Аниме выходного дня: «Опасность в моём сердце» (Boku no Kokoro no Yabai Yatsu, 2023-2024) Хироаки Акаги.
Кётаро Итикава – школьник-интроверт, предпочитающий проводить время за своими мыслями, а они у него с помощью фантазий способны заиграть такими красками, что становится страшно. Например, он представляет то, как убивает своих надоедливых одноклассников. В особенности его подобные мысли направлены в сторону Анны Ямады, популярной девочки, являющейся в свои юные годы уже начинающей моделью и актрисой.
Синопсис звучит достаточно страшно и напоминает о каких-то триллерах, но на деле оказывается, что перед зрителем разыгрывается очень даже романтическое и по-юношески искреннее аниме, где тот самый Кётаро постепенно влюбляется в Анну, параллельно борясь с внутренними демонами и паническим стеснением. Мы как раз на протяжении двух сезонов следим за развитием главного героя, старающегося измениться, но и одновременно до жути боящегося новой реальности.
Стоит, конечно, отметить, что неуверенность Кётаро зачастую изображается какой-то гипертрофированной и слишком уж навязчивой, а от этого ты как зритель раздражаешься вдвойне, начиная уже не переживать за подростка, а отворачиваться от него. И тут как раз кстати во втором сезоне немного меняется экспозиция, когда равноценно главной героиней со своим закадровым голосом становится и Анна Ямада, с внутренним миром которой мы знакомимся. И которая оказывается уже не настолько раздражающей по сравнению с основным протагонистом.
В целом развитие отношений Кётаро и Анны выглядит весьма увлекательным. И, да, «Опасность в моём сердце» — это пример аниме, где второй сезон лучше первого. В тайтле имеется достаточно интересный юмор, балансирующий временами на границе с пошлостью, но при этом это не выглядит инородным телом, так как мы имеем дело с жизнью подростков. В остальном это интересное и милое романтическое аниме, где создатели сделали правильные выводы, создав второй сезон со смещением раздражающих акцентов в позитивную сторону.
#аниме
Кётаро Итикава – школьник-интроверт, предпочитающий проводить время за своими мыслями, а они у него с помощью фантазий способны заиграть такими красками, что становится страшно. Например, он представляет то, как убивает своих надоедливых одноклассников. В особенности его подобные мысли направлены в сторону Анны Ямады, популярной девочки, являющейся в свои юные годы уже начинающей моделью и актрисой.
Синопсис звучит достаточно страшно и напоминает о каких-то триллерах, но на деле оказывается, что перед зрителем разыгрывается очень даже романтическое и по-юношески искреннее аниме, где тот самый Кётаро постепенно влюбляется в Анну, параллельно борясь с внутренними демонами и паническим стеснением. Мы как раз на протяжении двух сезонов следим за развитием главного героя, старающегося измениться, но и одновременно до жути боящегося новой реальности.
Стоит, конечно, отметить, что неуверенность Кётаро зачастую изображается какой-то гипертрофированной и слишком уж навязчивой, а от этого ты как зритель раздражаешься вдвойне, начиная уже не переживать за подростка, а отворачиваться от него. И тут как раз кстати во втором сезоне немного меняется экспозиция, когда равноценно главной героиней со своим закадровым голосом становится и Анна Ямада, с внутренним миром которой мы знакомимся. И которая оказывается уже не настолько раздражающей по сравнению с основным протагонистом.
В целом развитие отношений Кётаро и Анны выглядит весьма увлекательным. И, да, «Опасность в моём сердце» — это пример аниме, где второй сезон лучше первого. В тайтле имеется достаточно интересный юмор, балансирующий временами на границе с пошлостью, но при этом это не выглядит инородным телом, так как мы имеем дело с жизнью подростков. В остальном это интересное и милое романтическое аниме, где создатели сделали правильные выводы, создав второй сезон со смещением раздражающих акцентов в позитивную сторону.
#аниме
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Аниме выходного дня: «Мобильный воин Гандам: Ведьма с Меркурия» (Kidou Senshi Gundam: Suisei no Majo, 2022-2023) Хироши Кобаяши и Рё Андо.
Ещё один аниме-тайтл, просмотр которого у меня растянулся, но по итогу получил положительные впечатления. Про оригинальные «Гандамы» я знаю в общих чертах. Проговорю специально для вас, что это один из самых продолжительных аниме в истории (по типу «Ван-Писа», который идёт по сей день с 1999 года). Сначала всё происходило в оригинальной вселенной, но затем стали появляться т.н. «альтернативные календари», то есть параллельные вселенные, в число которых как раз входит «Ведьма с Меркурия».
«Гандам» - яркий представитель поджанра меха, где во главе всего стоят огромные боевые машины, плюс «Гандам» считается прародителем жанра «real robot». Суть в том, что боевые машины не являются воодушевлёнными, выступая в качестве подспорья и оружия для персонажей.
Сулетта в нашем тайтле – марсианка, которая по настоянию матери поступает в школу Asticassia, где ей предстоит не только обучаться всяческим технологических штукам, но и любую спорную ситуацию разрешать посредством дуэли на Гандамах. Честно сказать, я лично не такой большой любитель мех (это я понял и по просмотру «Ведьмы с Меркурия», поэтому процесс и затянулся), меня именно утомляют постоянные сражения на роботах. Другое дело, что «Ведьма» сама по себе очень красиво нарисована, а Сулетта как персонаж неплохо проработана, за развитием её истории интересно наблюдать (все эти перипетии с матерью), ей хочется сопереживать.
Естественно, как любое уважающее себя аниме «Ведьма с Меркурия» проседает как в первом сезоне, так и во втором. Но во втором сезоне внезапно захватывает и нивелирует все минусы серия, подчёркивающая ужасы войны, а также конфликт инопланетных жителей с землянами, на удивление этот эпизод выполнен настолько реалистично, что наталкивает на параллели с актуальными ситуациями. Отмечу, что в тайтле соблюдён баланс между серьёзностью и юмором, но есть перебор с эмоциями (опять-таки, как и в любом уважающем себя аниме).
В завершение скажу, что «Мобильный воин Гандам: Ведьма с Меркурия» - идеальный тайтл для тех, кто не смотрел оригинальных «Гандамов», потому как имеет плавный порог вхождения и не требует от зрителя особенных знаний обозначенной вселенной. Здесь красивая рисовка, занимательная история, запоминающиеся персонажи, отличная боёвка, классные песни опенинга и эндинга, поэтому это хорошее аниме для досуга.
#аниме
Ещё один аниме-тайтл, просмотр которого у меня растянулся, но по итогу получил положительные впечатления. Про оригинальные «Гандамы» я знаю в общих чертах. Проговорю специально для вас, что это один из самых продолжительных аниме в истории (по типу «Ван-Писа», который идёт по сей день с 1999 года). Сначала всё происходило в оригинальной вселенной, но затем стали появляться т.н. «альтернативные календари», то есть параллельные вселенные, в число которых как раз входит «Ведьма с Меркурия».
«Гандам» - яркий представитель поджанра меха, где во главе всего стоят огромные боевые машины, плюс «Гандам» считается прародителем жанра «real robot». Суть в том, что боевые машины не являются воодушевлёнными, выступая в качестве подспорья и оружия для персонажей.
Сулетта в нашем тайтле – марсианка, которая по настоянию матери поступает в школу Asticassia, где ей предстоит не только обучаться всяческим технологических штукам, но и любую спорную ситуацию разрешать посредством дуэли на Гандамах. Честно сказать, я лично не такой большой любитель мех (это я понял и по просмотру «Ведьмы с Меркурия», поэтому процесс и затянулся), меня именно утомляют постоянные сражения на роботах. Другое дело, что «Ведьма» сама по себе очень красиво нарисована, а Сулетта как персонаж неплохо проработана, за развитием её истории интересно наблюдать (все эти перипетии с матерью), ей хочется сопереживать.
Естественно, как любое уважающее себя аниме «Ведьма с Меркурия» проседает как в первом сезоне, так и во втором. Но во втором сезоне внезапно захватывает и нивелирует все минусы серия, подчёркивающая ужасы войны, а также конфликт инопланетных жителей с землянами, на удивление этот эпизод выполнен настолько реалистично, что наталкивает на параллели с актуальными ситуациями. Отмечу, что в тайтле соблюдён баланс между серьёзностью и юмором, но есть перебор с эмоциями (опять-таки, как и в любом уважающем себя аниме).
В завершение скажу, что «Мобильный воин Гандам: Ведьма с Меркурия» - идеальный тайтл для тех, кто не смотрел оригинальных «Гандамов», потому как имеет плавный порог вхождения и не требует от зрителя особенных знаний обозначенной вселенной. Здесь красивая рисовка, занимательная история, запоминающиеся персонажи, отличная боёвка, классные песни опенинга и эндинга, поэтому это хорошее аниме для досуга.
#аниме
Аниме выходного дня: «Кризис каждый день» (Bubblegum Crisis, 1987-1991) Хироаки Года, Хироки Хаяси, Фумихико Такаяма и др.
Всё же есть такое что-то эстетическое в просмотре олдскульного аниме. А уж когда устал от современной вылизанной рисовки, тогда лампово-мультяшное производство стареньких тайтлов будет в самый раз. Периодически возникает чувство, что всё это дело нарисовано в тетрадке ручками и фломастерами.
Мой выбор пал на «Бабблгам кризис», кстати сказать, это словосочетание обозначает состояние надутого пузыря из жвачки, который вот-вот лопнет. Речь же в аниме идёт о т.н. Мега-Токио, новом современном городе, что возвели на обломках старой столицы Японии. И дело в том, что для скорого строительства мегаполиса были созданы бумеры, они же киборги, являющиеся рабочей силой. Но, естественно, этих роботов многие криминальные личности стали использоваться для своих грязных целей. Поэтому для борьбы с ними был организован специальный отряд под названием «Рыцари сабли».
Я бы обозначил это аниме смесью киберпанка и мехи. Динамики здесь хоть отбавляй, ведь в каждом эпизоде обязательно случается экшн. Всё это разбавляется лёгким юмором, толикой драмы, но самое главное – крутейшим музыкальным сопровождением в j-rock жанре, которое прочно застревает в голове. Над этим делом поработал композитор Кодзи Макаино, специально писавший с нуля музыку для каждого нового эпизода. А вкупе с этой ручной рисовкой, где большинство сцен хочется заскриншотить и поставить на обои, так и вообще получается занятное аниме.
Другое дело, что «Бабблгам кризису» всё же чего-то не хватает. И, пытаясь разобраться с этим моментом, в плане незаконченности и провисаний сюжета, приходишь к факту о том, что творение Хироаки Года, Хироки Хаяси и др. переживало самый настоящий кризис (в такт своему названию). Проблемы крылись в судебных тяжбах между компаниями Youmex и Artmic, которые не могли поделить права на аниме. Плюс вечно не хватало финансирования, потому и было сделано только 8 серий (из планировавшихся 13).
Но если закрыть глаза на минусы, обозначенные абзацем выше, то мы имеем тайтл, способный захватить внимание, порадовать рисовкой, музыкой, а ещё солирующими женскими персонажами, что затмевают мужских героев. Здесь есть масса оммажей в сторону «Бегущего по лезвию», «Терминатора» и «Робокопа». Да и смотрится «Кризис каждый день» относительно легко, имея в арсенале всего-то 8 эпизодов.
#аниме
Всё же есть такое что-то эстетическое в просмотре олдскульного аниме. А уж когда устал от современной вылизанной рисовки, тогда лампово-мультяшное производство стареньких тайтлов будет в самый раз. Периодически возникает чувство, что всё это дело нарисовано в тетрадке ручками и фломастерами.
Мой выбор пал на «Бабблгам кризис», кстати сказать, это словосочетание обозначает состояние надутого пузыря из жвачки, который вот-вот лопнет. Речь же в аниме идёт о т.н. Мега-Токио, новом современном городе, что возвели на обломках старой столицы Японии. И дело в том, что для скорого строительства мегаполиса были созданы бумеры, они же киборги, являющиеся рабочей силой. Но, естественно, этих роботов многие криминальные личности стали использоваться для своих грязных целей. Поэтому для борьбы с ними был организован специальный отряд под названием «Рыцари сабли».
Я бы обозначил это аниме смесью киберпанка и мехи. Динамики здесь хоть отбавляй, ведь в каждом эпизоде обязательно случается экшн. Всё это разбавляется лёгким юмором, толикой драмы, но самое главное – крутейшим музыкальным сопровождением в j-rock жанре, которое прочно застревает в голове. Над этим делом поработал композитор Кодзи Макаино, специально писавший с нуля музыку для каждого нового эпизода. А вкупе с этой ручной рисовкой, где большинство сцен хочется заскриншотить и поставить на обои, так и вообще получается занятное аниме.
Другое дело, что «Бабблгам кризису» всё же чего-то не хватает. И, пытаясь разобраться с этим моментом, в плане незаконченности и провисаний сюжета, приходишь к факту о том, что творение Хироаки Года, Хироки Хаяси и др. переживало самый настоящий кризис (в такт своему названию). Проблемы крылись в судебных тяжбах между компаниями Youmex и Artmic, которые не могли поделить права на аниме. Плюс вечно не хватало финансирования, потому и было сделано только 8 серий (из планировавшихся 13).
Но если закрыть глаза на минусы, обозначенные абзацем выше, то мы имеем тайтл, способный захватить внимание, порадовать рисовкой, музыкой, а ещё солирующими женскими персонажами, что затмевают мужских героев. Здесь есть масса оммажей в сторону «Бегущего по лезвию», «Терминатора» и «Робокопа». Да и смотрится «Кризис каждый день» относительно легко, имея в арсенале всего-то 8 эпизодов.
#аниме
#Аниме выходного дня: «Генокибер» (Genocyber, 1994) Коити Охата.
Продолжая смотреть аниме прошлых лет, которые можно записать в классику, всё больше убеждаешься в уникальности стареньких тайтлов. Рисовка тех времён – это что-то уникальное, что сейчас представить трудно. Вот и «Генокибер» после «Кризиса каждый день» (за анимацию отвечала та же студия Artmic) не стал исключением.
Вполне можно представить, что если бы Дэвид Линч захотел снять аниме в жанре сэйнэн, добавив при этом фирменную психоделию и мрак, обрамив это всё небольшим слоем киберпанка, то у него могло получиться что-то наподобие «Генокибера».
Генокибер — это монстр, которого ни в коем случае нельзя выпускать наружу. Это оружие, обладающее безграничной силой, его, естественно, люди хотят использовать для достижения своих коварных целей, будь то военные действия или какой-то криминал. Генокибер - это объединение двух сестёр: Элейн и Дианы, их душ, при этом девушек переполняет ненависть друг к другу. Всё это запускает цепочку весьма жестоких и кровавых событий.
«Генокибер» — это OVA (оригинальная анимация, созданная специально для домашнего просмотра, грубо говоря), состоящая всего из 5 эпизодов. Казалось бы, этот тайтл должен восприниматься легко и смотреться быстро, но не тут-то было. За счёт той самой психоделии и отсутствия основного сюжета, что должен был плавно растечься по всем эпизодам, аниме Коити Охата смотрится тяжеловато. Плюс немного смущает тот факт, что значение имеют первые два эпизода, а остальные можно записать в филлерные, с учётом творящейся там дичи.
Но! Любители чего-то необычного останутся довольны точно. Несмотря на свою спорность, аниме оказало влияние на последующие работы в жанре киберпанка и даже ужасов. Закрученный сюжет, драматическая составляющая, попытки разобраться в сути бытия (что-то подобное можно, кстати, увидеть под конец «Евангелиона»), ламповая рисовка, и, например, очень даже неплохой дизайн техники. Всё это «Генокибер».
А ещё этот тайтл можно посмотреть, чтобы потом хвастаться, мол, я только что закончил аниме, которое видели я и ещё 2,5 человека (и сериал с Чарли Шином здесь ни при чём).
#скриншоты
Продолжая смотреть аниме прошлых лет, которые можно записать в классику, всё больше убеждаешься в уникальности стареньких тайтлов. Рисовка тех времён – это что-то уникальное, что сейчас представить трудно. Вот и «Генокибер» после «Кризиса каждый день» (за анимацию отвечала та же студия Artmic) не стал исключением.
Вполне можно представить, что если бы Дэвид Линч захотел снять аниме в жанре сэйнэн, добавив при этом фирменную психоделию и мрак, обрамив это всё небольшим слоем киберпанка, то у него могло получиться что-то наподобие «Генокибера».
Генокибер — это монстр, которого ни в коем случае нельзя выпускать наружу. Это оружие, обладающее безграничной силой, его, естественно, люди хотят использовать для достижения своих коварных целей, будь то военные действия или какой-то криминал. Генокибер - это объединение двух сестёр: Элейн и Дианы, их душ, при этом девушек переполняет ненависть друг к другу. Всё это запускает цепочку весьма жестоких и кровавых событий.
«Генокибер» — это OVA (оригинальная анимация, созданная специально для домашнего просмотра, грубо говоря), состоящая всего из 5 эпизодов. Казалось бы, этот тайтл должен восприниматься легко и смотреться быстро, но не тут-то было. За счёт той самой психоделии и отсутствия основного сюжета, что должен был плавно растечься по всем эпизодам, аниме Коити Охата смотрится тяжеловато. Плюс немного смущает тот факт, что значение имеют первые два эпизода, а остальные можно записать в филлерные, с учётом творящейся там дичи.
Но! Любители чего-то необычного останутся довольны точно. Несмотря на свою спорность, аниме оказало влияние на последующие работы в жанре киберпанка и даже ужасов. Закрученный сюжет, драматическая составляющая, попытки разобраться в сути бытия (что-то подобное можно, кстати, увидеть под конец «Евангелиона»), ламповая рисовка, и, например, очень даже неплохой дизайн техники. Всё это «Генокибер».
А ещё этот тайтл можно посмотреть, чтобы потом хвастаться, мол, я только что закончил аниме, которое видели я и ещё 2,5 человека (и сериал с Чарли Шином здесь ни при чём).
#скриншоты
#Аниме выходного дня: «Sonny Boy» (2021) Синго Нацумэ.
«Sonny Boy» — это произведение, не вписывающееся в привычные рамки жанров и форматов. Оно представляет собой удивительное сочетание сюрреализма, философии и остроумного повествования, захватывающего внимание зрителя. Сюжет завязывается на внезапном исчезновении 36 школьников, которые оказываются в параллельной реальности, где начинают проявляться их сверхъестественные способности. В отличие от множества других произведений на похожую тему, «Sonny Boy» не спешит объяснять причины произошедшего или предлагать простые решения — вместо этого, оно погружает нас в медитативное путешествие по просторам человеческого сознания.
Режиссёр Синго Нацумэ вложил в своё детище личные размышления о природе человека, его взаимоотношениях с окружающим миром и неизбежных изменениях, которые происходят в жизни каждого. Через сложные образы и символику он передаёт идею о том, что, оказавшись в ситуации полной неопределённости и отсутствия привычных ориентиров, человек вынужден переосмысливать собственную роль в мире и искать новые пути к себе. Каждая серия этого аниме — это как отдельный философский трактат, затрагивающий темы свободы, самоопределения и коллективной ответственности.
Нацумэ демонстрирует, что мир, каким бы хаотичным и непредсказуемым он ни казался, всегда наполнен смыслом, который необходимо открывать самому. Это аниме — его способ донести до зрителя мысль о том, что даже в самых странных и сложных обстоятельствах можно найти гармонию и понимание.
Основное внимание в аниме уделяется не самим способностям героев, сколько их реакции на изоляцию и вынужденное существование вне привычного мира. На первый план выходит вопрос о том, как люди справляются с изменениями, какие социальные конструкции формируются в новом мире и что происходит, когда привычные нормы перестают работать. В «Sonny Boy» каждый персонаж становится неким архетипом, отражающим различные аспекты человеческой природы.
Одним из главных элементов, создающих особую атмосферу аниме, является его нестандартная визуальная стилистика. Рисовка отличается минимализмом и лаконичностью, но за этой внешней простотой и скрывается смысл. Визуальная композиция аниме создает ощущение пространства и свободы, в котором разворачивается история.
«Sonny Boy» удивляет философским подтекстом, заставляя зрителя задуматься о таких категориях, как свобода, ответственность, судьба и случай. Перед нами настоящая авторская работа, созданная Синго Нацумэ («Ванпанчмен», «Сказ о четырёх с половиной татами»).
«Sonny Boy» — это произведение, не вписывающееся в привычные рамки жанров и форматов. Оно представляет собой удивительное сочетание сюрреализма, философии и остроумного повествования, захватывающего внимание зрителя. Сюжет завязывается на внезапном исчезновении 36 школьников, которые оказываются в параллельной реальности, где начинают проявляться их сверхъестественные способности. В отличие от множества других произведений на похожую тему, «Sonny Boy» не спешит объяснять причины произошедшего или предлагать простые решения — вместо этого, оно погружает нас в медитативное путешествие по просторам человеческого сознания.
Режиссёр Синго Нацумэ вложил в своё детище личные размышления о природе человека, его взаимоотношениях с окружающим миром и неизбежных изменениях, которые происходят в жизни каждого. Через сложные образы и символику он передаёт идею о том, что, оказавшись в ситуации полной неопределённости и отсутствия привычных ориентиров, человек вынужден переосмысливать собственную роль в мире и искать новые пути к себе. Каждая серия этого аниме — это как отдельный философский трактат, затрагивающий темы свободы, самоопределения и коллективной ответственности.
Нацумэ демонстрирует, что мир, каким бы хаотичным и непредсказуемым он ни казался, всегда наполнен смыслом, который необходимо открывать самому. Это аниме — его способ донести до зрителя мысль о том, что даже в самых странных и сложных обстоятельствах можно найти гармонию и понимание.
Основное внимание в аниме уделяется не самим способностям героев, сколько их реакции на изоляцию и вынужденное существование вне привычного мира. На первый план выходит вопрос о том, как люди справляются с изменениями, какие социальные конструкции формируются в новом мире и что происходит, когда привычные нормы перестают работать. В «Sonny Boy» каждый персонаж становится неким архетипом, отражающим различные аспекты человеческой природы.
Одним из главных элементов, создающих особую атмосферу аниме, является его нестандартная визуальная стилистика. Рисовка отличается минимализмом и лаконичностью, но за этой внешней простотой и скрывается смысл. Визуальная композиция аниме создает ощущение пространства и свободы, в котором разворачивается история.
«Sonny Boy» удивляет философским подтекстом, заставляя зрителя задуматься о таких категориях, как свобода, ответственность, судьба и случай. Перед нами настоящая авторская работа, созданная Синго Нацумэ («Ванпанчмен», «Сказ о четырёх с половиной татами»).
Итак, отпуск окончен, а потому нужно постепенно возвращаться к активному постингу. Сегодня нас ждёт не просто очередной выпуск рубрики #Цитадель_в_кино, а скорее обещанный хэштег #путешественники, потому как я наконец попал в питерский кинотеатр Аврора.
Аврора – исторический кинотеатр Санкт-Петербурга, носивший в старые времена название Пикадилли, и продолжавший кинопоказы даже во времена блокады (прекращались они только на время полного отсутствия электричества в городе). Столько событий было в этом месте за столько лет (от постоянного зрителя-критика Владимира Набокова до премьерных показов с участием Алексея Балабанова).
Сейчас кинотеатру уже 110 лет, и что ощущаешь в первую очередь, когда перешагиваешь его порог, так это то, что перед нами настоящий музей-кинотеатр. Много ли кинотеатров могут похвастаться такой историей? За последние десятилетия было проделано множество работ, чтобы этому месту как можно точнее вернуть его исторический облик, этому и было посвящено несколько реставраций. Потенциального зрителя сразу встречает холл с классическими кассами, а также кафе с попкорном, яркий запах которого я чувствую до сих пор.
Находясь внутри заведения, уже пропитываешься какой-то особенной атмосферой, место мгновенно запоминается, даже не добираясь до заветного – до киносеанса. На втором этаже висит ряд портретов советских классических деятелей кино (например, Николай Крючков), дальше на первом этаже – масса классических афиш и исторических заметок с фотографиями, там же рядом и мини-библиотека.
Что касается залов кинотеатра, то их два – малый и большой, мне достался большой. В этот день я попал на показ классического #аниме Хаяо Миядзаки «Навсикая из долины ветров» (Kaze no tani no Naushika, 1984). Когда попадаешь в зал, понимаешь, что прикоснулся к истории, ведь кресла и их расположение очень напоминают театр, словно ты пришёл на какую-то постановку, выше находится балкон, с мест которого тоже можно насладиться кино. При этом сидения очень комфортные, дадут фору многим современным кинокомплексам.
Что до «Навсикаи», то это творение было мной впервые пересмотрено с 2015 года, и в таком кинотеатре, да и на волне позитива, которое подарила Аврора, я получил больше удовольствия, чем при первом просмотре. Сейчас весьма приятно такое пожившее лета аниме смотреть на большом экране, ведь рисовка отлично смотрится после реставрации, плюс Аврора может похвастаться качественным звуком. Благодаря этому буквально ощущаешь каждый момент в своих барабанных перепонках.
Напомню (а кому-то и впервые расскажу), что речь в «Навсикае» идёт об альтернативном будущем, где матушка Земля пережила экологическую катастрофу, после чего поверхность стали покрывать леса, испускающие ядовитый воздух. Девушка Навсикая – принцесса, правительница т.н. долины ветров. Спокойное существование главной героини прерывается соседями, с которыми приходится начать войну.
«Навсикая» была создана Хаяо Миядзаки ещё до студии Ghibli, причём по манге за авторством самого Миядзаки, эта работа и стала стартом для будущей прославленной анимационной студии. Лично мне было очевидно, что Миядзаки вдохновлялся «Дюной» Фрэнка Герберга, и при этом сама «Навсикая», которой исполнилось в этом году 40 лет, будучи эпическим и масштабным произведением, вдохновила авторов на создание будуших известных проектов, например, на «Атаку титанов».
Не скажу, что это одно из моих любимых аниме Миядзаки, и оценку я ему после пересмотра не поднял, но не могу не признать факт влияния этого детища на индустрию, а ещё на то, что по факту именно с «Навсикаи» начался тот Хаяо, которого все сейчас любят.
Ещё не могу не отметить, что «Навсикая из долины ветров» стала отправной точкой для композитора Дзё Хисаиси, который в будущем подарит не только запоминающиеся мелодии в аниме, но и поработает с Такеши Китано (обожаю саундтреки Хисаиси к «Фейерверку», «Сонатине», «Куклам»).
Вот такую массу впечатлений подарил мне кинотеатр Аврора. И если, например, сравнивать с кинотеатром в Сочи, то лучше не сравнивать вовсе (не в обиду курортному городу).
Аврора – исторический кинотеатр Санкт-Петербурга, носивший в старые времена название Пикадилли, и продолжавший кинопоказы даже во времена блокады (прекращались они только на время полного отсутствия электричества в городе). Столько событий было в этом месте за столько лет (от постоянного зрителя-критика Владимира Набокова до премьерных показов с участием Алексея Балабанова).
Сейчас кинотеатру уже 110 лет, и что ощущаешь в первую очередь, когда перешагиваешь его порог, так это то, что перед нами настоящий музей-кинотеатр. Много ли кинотеатров могут похвастаться такой историей? За последние десятилетия было проделано множество работ, чтобы этому месту как можно точнее вернуть его исторический облик, этому и было посвящено несколько реставраций. Потенциального зрителя сразу встречает холл с классическими кассами, а также кафе с попкорном, яркий запах которого я чувствую до сих пор.
Находясь внутри заведения, уже пропитываешься какой-то особенной атмосферой, место мгновенно запоминается, даже не добираясь до заветного – до киносеанса. На втором этаже висит ряд портретов советских классических деятелей кино (например, Николай Крючков), дальше на первом этаже – масса классических афиш и исторических заметок с фотографиями, там же рядом и мини-библиотека.
Что касается залов кинотеатра, то их два – малый и большой, мне достался большой. В этот день я попал на показ классического #аниме Хаяо Миядзаки «Навсикая из долины ветров» (Kaze no tani no Naushika, 1984). Когда попадаешь в зал, понимаешь, что прикоснулся к истории, ведь кресла и их расположение очень напоминают театр, словно ты пришёл на какую-то постановку, выше находится балкон, с мест которого тоже можно насладиться кино. При этом сидения очень комфортные, дадут фору многим современным кинокомплексам.
Что до «Навсикаи», то это творение было мной впервые пересмотрено с 2015 года, и в таком кинотеатре, да и на волне позитива, которое подарила Аврора, я получил больше удовольствия, чем при первом просмотре. Сейчас весьма приятно такое пожившее лета аниме смотреть на большом экране, ведь рисовка отлично смотрится после реставрации, плюс Аврора может похвастаться качественным звуком. Благодаря этому буквально ощущаешь каждый момент в своих барабанных перепонках.
Напомню (а кому-то и впервые расскажу), что речь в «Навсикае» идёт об альтернативном будущем, где матушка Земля пережила экологическую катастрофу, после чего поверхность стали покрывать леса, испускающие ядовитый воздух. Девушка Навсикая – принцесса, правительница т.н. долины ветров. Спокойное существование главной героини прерывается соседями, с которыми приходится начать войну.
«Навсикая» была создана Хаяо Миядзаки ещё до студии Ghibli, причём по манге за авторством самого Миядзаки, эта работа и стала стартом для будущей прославленной анимационной студии. Лично мне было очевидно, что Миядзаки вдохновлялся «Дюной» Фрэнка Герберга, и при этом сама «Навсикая», которой исполнилось в этом году 40 лет, будучи эпическим и масштабным произведением, вдохновила авторов на создание будуших известных проектов, например, на «Атаку титанов».
Не скажу, что это одно из моих любимых аниме Миядзаки, и оценку я ему после пересмотра не поднял, но не могу не признать факт влияния этого детища на индустрию, а ещё на то, что по факту именно с «Навсикаи» начался тот Хаяо, которого все сейчас любят.
Ещё не могу не отметить, что «Навсикая из долины ветров» стала отправной точкой для композитора Дзё Хисаиси, который в будущем подарит не только запоминающиеся мелодии в аниме, но и поработает с Такеши Китано (обожаю саундтреки Хисаиси к «Фейерверку», «Сонатине», «Куклам»).
Вот такую массу впечатлений подарил мне кинотеатр Аврора. И если, например, сравнивать с кинотеатром в Сочи, то лучше не сравнивать вовсе (не в обиду курортному городу).
Так, ну «Унесённых призраками» на большом экране посмотрели, «Навсикаю из долины ветров» тоже, а вот теперь настало время одного из моих самых любимых полнометражных #аниме Миядзаки – «Мой сосед Тоторо». Прекрасная новость! И прекрасная возможность посмотреть его в таком качестве.
Спецпоказы стартуют с 20 августа, а широкий российский прокат с 29 августа. Благодарность за это дело выражаем компании «Russian World Vision».
Кто такой Тоторо? Если выразиться без заморочек - это добрый повелитель всех лесных духов, который становится другом девочек Сацуки и Мэй.
«Мой сосед Тоторо» - один из первых аниме-шедевров Хаяо Миядзаки. Это добрая сказка, возвращающая в детство, где чудеса встречаются на каждом шагу. Она стала хитом в японском и мировом прокате, а персонаж Тоторо стал культурным символом и талисманом студии Ghibli.
Ищите в кинотеатрах своего города. Расписание и билеты здесь.
Трейлер можно посмотреть здесь.
#новинка #анонс
Спецпоказы стартуют с 20 августа, а широкий российский прокат с 29 августа. Благодарность за это дело выражаем компании «Russian World Vision».
Кто такой Тоторо? Если выразиться без заморочек - это добрый повелитель всех лесных духов, который становится другом девочек Сацуки и Мэй.
«Мой сосед Тоторо» - один из первых аниме-шедевров Хаяо Миядзаки. Это добрая сказка, возвращающая в детство, где чудеса встречаются на каждом шагу. Она стала хитом в японском и мировом прокате, а персонаж Тоторо стал культурным символом и талисманом студии Ghibli.
Ищите в кинотеатрах своего города. Расписание и билеты здесь.
Трейлер можно посмотреть здесь.
#новинка #анонс
Сейчас есть прекрасная возможность увидеть один из главных шедевров Миядзаки «Мой сосед Тоторо» (Tonari no Totoro, 1988) на большом экране, и я бы не советовал это дело пропускать. А если вы ни разу не видели это творение 1988 года, персонаж из которого стал визитной карточкой не только самого известного японского мультипликатора, но и студии Гибли (ведь именно Тоторо изображён на её логотипе), то я вам завидую. Каждый раз смотришь это #аниме и получаешь удовольствие (посмотрел в третий раз).
Удивительно, но во время просмотра «Тоторо» заряжаешься позитивом на несколько дней точно, и это срабатывает каждый раз (вне зависимости от возраста). Лично я творчество Хаяо Миядзаки делю на две условные категории: 1) серьёзная, 2) добрая, так вот, во второй по праву первое место занимает «Мой сосед Тоторо» (а у меня он лидирует и во всей остальной фильмографии).
Это аниме учит взаимопомощи, уступкам, позитивному отношению, пониманию детей, которые если и не равны пока ещё тебе, то обязательно такими будут, когда подрастут, а также оно говорит о такой важной вещи как гармония человека с природой.
Чем примечателен ещё «Мой сосед Тоторо»? Тем, что в нём совсем нет антагониста. В теории это могло бы стать скучным зрелищем, но нет. В отрицательные персонажи можно записать разве что болезнь мамы девочек-сестёр, на которых эта ситуация давит, ведь мама постоянно находится в больнице. Конечно, давит эта ситуация и на папу, разбирающегося в одиночку с бытом и воспитанием дочерей. В остальном всё действо захватывает как раз магия доброты (вместе с практической магией).
Сам Тоторо – это большой пушистый лесной дух, внушающий спокойствие всем остальным чудикам, обитающим в округе. На самом деле это имя родилось из-за неправильного произношения слова «тролль» («totoru») маленькой Мэй. И, появившись однажды в жизни Сацуки и Мэй, он изменил их детский мир навсегда. Известно, что Миядзаки при создании этого персонажа вдохновлялся реальными животными – тануки (енотоподобный зверь) и совой.
Казалось бы, «Мой сосед Тоторо» - простое по своей нагрузке аниме, но в него столько всего заложено, и оно до сих пор вдохновляет на творчество авторов со всего мира, а главное - радует зрителя.
#Цитадель_в_кино
Удивительно, но во время просмотра «Тоторо» заряжаешься позитивом на несколько дней точно, и это срабатывает каждый раз (вне зависимости от возраста). Лично я творчество Хаяо Миядзаки делю на две условные категории: 1) серьёзная, 2) добрая, так вот, во второй по праву первое место занимает «Мой сосед Тоторо» (а у меня он лидирует и во всей остальной фильмографии).
Это аниме учит взаимопомощи, уступкам, позитивному отношению, пониманию детей, которые если и не равны пока ещё тебе, то обязательно такими будут, когда подрастут, а также оно говорит о такой важной вещи как гармония человека с природой.
Чем примечателен ещё «Мой сосед Тоторо»? Тем, что в нём совсем нет антагониста. В теории это могло бы стать скучным зрелищем, но нет. В отрицательные персонажи можно записать разве что болезнь мамы девочек-сестёр, на которых эта ситуация давит, ведь мама постоянно находится в больнице. Конечно, давит эта ситуация и на папу, разбирающегося в одиночку с бытом и воспитанием дочерей. В остальном всё действо захватывает как раз магия доброты (вместе с практической магией).
Сам Тоторо – это большой пушистый лесной дух, внушающий спокойствие всем остальным чудикам, обитающим в округе. На самом деле это имя родилось из-за неправильного произношения слова «тролль» («totoru») маленькой Мэй. И, появившись однажды в жизни Сацуки и Мэй, он изменил их детский мир навсегда. Известно, что Миядзаки при создании этого персонажа вдохновлялся реальными животными – тануки (енотоподобный зверь) и совой.
Казалось бы, «Мой сосед Тоторо» - простое по своей нагрузке аниме, но в него столько всего заложено, и оно до сих пор вдохновляет на творчество авторов со всего мира, а главное - радует зрителя.
#Цитадель_в_кино
#Аниме выходного дня: «Поднятие уровня в одиночку» (Solo Leveling, 2024) Сюнсукэ Накасигэ.
Этот тайтл подойдёт вам со 100% точностью, если захочется посмотреть какой-то зубодробительный тайтл, это раз, и, если вам близка игровая индустрия, это два. Здесь персонажи прокачивают свой левел будто бы в вашей любимой игрушке. Представьте: перед героем появляется консоль, показывая количество очков, которое необходимо набрать, чтобы уровень повысился, какое задание нужно выполнить, сколько тренировок пройти, какими навыками овладеть.
Естественно, в «Поднятии уровня в одиночку» всё не держится только лишь на этой фишке, хотя и в качестве яркой отличительной черты она, безусловно, выступает. Суть тайтла Накасигэ в том, что после открытия врат в другой мир люди могут уничтожать всяких инопланетных монстров. На этой волне появились профессиональные охотники, а им необходимо прокачивать уровень. В нашем случае это главный герой Сон Джин-Ву.
Вообще это аниме можно было бы назвать типичной историей про аутсайдера, который постепенно набирает обороты в своём продвижении по лестнице к славе. Можно было, но всё перебивает динамика, интригующая и захватывающая внимание. Речь в основном о сценах сражений, где можно заметить проработку деталей и вполне неплохие визуальные эффекты.
Если отбросить в сторону ту самую фишку с игровой консолью и т.д., то мы увидим, что сюжетка слегка хромает, греша своей предсказуемостью. Но при этом в «Поднятии уровня в одиночку» соблюдён баланс между экшеном и личной историей главного героя, что добавляет по итогу позитивное послевкусие. Можно и второй сезон подождать.
Этот тайтл подойдёт вам со 100% точностью, если захочется посмотреть какой-то зубодробительный тайтл, это раз, и, если вам близка игровая индустрия, это два. Здесь персонажи прокачивают свой левел будто бы в вашей любимой игрушке. Представьте: перед героем появляется консоль, показывая количество очков, которое необходимо набрать, чтобы уровень повысился, какое задание нужно выполнить, сколько тренировок пройти, какими навыками овладеть.
Естественно, в «Поднятии уровня в одиночку» всё не держится только лишь на этой фишке, хотя и в качестве яркой отличительной черты она, безусловно, выступает. Суть тайтла Накасигэ в том, что после открытия врат в другой мир люди могут уничтожать всяких инопланетных монстров. На этой волне появились профессиональные охотники, а им необходимо прокачивать уровень. В нашем случае это главный герой Сон Джин-Ву.
Вообще это аниме можно было бы назвать типичной историей про аутсайдера, который постепенно набирает обороты в своём продвижении по лестнице к славе. Можно было, но всё перебивает динамика, интригующая и захватывающая внимание. Речь в основном о сценах сражений, где можно заметить проработку деталей и вполне неплохие визуальные эффекты.
Если отбросить в сторону ту самую фишку с игровой консолью и т.д., то мы увидим, что сюжетка слегка хромает, греша своей предсказуемостью. Но при этом в «Поднятии уровня в одиночку» соблюдён баланс между экшеном и личной историей главного героя, что добавляет по итогу позитивное послевкусие. Можно и второй сезон подождать.
Вашему вниманию трейлер #аниме «Спираль» (Uzumaki), которое выходит уже 28 сентября.
Сюжет в том, что в городок под названием Куродзу приходит вирус спиралей, которым заражаются люди. По одноимённой манге уже был хоррор 2000 года, а на этот раз решили экранизировать страницы манги, даже не раскрашивая их.
Люблю всё необычное, поэтому тайтл очень даже ожидаем.
Сюжет в том, что в городок под названием Куродзу приходит вирус спиралей, которым заражаются люди. По одноимённой манге уже был хоррор 2000 года, а на этот раз решили экранизировать страницы манги, даже не раскрашивая их.
Люблю всё необычное, поэтому тайтл очень даже ожидаем.
#Аниме выходного дня: «Наши соседи Ямада» (Houhokekyo tonari no Yamada-kun, 1999) Исао Такахаты.
На самом деле это произведение с необычным подходом к изображению повседневной жизни обычной японской семьи. Оно выполнено в минималистичном стиле, напоминающем акварельные зарисовки, что придаёт тайтлу лёгкость и ощущение живого комикса. Юмор здесь очень тонкий, основанный на узнаваемых ситуациях из жизни, что делает его доступным и близким зрителю любого возраста.
Например, одна из самых смешных сцен — это эпизод, где глава семьи, Такаси Ямада, героически пытается вернуть сына домой с прогулки, но сам, в итоге, теряется в процессе. Или момент, когда мама, Мацуко, забывает своего младшего ребёнка в магазине и бежит обратно, панически крича его имя, пока ребёнок спокойно ожидает её у входа. Эти сцены прекрасно передают, как режиссёр играет с абсурдностью обыденных ситуаций, придавая им юмористический оттенок.
Искренность «Наших соседей Ямада» заключается в способности отображать радости и трудности семейной жизни без прикрас и излишнего драматизма. Аниме выделяется среди множества других своей акварельной анимацией, создающей ощущение, что каждый кадр нарисован от руки, будто живой эскиз. Также уникально фрагментарное повествование: фильм состоит из множества небольших эпизодов, каждый из которых показывает маленькие, но значимые моменты жизни семьи.
Проект удивительно честен в своих наблюдениях за семейной динамикой и заставляет зрителя смеяться, а иногда и задумываться над тем, что действительно важно в жизни. «Наши соседи Ямада» также примечателен тем, что обращает внимание на важность маленьких радостей и несовершенств в повседневной жизни, показывая их как источники юмора и глубокой привязанности. В итоге, это анимационное произведение напоминает нам о том, что даже самые простые семейные моменты могут быть удивительно значимыми и трогательными. Как говорит один из персонажей: «Семья — это то, что делает тебя таким, какой ты есть, даже если ты этого не понимаешь».
#скриншоты
На самом деле это произведение с необычным подходом к изображению повседневной жизни обычной японской семьи. Оно выполнено в минималистичном стиле, напоминающем акварельные зарисовки, что придаёт тайтлу лёгкость и ощущение живого комикса. Юмор здесь очень тонкий, основанный на узнаваемых ситуациях из жизни, что делает его доступным и близким зрителю любого возраста.
Например, одна из самых смешных сцен — это эпизод, где глава семьи, Такаси Ямада, героически пытается вернуть сына домой с прогулки, но сам, в итоге, теряется в процессе. Или момент, когда мама, Мацуко, забывает своего младшего ребёнка в магазине и бежит обратно, панически крича его имя, пока ребёнок спокойно ожидает её у входа. Эти сцены прекрасно передают, как режиссёр играет с абсурдностью обыденных ситуаций, придавая им юмористический оттенок.
Искренность «Наших соседей Ямада» заключается в способности отображать радости и трудности семейной жизни без прикрас и излишнего драматизма. Аниме выделяется среди множества других своей акварельной анимацией, создающей ощущение, что каждый кадр нарисован от руки, будто живой эскиз. Также уникально фрагментарное повествование: фильм состоит из множества небольших эпизодов, каждый из которых показывает маленькие, но значимые моменты жизни семьи.
Проект удивительно честен в своих наблюдениях за семейной динамикой и заставляет зрителя смеяться, а иногда и задумываться над тем, что действительно важно в жизни. «Наши соседи Ямада» также примечателен тем, что обращает внимание на важность маленьких радостей и несовершенств в повседневной жизни, показывая их как источники юмора и глубокой привязанности. В итоге, это анимационное произведение напоминает нам о том, что даже самые простые семейные моменты могут быть удивительно значимыми и трогательными. Как говорит один из персонажей: «Семья — это то, что делает тебя таким, какой ты есть, даже если ты этого не понимаешь».
#скриншоты
#Аниме выходного дня: «Кайдзю №8» (Kaiju No. 8, 2024) Томоми Камия и Сигэюки Мия.
Перед нами тайтл о борьбе с гигантскими монстрами, они же кайдзю (наподобие «Годзиллы»), а персонаж по имени Кафка Хибино – явная отсылка к писателю Францу Кафке, у которого было произведение «Превращение», где главный герой превращался в гигантское насекомое. У нас же Кафка Хибино также терпит превращение в гигантского монстра, что явно перекликается с темой внезапной трансформации и утраты человеческого облика в творчестве писателя.
В чем-то «Кайдзю №8» напоминает «Евангелион» с его психологическими глубинами на фоне разрушительного апокалипсиса, но по юмору и иронии он ближе к «Ванпанчмену». Кафка получает шанс спасти мир, но при этом ему предстоит разобраться с внутренними демонами, что добавляет истории дополнительный слой.
Анимация здесь на высоте: разрушенные города, битвы с монстрами и динамика. Но сюжет, к сожалению, развивается по шаблонам — без резких поворотов, которые могли бы сделать проект захватывающим. Несмотря на потенциал, нельзя назвать это аниме самым топовым в году.
Не хватило и эмоциональной глубины. В то время как философия и внутренняя борьба обещают многое, сами конфликты и драма могли бы быть сильнее. Для фанатов аниме с битвами, монстрами и элементами психологии — это хороший выбор, но ожидать чего-то революционного точно не стоит.
Перед нами тайтл о борьбе с гигантскими монстрами, они же кайдзю (наподобие «Годзиллы»), а персонаж по имени Кафка Хибино – явная отсылка к писателю Францу Кафке, у которого было произведение «Превращение», где главный герой превращался в гигантское насекомое. У нас же Кафка Хибино также терпит превращение в гигантского монстра, что явно перекликается с темой внезапной трансформации и утраты человеческого облика в творчестве писателя.
В чем-то «Кайдзю №8» напоминает «Евангелион» с его психологическими глубинами на фоне разрушительного апокалипсиса, но по юмору и иронии он ближе к «Ванпанчмену». Кафка получает шанс спасти мир, но при этом ему предстоит разобраться с внутренними демонами, что добавляет истории дополнительный слой.
Анимация здесь на высоте: разрушенные города, битвы с монстрами и динамика. Но сюжет, к сожалению, развивается по шаблонам — без резких поворотов, которые могли бы сделать проект захватывающим. Несмотря на потенциал, нельзя назвать это аниме самым топовым в году.
Не хватило и эмоциональной глубины. В то время как философия и внутренняя борьба обещают многое, сами конфликты и драма могли бы быть сильнее. Для фанатов аниме с битвами, монстрами и элементами психологии — это хороший выбор, но ожидать чего-то революционного точно не стоит.
Меня очень радует, что у нас продолжается ретроспектива работ Хаяо Миядзаки. Теперь настал черёд ещё одного доброго #аниме — «Ведьмина служба доставки» (Majo no takkyûbin, 1989), а впереди нас ждёт ещё «Ходячий замок».
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
#Аниме выходного дня: «Люпен III: Замок Калиостро» (Lupin III: Cagliostro no Shiro, 1979), реж. Хаяо Миядзаки.
Пересматривая в этом году работы Миядзаки, вдруг поймал себя на мысли, что никогда не смотрел его дебютное аниме «Люпен III: Замок Калиостро». И оказалось, что зря – это лёгкое, весёлое и приключенческое зрелище, за просмотром которого не скучаешь.
Кто такой Люпен III? Это потомок французского вора Арсена Люпена, созданного писателем Морисом Лебланом. Люпен III – такой же гениальный вор, но вытворяющий свои делишки в Японии (хотя, не всегда: например, был тайтл, где его приключения происходили в Италии и Сан-Марино, а также в других уголках мира). Люпен III создан писателем Манки Панчем (псевдоним Кадзухико Като). Похождения этого авантюриста получили множество аниме-адаптаций, в том числе сериалы (начиная с 1971 года), полнометражки и OVA.
Миядзаки взялся за «Замок Калиостро» после работы над несколькими эпизодами классического сериала «Люпен III: Часть I». Это было за шесть лет до создания легендарной студии Гибли. Считается, что именно Миядзаки очеловечил образ Люпена, сделав из него благородного вора, защищающего слабых. Здесь он влюбляется и стремится всеми правдами и неправдами защитить принцессу Клариссу, причём он даже забывает о миллионах, которые планировал украсть в замке Калиостро.
«Замок Калиостро» выделяется своим юмором, а сам Люпен разнообразием. Он помимо того, что профессиональный вор, ещё и фокусник, и даже дамский угодник, Дон Жуан, сердце которого сейчас заняла как раз-таки Кларисса. Он так втюрился, что запамятовал о своих гениальных ограблениях, отдав все силы на борьбу с основным антагонистом – графом Лазарем де Калиостро. Это хитрый и безжалостный богач, удерживающий в плену Клариссу, чтобы заставить девушку насильно выйти за него замуж. Его план состоит в том, чтобы объединить два кольца (своё и девушки), что позволит ему открыть сокровища, спрятанные в замке.
Отдельно хочется выделить персонажа по имени Дзэнигата. Это инспектор полиции, который стремится поймать Люпена. И каждое его появление – это юморные моменты, потому что Дзэнигата раз за разом попадает в люпеновские ловушки.
Стоит отметить, что визуальный стиль аниме очень напоминает будущие работы Миядзаки. Кларисса, например, личиком почти вылитая главная героиня «Навсикаи из Долины Ветров». А ещё рисовка с первых минут почему-то вызвала у меня ассоциацию с советскими мультфильмами. «Замок Калиостро» можно сравнить с «Бременскими музыкантами» за счёт ярких цветов, стилизованных персонажей, а также акцента на плавные, почти музыкальные движения действующих лиц. Ещё работа Миядзаки напоминает «Приключения капитана Врунгеля» из-за своей лёгкой карикатурности.
В итоге, именно «Люпен III: Замок Калиостро» помог Хаяо Миядзаки закрепиться в качестве талантливого режиссёра, дав толчок к дальнейшей выдающейся карьере и к созданию студии Гибли.
#скриншоты
Пересматривая в этом году работы Миядзаки, вдруг поймал себя на мысли, что никогда не смотрел его дебютное аниме «Люпен III: Замок Калиостро». И оказалось, что зря – это лёгкое, весёлое и приключенческое зрелище, за просмотром которого не скучаешь.
Кто такой Люпен III? Это потомок французского вора Арсена Люпена, созданного писателем Морисом Лебланом. Люпен III – такой же гениальный вор, но вытворяющий свои делишки в Японии (хотя, не всегда: например, был тайтл, где его приключения происходили в Италии и Сан-Марино, а также в других уголках мира). Люпен III создан писателем Манки Панчем (псевдоним Кадзухико Като). Похождения этого авантюриста получили множество аниме-адаптаций, в том числе сериалы (начиная с 1971 года), полнометражки и OVA.
Миядзаки взялся за «Замок Калиостро» после работы над несколькими эпизодами классического сериала «Люпен III: Часть I». Это было за шесть лет до создания легендарной студии Гибли. Считается, что именно Миядзаки очеловечил образ Люпена, сделав из него благородного вора, защищающего слабых. Здесь он влюбляется и стремится всеми правдами и неправдами защитить принцессу Клариссу, причём он даже забывает о миллионах, которые планировал украсть в замке Калиостро.
«Замок Калиостро» выделяется своим юмором, а сам Люпен разнообразием. Он помимо того, что профессиональный вор, ещё и фокусник, и даже дамский угодник, Дон Жуан, сердце которого сейчас заняла как раз-таки Кларисса. Он так втюрился, что запамятовал о своих гениальных ограблениях, отдав все силы на борьбу с основным антагонистом – графом Лазарем де Калиостро. Это хитрый и безжалостный богач, удерживающий в плену Клариссу, чтобы заставить девушку насильно выйти за него замуж. Его план состоит в том, чтобы объединить два кольца (своё и девушки), что позволит ему открыть сокровища, спрятанные в замке.
Отдельно хочется выделить персонажа по имени Дзэнигата. Это инспектор полиции, который стремится поймать Люпена. И каждое его появление – это юморные моменты, потому что Дзэнигата раз за разом попадает в люпеновские ловушки.
Стоит отметить, что визуальный стиль аниме очень напоминает будущие работы Миядзаки. Кларисса, например, личиком почти вылитая главная героиня «Навсикаи из Долины Ветров». А ещё рисовка с первых минут почему-то вызвала у меня ассоциацию с советскими мультфильмами. «Замок Калиостро» можно сравнить с «Бременскими музыкантами» за счёт ярких цветов, стилизованных персонажей, а также акцента на плавные, почти музыкальные движения действующих лиц. Ещё работа Миядзаки напоминает «Приключения капитана Врунгеля» из-за своей лёгкой карикатурности.
В итоге, именно «Люпен III: Замок Калиостро» помог Хаяо Миядзаки закрепиться в качестве талантливого режиссёра, дав толчок к дальнейшей выдающейся карьере и к созданию студии Гибли.
#скриншоты
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Кинопрокатная компания Russian World Vision с 4 ноября начала проводить спецпоказы легендарного аниме Хаяо Миядзаки «Ходячий замок» в разных городах страны (Москва, Санкт-Петербург, Ростов-на-Дону, Краснодар, Казань и т.д.), а с 14 ноября выпускает его в широкий прокат.
И это прекрасная возможность нам всем ещё раз пересмотреть этот шедевр, а тем более - на большом экране. Я лично очень жду!
«Ходячий замок» — это признание в любви европейской культуре от легендарного японского сказочника. Премьера фильма состоялась в Венеции, где он стал первым в истории аниме, открывавшим международный кинофестиваль. Также фильм был номинирован на премию «Оскар» (2006) за «лучший анимационный полнометражный фильм».
#анонс #аниме
И это прекрасная возможность нам всем ещё раз пересмотреть этот шедевр, а тем более - на большом экране. Я лично очень жду!
«Ходячий замок» — это признание в любви европейской культуре от легендарного японского сказочника. Премьера фильма состоялась в Венеции, где он стал первым в истории аниме, открывавшим международный кинофестиваль. Также фильм был номинирован на премию «Оскар» (2006) за «лучший анимационный полнометражный фильм».
#анонс #аниме
Благодаря компании Russian World Vision продолжается мой марафон #аниме Хаяо Миядзаки в этом году. На этот раз на большом экране был отсмотрен «Ходячий замок» (Howl no Ugoku Shiro, 2004). К слову, я лично хочу успеть пересмотреть все работы японского мастера до Нового года (осталось несколько), а RWV уже анонсировали, что в марте 2025 года будут организованы показы другой отличной работы Миядзаки – «Ветер крепчает».
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
«Спираль» (Uzumaki, 2024) – долгожданное и многострадальное #аниме Хироси Нагахама по манге Дзюндзи Ито. Всего четыре эпизода, которых хватает только, чтобы утонуть в хаотичном потоке даже не то, что ужасов, а странностей, что выливаются на зрителя будто из ведра.
При этом хвалёная анимация, представляющая собой закос под мангу или комикс, когда создаётся впечатление, что каждый кадр отрисовывался вручную хорошо наточенным карандашом, теряет свой шарм уже во втором эпизоде, когда фон и второй план становятся больше похожими на каляки, изображённые детсадовцем на обоях. И тут возникает вопрос – аниме создавалось, начиная с 2019 года, сталкиваясь со множеством задержек, включая пандемию, и почему же нельзя было с совестью нарисовать все серии этого произведения?
«Спираль» повествует о таинственных и зловещих событиях, происходящих в небольшом городке, где форма спирали начинает проявляться везде – от природной атмосферы до людских тел. Постепенно место погружается в хаос, и жители становятся одержимыми этими спиральными узорами. То, как это преподнесено – чистый сумбур, проекту будто бы не хватило количества эпизодов. Но кто вам виноват, что вы решили сделать только шесть серий? И совсем не понятно основное – в чём же заключается жуть самих спиралей? Это тоже не доработано в полной мере.
Другой минус заключается в раскрытии персонажей, ведь здесь словно бы и нет главных героев, а каждый из задействованных лиц тут же превращается во второй план, стираясь из памяти. Они все поверхностны, а потому никакой эмоциональной вовлечённости в происходящее не возникает.
«Спираль» Хироси Нагахама не удалась. А жаль.
#новинка
При этом хвалёная анимация, представляющая собой закос под мангу или комикс, когда создаётся впечатление, что каждый кадр отрисовывался вручную хорошо наточенным карандашом, теряет свой шарм уже во втором эпизоде, когда фон и второй план становятся больше похожими на каляки, изображённые детсадовцем на обоях. И тут возникает вопрос – аниме создавалось, начиная с 2019 года, сталкиваясь со множеством задержек, включая пандемию, и почему же нельзя было с совестью нарисовать все серии этого произведения?
«Спираль» повествует о таинственных и зловещих событиях, происходящих в небольшом городке, где форма спирали начинает проявляться везде – от природной атмосферы до людских тел. Постепенно место погружается в хаос, и жители становятся одержимыми этими спиральными узорами. То, как это преподнесено – чистый сумбур, проекту будто бы не хватило количества эпизодов. Но кто вам виноват, что вы решили сделать только шесть серий? И совсем не понятно основное – в чём же заключается жуть самих спиралей? Это тоже не доработано в полной мере.
Другой минус заключается в раскрытии персонажей, ведь здесь словно бы и нет главных героев, а каждый из задействованных лиц тут же превращается во второй план, стираясь из памяти. Они все поверхностны, а потому никакой эмоциональной вовлечённости в происходящее не возникает.
«Спираль» Хироси Нагахама не удалась. А жаль.
#новинка