – много раз он пытался написать что-то подобное, но каждый раз его замыслам не суждено было сбыться, теперь он создавал только декорации для спектаклей. Кроме того, полотно “Древний ужас” положило начало новому направлению в живописи – неоклассицизму, очень болезненно встреченному критиками того времени.
#ЛеонБакст #АллегорическаяCцена #Модерн
1908 г.
Леон Бакст
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Для написания картины “Древний ужас”, Лев Бакст несколько раз посещал Грецию. Каждый раз при посещении этой страны с древней историей, он выносил для себя новую идею для своего будущего шедевра. Так как искусство Греции непрерывно развивается с незапамятных времен, на полотне Леона Бакста, невзирая на временные рамки мирно сосуществуют и памятники культуры древней эгейской культуры, и произведения искусства Классической Греции.
Центральным композиционным объектом стала статуя богини Афродиты, держащей в руке голубя. За ее спиной видна катастрофа, уносящая некую цивилизацию в небытие.
Что же хотел рассказать миру художник этой картиной? Произведение задумывалось во время первой русской революции 1905 года, когда люди, привыкшие к однообразной, размеренной жизни, сталкивались со множеством новых явлений и понятий. Может быть художник хотел показать неотвратимость гибели старого уклада для обретения новых идеалов и целей?
Судьба картины “Древний ужас” подтвердила ее шедевральность: в 1909 году она экспонировалась в Париже, в следующем она получает золотую медаль на выставке в Брюсселе. И для самого Льва Бакста она оказалась поворотной – много раз он пытался написать что-то подобное, но каждый раз его замыслам не суждено было сбыться, теперь он создавал только декорации для спектаклей. Кроме того, полотно “Древний ужас” положило начало новому направлению в живописи – неоклассицизму, очень болезненно встреченному критиками того времени.
#ЛеонБакст #АллегорическаяCцена #Модерн
"Смерть и Жизнь"
1915 г.
Густав Климт
Музей Леопольда, Вена.
«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей: на левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.
Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму: Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.
Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета — зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Модерн
1915 г.
Густав Климт
Музей Леопольда, Вена.
«Жизнь и Смерть» — аллегорическое произведение, на создание которого Густав Климт потратил 8 лет, с 1908 по 1916 гг. Оно повествует нам о вечном противостоянии между жизнью во всех ее проявлениях и смертью, ждущей своего часа поодаль. Вся композиция состоит из трех условных частей: на левой стороне художник поместил фигуру Смерти, на правой — группу людей, символизирующих собой Жизнь. Темное пространство между левой и правой частью картины отделяет их друг от друга, словно удерживая мрачного жреца и не давая ему раньше времени приблизиться к живым.
Для противопоставления своих персонажей Густав Климт использует как цвет, так и форму: Жизнь и Смерть на его картине узнаваемы с первого взгляда. Правый угол полотна сияет всеми цветами радуги, оттененными золотом. В этом своеобразном лоскутном коконе, символизирующем Жизнь, зритель видит лица безмятежно спящих детей и матерей, умиротворенно прижимающих их к себе, фигуры мужчины и женщины, слившихся в объятии, а также старуху, погрузившуюся в свои мысли. Преемственность поколений — то, что делает Жизнь победителем в этой извечной схватке.
Смерть на картине Климта «Жизнь и Смерть» представлена одинокой, чуть сгорбленной фигурой, наблюдающей за праздником Жизни со стороны. Ее скелет скрыт под бесформенным одеянием, украшенным черными крестами, кругами и прямоугольниками темно-зеленого и фиолетового цвета — зрителю виден лишь череп, который слегка подался вперед, будто Смерть смотрит на происходящее с интересом и не прочь принять в этом участие. Ей известно, что однажды настанет ее час и она постепенно заберет всех — и молодых, и старых. Но пока она может лишь выжидать, угрожающе занеся свой смертоносный жезл.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Модерн
"Воспроизведение запрещено"
1937 г.
Рене Магритт
Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам.
Картина была заказана поэтом и покровителем Магритта – Эдвардом Джеймсом и является его портретом, хотя лицо на холсте не изображено. Картина была одной из трёх работ, созданных Магриттом для интерьера дома Джеймса в Лондоне. Две другие работы – "Красная модель" и "Застывшее время".
На картине изображен человек, стоящий перед зеркалом, однако его отражение также является изображением со спины, хотя лежащая на полке книга отражается правильно.
Книга на полке – зачитанный экземпляр "Повести о приключениях Артура Гордона Пима" Эдгара По. Эдгар Аллан Он был одним из любимых авторов Магритта, и художник часто делал отсылки к писателю и его работам.
#РенеМагритт #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1937 г.
Рене Магритт
Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам.
Картина была заказана поэтом и покровителем Магритта – Эдвардом Джеймсом и является его портретом, хотя лицо на холсте не изображено. Картина была одной из трёх работ, созданных Магриттом для интерьера дома Джеймса в Лондоне. Две другие работы – "Красная модель" и "Застывшее время".
На картине изображен человек, стоящий перед зеркалом, однако его отражение также является изображением со спины, хотя лежащая на полке книга отражается правильно.
Книга на полке – зачитанный экземпляр "Повести о приключениях Артура Гордона Пима" Эдгара По. Эдгар Аллан Он был одним из любимых авторов Магритта, и художник часто делал отсылки к писателю и его работам.
#РенеМагритт #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Суть дела"
1928 г.
Рене Магритт
Частная коллекция.
Смерть матери художника. Почему на многих работах Магритта лица скрыты простынями?
Картина «Суть дела» была глубоко личной для Рене Магритта. Когда будущему художнику было всего 14 лет, его мать покончила с собой, бросившись в реку. Всю жизнь Регина Магритт страдала от приступов глубокой депрессии и несколько раз пыталась свести счеты с жизнью. Ее муж Леопольд был очень обеспокоен состоянием Регины и опасался, что очередная попытка самоубийства может увенчаться успехом. В конце концов, он запер жену в ее спальне, однако в какой-то момент ей удалось сбежать. Регину искали несколько дней, и в итоге обнаружили её тело в реке Самбре ниже по течению.
Согласно легенде, юный Рене был на берегу реки с родными и соседями, когда тело его матери доставали из воды. Позже, однако, эта версия была опровергнута. Как бы то ни было, слухи разлетались быстро. Рене знал, что речное течение обнажило тело Регины, обмотав ночную рубашку, в которой она сбежала из дома, вокруг ее головы и скрыв лицо. Этот образ позже будет появляться в живописных работах художника, например, в знаменитых «Влюбленных». Однако Магритт не любил рассказывать о том, как умерла его мать, и долгое время даже его жена Жоржетта не знала страшных подробностей.
Образ женщины на картине «Суть дела» кажется прямым отражением воспоминаний художника о матери. Ее лицо скрыто под тканью, рукой она сжимает горло, пытаясь то ли стянуть этот мешающий покров, то ли удушить себя. Когда история гибели Регины Магритт стала наконец достоянием общественности, любители модного тогда психоанализа стали «разгадывать» тайны картин Магритта с точки зрения фрейдистской теории. Сам же художник, который в отличие от большинства сюрреалистов был ярым противником психоанализа, категорически отрицал связь между сюжетами своих работ и личной историей. Он писал: «Моя живопись – это видимые образы, которые ничего за собой не прячут. Они пробуждают тайну, и когда человек видит мою картину, он задает себе простой вопрос: «Что это значит?» Но это ничего не значит, потому что и тайна тоже ничего не значит, она непознаваема».
#РенеМагритт #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1928 г.
Рене Магритт
Частная коллекция.
Смерть матери художника. Почему на многих работах Магритта лица скрыты простынями?
Картина «Суть дела» была глубоко личной для Рене Магритта. Когда будущему художнику было всего 14 лет, его мать покончила с собой, бросившись в реку. Всю жизнь Регина Магритт страдала от приступов глубокой депрессии и несколько раз пыталась свести счеты с жизнью. Ее муж Леопольд был очень обеспокоен состоянием Регины и опасался, что очередная попытка самоубийства может увенчаться успехом. В конце концов, он запер жену в ее спальне, однако в какой-то момент ей удалось сбежать. Регину искали несколько дней, и в итоге обнаружили её тело в реке Самбре ниже по течению.
Согласно легенде, юный Рене был на берегу реки с родными и соседями, когда тело его матери доставали из воды. Позже, однако, эта версия была опровергнута. Как бы то ни было, слухи разлетались быстро. Рене знал, что речное течение обнажило тело Регины, обмотав ночную рубашку, в которой она сбежала из дома, вокруг ее головы и скрыв лицо. Этот образ позже будет появляться в живописных работах художника, например, в знаменитых «Влюбленных». Однако Магритт не любил рассказывать о том, как умерла его мать, и долгое время даже его жена Жоржетта не знала страшных подробностей.
Образ женщины на картине «Суть дела» кажется прямым отражением воспоминаний художника о матери. Ее лицо скрыто под тканью, рукой она сжимает горло, пытаясь то ли стянуть этот мешающий покров, то ли удушить себя. Когда история гибели Регины Магритт стала наконец достоянием общественности, любители модного тогда психоанализа стали «разгадывать» тайны картин Магритта с точки зрения фрейдистской теории. Сам же художник, который в отличие от большинства сюрреалистов был ярым противником психоанализа, категорически отрицал связь между сюжетами своих работ и личной историей. Он писал: «Моя живопись – это видимые образы, которые ничего за собой не прячут. Они пробуждают тайну, и когда человек видит мою картину, он задает себе простой вопрос: «Что это значит?» Но это ничего не значит, потому что и тайна тоже ничего не значит, она непознаваема».
#РенеМагритт #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Музыка"
1895 г.
Густав Климт
Новая пинакотека, Мюнхен.
Картина, с которой начались годы «Золотого периода»
В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи, а смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене.
После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество. Отправной точкой можно считать полотно «Музыка», написанное в 1895 году и ставшее в некоторой степени предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной, но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует.
Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей, что придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Символизм
1895 г.
Густав Климт
Новая пинакотека, Мюнхен.
Картина, с которой начались годы «Золотого периода»
В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи, а смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене.
После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество. Отправной точкой можно считать полотно «Музыка», написанное в 1895 году и ставшее в некоторой степени предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной, но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует.
Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей, что придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией.
#ГуставКлимт #АллегорическаяCцена #Символизм
"Атомная Леда"
1949 г.
Сальвадор Дали
Театр-музей Дали, Фигейрас.
8 лет, проведенные в Америке, стали для Дали временем шоу-бизнеса. Он написал очень мало картин за это время, но с азартом взялся за литературу: выходит автобиография «Тайная жизнь Сальвадора Дали» и даже роман «Скрытые лица». А кроме того Дали сотнями создает эскизы мебели, театральных декораций, витрин. К нему приходит скандальная слава, которая быстро приносит деньги, особый светский статус и привилегии. Война проходит как-то мимо него. И только атомные взрывы в Хиросиме и Нагасаки потрясают Дали и занимают отныне все его мысли. Мир для него перевернулся, все силы его блестящего ума и уникальной интуиции брошены на то, чтоб разгадать новый миропорядок, измерить собственным паранойя-критическим методом размер и суть больших перемен, случившихся с миром. Теперь он думает только о расщеплении атома и провозглашает новый период в творчестве - «атомно-мистический». И «Атомная Леда» станет первой картиной этого периода.
Конечно, Дали не становится реалистом, хотя отдельные элементы картины вполне узнаваемы, слишком узнаваемы и понятны. И как будто этого мало – Дали использует настоящие научные расчеты, чтобы выстроить композицию картины с геометрической точностью. На ней можно мысленно начертить пентаграмму – и центральное изображение впишется в нее безупречно. Но Дали использует один важный эффект, который включает мистическое ощущение и без которого этот сюжет стал бы просто скучной журнальной иллюстрацией или салонной картинкой. Здесь ничто ни с чем не соприкасается. Леда обнимает, но не касается лебедя, ноги Леды не касаются книг, море не касается берега, а словно нависает над ним, даже архитектурный декор не касается постамента, на котором не-восседает Леда.
Новейшие научные исследования, за которыми Дали тщательно следит и изучает, становятся для него источником нового художественного стиля. Антиматерия, расщепление атома… Вот она настоящая мистика.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
1949 г.
Сальвадор Дали
Театр-музей Дали, Фигейрас.
8 лет, проведенные в Америке, стали для Дали временем шоу-бизнеса. Он написал очень мало картин за это время, но с азартом взялся за литературу: выходит автобиография «Тайная жизнь Сальвадора Дали» и даже роман «Скрытые лица». А кроме того Дали сотнями создает эскизы мебели, театральных декораций, витрин. К нему приходит скандальная слава, которая быстро приносит деньги, особый светский статус и привилегии. Война проходит как-то мимо него. И только атомные взрывы в Хиросиме и Нагасаки потрясают Дали и занимают отныне все его мысли. Мир для него перевернулся, все силы его блестящего ума и уникальной интуиции брошены на то, чтоб разгадать новый миропорядок, измерить собственным паранойя-критическим методом размер и суть больших перемен, случившихся с миром. Теперь он думает только о расщеплении атома и провозглашает новый период в творчестве - «атомно-мистический». И «Атомная Леда» станет первой картиной этого периода.
Конечно, Дали не становится реалистом, хотя отдельные элементы картины вполне узнаваемы, слишком узнаваемы и понятны. И как будто этого мало – Дали использует настоящие научные расчеты, чтобы выстроить композицию картины с геометрической точностью. На ней можно мысленно начертить пентаграмму – и центральное изображение впишется в нее безупречно. Но Дали использует один важный эффект, который включает мистическое ощущение и без которого этот сюжет стал бы просто скучной журнальной иллюстрацией или салонной картинкой. Здесь ничто ни с чем не соприкасается. Леда обнимает, но не касается лебедя, ноги Леды не касаются книг, море не касается берега, а словно нависает над ним, даже архитектурный декор не касается постамента, на котором не-восседает Леда.
Новейшие научные исследования, за которыми Дали тщательно следит и изучает, становятся для него источником нового художественного стиля. Антиматерия, расщепление атома… Вот она настоящая мистика.
#СальвадорДали #АллегорическаяCцена #Сюрреализм
"Машина рождения"
1967 г.
Ганс Рудольф Гигер
Музей Гигера в замке Сен-Жермен, Швейцария.
Страхи художника. Клаустрофобия и ночные кошмары
Появление Ганса Руди Гигера на свет было непростым. Вероятнее всего, во время родов ребенок застрял, поэтому акушеру пришлось вытащить его при помощи щипцов. Друг художника, психолог Станислав Гроф, утверждал, что именно в этом обстоятельстве и кроется причина ночных кошмаров художника, превращенных в сюжеты его картин. Согласно теории Грофа, каждый человек еще до рождения, во время и в первые несколько дней после появления на свет проходит через состояния, которые формируют особенности психики. И эти состояния бывают как позитивными, так и негативными.
Если применить эту теорию к картинам Гигера, становится очевидным, что во время рождения художник пережил немало неприятных минут. Многие его работы изображают тесное закрытое пространство, иногда похожее на материнскую утробу, которое вызывает приступы клаустрофобии и удушья. Практически ни в одной картине Ганса Руди нет ощущения простора. Кроме того, отдельное место в творчестве Гигера занимают младенцы. На протяжении всей жизни он рисовал их снова и снова: уродливых, полумеханических существ, не вызывающих никаких приятных чувств.
«Машина рождения» - одна из ранних работ Гигера. Здесь он в полной мере раскрывает болезненную для себя тему. Жутковатые дети, похожие на инопланетян, не просто тесно усажены в неудобных позах в пистолетной обойме в ожидании «выстрела». Будущее каждого из них уже предопределено: в их руках – миниатюрные копии такого же пистолета с такими же обоймами из детей. Этот образ, по всей видимости, так повлиял на Гигера, что он использовал его не один раз. В 1999 году он создал скульптуру «Машина рождения» (точную копию этой картины), которая сейчас украшает вход в Музей Гигера.
#ГансГигер #АллегорическаяCцена
1967 г.
Ганс Рудольф Гигер
Музей Гигера в замке Сен-Жермен, Швейцария.
Страхи художника. Клаустрофобия и ночные кошмары
Появление Ганса Руди Гигера на свет было непростым. Вероятнее всего, во время родов ребенок застрял, поэтому акушеру пришлось вытащить его при помощи щипцов. Друг художника, психолог Станислав Гроф, утверждал, что именно в этом обстоятельстве и кроется причина ночных кошмаров художника, превращенных в сюжеты его картин. Согласно теории Грофа, каждый человек еще до рождения, во время и в первые несколько дней после появления на свет проходит через состояния, которые формируют особенности психики. И эти состояния бывают как позитивными, так и негативными.
Если применить эту теорию к картинам Гигера, становится очевидным, что во время рождения художник пережил немало неприятных минут. Многие его работы изображают тесное закрытое пространство, иногда похожее на материнскую утробу, которое вызывает приступы клаустрофобии и удушья. Практически ни в одной картине Ганса Руди нет ощущения простора. Кроме того, отдельное место в творчестве Гигера занимают младенцы. На протяжении всей жизни он рисовал их снова и снова: уродливых, полумеханических существ, не вызывающих никаких приятных чувств.
«Машина рождения» - одна из ранних работ Гигера. Здесь он в полной мере раскрывает болезненную для себя тему. Жутковатые дети, похожие на инопланетян, не просто тесно усажены в неудобных позах в пистолетной обойме в ожидании «выстрела». Будущее каждого из них уже предопределено: в их руках – миниатюрные копии такого же пистолета с такими же обоймами из детей. Этот образ, по всей видимости, так повлиял на Гигера, что он использовал его не один раз. В 1999 году он создал скульптуру «Машина рождения» (точную копию этой картины), которая сейчас украшает вход в Музей Гигера.
#ГансГигер #АллегорическаяCцена
"Разговор"
1909 г.
Анри Матисс
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Как привлечь внимание зрителя незамысловатым с вида сюжетом?
Для фовиста Анри Матисса эта задача не представляет особой сложности. Его рецепт прост: берем много глубокого синего, оттеняем его фигурами черного и зеленого цвета, добавляем голубого в белую полоску — и получаем картину, которая вот уже добрую сотню лет вызывает яростные споры в стане критиков, искусствоведов и прочих ценителей искусств.
«Разговор» — так назвал свое произведение Анри Матисс, и на холсте мы действительно видим двух собеседников, увлеченных обсуждением какого-то вопроса. На первый взгляд может показаться, что это непринужденная утренняя беседа между супругами: на мужчине явно надета пижама, на женщине — что-то похожее на домашний халат. Однако легкое напряжение в позах собеседников подсказывает зрителю, что на самом деле разговор идет о чем-то важном: мужчина держит руки в карманах, женщина откинулась на спинку кресла и смотрит в лицо мужчине. Что же происходит в комнате с синими стенами и видом на цветущий сад?
Каждая картина Анри Матисса написана в соответствии с канонами фовизма, и «Разговор» — не исключение.
Сюжет передается нам через плоскую картинку: перспективы здесь почти нет, она едва угадывается в пейзаже, который нам виден из окна комнаты. Плавность клумб и кроны дерева перекликается с прямотой линий ствола и ограды, запершей внутри себя причудливый орнамент ковки.
Такое же противостояние линий мы видим и у персонажей картины Анри Матисса «Разговор»: фигура женщины словно перетекает внутри кресла, практически слившегося со стеной; стоящий напротив нее мужчина, наоборот, состоит из множества прямых линий, и полоски на его пижаме только усиливают эту особенность. Своеобразную «дуэль» линий подчеркивает выбранная художником цветовая гамма: это сочетание таких контрастных оттенков, как насыщенный синий, черный, темно-зеленый. Если интерпретировать сюжет по его цветовой гамме, то можно прийти к выводу, что разговор, происходящий между парой на картине Анри Матисса, не слишком приятен для обоих собеседников.
Некоторые искусствоведы при трактовке этого произведения обращаются к значениям символов. Так, дерево и сад в целом символизируют собой жизнь, природу и ее плодородие. Вынесенные на передний план фигуры мужчины и женщины олицетворяют собой мужское и женское начало, которые в союзе дают новую жизнь. Причудливая ограда окна на картине Анри Матисса «Разговор» выполняет роль связующего звена, мостика, который соединяет вместе две противоположности и в то же время держит их на расстоянии друг от друга.
#АнриМатисс #АллегорическаяCцена #Фовизм
1909 г.
Анри Матисс
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Как привлечь внимание зрителя незамысловатым с вида сюжетом?
Для фовиста Анри Матисса эта задача не представляет особой сложности. Его рецепт прост: берем много глубокого синего, оттеняем его фигурами черного и зеленого цвета, добавляем голубого в белую полоску — и получаем картину, которая вот уже добрую сотню лет вызывает яростные споры в стане критиков, искусствоведов и прочих ценителей искусств.
«Разговор» — так назвал свое произведение Анри Матисс, и на холсте мы действительно видим двух собеседников, увлеченных обсуждением какого-то вопроса. На первый взгляд может показаться, что это непринужденная утренняя беседа между супругами: на мужчине явно надета пижама, на женщине — что-то похожее на домашний халат. Однако легкое напряжение в позах собеседников подсказывает зрителю, что на самом деле разговор идет о чем-то важном: мужчина держит руки в карманах, женщина откинулась на спинку кресла и смотрит в лицо мужчине. Что же происходит в комнате с синими стенами и видом на цветущий сад?
Каждая картина Анри Матисса написана в соответствии с канонами фовизма, и «Разговор» — не исключение.
Сюжет передается нам через плоскую картинку: перспективы здесь почти нет, она едва угадывается в пейзаже, который нам виден из окна комнаты. Плавность клумб и кроны дерева перекликается с прямотой линий ствола и ограды, запершей внутри себя причудливый орнамент ковки.
Такое же противостояние линий мы видим и у персонажей картины Анри Матисса «Разговор»: фигура женщины словно перетекает внутри кресла, практически слившегося со стеной; стоящий напротив нее мужчина, наоборот, состоит из множества прямых линий, и полоски на его пижаме только усиливают эту особенность. Своеобразную «дуэль» линий подчеркивает выбранная художником цветовая гамма: это сочетание таких контрастных оттенков, как насыщенный синий, черный, темно-зеленый. Если интерпретировать сюжет по его цветовой гамме, то можно прийти к выводу, что разговор, происходящий между парой на картине Анри Матисса, не слишком приятен для обоих собеседников.
Некоторые искусствоведы при трактовке этого произведения обращаются к значениям символов. Так, дерево и сад в целом символизируют собой жизнь, природу и ее плодородие. Вынесенные на передний план фигуры мужчины и женщины олицетворяют собой мужское и женское начало, которые в союзе дают новую жизнь. Причудливая ограда окна на картине Анри Матисса «Разговор» выполняет роль связующего звена, мостика, который соединяет вместе две противоположности и в то же время держит их на расстоянии друг от друга.
#АнриМатисс #АллегорическаяCцена #Фовизм
"Разговор"
1909 г.
Анри Матисс
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Как привлечь внимание зрителя незамысловатым с вида сюжетом?
Для фовиста Анри Матисса эта задача не представляет особой сложности. Его рецепт прост: берем много глубокого синего, оттеняем его фигурами черного и зеленого цвета, добавляем голубого в белую полоску — и получаем картину, которая вот уже добрую сотню лет вызывает яростные споры в стане критиков, искусствоведов и прочих ценителей искусств.
«Разговор» — так назвал свое произведение Анри Матисс, и на холсте мы действительно видим двух собеседников, увлеченных обсуждением какого-то вопроса. На первый взгляд может показаться, что это непринужденная утренняя беседа между супругами: на мужчине явно надета пижама, на женщине — что-то похожее на домашний халат. Однако легкое напряжение в позах собеседников подсказывает зрителю, что на самом деле разговор идет о чем-то важном: мужчина держит руки в карманах, женщина откинулась на спинку кресла и смотрит в лицо мужчине. Что же происходит в комнате с синими стенами и видом на цветущий сад?
Каждая картина Анри Матисса написана в соответствии с канонами фовизма, и «Разговор» — не исключение.
Сюжет передается нам через плоскую картинку: перспективы здесь почти нет, она едва угадывается в пейзаже, который нам виден из окна комнаты. Плавность клумб и кроны дерева перекликается с прямотой линий ствола и ограды, запершей внутри себя причудливый орнамент ковки.
Такое же противостояние линий мы видим и у персонажей картины Анри Матисса «Разговор»: фигура женщины словно перетекает внутри кресла, практически слившегося со стеной; стоящий напротив нее мужчина, наоборот, состоит из множества прямых линий, и полоски на его пижаме только усиливают эту особенность. Своеобразную «дуэль» линий подчеркивает выбранная художником цветовая гамма: это сочетание таких контрастных оттенков, как насыщенный синий, черный, темно-зеленый. Если интерпретировать сюжет по его цветовой гамме, то можно прийти к выводу, что разговор, происходящий между парой на картине Анри Матисса, не слишком приятен для обоих собеседников.
Некоторые искусствоведы при трактовке этого произведения обращаются к значениям символов. Так, дерево и сад в целом символизируют собой жизнь, природу и ее плодородие. Вынесенные на передний план фигуры мужчины и женщины олицетворяют собой мужское и женское начало, которые в союзе дают новую жизнь. Причудливая ограда окна на картине Анри Матисса «Разговор» выполняет роль связующего звена, мостика, который соединяет вместе две противоположности и в то же время держит их на расстоянии друг от друга.
#АнриМатисс #АллегорическаяCцена #Фовизм
@pic_history
1909 г.
Анри Матисс
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Как привлечь внимание зрителя незамысловатым с вида сюжетом?
Для фовиста Анри Матисса эта задача не представляет особой сложности. Его рецепт прост: берем много глубокого синего, оттеняем его фигурами черного и зеленого цвета, добавляем голубого в белую полоску — и получаем картину, которая вот уже добрую сотню лет вызывает яростные споры в стане критиков, искусствоведов и прочих ценителей искусств.
«Разговор» — так назвал свое произведение Анри Матисс, и на холсте мы действительно видим двух собеседников, увлеченных обсуждением какого-то вопроса. На первый взгляд может показаться, что это непринужденная утренняя беседа между супругами: на мужчине явно надета пижама, на женщине — что-то похожее на домашний халат. Однако легкое напряжение в позах собеседников подсказывает зрителю, что на самом деле разговор идет о чем-то важном: мужчина держит руки в карманах, женщина откинулась на спинку кресла и смотрит в лицо мужчине. Что же происходит в комнате с синими стенами и видом на цветущий сад?
Каждая картина Анри Матисса написана в соответствии с канонами фовизма, и «Разговор» — не исключение.
Сюжет передается нам через плоскую картинку: перспективы здесь почти нет, она едва угадывается в пейзаже, который нам виден из окна комнаты. Плавность клумб и кроны дерева перекликается с прямотой линий ствола и ограды, запершей внутри себя причудливый орнамент ковки.
Такое же противостояние линий мы видим и у персонажей картины Анри Матисса «Разговор»: фигура женщины словно перетекает внутри кресла, практически слившегося со стеной; стоящий напротив нее мужчина, наоборот, состоит из множества прямых линий, и полоски на его пижаме только усиливают эту особенность. Своеобразную «дуэль» линий подчеркивает выбранная художником цветовая гамма: это сочетание таких контрастных оттенков, как насыщенный синий, черный, темно-зеленый. Если интерпретировать сюжет по его цветовой гамме, то можно прийти к выводу, что разговор, происходящий между парой на картине Анри Матисса, не слишком приятен для обоих собеседников.
Некоторые искусствоведы при трактовке этого произведения обращаются к значениям символов. Так, дерево и сад в целом символизируют собой жизнь, природу и ее плодородие. Вынесенные на передний план фигуры мужчины и женщины олицетворяют собой мужское и женское начало, которые в союзе дают новую жизнь. Причудливая ограда окна на картине Анри Матисса «Разговор» выполняет роль связующего звена, мостика, который соединяет вместе две противоположности и в то же время держит их на расстоянии друг от друга.
#АнриМатисс #АллегорическаяCцена #Фовизм
@pic_history
Картину «Семь смертных грехов» Отто Дикс написал в 1933 году, сразу после того, как его лишили должности преподавателя в Дрезденской художественной академии и какого бы то ни было государственного содержания. К власти пришел Гитлер – и по всем музеям и художественным учебным заведениям прокатилась волна чисток и новых назначений. Увольняют директоров и преподавателей, если в их роду есть евреи или в их прошлом – связи с социалистическими организациями. После увольнения в доме Дикса проводят обыск, грубый и бесцеремонный. Картины никто не щадит. На просьбу жены художника Марты обращаться с ними чуть аккуратней агенты усмехались: «Лучшее, что может произойти с этими картинами – это уничтожение».
Семь смертных грехов, которые в христианской традиции считаются основными и влекут за собой все прочие прегрешения, - традиционный сюжет для искусства. У Иеронима Босха – загадочная картина на дереве, у Питера Брейгеля Старшего – серия гравюр, изображающих смертные грехи, каждый в отдельности. Многочисленные изображения страшного суда в картинах художников северного Возрождения.
Аллегорическая картина Дикса должна была легко прочитываться современниками: скрюченная старуха – это Алчность, белый карлик на ее спине – Зависть, фигура пляшущего скелета – Лень, сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.
Не удивительно, что в письмах Отто Дикса, которые начали издаваться только с 2010 года, практически нет упоминаний о его отношении к Гитлеру, новой власти и новым порядкам. Скорее всего, любое опасное упоминание было поводом для адресата письмо уничтожить. Единственным источником информации остается его живопись. После обыска и увольнения Дикс уезжает с семьей жить в деревню, в старый замок, который принадлежал бывшему мужу Марты, жены Дикса. Он занимает денег у своего арт-дилера, чтоб купить печку и провести электричество – и начинает писать нейтральные пейзажи, улыбающихся девушек и цветы, чтоб хоть немного подзаработать. Трудные времена – предельно простые маркетинговые стратегии: небольшая картина, не больше 25х45 см, толстая рама. Пейзажи и девушки понемногу продаются, это не опасно. Есть несколько друзей-меценатов, которые поддерживают и продолжают заказывать портреты и фрески для своих загородных вилл. Едва получается выживать, едва получается не чувствовать себя бесполезным.
И в это же время Дикс пишет «Семь смертных грехов», а еще «Фландрию» и «Триумф смерти». Картины, которые не дают одержимому реалисту Отто Диксу окончательно сдаться. Пляшущий скелет в «Семи смертных грехах» (фигура Лени) изображен в такой позе, что рисунок на его одежде складывается в свастику – и это, говорил художник позже, упрек его соотечественникам, их лени и пассивности, которая привела к власти нацистов. Но главный герой картины – это, конечно Зависть. Верхом на Алчности, крепко взявший и правящий ею, этот самый маленький, ничтожный, но самый главный из грехов носит маску Гитлера. На первом эскизе это совершенно очевидно – легко узнать по усам. Но взявшись за картину, Дикс не рискнул изобразить эту деталь, выдающую слишком явное портретное сходство. На картине усов не было до 1945 года. После окончания Второй мировой войны уже ничего не могло помешать художнику сделать эти два финальные мазка. Вместо всех сожженных писем.
#ОттоДикс #АллегорическаяCцена #Экспрессионизм
@pic_history
Семь смертных грехов, которые в христианской традиции считаются основными и влекут за собой все прочие прегрешения, - традиционный сюжет для искусства. У Иеронима Босха – загадочная картина на дереве, у Питера Брейгеля Старшего – серия гравюр, изображающих смертные грехи, каждый в отдельности. Многочисленные изображения страшного суда в картинах художников северного Возрождения.
Аллегорическая картина Дикса должна была легко прочитываться современниками: скрюченная старуха – это Алчность, белый карлик на ее спине – Зависть, фигура пляшущего скелета – Лень, сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.
Не удивительно, что в письмах Отто Дикса, которые начали издаваться только с 2010 года, практически нет упоминаний о его отношении к Гитлеру, новой власти и новым порядкам. Скорее всего, любое опасное упоминание было поводом для адресата письмо уничтожить. Единственным источником информации остается его живопись. После обыска и увольнения Дикс уезжает с семьей жить в деревню, в старый замок, который принадлежал бывшему мужу Марты, жены Дикса. Он занимает денег у своего арт-дилера, чтоб купить печку и провести электричество – и начинает писать нейтральные пейзажи, улыбающихся девушек и цветы, чтоб хоть немного подзаработать. Трудные времена – предельно простые маркетинговые стратегии: небольшая картина, не больше 25х45 см, толстая рама. Пейзажи и девушки понемногу продаются, это не опасно. Есть несколько друзей-меценатов, которые поддерживают и продолжают заказывать портреты и фрески для своих загородных вилл. Едва получается выживать, едва получается не чувствовать себя бесполезным.
И в это же время Дикс пишет «Семь смертных грехов», а еще «Фландрию» и «Триумф смерти». Картины, которые не дают одержимому реалисту Отто Диксу окончательно сдаться. Пляшущий скелет в «Семи смертных грехах» (фигура Лени) изображен в такой позе, что рисунок на его одежде складывается в свастику – и это, говорил художник позже, упрек его соотечественникам, их лени и пассивности, которая привела к власти нацистов. Но главный герой картины – это, конечно Зависть. Верхом на Алчности, крепко взявший и правящий ею, этот самый маленький, ничтожный, но самый главный из грехов носит маску Гитлера. На первом эскизе это совершенно очевидно – легко узнать по усам. Но взявшись за картину, Дикс не рискнул изобразить эту деталь, выдающую слишком явное портретное сходство. На картине усов не было до 1945 года. После окончания Второй мировой войны уже ничего не могло помешать художнику сделать эти два финальные мазка. Вместо всех сожженных писем.
#ОттоДикс #АллегорическаяCцена #Экспрессионизм
@pic_history