История одной картины
52.6K subscribers
6.88K photos
34 videos
3 files
1.52K links
У каждой картины есть своя история...

Все вопросы — @nikfr0st
Менеджер — @yuliyapic

Реклама на бирже: https://telega.in/c/pic_history

Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history
Download Telegram
Дополнительный драматизм полотну придаёт его альтернативное сюрреалистическое название. Оно написано на обратной стороне холста знаменитым витиеватым почерком Дали: «Обрезанный кончик уха Ван Гога дематериализуется из своего ужасающего экзистенциализма, и пи-мезонный взрыв окутывает ослепительным сиянием «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля».

Считается, что на создание «Космической Мадонны» у Дали ушёл как минимум год. Этот факт вкупе с масштабами самого полотна даёт основание назвать его шедевром. Так считал покойный Альберт Рейнольдс Морс – главный коллекционер работ художника и создатель его музея в Сент-Питерсберге во Флориде.

Дали вдохновлялся «Сикстинской Мадонной» Рафаэля, но написал свой образ в стиле «ядерного мистицизма». В нём смешались его «фирменный» сюрреализм, увлечение открытиями в области ядерной физики и религиозные мотивы. Ослепительные краски, тонкая техника и величественность образа делают эту работу одним из самых сложных произведений послевоенного периода художника.

Описывая уникальный композиционный стиль Дали, искусствовед Элиот Кинг заметил: «Кажется, что в «Космической Мадонне» Богородица Рафаэля на наших глазах распадается – или воссоединяется – во всплеске лазурно-синего цвета. Её прежде обеспокоенное лицо – частая тема обсуждения у знатоков Рафаэля – и лик Христа едва ли вещественны, поскольку растворяются в потоке сверкающих корпускул».

Сальвадор Дали часто объединял, казалось бы, разрозненные мысли и образы. В «Космической Мадонне» он отсылает нас к гипотезе средневековых теологов, которые считали, что Дева Мария зачала посредством слова Божьего и, следовательно, была оплодотворена через ухо. Упомянутое выше альтернативное сюрреалистическое название картины отсылает к печально известному уху Ван Гога. «Название забавное и демонстрирует склонность Дали к неожиданным поворотам и определённым загадкам, – заметил биограф художника Пол Химера. – Я могу представить его в экстазе, излучающим радость, когда он с гордостью представляет этот поразительный шедевр ядерного мистицизма».

«Космическая Мадонна» задумана как современное прочтение «Сикстинской Мадонны», которую Рафаэль написал в XVI веке. Сам Дали считал, что художник «должен выражать космологию эпохи, в которой живёт». Именно этим объясняется, почему он сюрреалистически обыгрывал тему Девы с младенцем в своём «корпускулярном» или «атомном» периоде, изображая субатомные частицы ослепительным калейдоскопом цветов.

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм
На картине Дали изображены два слона на ногах-ходулях на фоне заката. Цветовая гамма в насыщенных тонах плавно переходит от ярко-оранжевого к нежно-жёлтому. Под этим необыкновенным небом простирается пустыня с песчаными холмами вдалеке, над которыми, кажется, никогда не веял ветер.

Два слона идут навстречу друг другу – их ноги, похоже, могут сломаться под тяжестью ноши. Однако если присмотреться, можно заметить, что обелиски парят в воздухе. У одного из животных хобот поднят, словно в радостном приветствии, у второго, напротив, опущен – как будто он опечален. Под ногами гигантов Дали поместил два человеческих силуэта с удлинёнными тенями. Один из них похож на стоящего мужчину, второй – на женщину, которая бежит с поднятыми руками. В центре между ними – схематичный набросок дома. Несмотря на сюрреалистический стиль, посыл этой картины понятен всем.

В мировой культуре есть множество изображений слонов, и чаще всего они рассматриваются как символ силы, господства и могущества из-за своего размера и веса. Здесь Дали ломает эти типичные ассоциации, поставив огромных животных на длинные, тонкие конечности, которые когда-то назвал «многосуставными, почти невидимыми ногами страсти».

«Слоны» – яркий пример сюрреалистического произведения, воплощающего чувство фантомной реальности. Животные олицетворяют искажение пространства: их хрупкие ноги нарушают наше чувство конструкции и невесомости, противопоставляют вес и пространство. К сожалению, картина выставляется крайне редко, поскольку находится в частной коллекции.

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм #АллегорическаяСцена
Сон для Сальвадора Дали был самым веским доводом в пользу любого скандального решения, образа, сюжета. Когда предводитель сюрреалистского объединения Андре Бретон торжественно изгонял Дали из рядов на официальном заседании, обвиняемый устроил целый спектакль. А в собственное оправдание заявил, что написал Ленина с уродливо растянутой ягодицей лишь потому, что тот ему так приснился. И если сегодня ночью увидит во сне, как занимается любовью с самим Бретоном, то обязательно прямо с утра напишет эту сцену, не пренебрегая мельчайшими деталями.

Сон был для Сальвадора Дали прямым порталом в бессознательное. Во время единственной встречи их встречи в Лондоне Фрейд сказал Дали: «В ваших картинах я ищу не бессознательное, а сознательное, тогда как у старых мастеров самое интересное – это поиск бессознательного и загадочного, спрятанного в их картинах».

Огромная отяжелевшая голова, лишенная тела, здесь воплощает сам сон и его отношения с реальностью. Реальность – это одиннадцать костылей, на которых голова до тревожного опасно держится. Они кажутся слишком хрупкими, готовыми сломаться и уронить свою тяжесть, расплющить ее в бесформенную массу. Но в то же время их хитроумное расположение кажется безупречно рассчитанной конструкцией грамотного инженера. Или набором бесполезных подпорок для самоуспокоения.

Сон – это еще и монстр, готовый свалиться на человека и нависнуть удушающим объемом. Обрывки реальности истончаются и съеживаются до крошечного здания на горизонте, удаляющейся человеческой фигуры, крошечной собаки, которая тоже уже спит, опираясь мордой на костыль. Пространство вокруг лишается земных признаков и способно на что угодно: стать твердью (костыли-то отбрасывают четкие тени), стать водой (здание-то выглядит островом посреди водной глади), стать небом, над которым простирается еще одно небо.

А костыли – это вообще один из основных образов мифотворца Дали. В своей «Тайной жизни» он рассказывает целую историю (реальную или выдуманную – точно не известно) о том, как случайно найденный костыль, попавший в переплет его детских выходок, навсегда стал для него символом одновременно любви и смерти, власти и желания.

Что будет, если монстр-сон откроет глаза? Реальность обрушится – и он завладеет миром, смахнет в небытие хрупкие здания вместе с собакой и человеческой фигурой одним взмахом ресниц? Или растворится сам, сдуется, как воздушный шар, уступая место шезлонгу, с которого уже тянется рука разомлевшего от сиесты Сальвадора Дали к бумаге и карандашу?

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм
На картине мы видим состоятельную даму, одетую в изящное белое платье, стоящую перед кирпичной стеной на фоне океана. Используя прием, часто встречающийся в его работах, Магритт помещает меньший объект перед большим, маскируя часть объекта на заднем плане. В этой работе Магритт помещает букет сирени перед лицом женщины, скрывая ее личность от зрителя, заставляя, тем самым, задаться вопросом – не являются ли ее дорогая одежда, изысканная сумочка, украшенная бисером и вышивкой, шляпа с перьями, вычурный парасоль более значимыми, чем ее лицо?

Искусствовед Патрик Вальдберг, близкий к сюрреалистам, приводит такие слова Магритта: «Интересное в этих картинах – это внезапно ворвавшееся в наше сознание присутствие открытого видимого и скрытого видимого, которые в природе никогда друг от друга не отделяются. Видимое всегда прячет за собой еще одно видимое. Мои картины просто выявляют такое положение вещей непосредственным и неожиданным образом. Между тем, что мир предлагает нам как видимое, и тем, что это данное видимое под собой прячет, разыгрывается некое действие. Это действие – зримо, и оно – как борьба, и потому название «Великая война» воспроизводит его содержание с достаточной точностью».

Хотя картина, изображающая женщину, является именее известной, чем связанная с ней работа «Сын человеческий», ее трактовки так же разнообразны. Название «Великая война», очевидно, отсылает к кровопролитным событиям XX века: скрывая лицо женщины прекрасным букетом, художник словно намекает, что лицо войны может быть куда более чудовищно, чем ее одеяние, сотканное из обещаний и обманчивых надежд, а сама война – обезличенное насилие, разрушающее привычный уклад жизни и человеческие судьбы.

Важную роль в понимании этой работы играет и наряд женщины: когда солдат умирал на фронте, помолвленный с девушкой, она оставалась, по сути, вечной невестой, вдовой в белом. Букет фиалок - символ невинности и нежности, словно букет невесты, - усиливает это впечатление. Скрывая лицо, этот букет словно прячет скорбь и траур от посторонних глаз, оставляя лишь символичное напоминание о том, чего может лишить война. Мы ничего не знаем ни об этой женщине, ни о мужчине, которому она была обещана – только о том, что произошло с ними.

Само название цветов фиалки (viollette – фр.) ассоциативно намекает на насилие (viol, violence – фр.), которым является война и которое, видимо, навсегда разлучило возлюбленных. Магритт написал эту работу за три года до смерти, будучи уже немолодым мужчиной, пережившим ужасы двух мировых войн.
Возможно, художник выразил свою скорбь об этих событиях метафорически изобразив невесту с уже ненужным свадебным букетом, обреченную оставаться в белом свадебном платье, одной на пирсе, идущем вдоль пустынного моря.

@pic_history

#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Свою идею он описал как «спонтанный метод иррационального знания, основанный на критической и систематической объективности ассоциаций и интерпретации бредовых феноменов». При создании произведения искусства эта техника «использует активные процессы разума для визуализации образов и включения их в конечное творение». Один из результатов такой работы – двойное или множественное изображение, неоднозначность которого может трактоваться по-разному. Этот метод Дали разработал в надежде произвести впечатление на своего кумира Зигмунда Фрейда.

В «Балерине в голове смерти» Дали использовал монохроматическую цветовую схему. Череп и девушка написаны серым и бледно-жёлтым цветами на чёрном фоне с чёрными же элементами. Единственный акцент – красный цветок на голове героини. В картине нет резких граней или геометрических форм, все линии и формы органичны.

Череп занимает основное пространство – от самого верха и как бы выходя за раму внизу. Балерина находится перед ним, но кажется, будто обе фигуры слились в единый объект. Пачка танцовщицы принимает форму зубов, руки сведены над головой, и пустое пространство между ними похоже на глазницы. Две большие трещины на груди девушки похожи на нос черепа. Взгляд зрителя фокусируется на ярко-красном цветке и оттуда движется вниз по линиям тела.

Картина, принадлежащая коллекции фармацевтической компании Merz, датирована 1932 годом (со знаком вопроса). Однако доподлинно известно, что художник написал её в 1939-м. К теме черепа он вернулся два года спустя – в сцене «Лицо войны».

@pic_history

#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Если в подавляющем большинстве своих работ он стремится удивить зрителя, создать парадоксальный образ или вовсе поставить в тупик отсутствием видимой связи между изображением и названием произведения, то в случае с «Вечерним платьем» все довольно прозрачно. Магритт создает мечтательную атмосферу, побуждающую погрузиться в мгновения прошлого: то ли вспомнить полуночные купания в наряде из лунного света на заре юности, то ли вызвать из памяти видения первой любви.

Этот образ также может быть авторской интерпретацией богини Дианы – покровительницы плодородия, охоты, флоры и фауны в римской мифологии. Поскольку она также является олицетворением Луны, то ее принято изображать с полумесяцем на голове – чаще всего, в виде украшения в волосах.

В 1954 – 56 годах художник создал несколько картин с похожей композицией: с некой фигурой в центре и молодым месяцем, расположенной строго над ней. Картина «Шедевр, или тайны горизонта» (1955) нарушает симметричную закономерность этой серии: на ней человек в котелке изображен трижды – со спины, в профиль и в четверть оборота, причем над каждой из версий красуется по серпу луны.

В письме своему другу, бельгийскому поэту-сюрреалисту Полю Колине, Магритт вспоминает обстоятельства, при которых ему пришла в голову эта полуночная композиция. Он пишет об этом в контексте размышлений о природе гениальности, утверждая, что она заключается не в том, чтобы создавать блестящие идеи, а в том, чтобы уметь их распознать. «К примеру, была у меня идея, великолепие которой не осознавал ни я, ни ты, когда год или два назад, я обратил внимание, что луна в определенных положениях находится точно над дымовой трубой или деревом, – писал Магритт. – Тогда мы посчитали это «забавным», «поразительным», но малоинтересным. Благодаря новым картинам «Небесные девушки», «Вечернее платье», «Учитель» и «Шедевр» мы теперь можем показать гениальность, если осознаем, что «забавная» идея на самом деле великолепна».

Не факт, что привлекательность картины «Ночное платье» заключается именно в точном расположении луны над головой девушки, но взгляд она, несомненно, притягивает надолго.

#РенеМагритт #Сюрреализм

@pic_history
Строго говоря, здесь Дали не предлагает ничего нового. «Двойные картины» появились задолго до него – взять того же Джузеппе Арчимбольдо. Но гений Сальвадора Дали проявился даже в том, что ему удалось сохранить вермееровскую игру света на виске и щеке профиля – или на стене, у которой стоит девушка.

Дали объединил на одном полотне двух своих кумиров, самых ярких представителей искусства – Веласкеса и Вермеера. Кто-то другой мог бы просто сделать копию, но у великого испанца было своё уникальное видение. Считается, что для женской фигуры ему позировала жена, Гала.

В «Исчезающих образах» автор продемонстрировал свои эротические фантазии. Здесь тёплый контур женской груди с голубым гало переходит в портрет с пышными усами, который после возвращается в образ первого плана. Женщина с письмом в руках застыла в голубовато-бледном пятне. Ее пальцы – это струны. Профиль стёрт, голова с аккуратной причёской обозначена схематично. Тонкие фаланги сжимают бумажку – мягкий кусочек, голубой росток, часть веточки…

Здесь каждый штрих пластичен, придавая картине атмосферу комнаты сумасшедшего с мягкой обивкой – такой податливой и ватной. Работа написана сухой кистью, почти однотонными красками в холодной гамме теней. Но «Исчезающие образы» не вызывают леденящего ощущения, несмотря на обилие сумрака с примесью сажи и ультрамарина. Полумглу освежает примесь розовых оттенков, например, в углу под географической картой. Техника Дали, как всегда, безупречна: нет грубых мазков, ломаных слоев. Масло ложится ровно, словно на толстый кусок хлеба. Только тень за спиной женщины – она же тень профиля – прописана «ёжиком» тонких мазков.

Шахматный пол – единственная деталь с чётким контуром и прямыми линиями. Он пронизывает синеву работы отчётливым контрастом чёрных и белых плиток. Доска пуста, игра сыграна, и в ответ на строчки из письма возможно будет матч-реванш. На полотне Дали слились три образа, три части целого – и одно не может существовать без другого.

Впервые художник представил эту работу на выставке «Сальвадор Дали», проходившей в галерее Жюльена Леви в Нью-Йорке в 1939 году. Сейчас «Исчезающий образ» находится в театре-музее Дали, расположенном в родном городе художника Фигерасе на востоке Испании. В этом здании он когда-то выставил свою первую картину.

#СальвадорДали #Сюрреализм

@pic_history
Рене Магритт начал искать новые пути в искусстве примерно в 1924 году, под влиянием коллажей Макса Эрнста и картин Джорджо де Кирико. В последующие два года художник создал серию коллажей, которые уже вполне можно было назвать сюрреалистическими, но самой первой и важной из этих работ сам Магритт считал именно «Потерянного жокея». Художник говорил: «Это первое полотно, которое я действительно писал с чувством, что нашел свой путь, если можно использовать такое понятие».

Этот коллаж стал центральным экспонатом и дал название первой персональной выставке Магритта, которая проходила в Брюсселе в 1927 году. В самой первой версии этой картины уже появились знаковые символы, отличительные черты творчества Магритта – колонны, они же деревья, в данном случае вырезанные из нотного листа. Безусловно, важнейшее значение имеет и название коллажа, в котором заключается явное противоречие. Большой любитель парадоксов и оксюморонов, художник оставляет зрителя в недоумении гадать, как может потеряться или заблудиться жокей, путь которого всегда пролегает по четко очерченной круговой дорожке?

Еще одна немаловажная деталь – театральный занавес, который обрамляет «Потерянного жокея» и благодаря которому картина выглядит похожей на декорацию. Возможно, причиной появления здесь занавеса послужило то, что в начале 1920-х Магритт создавал декорации для экспериментальной театральной группы Theatre du Groupe Libre. Подобные занавеси, как и колонны, станут неотъемлемой частью творчества художника и будут часто появляться в его работах. Примечательно, что на последней картине из серии «Потерянный жокей» Магритт снова использует похожий прием, только в этом случае обрамлением для героя полотна служат каменные разломы.

Некоторые критики считают, что на Рене Магритта оказало серьезное влияние творчество Джорджо де Кирико, который использовал странный набор, казалось бы, никак не связанных между собой объектов и тем самым приглашал зрителя в область, где господствует совсем иная скрытая логика. Магритта вдохновили эксперименты итальянца с реальностью, но ему пришелся не по душе мистицизм де Кирико, поэтому он отрицал его влияние: «Когда примерно в 1925 году я увидел картину де Кирико «Песнь любви», я был поражен. Но у «Потерянного жокея» нет с ней никаких сходств. Влияние, о котором идет речь, ограничено великой эмоцией, чудесным откровением, когда я впервые в жизни увидел по-настоящему поэтическую живопись».

@pic_history

#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Лица Иисуса не видно – как и на всех картинах Дали. Центром композиции являются ноги (испачканные стопы – отсылка к длительным прогулкам Христа с учениками), которые одновременно закрывают центр атома позади фигуры. Сама частица состоит из логарифмических спиралей, которые так увлекали Дали в созревшем подсолнухе или очертаниях нога носорога.

Тело Христа – от ног на переднем плане до протянутых рук – образует треугольник. Ту же геометрию Дали впервые использовал в картине «Христос святого Иоанна Креста» в 1952 году. Вдохновением для этой формы послужил рисунок испанского святого-мистика Иоанна Креста, на котором распятие изображено сверху, словно с точки зрения Бога. Чтобы написать фигуру, Дали поставил натурщика на стеклянный помост, специально сконструированный в мастерской в Порт-Льигате.

В небе над Иисусом мы видим не Бога-отца, что было бы логично, но залитое слезами лицо Галы, жены Дали. Голубь под её подбородком явно символизирует Святого Духа. К тому времени художник уже неоднократно изображал свою музу в виде Девы Марии. Например, в 1949 году – в первом этюде «Мадонны Порт-Льигата» и последующей картине, три года спустя – в «Ультрамариново-корпускулярном Вознесении Богоматери», а в 1954 году – в монументальной сцене «Распятие, или Гиперкубическое тело».

Сальвадор Дали – мастер иллюзий, манипулятор пространством и временем – сбивает нас с толку причудливым сопоставлением разных перспектив и точек зрения в «Вознесении». Мы не знаем, взлетает Христос или спускается. Не совсем ясно, под каким углом по отношению к центральной фигуре находится Гала. Ещё один ракурс, который окончательно дезориентирует смотрящего, – это пейзаж внизу, представленный в естественном для зрителя положении.

Множество вопросов, которые мы задаём себе, глядя на эту картину, возможно, и есть та цель, к которой стремился Дали. Не зря же он утверждал, будто сюжет пришёл к нему во сне. Пожалуй, ни одна другая работа периода «ядерного мистицизма» не передаёт дух этого метода настолько буквально. И наивысшая радость для ценителей его творчества – впрочем, как и любого другого – заключается в том, что мы можем по-своему интерпретировать то, что имел в виду художник.

@pic_history

#СальвадорДали #РелигиознаяСцена #Сюрреализм
Довольно скоро Рене и Жоржетте пришлось расстаться: родители девочки решили переехать в Брюссель. Через некоторое время Магритт тоже перебрался в столицу, чтобы получить художественное образование. И снова встретил Жоржетту. Существует несколько версий их воссоединения: по одной из них судьбоносная встреча произошла в магазине художественных принадлежностей, по второй – в ботаническом саду, а согласно третьей Рене и Жоржетта просто столкнулись друг с другом на улице. Как бы то ни было, все произошло по воле случая. И на этот раз Магритт твердо решил не выпускать судьбу из рук и жениться на Жоржетте.

На протяжении всей оставшейся жизни Жоржетта оставалась для Магритта самой любимой музой и одним из главных источников вдохновения. Художник неоднократно говорил, что практически все женщины на его картинах списаны с его жены. И хотя лишь несколько из этих полотен подписаны ее именем, черты Жоржетты явственно просматриваются в большинстве женских персонажей Магритта. Однако в основном это были некие абстрактные женские образы, похожие на его жену. В то время как непосредственно портреты Жоржетты становятся своего рода контрольными точками в карьере художника. Магритт написал как минимум по одному портрету жены, подписанному ее именем, в каждый период своего творчества – кубистический, сюрреалистический и «ренуаровский». Жоржетта будто бы представляет собой своего рода константу, нечто незыблемое, неизменное и очень важное, что сопровождает художника на всем его творческом пути. Впрочем, так оно и было: Магритт прожил с женой до самой своей смерти. Жоржетта пережила его почти на 20 лет и была похоронена вместе с мужем на Схарбекском кладбище под Брюсселем.

@pic_history

#РенеМагритт #Портрет #Сюрреализм
Руки женщины выглядят так, как будто с них сняли кожу. Лицо полностью закрыто волосами и она вытягивает вперед руки, как будто бы пытается нащупать дорогу в полной темноте. А женская фигура позади нее еще меньше напоминает человеческую. Задняя поверхность ее тела почти полностью усыпана странными отростками, делая ее похожей на дикобраза, из головы торчат тонкие ветки, а с руки свисает кусок плоти.

Всю эту фантасмагорию дополняют жираф с полыхающей спиной и тревожное темное небо. Эти оба символа традиционно приписывают страху, который испытывал Дали в связи с Гражданской войной, которая шла в Испании, во время создания картины «Жираф в огне». В других трактовках работу считают воплощением предчувствия Второй мировой войны. Сам художник называл экзотическое животное «мужским космическим апокалиптическим монстром».

Первый раз горящий жираф появился в фильме Луиса Бунюэля «Золотой век» (1930), в титрах которого Дали значится как соавтор сценария. Помимо «Жирафа в огне», этот образ еще неоднократно вплывал на его картинах.

Как бы там ни было, эта картина стала одной из первых среди нескольких десятков по-настоящему мрачных и даже зловещих произведений испанского художника с пугающими образами, которые он создаст в течение нескольких последующих лет. И ужас Дали перед военными действиями действительно был настолько велик, что он предпочел спрятаться от них, переплыв целый океан. Начиная с 1940 года, он с Галой поселился в США и вернулся в Испанию лишь спустя восемь лет, когда в Европе окончательно восстановился мир.

@pic_history

#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Представленная картина – размышление о том, как в памяти человека постоянно осуществляется выбор между двумя оппозициями. Стакан символизирует идеалистичность философского пути познания: Магритт не единожды использует этот объект, помещая стакан и на одну из самых известных своих картин - «Каникулы Гегеля» (1958). Гегель известен своей философией абсолюта и исследованием диалектичности познания. На другой стороне полотна «Память», на другой чаше весов мироздание предлагает нам вкусить земного удовольствия в виде простого и незамысловатого яблока. Как видим, в обоих случаях выбор не сделан, ибо и стакан полон, и яблоко выглядит нетронутым. Но кое – что все же изменилось в итоге этого противостояния: остался живой шрам от сделанного выбора, который даёт о себе знать за счёт живой крови, в то время как лицо пребывает в потустороннем безразличии — оно почти сливается с окружающей действительностью. К тому же голова в виде скульптуры показывает физическую неспособность по-настоящему выпить стакан или откусить яблоко. Знаменитый ход Маргитта с использованием мраморных скульптур говорит о монументальности восприятия — глядя на это лицо, в сознании всплывает античный образ красивого юноши с приятными и одухотворенными чертами лица без намека на несовершенство.

Закрытые, глаза в свою очередь, намекают на погружение в глубины памяти, при этом непонятно, жив или мёртв этот юноша, ибо в других работах Магритт использовал мраморные незавершённые скульптуры, в том числе как «живые» объекты. Вообще, образ юноши с кровавым пятном Магритт использовал не раз и во всех случаях он символизирует память.

Магия жизни на этой картине реализует философию Гегеля и заключается в том, что мы постоянно вынуждены делать как будто один и тот же выбор между двумя великими категориями мышления, и, хотя мы не приближаемся к окончательному ответу, сам процесс не проходит бесследно, оставляя «маркеры» душевных терзаний. Магритт говорил: «Если вы посмотрите на вещь с намерением попытаться понять, что она значит, то больше не будете видеть саму вещь, а сосредоточитесь на своём вопросе».

@pic_history

#РенеМагритт #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
«Голова Джулиано ди Медичи» – не единственная работа Дали, вдохновленная этой статуей ренессансного мастера. Микеланджело создал ее для семейной капеллы Медичи во Флоренции. Джулиано был братом Лоренцо Медичи «Великолепного», главы Флорентийской республики, покровителя наук и искусств. Его скульптуру авторства Микеланджело Дали также «вспоминал» на экспрессивной и несколько пугающей картине «Воин» 1982 года.

В «Голове Джулиано ди Медичи» сложно узнать руку испанского сюрреалиста – скорее, эта работа напоминает лишь тень былого величия. Наполовину эскиз, наполовину рисунок маслом, он будто бы неуловимо исчезает, выцветая на глазах. В глазах статуи, кажется, читается тоска и даже некоторая обреченность.

Дали так и не смог справиться с потерей любимой Галы, и спустя два года после ее смерти он окончательно расстался с кистью и мольбертом. Он ненамного пережил ее – художника не стало в 1989 году.

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм
«Бюст женщины», написанный на пике отношений Маар и Пикассо, – один из лучших в серии колоритных погрудных портретов, на которых Дора носит яркие шляпы. Её тёмные волосы заправлены за ухо, на голове красуется богато украшенная красная шляпа, платье выделяется на светящемся белом фоне. Картина насыщена ослепительными полосами розового, пылающего оранжевого и жёлтого, а также более холодными оттенками бирюзового, синего и белого, которые переплетаются и сливаются внутри композиции. Голова Доры, составленная из смело прописанных граней и линий, излучает энергию, жизнерадостность и любовь.

Картина демонстрирует высочайшее мастерство Пикассо в переосмыслении человеческого лица и его передаче на собственном радикальном и уникальном изобразительном языке. Как и в случае с предыдущими возлюбленными, он впервые впитал образ Доры, изобразив её в серии интимных зарисовок, и лишь в конце 1936 года лицо девушки в работах художника стало искажаться. Постепенно эта стилизация и деформация усилились, достигнув пика в серии «Плачущая женщина» в октябре 1937 года.

Пикассо продолжал одержимо искажать, деформировать и деконструировать образ Доры. В «Бюсте женщины» её лицо больше не цельное и объёмное, а разделено на сложную сеть фрагментов и граней цвета, линий и паттернов. Хотя Пикассо изобразил натурщицу в профиль, он включил в изображение оба глаза – это было доминирующей чертой его портретов 1937-го и 1938 годов. Этими работами художник сформировал новую концепцию портретной живописи, избегая объёмных изображений в пользу сплющенной и стилизованной композиции из линии и цвета.

Вместе Пикассо и Дора пережили одно из самых неспокойных и трагических десятилетий XX века, став свидетелями расцвета фашизма, развязывания гражданской войны в Испании и Второй мировой войны, а также мрачных реалий жизни в оккупированном Париже. Несмотря на это сложное время, Дора вдохновила художника на поразительный всплеск творчества, служа его музой и сотрудником. Фотографии, сделанные ею в студии Пикассо, иллюстрируют этот период высокой продуктивности, показывая ряды полотен, сложенных в мастерской. На одном из самых известных снимков, сделанном в 1939 году, видно множество картин с женскими головами, выстроенных вдоль стены в студии. Многие из них в настоящее время хранятся в известных музейных коллекциях по всему миру. В центре фото видны яркая шляпа и резкие формы «Бюста женщины». Этот портрет оставался в личной коллекции художника в течение многих лет и был одной из картин, включенных в книгу «Работы Пикассо» Дэвида Дугласа Дункана. Этот труд, опубликованный в 1961 году, открыл публике многие ранее не виденные произведения, которые хранились у автора.

В 2016 году «Бюст женщины» был впервые выставлен на аукцион и продан за 22,6 миллиона долларов США.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Именно здесь Дали (а лучшие образы и идеи всегда посещали его во время сиесты) изобретает параноидальный художественный ход – двойственные образы. Это изображение, в котором может восприниматься сначала один объект, сквозь него – совсем другой. Очертания предмета, не меняясь фактически, в глазах смотрящего превращаются в нечто совсем другое. Лошадь – в лежащую обнаженную женщину, а потом – во льва. Ваза с фруктами – в лицо поэта Лорки. «Человек-невидимка», первая картина в целой серии «двойственных образов», просто напичкана такими головоломными визуальными загадками. Торс женщины – и он же плечо мужчины, лошадь – и она же лежащая женщина, закинувшая руку за голову. Вода – волосы – рога. В таких картинах-ребусах Дали не ограничивает фантазию зрителя – и призывает видеть даже то, чего он сам не подразумевал. Чем больше безумных фигур внутри других безумных фигур отыщете – тем вернее исполнен будет замысел художника.

Простенькие рисунки с визуальными загадками были любимым развлечением Дали, когда он был ребенком:

«Каждую субботу приходил молодежный журнал, который выписал для меня отец. На последней странице там всегда печаталась загадка в виде картинки, на которой, к примеру, был изображен охотник в лесу. В переплетениях ветвей и травы подлеска художник ловко прятал кролика. Его-то и нужно было найти. Или же нужно было найти куклу, которую потерял малыш в пустой на первый взгляд комнате. Эту головоломку впервые показал мне отец; как же он каждый раз удивлялся, когда вместо одного кролика я находил двух, трех и даже четырех, а вместо одной спрятанной художником куклы — несколько. Еще более удивительным было то, что мои кролики или куклы были видны гораздо лучше и прорисованы гораздо четче тех, что прятали специально».

Взрослый Дали-художник щедро начиняет картины кроликами и куклами, явными, надежно спрятанными, очевидными и не очень. Для чего? Прежде всего, с наслаждением играет: упражняет мозг (он сам давно утверждает, что это самый гениальный мозг) в поиске связей, а руку – в безупречном многозначном рисунке. А, кроме того, испытывает реальность на прочность, с азартом выдергивает из ее основания самые надежные и крепкие кирпичики – те, что отвечают за связность картинки и обоснованность появляющихся на ней элементов. Наконец, с упоением растягивает количество времени, которое зрителю придется провести перед его картиной в поиске разгадок. Смотреть шире, смотреть во все глаза, находить кроликов и кукол, которых даже он сам поначалу не заметил. Превращаться в соучастника.

@pic_history

#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
«Сидящая женщина в синем платье» отличается не только яркой палитрой, её сопровождает не менее захватывающая история.

Картина изначально принадлежала Полю Розенбергу, дилеру Пикассо, но была конфискована нацистами в 1940 году – вскоре после написания. Её отправили в Германию, но по дороге поезд был перехвачен силами движения «Свободная Франция». Это событие легло в основу сюжета фильма «Поезд» (1964) с Бертом Ланкастером и Жанной Моро в главных ролях.

В реальности же одним из тех, кто помогал саботировать попытки нацистов вывезти произведения искусства из Франции, был Александр Розенберг – сын Поля Розенберга. Он вступил в ряды движения «Свободная Франция» (позже переименованного в «Сражающуюся Францию») после вторжения гитлеровских войск в 1940 году и был лейтенантом Второй бронетанковой дивизии. Именно он командовал взводом из девяти человек, которые остановили поезд.

Дора Маар была одной из важнейших муз Пикассо. Их роман начался на закате отношений художника с Марией-Терезой Вальтер. Та была молодой, спортивной блондинкой с солнечным нравом и милым характером. Во время жизни с ней Пикассо писал плавные, мягкие и чувственные изображения. Маар, как можно видеть по «Сидящей женщине в синем платье», была сложной, беспокойной и контрастной персоной. Интеллектуальная и креативная, фотограф и художник сама по себе, она была для Пикассо спарринг-партнером. К тому времени, когда они стали парой, она самостоятельно уже засветилась в кругах сюрреалистов.

Пикассо часто изображал Маар в шляпах, которые ей нравились, и эта черта первой выделяет её среди муз художника. В «Сидящей женщине в синем платье» шляпа представляет собой аксессуар в фиолетовую полоску, украшенный чем-то напоминающим зелёный плюмаж или листву. Такие головные уборы привносят игривую атмосферу в портреты Доры кисти Пикассо. Они также смягчают резкость, с которой он представлял её лицо, – как в случае со смещёнными и искажёнными чертами на этой картине.

Некоторые критики находят связь между образами Доры Маар и напряженностью, которая была вызвана гражданской войной в Испании и Второй мировой. Какова бы ни была истинность этой идеи, кажется, что Пикассо, чьи картины часто были барометром состояния его ума, нашёл музу, которая прекрасно отражала его переживания в тот период.

После Второй мировой войны картина была возвращена Полю Розенбергу, который продал её Джорджу Дэвиду Томпсону, стальному магнату из Питтсбурга (США). Искусствовед Альфред Барр назвал Томпсона «одним из великих собирателей искусства нашего времени» – многие работы из его бывшей коллекции украшают стены музеев в Соединённых Штатах и Европе. В 2011 году «Сидящая женщина в синем платье» была выставлена на аукцион и продана за сумму, эквивалентную 29 миллионам долларов. Шесть лет спустя она вновь попала на открытые торги и ушла с молотка уже за 45 миллионов.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Портрет #Сюрреализм
Две антропоморфные скалы связаны со знаменитой картиной «Анжелюс» художника XIX века Жана-Франсуа Милле, вдохновившей ряд работ Дали в начале 1930-х. В некоторых композициях испанец прямо ссылается на шедевр французского коллеги, помещая две фигуры в воображаемый ландшафт. В «Доме для эротомана» аллюзия менее очевидна, здесь две формы превращаются в гигантские камни, которые доминируют над окружающим пейзажем.

Правая скала повторяет оригинальную позу крестьянки с картины Милле, стоящей в профиль, слегка наклонив голову. Её форма пронизана копьями, простирающимися из тела спутника-мужчины. Одновременно с этим мужская и женская фигуры в левом нижнем углу «Дома для эротомана» символизируют Дали и Галу, которые познакомились в 1929-м – за несколько лет до создания полотна. Преобразуя каталонские холмы в антропоморфные сексуально наполненные изображения, художник эротизирует пейзаж, на фоне которого проходили его первые встречи с возлюбленной.

Эту работу купила непосредственно у художника аргентинская графиня де Куэвас де Вера вместе с полотном «Градива» (1931). Урождённая Мария де лас Мерседес Адела Атуча и Лавайол вышла замуж за графа де Куэваса де Веру, однако все называли её прозвищем Тота. Она родилась в высокообразованной дворянской семье и провела всю жизнь между Буэнос-Айресом и Европой, особенно Францией, где дружила с Дали, Пабло Пикассо, Альберто Джакометти, Максом Эрнстом, Ле Корбюзье, Маном Рэем, писателем Жаном Кокто, кинорежиссёром Луисом Бунюэлем и многими другими знаменитостями, творившими в Париже в 1920-х и 1930-х годах.

Резиденцию её родителей в Аргентине проектировал знаменитый французский архитектор Рене Сержан, построивший отели Savoy и Claridge's в Лондоне. Тот факт, что родители Тоты поручили ему возведение своего семейного дома, говорит об их интересе к авангарду и модернизму.

До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 3,5 млн фунтов стерлингов (4,9 млн долларов США).

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм
Что же касается мужских персонажей, то на самых поздних своих полотнах Пикассо изображает преимущественно самого себя, не отказывая себе в удовольствии романтизировать собственный образ. Героем его последних портретов становится некий Мушкетер – немного неопрятный немолодой мужчина с седеющими волосами в барочном костюме и широкополой шляпе. Этого персонажа мы, кроме прочего, можем увидеть на картине «Отцовство», и его же черты с легкостью просматриваются в лице героя полотна «Поцелуй», написанного в 1969 году.

Пикассо изображает пару, сливающуюся в поцелуе, практически на голом фоне, сосредотачиваясь только лишь на лицах героев. Он не стесняется искажать лица любовников с целью максимально приблизить их друг к другу, отобразить глубокое слияние двух целующихся людей. Чтобы подчеркнуть это единение, Пикассо наделяет пару похожими чертами лица (например, одинаковой формой носа). Лысеющий мужчина с длинной седой бородой, одетый в узнаваемую тельняшку, - это, без сомнения, сам Пикассо. Его глаза широко раскрыты, как будто он только что пережил некое откровение. Открыты и глаза его возлюбленной, и зритель может видеть их оба, несмотря на то, что женщина написана в профиль. На ее фоне лицо мужчины кажется непропорционально большим, но это удивительным образом создает ощущение исходящей от него ласки и заботы. В этот период из картин Пикассо, изображающих влюбленные пары, уходит всепоглощающая сексуальная лихорадка, остается лишь нежность и безмятежность, которыми были наполнены годы его жизни с Жаклин.

@pic_history

#ПаблоПикассо #Сюрреализм
Погружённая в темноту тихая улица, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака.

В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье».

Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky».

13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США.

@pic_history

#РенеМагритт #Сюрреализм
Сальвадор Дали бредил «Анжелюсом» Милле. Были две картины из его раннего детства (даже не картины, а их репродукции), которые не давали ему покоя всю жизнь, от потери которых Дали делался больным и утрачивал силы, переставал пить и есть. Возвращая себе их репродукции, с жадностью брался за изучение, за грезы и сны над ними, за поиски неожиданных смыслов и расшифровку тревожных недосказанностей. Одна – это «Анжелюс» Милле, вторая – «Кружевница» Вермеера. Обе были точками «А» для художественных поисков Дали, из которых он с нетерпением отправлялся в бесконечные путешествия к неназванным, непредсказуемым пунктам назначения, каждый раз – к разным.

На картинах Дали находят больше 60 прямых и труднонаходимых отсылок к композиции картины «Анжелюс» французского художника Жана-Франсуа Милле. И «Археологический отголосок» - один из самых очевидных. Фигуры крестьян, которые склонили головы в вечерней молитве, девятилетний Сальвадор впервые увидел в коридоре школы. Он обучался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе и смотрел сквозь распахнутую дверь класса на репродукцию картины Милле:

«Эта картина вызывала во мне беспричинный страх, такой пронзительный, что воспоминание о двух неподвижных силуэтах сопровождало меня в течение многих лет, вызывая одно и то же чувство подавленности и тревоги. Это тянулось до 1929 года, когда картина исчезла из моей памяти. Тогда же я нашел другую репродукцию и был заново охвачен подобной тревогой. Изображение снова навязчиво преследовало меня, и я стал записывать психологические явления, которые следовали за его восприятием, затем вдохновляясь на свои поэмы, картины, композиции. Наконец я написал эссе, которому еще предстоит выйти в свет: «Трагический миф „Анжелюса“ Милле», который я считаю одним из главных документов далинийской философии. «Анжелюс» вызывал у меня тревогу и одновременно скрытое наслаждение, которое проникало мне куда-то под кожу, как серебристое лезвие ножа».

Дали-художника, выросшего и насмотревшегося на молящихся крестьян Милле, мучило несоответствие: слишком отчаянные, трагические позы и лица, несоизмеримые с событием – обычной вечерней молитвой над корзиной с картошкой и незаконченными полевыми работами. Однажды Дали обратился к руководству Лувра, где находился тогда «Анжелюс», с просьбой провести рентгеновский анализ полотна. И луврские специалисты анализ провели. Под красочным слоем точено в том месте, где написана корзина с картошкой, Милле сначала написал детский гроб. А позже закрасил его, то ли уступая пожеланию заказчика, то ли предвидя его недовольство.

Обнаруженное объяснение удовлетворило многолетнюю детскую тревогу Дали, но не остановило в поиске возможных интерпретаций. Убитые горем родители, которые вынуждены хоронить некрещеного младенца в поле, - версия убедительная, но не единственная в мифологии Дали. Он видел в этой картине эротический сюжет: мужчину, охваченного вожделением и стыдливо скрывающего возбуждение (посмотрите, как он пытается скрыть эрекцию под прижатой к телу шляпой), женщину, смиренно принимающую это вожделение. Сладострастно вонзенные в мягкую вспаханную землю вилы – прямое доказательство, очевидный эротический символ.

Анжелюс, серебристое лезвие ножа, раз за разом проникает под кожу художника Дали и рождает тревожные образы. Две древние, изъеденные дождями и ветрами, полуразрушенные башни пригвождены к своим вечным фундаментам и обречены тянуться друг другу в безмолвном горе и бесконечной, неудовлетворенной страсти.

@pic_history

#СальвадорДали #Сюрреализм