Меня очень радует, что у нас продолжается ретроспектива работ Хаяо Миядзаки. Теперь настал черёд ещё одного доброго #аниме — «Ведьмина служба доставки» (Majo no takkyûbin, 1989), а впереди нас ждёт ещё «Ходячий замок».
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
Что такое «Другой человек» (A Different Man, 2024) Аарона Шимберга? Это и мужская версия «Субстанции» Корали Фаржа, это и «Маска» Питера Богдановича, и даже «Человек-слон» Дэвида Линча. С тем лишь исключением, что проект Шимберга всё же уступает перечисленным лентам, хоть с ними и ассоциируется.
Ясно, что, беря за основу тяжёлую генетическую болезнь кожи, Аарон Шимберг решил снять фильм «не о таких как все». Стремление к «нормальности» губит главного героя, в противовес ему показывая на примере персонажа Адама Пирсона, который на самом деле страдает нейрофиброматозом, что успеха можно добиться, имея отталкивающие неизлечимые болезни. Но это всё демонстрируется скорее вопреки, а также ради того, чтобы доказать, что законы подлости всё же существуют.
По факту у Аарона Шимберга удалась в большей степени первая половина фильма, напоминающая как раз ту самую «Субстанцию». Эдвард в прекрасном исполнении, отдадим должное, Себастиана Стэна стремится обрести «лучшую версию себя», прибегая к применению экспериментального препарата, положительный эффект от которого врачи побаиваются гарантировать. Эдвард – исключительно неуверенный в себе, как Вуди Аллен (даже походка похожа), запуганный, страшащийся сам себя и окружающих людей, боящийся девушек, начинающий актёр. Он ходит на пробы и испытывает тягу к общению с только что вселившейся соседкой – Ингрид (Ренате Реинсве).
Вторая половина «Другого человека» хоть и выглядит поначалу забавной, затем стремительно улетает куда-то далеко в мир фантазий Шимберга. Абсурд здесь побеждает здравый смысл настолько, что ты периодически кривишься, но всё же с интересом ждёшь, куда заведёт кривая этих персонажей, да и чем же всё это закончится по итогу. Линия с Пирсоном отвращает и восхищает одновременно. Он максимально навязчив, но силён духом, да так, что с ним хотят дружить вполне обычные девушки, не говоря уже про всех остальных. Что до Эдварда, то ему много хуже, чем было в прежнем состоянии.
Шимберга можно похвалить за его акценты на нестандартных героев, которые приковывают взгляд с первых минут просмотра, они на первом плане, а такое всё же не часто встретишь в традиционном кинематографе. Хорош в «Другом человеке» визуальный стиль вместе с атмосферой, способствующие погружению. Но Шимберг, начиная со второй половины уж слишком заигрывается с абстрактными и экспериментальными решениями, абсурдом, что не позволяет назвать эту работу шедевром. Однако тема того, что от истинного себя никуда и никогда не убежишь, – очень даже интересна, ведь она точно найдёт отклик у зрителя.
#Цитадель_в_кино
Ясно, что, беря за основу тяжёлую генетическую болезнь кожи, Аарон Шимберг решил снять фильм «не о таких как все». Стремление к «нормальности» губит главного героя, в противовес ему показывая на примере персонажа Адама Пирсона, который на самом деле страдает нейрофиброматозом, что успеха можно добиться, имея отталкивающие неизлечимые болезни. Но это всё демонстрируется скорее вопреки, а также ради того, чтобы доказать, что законы подлости всё же существуют.
По факту у Аарона Шимберга удалась в большей степени первая половина фильма, напоминающая как раз ту самую «Субстанцию». Эдвард в прекрасном исполнении, отдадим должное, Себастиана Стэна стремится обрести «лучшую версию себя», прибегая к применению экспериментального препарата, положительный эффект от которого врачи побаиваются гарантировать. Эдвард – исключительно неуверенный в себе, как Вуди Аллен (даже походка похожа), запуганный, страшащийся сам себя и окружающих людей, боящийся девушек, начинающий актёр. Он ходит на пробы и испытывает тягу к общению с только что вселившейся соседкой – Ингрид (Ренате Реинсве).
Вторая половина «Другого человека» хоть и выглядит поначалу забавной, затем стремительно улетает куда-то далеко в мир фантазий Шимберга. Абсурд здесь побеждает здравый смысл настолько, что ты периодически кривишься, но всё же с интересом ждёшь, куда заведёт кривая этих персонажей, да и чем же всё это закончится по итогу. Линия с Пирсоном отвращает и восхищает одновременно. Он максимально навязчив, но силён духом, да так, что с ним хотят дружить вполне обычные девушки, не говоря уже про всех остальных. Что до Эдварда, то ему много хуже, чем было в прежнем состоянии.
Шимберга можно похвалить за его акценты на нестандартных героев, которые приковывают взгляд с первых минут просмотра, они на первом плане, а такое всё же не часто встретишь в традиционном кинематографе. Хорош в «Другом человеке» визуальный стиль вместе с атмосферой, способствующие погружению. Но Шимберг, начиная со второй половины уж слишком заигрывается с абстрактными и экспериментальными решениями, абсурдом, что не позволяет назвать эту работу шедевром. Однако тема того, что от истинного себя никуда и никогда не убежишь, – очень даже интересна, ведь она точно найдёт отклик у зрителя.
#Цитадель_в_кино
«Сидони в Японии» (Sidonie au Japon, 2023) – это идеальное в своей эстетичности кино, аккуратное, нежное, с лёгкими и правильными пропорциями, где несмотря на это, главная героиня в исполнении Изабель Юппер уже многие годы пытается уйти от одиночества. Она отправляется в Японию, вроде как для презентации новой книги, но на деле — чтобы отвлечься.
«Вы писатель?»; «Чем можете это подтвердить?» — два вопроса, с которыми Сидони встречают в аэропорту Токио, и они как никогда точно отражают её внутреннюю борьбу. Неопределённость, неуверенность, шаткость после потерь, сначала родителей, а затем и мужа в автокатастрофе, преследуют её. Япония, страна, которая традиционно представляется как земля призраков, становится для Сидони символическим местом. Каждый отель, в котором она останавливается, приносит видение покойного супруга в исполнении Аугуста Диля. Сцены с актёром снимались на фоне «зелёнки», и его образ был наложен на каждый кадр, что создаёт ощущение бестелесного призрака, находящегося рядом, но не являющегося частью реальности.
«Сидони в Японии» - один из тех фильмов, чуть ли не каждый кадр которого хочется скриншотить и ставить на обои, хочется сказать спасибо за это оператору Селин Бозон, задающую своей камерой настроение картине.
Работа Элиз Жирар хоть и зацикливается на действиях в отелях и созерцании красоты, говорит о попытках найти себя среди чужих культур и внутренних призраков. Это трудно, но прошлое всё же нужно отпускать, что и пытается сделать героиня Юппер. С этими же размышлениями остаётся и зритель после просмотра.
p.s. спасибо творческому объединению Arthouse за возможность увидеть картину в кинотеатре.
#Цитадель_в_кино #премьера
«Вы писатель?»; «Чем можете это подтвердить?» — два вопроса, с которыми Сидони встречают в аэропорту Токио, и они как никогда точно отражают её внутреннюю борьбу. Неопределённость, неуверенность, шаткость после потерь, сначала родителей, а затем и мужа в автокатастрофе, преследуют её. Япония, страна, которая традиционно представляется как земля призраков, становится для Сидони символическим местом. Каждый отель, в котором она останавливается, приносит видение покойного супруга в исполнении Аугуста Диля. Сцены с актёром снимались на фоне «зелёнки», и его образ был наложен на каждый кадр, что создаёт ощущение бестелесного призрака, находящегося рядом, но не являющегося частью реальности.
«Сидони в Японии» - один из тех фильмов, чуть ли не каждый кадр которого хочется скриншотить и ставить на обои, хочется сказать спасибо за это оператору Селин Бозон, задающую своей камерой настроение картине.
Работа Элиз Жирар хоть и зацикливается на действиях в отелях и созерцании красоты, говорит о попытках найти себя среди чужих культур и внутренних призраков. Это трудно, но прошлое всё же нужно отпускать, что и пытается сделать героиня Юппер. С этими же размышлениями остаётся и зритель после просмотра.
p.s. спасибо творческому объединению Arthouse за возможность увидеть картину в кинотеатре.
#Цитадель_в_кино #премьера
Поэкспериментировав с ярким стилем в «Проекте Флорида», Шон Бэйкер довёл до абсолюта свой визуал в фильме «Анора» (Anora, 2024), при этом не забыв проявить симпатию к социальным аутсайдерам. На этот раз фокус направлен на жизнь стриптизёрш, во главе которых для нас находится, конечно же, Энни, она же Анора в исполнении Майки Мэдисон.
Познакомившись во время одной из смен с 21-летним Иваном (Марк Эйдельштейн), Энни решает подработать, выезжая к нему в дом с шикарным видом в свободные часы, а затем даже в выходные. В конце концов, она остается с ним на неделю, и это приводит к внезапной свадьбе, оформленной в Неваде. Миллиардеры-родители Вани, в исполнении Алексея Серебрякова и Дарьи Екамасовой, в шоке. Армянские помощники отца Вани — в ужасе. Теперь задача №1 — аннулировать этот брак.
«Анора» - как глоток свежего воздуха среди бесконечного потока тяжёлых драм, хорроров и триллеров. Яркая до ослепления, смешная почти что до коликов в животе, чертовски красивая, эротическая до желания, а также, естественно, грустная. Бэйкер подчёркивает социальное неравенство современности, когда «сильные мира сего» относятся к обычным людям как к игрушкам, как к мусору. Это пропасть, которую не перепрыгнуть.
Фильм выделяется органично смотрящимся актерским ансамблем. «Анора» Бэйкера — тот редкий случай, когда каждый актер попал в точку. Для Майки Мэдисон это ведущая и пока главная роль в её карьере — отличная работа. Радостно за наших — Эйдельштейна и Борисова. Марк великолепно сыграл беззаботного маменькиного сынка, умеющего развлекаться по полной. Но больше всего мне понравился Юра Борисов — этакий верзила с душой, который проявляет искреннее сочувствие Аноре. Блестяще сыграли армянских прихвостней отца Вани Ваче Товмасян и Карен Карагулян; благодаря им в один момент картина Бэйкера превратилась в очень смешное роуд-муви.
«Анора» — как вспышка, которая радует несколько мгновений, восхищает, а затем оставляет персонажей наедине с собой. Смех смешивается с болью, слезами и криками, обнимашки — с драками, а любовь — с предательством. Это один из самых искренних и живых фильмов года, который открывает тебе глаза и отправляет в дальнейший путь, указав привычную дорогу. Остается смириться и идти дальше.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Познакомившись во время одной из смен с 21-летним Иваном (Марк Эйдельштейн), Энни решает подработать, выезжая к нему в дом с шикарным видом в свободные часы, а затем даже в выходные. В конце концов, она остается с ним на неделю, и это приводит к внезапной свадьбе, оформленной в Неваде. Миллиардеры-родители Вани, в исполнении Алексея Серебрякова и Дарьи Екамасовой, в шоке. Армянские помощники отца Вани — в ужасе. Теперь задача №1 — аннулировать этот брак.
«Анора» - как глоток свежего воздуха среди бесконечного потока тяжёлых драм, хорроров и триллеров. Яркая до ослепления, смешная почти что до коликов в животе, чертовски красивая, эротическая до желания, а также, естественно, грустная. Бэйкер подчёркивает социальное неравенство современности, когда «сильные мира сего» относятся к обычным людям как к игрушкам, как к мусору. Это пропасть, которую не перепрыгнуть.
Фильм выделяется органично смотрящимся актерским ансамблем. «Анора» Бэйкера — тот редкий случай, когда каждый актер попал в точку. Для Майки Мэдисон это ведущая и пока главная роль в её карьере — отличная работа. Радостно за наших — Эйдельштейна и Борисова. Марк великолепно сыграл беззаботного маменькиного сынка, умеющего развлекаться по полной. Но больше всего мне понравился Юра Борисов — этакий верзила с душой, который проявляет искреннее сочувствие Аноре. Блестяще сыграли армянских прихвостней отца Вани Ваче Товмасян и Карен Карагулян; благодаря им в один момент картина Бэйкера превратилась в очень смешное роуд-муви.
«Анора» — как вспышка, которая радует несколько мгновений, восхищает, а затем оставляет персонажей наедине с собой. Смех смешивается с болью, слезами и криками, обнимашки — с драками, а любовь — с предательством. Это один из самых искренних и живых фильмов года, который открывает тебе глаза и отправляет в дальнейший путь, указав привычную дорогу. Остается смириться и идти дальше.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Уж не знаю, что там Питт с Клуни (пока не видел «Одиноких волков»), но Эндрю Гарфилд с Флоренс Пью вполне могут претендовать на звание пары года. Ну ладно, если и не пары, то дуэта года, ведь в картине Джона Краули «Время жить» (ориг. We Live in Time, 2024) между ними ощутимая химия, в которую веришь.
«Время жить» не заставляет зрителя всхлипывать через каждые пару минут, да и сильной драмой его не назовёшь. Но что у фильма Краули точно есть — это та самая жизненность, которая отражена в названии, как оригинальном, так и локализованном.
У фильма лёгкий порог вхождения, чему способствуют как раз Гарфилд (я его последний раз видел на экране аж в 2021 году в трёх фильмах: «Человек-паук: Нет пути домой», «Тик-так... БУМ!», „
«Глаза Тэмми Фэй»), осевший в последние годы в Лондоне и играющий в театре, и Пью — Флоренс красотка и востребованная каждый год актриса.
Так вот, мы погружаемся в историю достаточно быстро, следуя за её сбивчивым ритмом, когда повествование уносит то в прошлое, то резко возвращает в настоящее. Сначала из-за этого немного пробуксовываем, но затем проникаемся искренними отношениями двух героев, ожидая, к чему приведёт их любовь и жизненный путь.
Забавным выдалось их первое знакомство: Альмут и Тобиас (как раз Пью и Гарфилд) сталкиваются вечером, когда девушка случайно сбивает на дороге молодого человека, выбежавшего в халате из отеля после новости о предстоящем разводе. Альмут появляется в жизни Тобиаса именно в тот момент, когда он был в шаге от утраты веры в любовь и готов погрузиться в затяжное уныние.
«Время жить» красиво снят: операторская работа включает сцены и со статичной, и с ручной камерой, которая особенно эффектна в эмоциональных моментах. Картина Краули не претендует на высокие награды, но фокусируется на реальности, где самое страшное соседствует с счастьем. Мы должны уметь жить здесь и сейчас — ведь завтра может уже и не наступить.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Время жить» не заставляет зрителя всхлипывать через каждые пару минут, да и сильной драмой его не назовёшь. Но что у фильма Краули точно есть — это та самая жизненность, которая отражена в названии, как оригинальном, так и локализованном.
У фильма лёгкий порог вхождения, чему способствуют как раз Гарфилд (я его последний раз видел на экране аж в 2021 году в трёх фильмах: «Человек-паук: Нет пути домой», «Тик-так... БУМ!», „
«Глаза Тэмми Фэй»), осевший в последние годы в Лондоне и играющий в театре, и Пью — Флоренс красотка и востребованная каждый год актриса.
Так вот, мы погружаемся в историю достаточно быстро, следуя за её сбивчивым ритмом, когда повествование уносит то в прошлое, то резко возвращает в настоящее. Сначала из-за этого немного пробуксовываем, но затем проникаемся искренними отношениями двух героев, ожидая, к чему приведёт их любовь и жизненный путь.
Забавным выдалось их первое знакомство: Альмут и Тобиас (как раз Пью и Гарфилд) сталкиваются вечером, когда девушка случайно сбивает на дороге молодого человека, выбежавшего в халате из отеля после новости о предстоящем разводе. Альмут появляется в жизни Тобиаса именно в тот момент, когда он был в шаге от утраты веры в любовь и готов погрузиться в затяжное уныние.
«Время жить» красиво снят: операторская работа включает сцены и со статичной, и с ручной камерой, которая особенно эффектна в эмоциональных моментах. Картина Краули не претендует на высокие награды, но фокусируется на реальности, где самое страшное соседствует с счастьем. Мы должны уметь жить здесь и сейчас — ведь завтра может уже и не наступить.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Благодаря компании Russian World Vision продолжается мой марафон #аниме Хаяо Миядзаки в этом году. На этот раз на большом экране был отсмотрен «Ходячий замок» (Howl no Ugoku Shiro, 2004). К слову, я лично хочу успеть пересмотреть все работы японского мастера до Нового года (осталось несколько), а RWV уже анонсировали, что в марте 2025 года будут организованы показы другой отличной работы Миядзаки – «Ветер крепчает».
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
Вот и ещё одна ожидаемая новинка этого года отсмотрена – на этот раз «Еретик» (Heretic, 2024) Скотта Бека и Брайана Вудса. Спасибо за такую возможность в очередной раз компании Вольга.
«Еретик» — это #хоррор, который смешивает несколько составляющих: традиционные мерзкие моменты ужастиков, бу-моменты, интеллект, психологию, запоминающуюся атмосферу, а также критику религий (но всё же оставляет шанс для веры). Это делает фильм Бека и Вудса несколько более глубоким проектом, чем может показаться на первый взгляд. Две девушки с церковной миссией, обходящие жильцов города, попадают к мистеру Риду в исполнении Хью Гранта, словно вляпываясь чистыми белыми туфлями в землю после дождя.
Дождь продолжает барабанить по крыше дома, обрамлённого изнутри металлом, чтобы не ловила ни одна телефонная сеть. Затем его сменяет снег, заметая следы сестры Барнс (Софи Тэтчер) и сестры Пакстон (Хлоя Ист). Ничего не подозревающие, они ещё внемлют россказням начитанного и хитрого мистера Рида, сравнивающего многочисленные веры, приводя граничащие между собой сходные моменты, а потом внезапно проводя параллели с настольными играми и плагиатом в известных песнях. Усыпив бдительность девушек, будто Сатана в образе змея в Эдемском саду, персонаж Хью Гранта начинает жестокую игру с молодыми героинями.
Одним из главных составляющих успеха фильма «Еретик» является как раз Хью Грант и его мистер Рид. Засевший в умах зрителей как вечно молодой и милый герой ромкомов, здесь Грант отрывается на полную, заигрывая как со зрителем, так и с девушками. Блеща знаниями, под личиной скрывает он настоящего маньяка, жаждущего крови. Наблюдать за его игрой — одно удовольствие; это, без преувеличения, один из лучших перформансов этого года. Каждая эмоция, выражение лица, каждое слово без британского акцента — всё говорит о тщательной проработке персонажа. Это подтверждает разговоры о том, что Хью прописывает биографию каждого своего героя перед съёмками.
«Еретик» также подкупает своей структурой, напоминающей головоломку. Будто созданный гиками, он поражает воображение, а затем вынуждает зрителя складывать 2+2, пытаясь найти выход для девушек из сложившейся ситуации. Однако балом правит Рид — шарлатан ли он или маг, уже не столь важно. Важно лишь чувство беспомощности перед неизведанным.
Без спойлеров скажу, что к «Еретику» остаётся один вопрос — концовка. Она могла бы быть иной, что сделало бы общее впечатление ещё сильнее. Но и так перед нами достойный пример осмысленного хоррора, во время которого хочется не только пугаться, но и слушать диалоги, наслаждаясь их продуманностью.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Еретик» — это #хоррор, который смешивает несколько составляющих: традиционные мерзкие моменты ужастиков, бу-моменты, интеллект, психологию, запоминающуюся атмосферу, а также критику религий (но всё же оставляет шанс для веры). Это делает фильм Бека и Вудса несколько более глубоким проектом, чем может показаться на первый взгляд. Две девушки с церковной миссией, обходящие жильцов города, попадают к мистеру Риду в исполнении Хью Гранта, словно вляпываясь чистыми белыми туфлями в землю после дождя.
Дождь продолжает барабанить по крыше дома, обрамлённого изнутри металлом, чтобы не ловила ни одна телефонная сеть. Затем его сменяет снег, заметая следы сестры Барнс (Софи Тэтчер) и сестры Пакстон (Хлоя Ист). Ничего не подозревающие, они ещё внемлют россказням начитанного и хитрого мистера Рида, сравнивающего многочисленные веры, приводя граничащие между собой сходные моменты, а потом внезапно проводя параллели с настольными играми и плагиатом в известных песнях. Усыпив бдительность девушек, будто Сатана в образе змея в Эдемском саду, персонаж Хью Гранта начинает жестокую игру с молодыми героинями.
Одним из главных составляющих успеха фильма «Еретик» является как раз Хью Грант и его мистер Рид. Засевший в умах зрителей как вечно молодой и милый герой ромкомов, здесь Грант отрывается на полную, заигрывая как со зрителем, так и с девушками. Блеща знаниями, под личиной скрывает он настоящего маньяка, жаждущего крови. Наблюдать за его игрой — одно удовольствие; это, без преувеличения, один из лучших перформансов этого года. Каждая эмоция, выражение лица, каждое слово без британского акцента — всё говорит о тщательной проработке персонажа. Это подтверждает разговоры о том, что Хью прописывает биографию каждого своего героя перед съёмками.
«Еретик» также подкупает своей структурой, напоминающей головоломку. Будто созданный гиками, он поражает воображение, а затем вынуждает зрителя складывать 2+2, пытаясь найти выход для девушек из сложившейся ситуации. Однако балом правит Рид — шарлатан ли он или маг, уже не столь важно. Важно лишь чувство беспомощности перед неизведанным.
Без спойлеров скажу, что к «Еретику» остаётся один вопрос — концовка. Она могла бы быть иной, что сделало бы общее впечатление ещё сильнее. Но и так перед нами достойный пример осмысленного хоррора, во время которого хочется не только пугаться, но и слушать диалоги, наслаждаясь их продуманностью.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Я почему-то искренне ожидал положительных впечатлений от просмотра фильма «Великая» (Lee, 2023) — режиссёрского дебюта Эллен Кёрас, но что-то совсем не вышло. Почему ждал позитива? Потому что имею право. Потому что Кейт Уинслет, которая очень хотела снять картину о Ли Миллер, потратила на это долгие годы борьбы и уговоров крупных шишек из мира кино. Потому что в фильме отличный актёрский состав: помимо Уинслет, ещё Александр Скарсгард, Марион Котийяр, Энди Сэмберг, Джош О’Коннор и Андреа Райзборо. Но в итоге «Великая» шагает совсем не туда.
Более того, «Великую» заносит. Мало того что Кейт Уинслет как-то не подходит под роль Ли Миллер (главную героиню изначально представляешь моложе), так с ходом повествования Ли Миллер как персонаж начинает раздражать. Не знаю, какой была реальная Миллер, но Уинслет, вроде и не демонстрируя особых изысков актёрской игры, отталкивает. Возможно, дело в том, что мне просто не близок этот персонаж. Бывает.
Ли Миллер была выдающимся фотографом, прославившись в годы Второй мировой войны. Она была также моделью и иконой стиля. Но мы об этом мало узнаём, ведь даже те биографические моменты, которые, кстати, будто бы вырваны из другого фильма, выбиваются из ритма повествования. Их просто мало. Вместо этого Кейт Уинслет и компания в очередной раз бросают зрителя в Холокост. Но и этого им оказывается недостаточно, и в лоб нам активно впихивают т.н. «повесточку».
«Мужчины — зло! Мужчины — насильники! От мужчин ничего хорошего не жди!» — звучит чуть ли не с первых минут и продолжается до самых титров. Я не противник феминизма, если он в меру и в тему. Но здесь он выглядит радикальным, не терпящим обсужденийс мужчинами. Далее, что нам подают вместе с шагами героев Уинслет и Сэмберга, — это превозношение роли американцев во Второй мировой, темнокожие солдаты и, «вишенка на торте», следующий посыл: мол, ладно, евреи пострадали в те годы, но ведь пострадали ещё и геи! Ой-ой. Серьёзно? А трансы пострадали? А зоофилы? А другие квиры?
Обидно, что вместо портрета Ли Миллер нам подсунули селфи Кейт Уинслет. Печально, что такой потенциально сильный материал оказался недостаточно раскрыт.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
Более того, «Великую» заносит. Мало того что Кейт Уинслет как-то не подходит под роль Ли Миллер (главную героиню изначально представляешь моложе), так с ходом повествования Ли Миллер как персонаж начинает раздражать. Не знаю, какой была реальная Миллер, но Уинслет, вроде и не демонстрируя особых изысков актёрской игры, отталкивает. Возможно, дело в том, что мне просто не близок этот персонаж. Бывает.
Ли Миллер была выдающимся фотографом, прославившись в годы Второй мировой войны. Она была также моделью и иконой стиля. Но мы об этом мало узнаём, ведь даже те биографические моменты, которые, кстати, будто бы вырваны из другого фильма, выбиваются из ритма повествования. Их просто мало. Вместо этого Кейт Уинслет и компания в очередной раз бросают зрителя в Холокост. Но и этого им оказывается недостаточно, и в лоб нам активно впихивают т.н. «повесточку».
«Мужчины — зло! Мужчины — насильники! От мужчин ничего хорошего не жди!» — звучит чуть ли не с первых минут и продолжается до самых титров. Я не противник феминизма, если он в меру и в тему. Но здесь он выглядит радикальным, не терпящим обсуждений
Обидно, что вместо портрета Ли Миллер нам подсунули селфи Кейт Уинслет. Печально, что такой потенциально сильный материал оказался недостаточно раскрыт.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
Всегда очень радует, когда от «маленького» фильма получаешь чуть ли не лучшие киновпечатления за целый год. Так получилось с «Птицей» (Bird, 2024) Андреа Арнольд, которая подарила нам тёплый фильм в период слякоти. Говорят, что эта картина, облюбованная критиками после кинофестиваля в Каннах и получившая номинацию на Золотую пальмовую ветвь, может так и остаться продуктом для критиков, а рядовой зритель её не сможет принять. Не соглашусь с этим — отличная картина, этакий лёгкий вариант авторского кино, поднимающий серьёзные вопросы.
Эта история, выхваченная из жизни бедных слоёв общества британской глубинки, знакомит нас с 12-летней Бэйли (Никия Адамс). Мать её оставила с отцом и братом. Отец ещё сам выглядит как раздолбай-подросток, ведь старший сын у него родился в 14 лет. И сразу нужно отдать должное Барри Кеогану, играющему папу — смотрится он в этой роли как настоящий «батя», взвалив на себя по большей части развлекательную часть повествования. У него свадьба на носу, он пытается добыть из жабы лечебную слизь для продажи под песни Blur — The Universe и Coldplay — Yellow. Он не внушает доверия, но ему хочется верить.
Возвращаясь к Бэйли, стоит отметить, что помимо брата по отцу у неё ещё несколько сестёр и брат по матери. Бэйли — самый осознанный человечек в этой истории, не по годам взрослый, привыкший за всех решать проблемы, страстно любящий природу и всех её обитателей (лошадей, жучков, бабочек, птиц), что особенно подчёркивается оператором Робби Райаном. Но девочке хочется чувствовать себя беспомощным ребёнком, которого кто-то обнимет и пожалеет. В этот момент появляется Птица (Франц Роговский).
Птица — странный мужчина, оказавшийся ранним утром посреди поля, напугав Бэйли. Он искал родителей, потерявших его, а он будто бы и сам себя только нашёл. В нём таится вся странность этого мира и максимальная какая-то таинственная сила и добро, коих очень не хватало Бэйли. Птица — способ для девочки уйти хотя бы на какие-то мгновения от бесконечных проблем, ощутить себя маленькой. А ещё персонаж Роговского — это как отправная точка, водораздел, после которого начнётся взросление нашей главной героини, а детство будет постепенно уходить.
Когда задумываешься о смысле фильма «Птица», понимаешь, что он о нас с вами и о нашей жизни. О попытках сгладить трудовые серые будни, разнообразить эти «дни сурка», что мы ежедневно и стараемся делать. Но силы ведь не безграничны, а потому нам и требуется такой условный персонаж по имени Птица с лицом Франца Роговски (второй лучший актёрский перфоманс в ленте после Кеогана), перед которым мы сможем излить эмоции, отряхнуться и пойти в итоге дальше. Потому лёгкая фантастическая составляющая в этой драме нисколько не удивляет, она напротив — приободряет.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Эта история, выхваченная из жизни бедных слоёв общества британской глубинки, знакомит нас с 12-летней Бэйли (Никия Адамс). Мать её оставила с отцом и братом. Отец ещё сам выглядит как раздолбай-подросток, ведь старший сын у него родился в 14 лет. И сразу нужно отдать должное Барри Кеогану, играющему папу — смотрится он в этой роли как настоящий «батя», взвалив на себя по большей части развлекательную часть повествования. У него свадьба на носу, он пытается добыть из жабы лечебную слизь для продажи под песни Blur — The Universe и Coldplay — Yellow. Он не внушает доверия, но ему хочется верить.
Возвращаясь к Бэйли, стоит отметить, что помимо брата по отцу у неё ещё несколько сестёр и брат по матери. Бэйли — самый осознанный человечек в этой истории, не по годам взрослый, привыкший за всех решать проблемы, страстно любящий природу и всех её обитателей (лошадей, жучков, бабочек, птиц), что особенно подчёркивается оператором Робби Райаном. Но девочке хочется чувствовать себя беспомощным ребёнком, которого кто-то обнимет и пожалеет. В этот момент появляется Птица (Франц Роговский).
Птица — странный мужчина, оказавшийся ранним утром посреди поля, напугав Бэйли. Он искал родителей, потерявших его, а он будто бы и сам себя только нашёл. В нём таится вся странность этого мира и максимальная какая-то таинственная сила и добро, коих очень не хватало Бэйли. Птица — способ для девочки уйти хотя бы на какие-то мгновения от бесконечных проблем, ощутить себя маленькой. А ещё персонаж Роговского — это как отправная точка, водораздел, после которого начнётся взросление нашей главной героини, а детство будет постепенно уходить.
Когда задумываешься о смысле фильма «Птица», понимаешь, что он о нас с вами и о нашей жизни. О попытках сгладить трудовые серые будни, разнообразить эти «дни сурка», что мы ежедневно и стараемся делать. Но силы ведь не безграничны, а потому нам и требуется такой условный персонаж по имени Птица с лицом Франца Роговски (второй лучший актёрский перфоманс в ленте после Кеогана), перед которым мы сможем излить эмоции, отряхнуться и пойти в итоге дальше. Потому лёгкая фантастическая составляющая в этой драме нисколько не удивляет, она напротив — приободряет.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Благодаря компаниям «Иноекино» и «Russian World Vision» пересмотрел в кинотеатре #аниме «Ариэтти из страны лилипутов» (Karigurashi no Arietti, 2010), которое десять лет назад не удалось оценить по достоинству. Зато теперь получилось — и как! Хиромаса Ёнэбаяси мастерски экранизировал историю по сценарию самого Хаяо Миядзаки о крошечной девочке, которая случайно заводит дружбу с одиноким мальчиком, желающим не только общаться, но и жить, ведь ему предстоит операция на сердце.
Ариэтти — смелая и решительная девочка, чей мир, хоть и мал, полон приключений и удивительных открытий. Долгие годы она и её семья, живя в доме людей, скрывались от их глаз. Но в какой-то момент девочка решает преодолеть этот страх общения с обычными людьми. Взаимоотношения между ней и мальчиком Шуном олицетворяют дружбу, взаимопомощь и понимание, несмотря на огромные различия.
Фильм Ёнэбаяси — это целая вселенная, свойственная как раз произведениям Миядзаки. Она радует вниманием к деталям, будь то мельчайшие движения листьев или уютная обстановка дома, общей эстетикой и мягкими, сочными цветами. Каждый кадр наполнен теплотой, которую особенно подчёркивает красивая и эмоциональная музыка композитора Сесиль Корбель.
«Ариэтти из страны лилипутов» — это не просто сказка о маленьких человечках, это фильм о том, как важны дружба, семья и отношения, независимо от твоего размера. Кроме того, этот тайтл может понравиться как детям, так и взрослым. Хиромаса Ёнэбаяси сумел создать волшебную атмосферу с такой аккуратностью, что темы, затронутые в истории, остаются понятными и полезными для любой аудитории.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Ариэтти — смелая и решительная девочка, чей мир, хоть и мал, полон приключений и удивительных открытий. Долгие годы она и её семья, живя в доме людей, скрывались от их глаз. Но в какой-то момент девочка решает преодолеть этот страх общения с обычными людьми. Взаимоотношения между ней и мальчиком Шуном олицетворяют дружбу, взаимопомощь и понимание, несмотря на огромные различия.
Фильм Ёнэбаяси — это целая вселенная, свойственная как раз произведениям Миядзаки. Она радует вниманием к деталям, будь то мельчайшие движения листьев или уютная обстановка дома, общей эстетикой и мягкими, сочными цветами. Каждый кадр наполнен теплотой, которую особенно подчёркивает красивая и эмоциональная музыка композитора Сесиль Корбель.
«Ариэтти из страны лилипутов» — это не просто сказка о маленьких человечках, это фильм о том, как важны дружба, семья и отношения, независимо от твоего размера. Кроме того, этот тайтл может понравиться как детям, так и взрослым. Хиромаса Ёнэбаяси сумел создать волшебную атмосферу с такой аккуратностью, что темы, затронутые в истории, остаются понятными и полезными для любой аудитории.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Милые приключения самого интеллигентного и застенчивого мишки Паддингтона, названного в честь Паддингтонского вокзала в Лондоне (а ещё одноимённого района), подарили нам незабываемые позитивные эмоции, помогающие справиться с этими трудовыми буднями. Я всегда любил первую часть, на которую в далёком уже 2014 году ходил в кино, и как-то недооценивал сиквел (что странно). Сейчас, после пересмотра всех частей, могу с уверенностью сказать, что вторая часть (2017) теперь — моя самая любимая.
Если в первой части, после знакомства с маленьким мишкой, его тётей Люси и дядей, мы изо всех сил переживаем, чтобы разговорчивый медведь удачно обосновался в Лондоне, подружился с новыми знакомыми — семьёй Браунов, и успешо противостоял роковой антагонистке в лице Николь Кидман, то вторая часть — это какая-то феерия доброго юмора, буффонады, трюков и доброты. Можно с лёгкостью представить, что если бы медвежонок был человеком, то его точно сыграл бы Чарли Чаплин, Бастер Китон или Гарольд Ллойд.
Именно сиквел подарил нам лучшего антагониста в трилогии — Феникса Бьюкенена, неудачливого актёра в исполнении прекрасного Хью Гранта, который годится только для рекламы собачьего корма, но при этом очень высокого мнения о своём таланте. В желании обогатиться он пытается убрать с пути Паддингтона, даже способствуя заключению последнего в самую настоящую тюрьму. Где, впрочем, мишка встречает нового друга — Кастета в исполнении Брендона Глисона. Сцены с ними очень весело смотрятся, иногда до гомерического смеха.
Что же касается третьего фильма под названием «Приключения Паддингтона 3» (Paddington in Peru, 2024), который сейчас активно идёт в прокате, то я им разочарован. У меня было предчувствие, что не стоит снимать ещё одно продолжение, но всё же за приключениями нашего добрейшего друга последить хотелось. И да, здесь много приключений, а ещё как-то много сказочных моментов. Если первые две части хочется смотреть всей семьёй, то триквел подойдёт скорее детям.
Медвежонок получает тревожный звонок от сотрудницы дома престарелых медведей (Оливия Колман), сообщившей, что дела у тёти Люси плохи, а потому Паддингтону нужно срочно возвращаться на родину в Перу. Там его ждёт, помимо раздражающей Колман, ещё и борьба с сомнительным персонажем в лице ставшего каким-то уж очень смешным (не в лучшем смысле слова) Антонио Бандераса. Третья часть приводит в недоумение такими слабыми антагонистами.
Да и в общем-то сценарий, ушедший в сторону упрощения и какого-то американского юмора, — самая слабая сторона «Приключений Паддингтона 3». Смена режиссёра Пола Кинга на Дагала Уилсона тоже на пользу не пошла. А ещё вдруг заменили актрису в семье Браунов. Больше как-то и сказать нечего об этом фильме.
Думаю, что нашего мишку Паддингтона больше мучить не надо — трилогии достаточно. Третья часть могла быть намного лучше, зато первый и второй фильм можно с удовольствием пересматривать.
#Цитадель_в_кино #обзор #новинка
А какая часть вам понравилась больше?
Если в первой части, после знакомства с маленьким мишкой, его тётей Люси и дядей, мы изо всех сил переживаем, чтобы разговорчивый медведь удачно обосновался в Лондоне, подружился с новыми знакомыми — семьёй Браунов, и успешо противостоял роковой антагонистке в лице Николь Кидман, то вторая часть — это какая-то феерия доброго юмора, буффонады, трюков и доброты. Можно с лёгкостью представить, что если бы медвежонок был человеком, то его точно сыграл бы Чарли Чаплин, Бастер Китон или Гарольд Ллойд.
Именно сиквел подарил нам лучшего антагониста в трилогии — Феникса Бьюкенена, неудачливого актёра в исполнении прекрасного Хью Гранта, который годится только для рекламы собачьего корма, но при этом очень высокого мнения о своём таланте. В желании обогатиться он пытается убрать с пути Паддингтона, даже способствуя заключению последнего в самую настоящую тюрьму. Где, впрочем, мишка встречает нового друга — Кастета в исполнении Брендона Глисона. Сцены с ними очень весело смотрятся, иногда до гомерического смеха.
Что же касается третьего фильма под названием «Приключения Паддингтона 3» (Paddington in Peru, 2024), который сейчас активно идёт в прокате, то я им разочарован. У меня было предчувствие, что не стоит снимать ещё одно продолжение, но всё же за приключениями нашего добрейшего друга последить хотелось. И да, здесь много приключений, а ещё как-то много сказочных моментов. Если первые две части хочется смотреть всей семьёй, то триквел подойдёт скорее детям.
Медвежонок получает тревожный звонок от сотрудницы дома престарелых медведей (Оливия Колман), сообщившей, что дела у тёти Люси плохи, а потому Паддингтону нужно срочно возвращаться на родину в Перу. Там его ждёт, помимо раздражающей Колман, ещё и борьба с сомнительным персонажем в лице ставшего каким-то уж очень смешным (не в лучшем смысле слова) Антонио Бандераса. Третья часть приводит в недоумение такими слабыми антагонистами.
Да и в общем-то сценарий, ушедший в сторону упрощения и какого-то американского юмора, — самая слабая сторона «Приключений Паддингтона 3». Смена режиссёра Пола Кинга на Дагала Уилсона тоже на пользу не пошла. А ещё вдруг заменили актрису в семье Браунов. Больше как-то и сказать нечего об этом фильме.
Думаю, что нашего мишку Паддингтона больше мучить не надо — трилогии достаточно. Третья часть могла быть намного лучше, зато первый и второй фильм можно с удовольствием пересматривать.
#Цитадель_в_кино #обзор #новинка
А какая часть вам понравилась больше?
Забегая вперёд, хочется отметить, что «Амадей» (Amadeus, 1984) Милоша Формана – наверное, лучший фильм, который мне удалось посмотреть в 2024 году. Странно, что я столько лет откладывал просмотр, ожидая, что увижу что-то по-настоящему тяжеловесное. Каково же было моё удивление, когда картина, длящаяся почти три часа, пролетела, не принося ничего, кроме искреннего удовольствия. И вдвойне больше впечатлений от того, что просмотр состоялся на большом экране, да ещё и в реставрированной версии, приуроченной к 40-летию картины, плюс в оригинальном звуке. Спасибо «Иноекино» за то, что привезли нам такое (фильм прямо сейчас можно поймать в кинотеатрах).
У всех нас издавна сложился какой-то свой образ Вольфганга Амадея Моцарта – непостижимой величины, полумифического персонажа, которому земное чуждо, чуть ли не машины для написания музыки. Отчасти да, отчасти нет. Ещё благодаря Пушкину мы всегда были уверены, что Моцарта отравил господин Сальери. Милош Форман немного открывает глаза зрителю, хотя, конечно, отталкивается скорее от теории Пушкина, чем от фактов.
В фильме Моцарт (Том Халс) – молодой человек, желающий дышать полной грудью и жить полной жизнью. Он обладатель громкого и чудаковатого смеха, любитель женщин, розыгрышей и светских приёмов, а также почитатель своего отца. И да, он невероятно одарён музыкально: его будто бы ведёт господь, ему часто не нужна бумага, ведь всё уже есть в голове. Рабочие процессы не покидают его ни на минуту: он постоянно что-то сочиняет, прячась от того в жизни, что ему навевает скуку (например, ссора его жены с родным отцом). Глядя на это, поражаешься огромному таланту, которому подобного найти сложно. Он чувствует музыку всем своим существом, что подчёркивается звучанием до боли знакомых мелодий на экране.
Моцарт – фигура, сочетающая две противоположности: непоколебимый талант и доброе ребяческое хулиганство. Сальери (Ф. Мюррей Абрахам) – персонаж не менее интересный: итальянец, признанный по всей Европе, уважающий Моцарта, преклоняющийся перед ним, но при этом копящий в себе страшную ревность. Он твёрдо верит, что убил Вольфганга, а если не убил, то точно погубил. Однако едва ли кто-то мог погубить Моцарта, кроме как он сам.
Милош Форман создаёт воздушное и лёгкое кино, подавая историю через преломлённый взгляд Сальери, обитателя дома прокажённых. «Амадей» виртуозно сочетает вымысел и исторические факты.
Исполнители главных ролей – Том Халс и Ф. Мюррей Абрахам – незабываемо передали конфликт между гениальностью и посредственностью, верой и отчаянием, человеческими слабостями и божественным даром. Всё это происходит в выверенном и детализированном антураже эпохи Просвещения, подчёркнутом музыкой Моцарта. Его произведения – это сердце фильма, сопровождающее каждый эмоциональный момент картины.
«Амадей» – тот случай, когда биографию Милош Форман перенёс на экран не сухими фактами со страниц энциклопедии, а в виде головокружительного коктейля из драмы, шика и блеска, точно передающего культурную и социальную среду того времени.
«Амадей» Милоша Формана – картина, заслуживающая не восемь, а всевозможные премии Оскар. Такое хочется пересматривать снова и снова.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
У всех нас издавна сложился какой-то свой образ Вольфганга Амадея Моцарта – непостижимой величины, полумифического персонажа, которому земное чуждо, чуть ли не машины для написания музыки. Отчасти да, отчасти нет. Ещё благодаря Пушкину мы всегда были уверены, что Моцарта отравил господин Сальери. Милош Форман немного открывает глаза зрителю, хотя, конечно, отталкивается скорее от теории Пушкина, чем от фактов.
В фильме Моцарт (Том Халс) – молодой человек, желающий дышать полной грудью и жить полной жизнью. Он обладатель громкого и чудаковатого смеха, любитель женщин, розыгрышей и светских приёмов, а также почитатель своего отца. И да, он невероятно одарён музыкально: его будто бы ведёт господь, ему часто не нужна бумага, ведь всё уже есть в голове. Рабочие процессы не покидают его ни на минуту: он постоянно что-то сочиняет, прячась от того в жизни, что ему навевает скуку (например, ссора его жены с родным отцом). Глядя на это, поражаешься огромному таланту, которому подобного найти сложно. Он чувствует музыку всем своим существом, что подчёркивается звучанием до боли знакомых мелодий на экране.
Моцарт – фигура, сочетающая две противоположности: непоколебимый талант и доброе ребяческое хулиганство. Сальери (Ф. Мюррей Абрахам) – персонаж не менее интересный: итальянец, признанный по всей Европе, уважающий Моцарта, преклоняющийся перед ним, но при этом копящий в себе страшную ревность. Он твёрдо верит, что убил Вольфганга, а если не убил, то точно погубил. Однако едва ли кто-то мог погубить Моцарта, кроме как он сам.
Милош Форман создаёт воздушное и лёгкое кино, подавая историю через преломлённый взгляд Сальери, обитателя дома прокажённых. «Амадей» виртуозно сочетает вымысел и исторические факты.
Исполнители главных ролей – Том Халс и Ф. Мюррей Абрахам – незабываемо передали конфликт между гениальностью и посредственностью, верой и отчаянием, человеческими слабостями и божественным даром. Всё это происходит в выверенном и детализированном антураже эпохи Просвещения, подчёркнутом музыкой Моцарта. Его произведения – это сердце фильма, сопровождающее каждый эмоциональный момент картины.
«Амадей» – тот случай, когда биографию Милош Форман перенёс на экран не сухими фактами со страниц энциклопедии, а в виде головокружительного коктейля из драмы, шика и блеска, точно передающего культурную и социальную среду того времени.
«Амадей» Милоша Формана – картина, заслуживающая не восемь, а всевозможные премии Оскар. Такое хочется пересматривать снова и снова.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Ветер крепчает» (Kaze tachinu, 2013) — наверное, самый взрослый и серьёзный проект Хаяо Миядзаки, который заслуженно можно назвать полноценным анимационным фильмом. Картина, номинированная в 2014 году на «Оскар» в категории «Лучший анимационный фильм», сейчас вновь доступна на большом экране благодаря компании Russian World Vision (широкий прокат стартует с 16 числа).
В этом произведении практически полностью отсутствуют привычные для Миядзаки фэнтезийные и фантастические элементы, за исключением эпизодов сновидений. Более того, впервые в основе сюжета лежит жизнь реального человека — Дзиро Хорикоши. Главный герой с самого детства пронёс любовь к самолётам.
Миядзаки, будучи страстным поклонником самолётов, вложил в образ Дзиро частичку самого себя и своей биографии. Герой мечтал создать летательные аппараты, которые не только послужат Японии, но и будут нести в себе душу их создателя. Упорство и целеустремлённость позволили Дзиро получить шанс проявить себя в известной авиастроительной компании, стоявшей перед вызовами как экономическими, так и политическими, в контексте подготовки страны к участию в мировой войне.
Естественно, без поддержки любящей женщины Дзиро вряд ли смог бы достичь таких высот. История его отношений с Наоко трогательна и полна романтики, показывая, что за каждым великим достижением стоит любовь и преданность.
Это #аниме интересно многими составляющими. Например, главного героя в оригинале озвучил Хидэаки Анно — создатель легендарного «Евангелиона». Ещё одна уникальная черта работы Миядзаки — все звуки, от природных шумов до авиационно-механических, были воссозданы голосами людей. Сначала это удивляет, но вскоре полностью погружает в атмосферу фильма.
«Ветер крепчает» — это трогательная история о большой мечте и искренней любви, ставших реальностью, выполненная в мягкой пастельной палитре.
#Цитадель_в_кино #новинка #скриншоты
В этом произведении практически полностью отсутствуют привычные для Миядзаки фэнтезийные и фантастические элементы, за исключением эпизодов сновидений. Более того, впервые в основе сюжета лежит жизнь реального человека — Дзиро Хорикоши. Главный герой с самого детства пронёс любовь к самолётам.
Миядзаки, будучи страстным поклонником самолётов, вложил в образ Дзиро частичку самого себя и своей биографии. Герой мечтал создать летательные аппараты, которые не только послужат Японии, но и будут нести в себе душу их создателя. Упорство и целеустремлённость позволили Дзиро получить шанс проявить себя в известной авиастроительной компании, стоявшей перед вызовами как экономическими, так и политическими, в контексте подготовки страны к участию в мировой войне.
Естественно, без поддержки любящей женщины Дзиро вряд ли смог бы достичь таких высот. История его отношений с Наоко трогательна и полна романтики, показывая, что за каждым великим достижением стоит любовь и преданность.
Это #аниме интересно многими составляющими. Например, главного героя в оригинале озвучил Хидэаки Анно — создатель легендарного «Евангелиона». Ещё одна уникальная черта работы Миядзаки — все звуки, от природных шумов до авиационно-механических, были воссозданы голосами людей. Сначала это удивляет, но вскоре полностью погружает в атмосферу фильма.
«Ветер крепчает» — это трогательная история о большой мечте и искренней любви, ставших реальностью, выполненная в мягкой пастельной палитре.
#Цитадель_в_кино #новинка #скриншоты
Роберт Эггерс зарекомендовал себя как оригинальный и талантливый постановщик, сняв сначала авторский фолк-хоррор «Ведьма», а затем абсолютно сумасшедший «Маяк». Вот только «Варяг» не оправдал ожиданий, но это была как передышка перед работой над «Носферату» (Nosferatu, 2024). Эггерс задумал снять ремейк классического «Носферату» Фридриха Вильгельма Мурнау ещё после «Ведьмы», но тогда никто не рискнул выделить молодому автору столь большой бюджет.
Да, «Носферату» Эггерса – это в большей степени ремейк «Носферату» Мурнау 1922 года, чем «Дракулы» Фрэнсиса Форда Копполы. Дело в том, что Ф. В. Мурнау опасался разбирательств из-за авторских прав, а потому граф Дракула превратился в графа Орлока, а Джонатан Харкер стал Томасом Хуттером. Да и сам внешний вид Носферату изменился – это скорее подгнивающий вурдалак, чем пафосный вампир.
Томас Хуттер (Николас Холт) в этой истории отправляется из Германии куда-то в Румынию, чтобы лично привезти графу Орлоку (Билл Скарсгард) купчую на дом по соседству как раз с Томасом в Германии. В это самое время жена главного героя, Эллен (Лили-Роуз Депп), остаётся дома, терзаемая тёмными силами и призраками, которыми управляет Орлок.
«Носферату» Эггерса получился леденящим кровь, с каждой минутой нагнетающим атмосферу. Автор уделил огромное внимание деталям, благодаря чему картина точно воспроизводит дух того времени – с Германией XVIII века, румынскими церквушками и цыганами, полчищем крыс, холодом, который буквально ощущается через экран, и чумой, идущей в комплекте с Орлоком. Дополняют эту картину костюмы, а также музыка Робина Керолана.
В этом фильме графа Орлока играет Билл Скарсгард, который, по-моему, окончательно утвердился в амплуа демонических или фриковых персонажей (Пеннивайз, «Ворон», теперь вот #Носферату). На нём столько грима, что угадываются только глаза, но его игра всё равно впечатляет. Из других актёров хочется выделить неподражаемого Уиллема Дефо, исполнившего роль профессора Альбина Эбенхарта фон Франца. Дефо добавил хоррору долю юмора, который удачно разбавляет нарастающее напряжение.
«Носферату» – это крепкий и качественный готический ремейк классического фильма, удачно передающий дух времени и ощущение угрозы, нависающей над каждым персонажем. Картина подтверждает, что переход Роберта Эггерса в статус зрелого автора состоялся. А ещё «Носферату» порадует тех зрителей, которые соскучились по серьёзным фильмам о вампирах, знакомых нам с детства.
#Цитадель_в_кино #фильм #хоррор #ужасы
Да, «Носферату» Эггерса – это в большей степени ремейк «Носферату» Мурнау 1922 года, чем «Дракулы» Фрэнсиса Форда Копполы. Дело в том, что Ф. В. Мурнау опасался разбирательств из-за авторских прав, а потому граф Дракула превратился в графа Орлока, а Джонатан Харкер стал Томасом Хуттером. Да и сам внешний вид Носферату изменился – это скорее подгнивающий вурдалак, чем пафосный вампир.
Томас Хуттер (Николас Холт) в этой истории отправляется из Германии куда-то в Румынию, чтобы лично привезти графу Орлоку (Билл Скарсгард) купчую на дом по соседству как раз с Томасом в Германии. В это самое время жена главного героя, Эллен (Лили-Роуз Депп), остаётся дома, терзаемая тёмными силами и призраками, которыми управляет Орлок.
«Носферату» Эггерса получился леденящим кровь, с каждой минутой нагнетающим атмосферу. Автор уделил огромное внимание деталям, благодаря чему картина точно воспроизводит дух того времени – с Германией XVIII века, румынскими церквушками и цыганами, полчищем крыс, холодом, который буквально ощущается через экран, и чумой, идущей в комплекте с Орлоком. Дополняют эту картину костюмы, а также музыка Робина Керолана.
В этом фильме графа Орлока играет Билл Скарсгард, который, по-моему, окончательно утвердился в амплуа демонических или фриковых персонажей (Пеннивайз, «Ворон», теперь вот #Носферату). На нём столько грима, что угадываются только глаза, но его игра всё равно впечатляет. Из других актёров хочется выделить неподражаемого Уиллема Дефо, исполнившего роль профессора Альбина Эбенхарта фон Франца. Дефо добавил хоррору долю юмора, который удачно разбавляет нарастающее напряжение.
«Носферату» – это крепкий и качественный готический ремейк классического фильма, удачно передающий дух времени и ощущение угрозы, нависающей над каждым персонажем. Картина подтверждает, что переход Роберта Эггерса в статус зрелого автора состоялся. А ещё «Носферату» порадует тех зрителей, которые соскучились по серьёзным фильмам о вампирах, знакомых нам с детства.
#Цитадель_в_кино #фильм #хоррор #ужасы
Во многих отзывах на фильм «Моди: Три дня на крыльях безумия» (Modi: Three Days on the Wing of Madness, 2024) встречается мнение, что это Джонни Депп снял картину про Джонни Деппа. И я с этим соглашусь — это лучшая характеристика фильма. Причём с первой же сцены, когда Джек Воробей скачет по столам и разбивает витражное стекло в модном парижском ресторане. И это при том, что перед зрителем не новая часть «Пиратов Карибского моря», а, вообще-то, фильм про художника Модильяни.
Была бы это дебютная режиссёрская работа (а я изначально так и думал) Деппа, ей можно было бы простить многое. Но в 90-е Джонни уже снял «Храбреца» с Марлоном Брандо, а потому поблажек здесь быть не может. Если бы «Моди» был автобиографическим актом самолюбования — ладно, но, когда в фильме почти нет освещения творческого процесса легендарного художника, а на первый план выходят алкоголь, невоспитанность, распутство и повседневность низших слоёв населения — становится грустно.
«Моди» — то ли комедия, то ли драма. То ли дань уважения чёрно-белому немому кино (эффектные вставки в таком стиле использует Депп), то ли воспевание романтики жизни аскетов. То ли крик яркого человека, до сих пор находящегося в «теневом бане» Голливуда и решившего напомнить о себе вне скандальной хроники, то ли просто не самый удачный байопик об итальянском художнике и скульпторе Амедео Модильяни. Кажется, что и сам Депп так и не смог определиться.
Но спасибо Джонни за Аль Пачино, ведь именно с корифеем мирового кинематографа связана лучшая сцена в «Моди: Три дня на крыльях безумия», которая резко меняет настроение картины. Да вот только это происходит слишком поздно — и времени до финальных титров остаётся совсем мало. А вот Моди в исполнении Риккардо Скамарчо, к сожалению, ярок не везде и не всегда.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
Была бы это дебютная режиссёрская работа (а я изначально так и думал) Деппа, ей можно было бы простить многое. Но в 90-е Джонни уже снял «Храбреца» с Марлоном Брандо, а потому поблажек здесь быть не может. Если бы «Моди» был автобиографическим актом самолюбования — ладно, но, когда в фильме почти нет освещения творческого процесса легендарного художника, а на первый план выходят алкоголь, невоспитанность, распутство и повседневность низших слоёв населения — становится грустно.
«Моди» — то ли комедия, то ли драма. То ли дань уважения чёрно-белому немому кино (эффектные вставки в таком стиле использует Депп), то ли воспевание романтики жизни аскетов. То ли крик яркого человека, до сих пор находящегося в «теневом бане» Голливуда и решившего напомнить о себе вне скандальной хроники, то ли просто не самый удачный байопик об итальянском художнике и скульпторе Амедео Модильяни. Кажется, что и сам Депп так и не смог определиться.
Но спасибо Джонни за Аль Пачино, ведь именно с корифеем мирового кинематографа связана лучшая сцена в «Моди: Три дня на крыльях безумия», которая резко меняет настроение картины. Да вот только это происходит слишком поздно — и времени до финальных титров остаётся совсем мало. А вот Моди в исполнении Риккардо Скамарчо, к сожалению, ярок не везде и не всегда.
#Цитадель_в_кино #новинка #премьера
#Аниме выходного дня: «Ловцы забытых голосов» (Hoshi o ou kodomo, 2011) Макото Синкая.
В первые минуты «Ловцы забытых голосов» могут показаться оммажем Хаяо Миядзаки. Здесь есть девочка-подросток, путешествие в загадочный мир, странные существа, похожие то ли на динозавров, то ли на покемонов, и потрясающе нарисованные пейзажи. Но это сходство быстро улетучивается, когда в кадре появляются люди с оружием, готовые уничтожить всё на своём пути. Аниме не боится жестокости: здесь есть и кровь, и травмы, и ощущение, что в этом мире всё не так просто, как кажется.
Синкай пытается разобраться с вечными вопросами жизни и смерти, но намешивает в эту историю слишком многое. Тут есть и мифология, и философские размышления, и приключенческий сюжет, а ещё – горечь утраты, которая пронизывает каждого героя. Персонажи отправляются в древнюю страну Агарту в поисках утешения, но Синкай показывает, что никакая магия не способна по-настоящему вернуть ушедших.
Фильм оставляет после себя странное ощущение. Он красивый, глубокий, но не такой цельный, как хотелось бы. В «Ловцах забытых голосов» Макото Синкай разместил слишком много элементов, которые не всегда гармонично сочетаются. Однако в нём чувствуется искренность и желание рассказать историю, которая цепляет за живое. Если вам нравится мрачный, немного жестокий взгляд на волшебные миры, «Ловцы забытых голосов» определённо заслуживают внимания, а тем более, что прямо сейчас это аниме можно посмотреть в кинотеатрах благодаря компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
В первые минуты «Ловцы забытых голосов» могут показаться оммажем Хаяо Миядзаки. Здесь есть девочка-подросток, путешествие в загадочный мир, странные существа, похожие то ли на динозавров, то ли на покемонов, и потрясающе нарисованные пейзажи. Но это сходство быстро улетучивается, когда в кадре появляются люди с оружием, готовые уничтожить всё на своём пути. Аниме не боится жестокости: здесь есть и кровь, и травмы, и ощущение, что в этом мире всё не так просто, как кажется.
Синкай пытается разобраться с вечными вопросами жизни и смерти, но намешивает в эту историю слишком многое. Тут есть и мифология, и философские размышления, и приключенческий сюжет, а ещё – горечь утраты, которая пронизывает каждого героя. Персонажи отправляются в древнюю страну Агарту в поисках утешения, но Синкай показывает, что никакая магия не способна по-настоящему вернуть ушедших.
Фильм оставляет после себя странное ощущение. Он красивый, глубокий, но не такой цельный, как хотелось бы. В «Ловцах забытых голосов» Макото Синкай разместил слишком много элементов, которые не всегда гармонично сочетаются. Однако в нём чувствуется искренность и желание рассказать историю, которая цепляет за живое. Если вам нравится мрачный, немного жестокий взгляд на волшебные миры, «Ловцы забытых голосов» определённо заслуживают внимания, а тем более, что прямо сейчас это аниме можно посмотреть в кинотеатрах благодаря компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Вопль» (El llanto, 2024) Педро Мартина Калеро – яркий пример того, как фильм может разочаровать по ходу просмотра, хотя изначально производит впечатление чуть ли не шедевра. Однако в итоге всё разбивается на части, словно фрагменты разных пазлов, которые так и не складываются в единую картину. А жаль, ведь казалось, что кандидат на звание качественного хоррора этого года – прямо перед нами.
Отличная и стильная операторская работа Констанцы Сандовал, выверенный монтаж Виктории Ламмерс, идеально подобранное музыкальное сопровождение – всё это, вкупе с интригующим сюжетом, создаёт действительно пугающую атмосферу. Главная героиня, студентка Андреа (Эстер Экспозито), вдруг начинает замечать, что на её селфи и видео раз за разом появляется загадочный и жуткий старик, словно маньяк, преследующий её по пятам. Эти моменты реально пугают, заставляя зрителя то вздрагивать, то щуриться. Именно эта часть фильма – напряжённая, атмосферная, интригующая – подкупает и заставляет поверить в потенциал картины Калеро.
Но затем в сюжет вступает линия матери Андреи – Мари (Матильда Олливье), и фильм резко теряет стиль, динамику и интригу, словно его внезапно начал снимать другой режиссёр. Всё кажется скомканным, лишённым той энергии, что была в первой половине. Возникает ощущение, будто Калеро попал в творческий тупик и просто не знал, куда дальше вести историю. Вдобавок появляется намёк на однополую любовь, но сюжетная арка остаётся незавершённой, а сам фильм буквально обрывается в никуда. Стоило ли оно того? Возможно, куда логичнее было бы сделать короткометражный фильм, сфокусировавшись только на Андрее, чем растягивать «Вопль» почти на два часа и в итоге оставить зрителя с ощущением незавершённости.
#Цитадель_в_кино #хоррор #премьера #новинка
Отличная и стильная операторская работа Констанцы Сандовал, выверенный монтаж Виктории Ламмерс, идеально подобранное музыкальное сопровождение – всё это, вкупе с интригующим сюжетом, создаёт действительно пугающую атмосферу. Главная героиня, студентка Андреа (Эстер Экспозито), вдруг начинает замечать, что на её селфи и видео раз за разом появляется загадочный и жуткий старик, словно маньяк, преследующий её по пятам. Эти моменты реально пугают, заставляя зрителя то вздрагивать, то щуриться. Именно эта часть фильма – напряжённая, атмосферная, интригующая – подкупает и заставляет поверить в потенциал картины Калеро.
Но затем в сюжет вступает линия матери Андреи – Мари (Матильда Олливье), и фильм резко теряет стиль, динамику и интригу, словно его внезапно начал снимать другой режиссёр. Всё кажется скомканным, лишённым той энергии, что была в первой половине. Возникает ощущение, будто Калеро попал в творческий тупик и просто не знал, куда дальше вести историю. Вдобавок появляется намёк на однополую любовь, но сюжетная арка остаётся незавершённой, а сам фильм буквально обрывается в никуда. Стоило ли оно того? Возможно, куда логичнее было бы сделать короткометражный фильм, сфокусировавшись только на Андрее, чем растягивать «Вопль» почти на два часа и в итоге оставить зрителя с ощущением незавершённости.
#Цитадель_в_кино #хоррор #премьера #новинка
Through the darkness of future past
The magician longs to see
One chants out between two worlds
Fire, walk with me!
«Кто убил Лору Палмер?», - этот вопрос не особо должен тревожить умы людей, которые внимательно посмотрели сериал и приквел (а для полноты картины можно добавить сюда и несколько книг), т.к. всё более-менее становится понятным, хотя от неразгаданных головоломок никуда не деться — и это естественно.
Что касается конкретно «Огонь, иди за мной» (Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1992), то её лучше смотреть после сериала. Тогда многие запутавшиеся нити сюжета смогут выпрямиться и встать на свои места. Если же начать с предыстории, то не всё может проясниться, а учитывая внушительную продолжительность оригинального «Твин Пикса», некоторые детали и вовсе забудутся.
Мы приближаемся к небольшому, на первый взгляд уютному городку Твин Пикс. Природные красоты, добродушные люди, чертовски хороший кофе (и горячий) и вкуснейшие пироги – всё это обманка. Потому что то, что творится здесь ночью, вряд ли поддаётся логике.
Иногда тёмные силы выбираются наружу и преследуют свою жертву, чаще всего – красивую девушку, вселяясь попутно в местных жителей. Так загадочным образом погибла Тереза Бэнкс (Памела Гидли), и на её расследование были отправлены агенты ФБР. Затем фокус смещается на Дэйла Купера (Кайл Маклоклен), которому снятся кошмары, перерастающие в видения о Красной комнате, её странных обитателях и БОБе – злой сущности, играющей ключевую роль в событиях.
Дэвид Линч мастерски нагнетает атмосферу, смешивает реальность и проецирует загадочность на повседневность. Для незнакомых с его стилем зрителей фильм может показаться пугающим, но те, кто его полюбил, знают – без этого привлекательного хаоса уже никуда.
Лора Палмер (Шерил Ли) – лучезарная блондинка, покорившая весь город, но в глубине души сломленная и потерянная. Если в сериале её образ казался ангельским, то фильм раскрывает её истинную сущность. Она испытала всё, но так и не нашла себя.
Эта лента Линча – визуализация того загадочного стихотворения, которое я привёл в начале текста. Но на этот раз Лору Палмер действительно манит огонь, и она идёт навстречу пламени, которое, наконец, осветит её белоснежную улыбку.
#Цитадель_в_кино #фильм #скриншоты
The magician longs to see
One chants out between two worlds
Fire, walk with me!
«Кто убил Лору Палмер?», - этот вопрос не особо должен тревожить умы людей, которые внимательно посмотрели сериал и приквел (а для полноты картины можно добавить сюда и несколько книг), т.к. всё более-менее становится понятным, хотя от неразгаданных головоломок никуда не деться — и это естественно.
Что касается конкретно «Огонь, иди за мной» (Twin Peaks: Fire Walk with Me, 1992), то её лучше смотреть после сериала. Тогда многие запутавшиеся нити сюжета смогут выпрямиться и встать на свои места. Если же начать с предыстории, то не всё может проясниться, а учитывая внушительную продолжительность оригинального «Твин Пикса», некоторые детали и вовсе забудутся.
Мы приближаемся к небольшому, на первый взгляд уютному городку Твин Пикс. Природные красоты, добродушные люди, чертовски хороший кофе (и горячий) и вкуснейшие пироги – всё это обманка. Потому что то, что творится здесь ночью, вряд ли поддаётся логике.
Иногда тёмные силы выбираются наружу и преследуют свою жертву, чаще всего – красивую девушку, вселяясь попутно в местных жителей. Так загадочным образом погибла Тереза Бэнкс (Памела Гидли), и на её расследование были отправлены агенты ФБР. Затем фокус смещается на Дэйла Купера (Кайл Маклоклен), которому снятся кошмары, перерастающие в видения о Красной комнате, её странных обитателях и БОБе – злой сущности, играющей ключевую роль в событиях.
Дэвид Линч мастерски нагнетает атмосферу, смешивает реальность и проецирует загадочность на повседневность. Для незнакомых с его стилем зрителей фильм может показаться пугающим, но те, кто его полюбил, знают – без этого привлекательного хаоса уже никуда.
Лора Палмер (Шерил Ли) – лучезарная блондинка, покорившая весь город, но в глубине души сломленная и потерянная. Если в сериале её образ казался ангельским, то фильм раскрывает её истинную сущность. Она испытала всё, но так и не нашла себя.
Эта лента Линча – визуализация того загадочного стихотворения, которое я привёл в начале текста. Но на этот раз Лору Палмер действительно манит огонь, и она идёт навстречу пламени, которое, наконец, осветит её белоснежную улыбку.
#Цитадель_в_кино #фильм #скриншоты
Оскар Оскаром, а забывать про отечественные фильмы тоже не стоит.
На волне бешеной популярности Юры Борисова сейчас в прокате идёт «Кончится лето» — фильм режиссёров Максима Арбугаева и Владимира Мункуева, где Борисов сыграл вместе с Макаром Хлебниковым. Интересно, что на момент кастинга Юра проходил пробы наравне с сотней других актёров. Но теперь, после церемонии «Оскар», отборы он, скорее всего, будет обходить стороной.
Кеша (Юра Борисов) возвращается из мест не столь отдалённых в родной маленький городок, где его встречает младший брат Тима (Макар Хлебников). Тима твёрдо намерен поступать в университет во Владивостоке, причём на бюджет, чтобы выбраться из захолустья Якутии, куда можно добраться только на пароме. Кеша клянётся отцу и брату, что теперь всё будет иначе, он исправится. Но жизнь вносит свои коррективы — причём не только в его судьбу, но и в судьбу Тимы. Теперь двум братьям придётся спасаться.
«Кончится лето» держит марку российского авторского кино: здесь и мрачная атмосфера, и суровая, но завораживающая якутская природа, которая становится полноценным персонажем фильма. Режиссёры говорили, что хотели снять картину, понятную их соседу или бабушке — и им это удалось. Фильм погружает зрителя в меланхолию, затягивает в круговорот абсурдных, но фатальных ситуаций, которые, словно снежный ком, накатываются на персонажей.
Это кино о судьбе, в которую можно не верить, но которая всё равно диктует свои правила. Борисов и Хлебников создают крепкий экранный дуэт — не возникает сомнений, что они братья, и каждого хочется обнять по-отечески. «Кончится лето» возвращает с небес на землю, бьёт по голове, но при этом не отпускает и заставляет хотеть продолжения. Парадокс.
Спасибо компании «Вольгá» за прокат такого фильма.
#Цитадель_в_кино #драма #новинка
На волне бешеной популярности Юры Борисова сейчас в прокате идёт «Кончится лето» — фильм режиссёров Максима Арбугаева и Владимира Мункуева, где Борисов сыграл вместе с Макаром Хлебниковым. Интересно, что на момент кастинга Юра проходил пробы наравне с сотней других актёров. Но теперь, после церемонии «Оскар», отборы он, скорее всего, будет обходить стороной.
Кеша (Юра Борисов) возвращается из мест не столь отдалённых в родной маленький городок, где его встречает младший брат Тима (Макар Хлебников). Тима твёрдо намерен поступать в университет во Владивостоке, причём на бюджет, чтобы выбраться из захолустья Якутии, куда можно добраться только на пароме. Кеша клянётся отцу и брату, что теперь всё будет иначе, он исправится. Но жизнь вносит свои коррективы — причём не только в его судьбу, но и в судьбу Тимы. Теперь двум братьям придётся спасаться.
«Кончится лето» держит марку российского авторского кино: здесь и мрачная атмосфера, и суровая, но завораживающая якутская природа, которая становится полноценным персонажем фильма. Режиссёры говорили, что хотели снять картину, понятную их соседу или бабушке — и им это удалось. Фильм погружает зрителя в меланхолию, затягивает в круговорот абсурдных, но фатальных ситуаций, которые, словно снежный ком, накатываются на персонажей.
Это кино о судьбе, в которую можно не верить, но которая всё равно диктует свои правила. Борисов и Хлебников создают крепкий экранный дуэт — не возникает сомнений, что они братья, и каждого хочется обнять по-отечески. «Кончится лето» возвращает с небес на землю, бьёт по голове, но при этом не отпускает и заставляет хотеть продолжения. Парадокс.
Спасибо компании «Вольгá» за прокат такого фильма.
#Цитадель_в_кино #драма #новинка
«Бассейн» (La piscine, 1969) Жака Дере – рассказ о том, как страсть может погубить не только сами отношения мужчины и женщины (в данном случае — Жан-Поля в исполнении Алена Делона и Марианны в исполнении Роми Шнайдер), но и подтолкнуть к преступлению. Она может вспыхнуть внезапно, так же неожиданно угаснуть и уступить место ревности.
Жак Дере в своей психологической драме погружается в суть отношений мужчины и женщины. Жан-Поль и Марианна наслаждаются ленивым отдыхом на вилле в отпуск, пока их покой не нарушает нахальный Гарри (Морис Роне) со своей 18-летней дочерью Пенелопой (Джейн Биркин). Гарри — бывший любовник Марианны, а когда-то и друг Жан-Поля. Именно у него Жан-Поль с Марианной познакомились друг с другом. С его появлением отношения между парой подвергаются серьёзному испытанию, и в их основе начинает нарастать трещина.
Несмотря на тягучий, неспешный ритм повествования, который позволяет зрителю ощутить негу, жаркие солнечные лучи и брызги воды из того самого бассейна, Жак Дере постепенно нагнетает напряжение. В какой-то момент оно становится почти невыносимым — хочется сжать пальцы в кулак. Этому способствует не только мастерская режиссура, но и отличная игра актёров. Ален Делон в роли замкнутого, депрессивного Жан-Поля, Роми Шнайдер в образе женщины, которая, кажется, единственная способна вытянуть его из этой тьмы, настоящий гад Морис Роне, которому хочется собственноручно отвесить оплеуху, и обворожительная Джейн Биркин, притягивающая к себе всё внимание.
«Бассейн» Жака Дере – это натянутый нерв, скрытая буря эмоций, затаившаяся под гладью воды. Бассейн здесь становится метафорой: пока поверхность спокойна, кажется, что всё под контролем, но стоит появиться Гарри — и по воде идут волны, нарушая равновесие. В один момент эта история окрашивается в тона классического нуара. Дополнительный драматизм придаёт тот факт, что Ален Делон и Роми Шнайдер были парой в реальной жизни, но к моменту съёмок уже расстались. Они знали, что такое разбитое сердце, отразив это на экране.
Не упустите возможность увидеть эту работу Жака Дере в 4K-реставрации в кинотеатрах — спасибо за это компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #драма #премьера
Жак Дере в своей психологической драме погружается в суть отношений мужчины и женщины. Жан-Поль и Марианна наслаждаются ленивым отдыхом на вилле в отпуск, пока их покой не нарушает нахальный Гарри (Морис Роне) со своей 18-летней дочерью Пенелопой (Джейн Биркин). Гарри — бывший любовник Марианны, а когда-то и друг Жан-Поля. Именно у него Жан-Поль с Марианной познакомились друг с другом. С его появлением отношения между парой подвергаются серьёзному испытанию, и в их основе начинает нарастать трещина.
Несмотря на тягучий, неспешный ритм повествования, который позволяет зрителю ощутить негу, жаркие солнечные лучи и брызги воды из того самого бассейна, Жак Дере постепенно нагнетает напряжение. В какой-то момент оно становится почти невыносимым — хочется сжать пальцы в кулак. Этому способствует не только мастерская режиссура, но и отличная игра актёров. Ален Делон в роли замкнутого, депрессивного Жан-Поля, Роми Шнайдер в образе женщины, которая, кажется, единственная способна вытянуть его из этой тьмы, настоящий гад Морис Роне, которому хочется собственноручно отвесить оплеуху, и обворожительная Джейн Биркин, притягивающая к себе всё внимание.
«Бассейн» Жака Дере – это натянутый нерв, скрытая буря эмоций, затаившаяся под гладью воды. Бассейн здесь становится метафорой: пока поверхность спокойна, кажется, что всё под контролем, но стоит появиться Гарри — и по воде идут волны, нарушая равновесие. В один момент эта история окрашивается в тона классического нуара. Дополнительный драматизм придаёт тот факт, что Ален Делон и Роми Шнайдер были парой в реальной жизни, но к моменту съёмок уже расстались. Они знали, что такое разбитое сердце, отразив это на экране.
Не упустите возможность увидеть эту работу Жака Дере в 4K-реставрации в кинотеатрах — спасибо за это компании «Иноекино».
#Цитадель_в_кино #драма #премьера