«Состояние души. Прощание»
1911 г.
Умберто Боччони
В 1911 году, вслед за «Манифестом футуристической живописи», Боччони представляет серию картин, именуемую по названию главной работы – «Состояние души».
В них Боччони предсказывает машинизированное будущее, в котором людям будет отведено место сторонних наблюдателей.«Прощание» было первым произведением в триптихе, который долгое время считался одним из главных достижений футуризма.
Основной акцент картины располагается на движении как таковом. Локомотив, самолет, автомобиль – современные машины, захватившие человека и заставившие его переосмыслить понятие «скорость».
В этой работе Боччони пытается отразить динамику движения и хаоса, изображая людей, поглощенных и слившихся с паром локомотива, который просвистывает мимо.
#УмбертоБоччони #Сюжетный #Абстракционизм
1911 г.
Умберто Боччони
В 1911 году, вслед за «Манифестом футуристической живописи», Боччони представляет серию картин, именуемую по названию главной работы – «Состояние души».
В них Боччони предсказывает машинизированное будущее, в котором людям будет отведено место сторонних наблюдателей.«Прощание» было первым произведением в триптихе, который долгое время считался одним из главных достижений футуризма.
Основной акцент картины располагается на движении как таковом. Локомотив, самолет, автомобиль – современные машины, захватившие человека и заставившие его переосмыслить понятие «скорость».
В этой работе Боччони пытается отразить динамику движения и хаоса, изображая людей, поглощенных и слившихся с паром локомотива, который просвистывает мимо.
#УмбертоБоччони #Сюжетный #Абстракционизм
"Доминирующая кривая"
1936 г.
Василий Кандинский
Василий Кандинский покинул Германию в 1933 году, когда к власти пришли нацисты. Идеологи фашизма резко осуждали новые веяния в живописи, “дегенеративное искусство” подвергалось гонениям, картины уничтожали и запрещали выставлять.
Кандинский эмигрировал во Францию, где и прожил до конца своих дней. В Париже он плодотворно работал, создавая неизъяснимо гармоничные полотна. Работы того периода отмечены светлой палитрой, линии и формы стали более мягкими.
Еще в годы работы в знаменитом Баухаузе Кандинский проявлял интерес к ботанике и зоологии, он живописал крохотные существа и обучал этому своих учеников.
Следы этой увлеченности мы наблюдаем в картине “Доминантная кривая”, в правом верхнем углу плавает схематичный розоватый эмбрион, фигурки в зеленом прямоугольнике напоминают микроскопические морские животные, а органические фигуры парят над небесной синей областью.
Эти плавучие, биоморфные образы, часто представленные в пастельных тонах, можно рассматривать как признаки оптимистичного видения Кандинским мирного будущего и надежды на возрождение послевоенный период. Кандинский не дожил до окончания Второй Мировой войны, но его интуиция художника подсказала, что зло не может властвовать вечно, придут другие времена, жизнь возрождается…
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
1936 г.
Василий Кандинский
Василий Кандинский покинул Германию в 1933 году, когда к власти пришли нацисты. Идеологи фашизма резко осуждали новые веяния в живописи, “дегенеративное искусство” подвергалось гонениям, картины уничтожали и запрещали выставлять.
Кандинский эмигрировал во Францию, где и прожил до конца своих дней. В Париже он плодотворно работал, создавая неизъяснимо гармоничные полотна. Работы того периода отмечены светлой палитрой, линии и формы стали более мягкими.
Еще в годы работы в знаменитом Баухаузе Кандинский проявлял интерес к ботанике и зоологии, он живописал крохотные существа и обучал этому своих учеников.
Следы этой увлеченности мы наблюдаем в картине “Доминантная кривая”, в правом верхнем углу плавает схематичный розоватый эмбрион, фигурки в зеленом прямоугольнике напоминают микроскопические морские животные, а органические фигуры парят над небесной синей областью.
Эти плавучие, биоморфные образы, часто представленные в пастельных тонах, можно рассматривать как признаки оптимистичного видения Кандинским мирного будущего и надежды на возрождение послевоенный период. Кандинский не дожил до окончания Второй Мировой войны, но его интуиция художника подсказала, что зло не может властвовать вечно, придут другие времена, жизнь возрождается…
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
"Из озера"
1924 г.
Джорджия О'Киф
Частная коллекция.
За свою долгую плодотворную жизнь Джорджия О’Киф создала две с половиной тысячи работ. Любимой тематикой художницы были разнообразные растения, черепа и кости животных, но среди ее работ находятся и такие, как “Из озера”
Можно нарисовать море максимально реально, со всеми деталями, как Айвазовский; можно как Моне – на первое место поставить свое видение стихии воды; а можно как Джорджия О’Киф – показать не саму водную гладь, а свои чувства и эмоции при взгляде на нее. И любой человек сразу поймет, что же хотела изобразить художница.
Трудно рассказать о сюжете работы, когда его попросту нет. Ощущения художницы показаны на этой картине, но что видела она в тот момент – навсегда останется загадкой. Линии, цвета, формы, грани – все смешивается на картине, но смешивается в особом порядке, рождая эмоции, близкие к настроению художницы при создании этого полотна.
Не стоит воспринимать ее работы буквально, и ждать, что неожиданно нечто появится из волн озера.
Насладитесь авторской фантазией, при каждом свежем взгляде на картину всегда можно заметить что-то новое, необычное, неведомое ранее; водоворот эмоций автора с каждым разом засасывает все глубже в озеро фантазии. Каждый зритель понимает работу по своему, это и доставляет особое удовольствие и зрителю, и художнику.
#ДжорджияОКиф #Пейзаж #Абстракционизм
1924 г.
Джорджия О'Киф
Частная коллекция.
За свою долгую плодотворную жизнь Джорджия О’Киф создала две с половиной тысячи работ. Любимой тематикой художницы были разнообразные растения, черепа и кости животных, но среди ее работ находятся и такие, как “Из озера”
Можно нарисовать море максимально реально, со всеми деталями, как Айвазовский; можно как Моне – на первое место поставить свое видение стихии воды; а можно как Джорджия О’Киф – показать не саму водную гладь, а свои чувства и эмоции при взгляде на нее. И любой человек сразу поймет, что же хотела изобразить художница.
Трудно рассказать о сюжете работы, когда его попросту нет. Ощущения художницы показаны на этой картине, но что видела она в тот момент – навсегда останется загадкой. Линии, цвета, формы, грани – все смешивается на картине, но смешивается в особом порядке, рождая эмоции, близкие к настроению художницы при создании этого полотна.
Не стоит воспринимать ее работы буквально, и ждать, что неожиданно нечто появится из волн озера.
Насладитесь авторской фантазией, при каждом свежем взгляде на картину всегда можно заметить что-то новое, необычное, неведомое ранее; водоворот эмоций автора с каждым разом засасывает все глубже в озеро фантазии. Каждый зритель понимает работу по своему, это и доставляет особое удовольствие и зрителю, и художнику.
#ДжорджияОКиф #Пейзаж #Абстракционизм
"Абстракция"
1914 г.
Ванесса Белл
До нас дошло всего четыре абстрактных работы Ванессы Белл. Все они относятся к середине 1910-х годов, когда блумсберийцы пытались с помощью абстракции освободиться от законов, “навязанных” живописцу традицией,. Одну из картин этого периода вы можете видеть вверху.
Шесть фрагментов расположены на насыщенно-желтом фоне. Все цвета, использованные в композиции, составляли основу палитры Белл в те годы. Как и следовало ожидать, интерес Белл к абстракции не был, по большому счету, ее собственным интересом. Она лишь старалась соответствовать идеям своих товарищей.
Довольно скоро художница поняла, что “освобождаться от законов живописи при помощи абстракции” – не ее стезя, и после 1915 года абстрактные рисунки можно встретить лишь в предметах декоративно-прикладного искусства, созданных Белл. Позже она признавалась своему сыну Квентину: “Временная потеря предметного содержания, которое всегда оставалось самым важным в моей работе, убедила меня в том, что природа гораздо богаче и интереснее любых искусственных выдумок”.
#ВанессаБелл #Абстракционизм
1914 г.
Ванесса Белл
До нас дошло всего четыре абстрактных работы Ванессы Белл. Все они относятся к середине 1910-х годов, когда блумсберийцы пытались с помощью абстракции освободиться от законов, “навязанных” живописцу традицией,. Одну из картин этого периода вы можете видеть вверху.
Шесть фрагментов расположены на насыщенно-желтом фоне. Все цвета, использованные в композиции, составляли основу палитры Белл в те годы. Как и следовало ожидать, интерес Белл к абстракции не был, по большому счету, ее собственным интересом. Она лишь старалась соответствовать идеям своих товарищей.
Довольно скоро художница поняла, что “освобождаться от законов живописи при помощи абстракции” – не ее стезя, и после 1915 года абстрактные рисунки можно встретить лишь в предметах декоративно-прикладного искусства, созданных Белл. Позже она признавалась своему сыну Квентину: “Временная потеря предметного содержания, которое всегда оставалось самым важным в моей работе, убедила меня в том, что природа гораздо богаче и интереснее любых искусственных выдумок”.
#ВанессаБелл #Абстракционизм
«Жёлтый, красный, синий»
1925 г.
Василий Кандинский
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
Трём цветам Кандинский посвятил это полотно и не преминул ещё раз подчеркнуть их важность через название. Беспредметная живопись мастера всегда имела необычные наименования, подчёркивая тем самым отсутствие сюжета, но отнюдь не бессодержательность.
Для того чтобы понять, почувствовать как действует краска, как она говорит со зрителем, Кандинский советует сначала сосредоточить взор на изолированной краске, а лишь затем понаблюдать их взаимодействие. Любопытные отношения автор открывает между синим и жёлтым цветом, утверждая, что они могут быть связаны как центробежной, так и центростремительной силой.
Как мы видим, картина Кандинского лишена кажущейся спонтанности – это выверенная композиция, созданная на основе совершенно уникальной и неповторимой авторской философии.
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
1925 г.
Василий Кандинский
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду.
Трём цветам Кандинский посвятил это полотно и не преминул ещё раз подчеркнуть их важность через название. Беспредметная живопись мастера всегда имела необычные наименования, подчёркивая тем самым отсутствие сюжета, но отнюдь не бессодержательность.
Для того чтобы понять, почувствовать как действует краска, как она говорит со зрителем, Кандинский советует сначала сосредоточить взор на изолированной краске, а лишь затем понаблюдать их взаимодействие. Любопытные отношения автор открывает между синим и жёлтым цветом, утверждая, что они могут быть связаны как центробежной, так и центростремительной силой.
Как мы видим, картина Кандинского лишена кажущейся спонтанности – это выверенная композиция, созданная на основе совершенно уникальной и неповторимой авторской философии.
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
"Голова крестьянина"
1929 г.
Казимир Северинович Малевич
71.7×53.8 см.
Государственный Русский музей.
В начале 1920-х годов Казимир Малевич сосредотачивается на том, чтобы нести идеи супрематизма в массы, после 1923 года почти полностью прекращая писать картины (но не статьи, трактаты и манифесты). Художник преподает в Витебске, Ленинграде и некоторое время – в Киеве. На протяжении всего этого времени отношения Казимира Севериновича с официальными властями продолжали ухудшаться. Его смещали с должностей, увольняли под разными предлогами и арестовывали. Едва успев добиться известности и признания, Малевич снова оказался в оппозиции к официальному курсу, которому были вынуждены следовать его коллеги, вовремя не переехавшие в Европу. При этом художник оставался, без преувеличения, культовой личностью. Студенты и поклонники его творчества безоговорочно принимали каждое его слово, и, если бы Малевичу взбрело в голову, скажем, устроить перформанс с массовым самоубийством, последователей у него наверняка нашлось бы немало.
В конце концов, Казимира Севериновича лишили возможности преподавать в принципе, и тогда, поняв, что с вездесущим соцреализмом ему точно не по пути, он снова берется за краски – без оглядки на кого бы то ни было. В одном из писем того периода Малевич пишет: «Я подумываю о возвращении к живописи с целью писать символические картины. Я хочу создать образ, который был бы действенным». Начиная с 1929 года, он создает новую серию полотен, героями которых становятся крестьяне (1, 2, 3). По привычке перекраивая собственную биографию, в том числе и творческую, некоторые из этих картин Малевич датирует 1910-ми годами. Более поздний анализ, однако, позволил определить, что эти работы были написаны в начале 30-х. К этому же периоду относится и одна из самых известных картин художника – «Голова крестьянина».
Нового крестьянина Малевича едва ли можно назвать счастливым или умиротворенным. Его судьба незавидна и горька, как и судьба великого множества деревенских жителей в те годы. За спиной героя картины видны силуэты сельских построек, над которыми кружат птицы, а с другой стороны полотна к ним неумолимо приближаются самолеты, как некие предвестники опасности. Ощущение тоски и безысходности подчеркивается скорбным выражением глаз крестьянина, отсылающим нас к иконописным традициям (как и вся композиция полотна). Кроме того, Малевич будто бы лишает своего героя голоса, закрывая его рот бородой, как непроницаемой повязкой. В будущих картинах художник начнет и вовсе обезличивать своих крестьян, оставляя на месте их лиц пустые овалы.
#КазимирМалевич #Портрет #Абстракционизм
1929 г.
Казимир Северинович Малевич
71.7×53.8 см.
Государственный Русский музей.
В начале 1920-х годов Казимир Малевич сосредотачивается на том, чтобы нести идеи супрематизма в массы, после 1923 года почти полностью прекращая писать картины (но не статьи, трактаты и манифесты). Художник преподает в Витебске, Ленинграде и некоторое время – в Киеве. На протяжении всего этого времени отношения Казимира Севериновича с официальными властями продолжали ухудшаться. Его смещали с должностей, увольняли под разными предлогами и арестовывали. Едва успев добиться известности и признания, Малевич снова оказался в оппозиции к официальному курсу, которому были вынуждены следовать его коллеги, вовремя не переехавшие в Европу. При этом художник оставался, без преувеличения, культовой личностью. Студенты и поклонники его творчества безоговорочно принимали каждое его слово, и, если бы Малевичу взбрело в голову, скажем, устроить перформанс с массовым самоубийством, последователей у него наверняка нашлось бы немало.
В конце концов, Казимира Севериновича лишили возможности преподавать в принципе, и тогда, поняв, что с вездесущим соцреализмом ему точно не по пути, он снова берется за краски – без оглядки на кого бы то ни было. В одном из писем того периода Малевич пишет: «Я подумываю о возвращении к живописи с целью писать символические картины. Я хочу создать образ, который был бы действенным». Начиная с 1929 года, он создает новую серию полотен, героями которых становятся крестьяне (1, 2, 3). По привычке перекраивая собственную биографию, в том числе и творческую, некоторые из этих картин Малевич датирует 1910-ми годами. Более поздний анализ, однако, позволил определить, что эти работы были написаны в начале 30-х. К этому же периоду относится и одна из самых известных картин художника – «Голова крестьянина».
Нового крестьянина Малевича едва ли можно назвать счастливым или умиротворенным. Его судьба незавидна и горька, как и судьба великого множества деревенских жителей в те годы. За спиной героя картины видны силуэты сельских построек, над которыми кружат птицы, а с другой стороны полотна к ним неумолимо приближаются самолеты, как некие предвестники опасности. Ощущение тоски и безысходности подчеркивается скорбным выражением глаз крестьянина, отсылающим нас к иконописным традициям (как и вся композиция полотна). Кроме того, Малевич будто бы лишает своего героя голоса, закрывая его рот бородой, как непроницаемой повязкой. В будущих картинах художник начнет и вовсе обезличивать своих крестьян, оставляя на месте их лиц пустые овалы.
#КазимирМалевич #Портрет #Абстракционизм
"Скачет красная конница"
1932 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
Что же он хотел нам сказать?
«Красная конница» - одна из самых известных живописных шарад Казимира Малевича. В смысле разнообразия версий того, что хотел нам сказать автор своим произведением, ее бьет разве что «Черный квадрат». Среди искусствоведов отчего-то принято подходить к этой картине с рулеткой и калькулятором. Тестировать линию горизонта на соответствие правилу золотого сечения (если что, соответствие это практически идеально). Считать красноармейцев (три группы по четыре всадника). Находить «подозрительные» совпадения (трижды четыре – двенадцать, и, надо же, именно двенадцать оттенков имеет в разрезе земля!). Наделять числа глубоким символическим звучанием (три – как три богатыря – символ стихийной силы, четыре – символ порядка, свидетельство того, что революция – это «управляемое стихийное бедствие», двенадцать – это и вовсе универсум, и т.д и т. п.). Весь этот математический анализ – занятие настолько же увлекательное, насколько и пустое. Малевич был интуитивным гением, если он и наделил свое полотно столь изобильной нумерологией, то ненамеренно.
Не вносит ясности и дата создания «Конницы». Сам художник датировал ее 1918 годом, хотя эксперты единодушно считают, что она была написана намного позднее - между 1928 и 1932 годами. Зачем Малевич сжульничал? Возможно, из «харчевых» соображений. «Красная Конница» - единственная его абстрактная работа, признанная и одобренная советской властью. Может быть, Казимир Северинович хотел задним числом добрать благонадежности. Или не хотел «включать заднюю» и возвращаться к «презренному жанру», после того как объявил супрематизм вершиной творческой эволюции.
Впрочем, если вы любитель неочевидных трактовок, то вот вам еще одна. Приглядевшись, можно заметить, что силуэты всадников как бы «расчетверяются». Они движутся не тремя группами по четыре, а тремя своеобразными «кавалеристскими каре». Если представить себе, как это выглядит сверху, получатся три красных квадрата на черной плоскости – зашифрованная супрематическая композиция.
Так или иначе, картина была написана уже после того, как роман Малевича с советской властью испустил дух. Возможно, даже после отсидки в «Крестах» по обвинению в шпионаже. Выходит, ключ к единственно верной трактовке все-таки следует искать с обратной стороны холста.
«Скачет красная конница из октябрьской столицы на защиту советской границы» - это можно было принять за чистую монету в 1913-м, когда Малевич работал в издании «Сегодняшний лубок». В 30-е подобное авторское уточнение выглядит совершенно ерническим.
Те же «бравурные» нотки звучат в другом поэтическом произведении Малевича, написанном чуть позднее. «Еду, еду, ду-ду-ду! На резиновом кругу. Ничего, мадам Дуду, едет Казя на кругу» - декламировал в 1934-м смертельно больной Малевич, лежа на резиновой шине от пролежней.
Это был абсолютно бесстрашный человек, заискивать перед властями ему было ни к чему. Разочарование, горький сарказм, ощущение близости финиша – вот стежки тонкой красной линии, которая пронизывает эту беспощадную картину.
#КазимирМалевич #Абстракционизм
1932 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
Что же он хотел нам сказать?
«Красная конница» - одна из самых известных живописных шарад Казимира Малевича. В смысле разнообразия версий того, что хотел нам сказать автор своим произведением, ее бьет разве что «Черный квадрат». Среди искусствоведов отчего-то принято подходить к этой картине с рулеткой и калькулятором. Тестировать линию горизонта на соответствие правилу золотого сечения (если что, соответствие это практически идеально). Считать красноармейцев (три группы по четыре всадника). Находить «подозрительные» совпадения (трижды четыре – двенадцать, и, надо же, именно двенадцать оттенков имеет в разрезе земля!). Наделять числа глубоким символическим звучанием (три – как три богатыря – символ стихийной силы, четыре – символ порядка, свидетельство того, что революция – это «управляемое стихийное бедствие», двенадцать – это и вовсе универсум, и т.д и т. п.). Весь этот математический анализ – занятие настолько же увлекательное, насколько и пустое. Малевич был интуитивным гением, если он и наделил свое полотно столь изобильной нумерологией, то ненамеренно.
Не вносит ясности и дата создания «Конницы». Сам художник датировал ее 1918 годом, хотя эксперты единодушно считают, что она была написана намного позднее - между 1928 и 1932 годами. Зачем Малевич сжульничал? Возможно, из «харчевых» соображений. «Красная Конница» - единственная его абстрактная работа, признанная и одобренная советской властью. Может быть, Казимир Северинович хотел задним числом добрать благонадежности. Или не хотел «включать заднюю» и возвращаться к «презренному жанру», после того как объявил супрематизм вершиной творческой эволюции.
Впрочем, если вы любитель неочевидных трактовок, то вот вам еще одна. Приглядевшись, можно заметить, что силуэты всадников как бы «расчетверяются». Они движутся не тремя группами по четыре, а тремя своеобразными «кавалеристскими каре». Если представить себе, как это выглядит сверху, получатся три красных квадрата на черной плоскости – зашифрованная супрематическая композиция.
Так или иначе, картина была написана уже после того, как роман Малевича с советской властью испустил дух. Возможно, даже после отсидки в «Крестах» по обвинению в шпионаже. Выходит, ключ к единственно верной трактовке все-таки следует искать с обратной стороны холста.
«Скачет красная конница из октябрьской столицы на защиту советской границы» - это можно было принять за чистую монету в 1913-м, когда Малевич работал в издании «Сегодняшний лубок». В 30-е подобное авторское уточнение выглядит совершенно ерническим.
Те же «бравурные» нотки звучат в другом поэтическом произведении Малевича, написанном чуть позднее. «Еду, еду, ду-ду-ду! На резиновом кругу. Ничего, мадам Дуду, едет Казя на кругу» - декламировал в 1934-м смертельно больной Малевич, лежа на резиновой шине от пролежней.
Это был абсолютно бесстрашный человек, заискивать перед властями ему было ни к чему. Разочарование, горький сарказм, ощущение близости финиша – вот стежки тонкой красной линии, которая пронизывает эту беспощадную картину.
#КазимирМалевич #Абстракционизм
"Композиция №10: Пирс и океан"
1915 г.
Пит Мондриан
Музей Крёллер-Мюллер.
Просто прямые линии, хаотично разбросанные по овальному полю?
«Композиция №10: Пирс и океан» была написана Мондрианом в период вынужденной изоляции. В то время в Европе бушевала Первая мировая война, и художник не мог вернуться из Нидерландов в столь полюбившуюся ему Францию. Его раздражают и однообразные пейзажи, и отсутствие привычного ритма жизни, а больше всего – голландские художники, застрявшие в своих стилях и техниках, застывшие, словно мухи в янтаре. Окончательно отчаявшись, Мондриан отправляется в Зеландию (провинция на юго-западе Нидерландов), где поселяется у моря и проводит дни в полном уединении.
В это время море занимает почти все его мысли и переселяется на его холсты. В течение многих столетий живописцы переносили на свои полотна самые разнообразные морские пейзажи, восхищаясь и вдохновляясь изменчивостью и глубиной, игрой света и цвета. Не слишком талантливые художники тщились как можно более точно изобразить постоянное движение морской волны, динамику и живость воды. А Мондриану удалось достичь этого с помощью пересечения вертикальных и горизонтальных линий. И всего лишь двух цветов.
На первый взгляд «Композиция №10» кажется нагромождением прямых линий, хаотично разбросанных по овальному полю. Но стоит посмотреть на нее издали – и можно отчетливо различить уходящий в сторону горизонта пирс и окружающую его неспокойную воду. Совершенно поразительным образом Мондриан такими скупыми выразительными средствами передает динамичность морского пейзажа. Интересно то, что для этой работы художник сделал много предварительных набросков на пленэре. А незадолго до своей смерти он рассказал, что «Композиция №10» тесно связана с его теософскими воззрениями. Согласно им, дерево и вертикаль являются символами мужского начала, а море и горизонталь – женского. Таким образом, с помощью этой картины Мондриан стремился передать амбивалентность каждого человека, в котором уживаются и мужская, и женская части.
#ПитМондриан #Абстракционизм
1915 г.
Пит Мондриан
Музей Крёллер-Мюллер.
Просто прямые линии, хаотично разбросанные по овальному полю?
«Композиция №10: Пирс и океан» была написана Мондрианом в период вынужденной изоляции. В то время в Европе бушевала Первая мировая война, и художник не мог вернуться из Нидерландов в столь полюбившуюся ему Францию. Его раздражают и однообразные пейзажи, и отсутствие привычного ритма жизни, а больше всего – голландские художники, застрявшие в своих стилях и техниках, застывшие, словно мухи в янтаре. Окончательно отчаявшись, Мондриан отправляется в Зеландию (провинция на юго-западе Нидерландов), где поселяется у моря и проводит дни в полном уединении.
В это время море занимает почти все его мысли и переселяется на его холсты. В течение многих столетий живописцы переносили на свои полотна самые разнообразные морские пейзажи, восхищаясь и вдохновляясь изменчивостью и глубиной, игрой света и цвета. Не слишком талантливые художники тщились как можно более точно изобразить постоянное движение морской волны, динамику и живость воды. А Мондриану удалось достичь этого с помощью пересечения вертикальных и горизонтальных линий. И всего лишь двух цветов.
На первый взгляд «Композиция №10» кажется нагромождением прямых линий, хаотично разбросанных по овальному полю. Но стоит посмотреть на нее издали – и можно отчетливо различить уходящий в сторону горизонта пирс и окружающую его неспокойную воду. Совершенно поразительным образом Мондриан такими скупыми выразительными средствами передает динамичность морского пейзажа. Интересно то, что для этой работы художник сделал много предварительных набросков на пленэре. А незадолго до своей смерти он рассказал, что «Композиция №10» тесно связана с его теософскими воззрениями. Согласно им, дерево и вертикаль являются символами мужского начала, а море и горизонталь – женского. Таким образом, с помощью этой картины Мондриан стремился передать амбивалентность каждого человека, в котором уживаются и мужская, и женская части.
#ПитМондриан #Абстракционизм
"Сад в Мурнау II"
1910 г.
Василий Кандинский
Художественный фонд Мерцбахера, Швейцария.
Становление Кандинского-абстракциониста
В конце 1904 года Кандинский вместе с Габриель Мюнтер отправляется в многолетнее путешествие (по большей части – по европейским странам), которое повлияло на его дальнейшее творчество и определило направление последующих художественных экспериментов художника. Во время своего странствия Кандинский несколько месяцев прожил в Париже (сам город ему не очень нравился, но они задержались там по настоянию Мюнтер), где познакомился с творчеством Сезанна и фовистов. Их яркие и энергичные полотна оказали существенное влияние на палитру и цветовую насыщенность работ, которые художник начинает создавать после возвращения в Германию.
Летом 1909 года Кандинский и Мюнтер отправляются в небольшой городок Мурнау в предгорье Баварских Альп. Эта поездка считается своего рода отправной точкой в становлении Кандинского-абстракциониста.
Картина «Сад в Мурнау» была написана Кандинским как раз в этот период. В город они с Габриель приехали по приглашению давних друзей и коллег художника – Алексея Явленского и Марианны Веревкиной. Большую часть времени они проводили вместе, часто работая на пленэре, так что в этот период Кандинский по большей части пишет пейзажи. Но пейзажи эти уже совсем не похожи на ранние работы художника, в них еще чувствуется влияние импрессионистов, но при этом заметно настроение, которое будет отличать его «импрессии», «импровизации» и «композиции».
Из этих новых пейзажей, написанных в Мурнау, постепенно уходит объем, меняется перспектива. Кандинский начинает использовать более яркие, густые цвета, но накладывает их очень тонким, местами совсем прозрачным слоем. «Сад в Мурнау» наряду с другими работами этого периода наглядно демонстрирует постепенное движение Кандинского в сторону абстракционизма. Здесь еще вполне различимы предметы и объекты, но их контуры уже максимально размыты, а границы зачастую очень условны. О своих пейзажах, написанных в Мурнау, Кандинский позже говорил: «Меня мало интересовали деревья или дома сами по себе. Накладывая на холст цветные линии и пятна, я хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна мне одному».
#ВасилийКандинский #Пейзаж #Абстракционизм
1910 г.
Василий Кандинский
Художественный фонд Мерцбахера, Швейцария.
Становление Кандинского-абстракциониста
В конце 1904 года Кандинский вместе с Габриель Мюнтер отправляется в многолетнее путешествие (по большей части – по европейским странам), которое повлияло на его дальнейшее творчество и определило направление последующих художественных экспериментов художника. Во время своего странствия Кандинский несколько месяцев прожил в Париже (сам город ему не очень нравился, но они задержались там по настоянию Мюнтер), где познакомился с творчеством Сезанна и фовистов. Их яркие и энергичные полотна оказали существенное влияние на палитру и цветовую насыщенность работ, которые художник начинает создавать после возвращения в Германию.
Летом 1909 года Кандинский и Мюнтер отправляются в небольшой городок Мурнау в предгорье Баварских Альп. Эта поездка считается своего рода отправной точкой в становлении Кандинского-абстракциониста.
Картина «Сад в Мурнау» была написана Кандинским как раз в этот период. В город они с Габриель приехали по приглашению давних друзей и коллег художника – Алексея Явленского и Марианны Веревкиной. Большую часть времени они проводили вместе, часто работая на пленэре, так что в этот период Кандинский по большей части пишет пейзажи. Но пейзажи эти уже совсем не похожи на ранние работы художника, в них еще чувствуется влияние импрессионистов, но при этом заметно настроение, которое будет отличать его «импрессии», «импровизации» и «композиции».
Из этих новых пейзажей, написанных в Мурнау, постепенно уходит объем, меняется перспектива. Кандинский начинает использовать более яркие, густые цвета, но накладывает их очень тонким, местами совсем прозрачным слоем. «Сад в Мурнау» наряду с другими работами этого периода наглядно демонстрирует постепенное движение Кандинского в сторону абстракционизма. Здесь еще вполне различимы предметы и объекты, но их контуры уже максимально размыты, а границы зачастую очень условны. О своих пейзажах, написанных в Мурнау, Кандинский позже говорил: «Меня мало интересовали деревья или дома сами по себе. Накладывая на холст цветные линии и пятна, я хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна мне одному».
#ВасилийКандинский #Пейзаж #Абстракционизм
"Клавиши фортепиано"
1909 г.
Франтишек Купка
Национальная галерея в Праге.
Картина «Клавиши фортепиано» отображает переход Франтишека Купки от недолго увлечения неоимпрессионизмом в мир абстракции. Абстракционизм Купки чрезвычайно музыкален, критик Валенси определил его как «музыкализм».
Внизу полотна изображены клавиши фортепиано в виде вертикальных линий, которыми Купка показывал состояние единения с высшими материями, вознесения. «Вертикальная линия торжественна, это позвоночник жизни в пространстве, ось любой конструкции», – пояснял художник.
Пальцы касаются устремленных вверх клавиш, из которых рождается целый мир. Кажется, что лодка, озеро, деревья и люди вышли из фортепианного аккорда. Получившийся результат можно описать словами Бориса Пастернака, которому в ранних стихотворениях отлично удавалось соединять поэзию и музыку:
Я клавишей стаю кормил с руки
Под хлопанье крыльев, плеск и гогот.
Чуть раньше литовский художник и композитор Миколоюс Чюрленис тоже активно искал связи между живописью и музыкой и, как и Купка, нередко называл свои картины музыкальными терминами.
Живопись Купки не спонтанна, а глубоко продумана. Он активно использовал идею Ньютона о сопоставлении цветов солнечного спектра и звуков музыкальной октавы, проводя параллели между длиной разноцветных участков спектра и частотой колебаний звуков гаммы. Согласно этой теории, «до» – красный, «ре» – фиолетовый, «ми» – синий и так далее. Кстати сам Ньютон это открытие считал совершенно бесполезным и праздным. Но Купка такого отношения не разделял (у него даже есть абстрактная картина «Диски Ньютона») и при написании «Клавиш фортепиано» явно обращался к идее Ньютона. Из черно-белых клавиш рождаются не просто мир, но мир, облаченный во все цвета спектра, вернее, созданный из этих цветов.
#ФрантишекКупка #Абстракционизм
1909 г.
Франтишек Купка
Национальная галерея в Праге.
Картина «Клавиши фортепиано» отображает переход Франтишека Купки от недолго увлечения неоимпрессионизмом в мир абстракции. Абстракционизм Купки чрезвычайно музыкален, критик Валенси определил его как «музыкализм».
Внизу полотна изображены клавиши фортепиано в виде вертикальных линий, которыми Купка показывал состояние единения с высшими материями, вознесения. «Вертикальная линия торжественна, это позвоночник жизни в пространстве, ось любой конструкции», – пояснял художник.
Пальцы касаются устремленных вверх клавиш, из которых рождается целый мир. Кажется, что лодка, озеро, деревья и люди вышли из фортепианного аккорда. Получившийся результат можно описать словами Бориса Пастернака, которому в ранних стихотворениях отлично удавалось соединять поэзию и музыку:
Я клавишей стаю кормил с руки
Под хлопанье крыльев, плеск и гогот.
Чуть раньше литовский художник и композитор Миколоюс Чюрленис тоже активно искал связи между живописью и музыкой и, как и Купка, нередко называл свои картины музыкальными терминами.
Живопись Купки не спонтанна, а глубоко продумана. Он активно использовал идею Ньютона о сопоставлении цветов солнечного спектра и звуков музыкальной октавы, проводя параллели между длиной разноцветных участков спектра и частотой колебаний звуков гаммы. Согласно этой теории, «до» – красный, «ре» – фиолетовый, «ми» – синий и так далее. Кстати сам Ньютон это открытие считал совершенно бесполезным и праздным. Но Купка такого отношения не разделял (у него даже есть абстрактная картина «Диски Ньютона») и при написании «Клавиш фортепиано» явно обращался к идее Ньютона. Из черно-белых клавиш рождаются не просто мир, но мир, облаченный во все цвета спектра, вернее, созданный из этих цветов.
#ФрантишекКупка #Абстракционизм
"Городской замок"
1932 г.
Пауль Клее
Частная коллекция.
Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной.
Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги.
Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)».
Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку.
Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего.
В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов.
#ПаульКлее #Абстракционизм
@pic_history
1932 г.
Пауль Клее
Частная коллекция.
Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной.
Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги.
Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)».
Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку.
Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего.
В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов.
#ПаульКлее #Абстракционизм
@pic_history
"Красный, черный и серебряный"
1956 г.
Джексон Поллок
Частная коллекция.
Эту работу можно назвать одной из самых нашумевших картин Поллока. Если, конечно, она и в самом деле написана его рукой. Полотно «Красный, черный и серебряный» стало предметом многолетней войны между любовницей художника Рут Клигман и его вдовой Ли Краснер. Клигман утверждала, что эта работа была последней, написанной Поллоком перед его смертью. Более того, писал он на ее глазах, и когда картина была завершена, подарил ее возлюбленной со словами: «Вот твоя картина, твой собственный Поллок». Краснер же настаивала на том, что художник совсем прекратил писать задолго до смерти, и это полотно – не более чем подделка, причем не слишком искусная.
До последнего времени убедиться в подлинности картины не было никакой возможности. Созданный Краснер Совет, занимавшийся установлением подлинности картин Поллока, до сих пор не признал художника автором этой работы. В пользу их заключения говорит то, что картина не подписана и создана в несвойственной Поллоку цветовой гамме. Клигман, которая за всю жизнь внесла в свой «донжуанский список» немало знаменитых живописцев, до самой своей смерти в 2010 году сражалась с Советом, доказывая подлинность картины.
И только теперь, когда все участники этой истории уже отправились в мир иной, с помощью независимой криминалистической экспертизы удалось получить доказательства, связывающие Поллока с работой «Красный, черный и серебряный». Эксперт-криминалист Николас Петрако, исследовавший картину, обнаружил на ней не только шерсть белого медведя с ковра из дома художника и частички почвы, характерной именно для той местности, но и волос самого Поллока. По словам Петрако, эти находки более чем убедительны.
#ДжексонПоллок #Абстракционизм
@pic_history
1956 г.
Джексон Поллок
Частная коллекция.
Эту работу можно назвать одной из самых нашумевших картин Поллока. Если, конечно, она и в самом деле написана его рукой. Полотно «Красный, черный и серебряный» стало предметом многолетней войны между любовницей художника Рут Клигман и его вдовой Ли Краснер. Клигман утверждала, что эта работа была последней, написанной Поллоком перед его смертью. Более того, писал он на ее глазах, и когда картина была завершена, подарил ее возлюбленной со словами: «Вот твоя картина, твой собственный Поллок». Краснер же настаивала на том, что художник совсем прекратил писать задолго до смерти, и это полотно – не более чем подделка, причем не слишком искусная.
До последнего времени убедиться в подлинности картины не было никакой возможности. Созданный Краснер Совет, занимавшийся установлением подлинности картин Поллока, до сих пор не признал художника автором этой работы. В пользу их заключения говорит то, что картина не подписана и создана в несвойственной Поллоку цветовой гамме. Клигман, которая за всю жизнь внесла в свой «донжуанский список» немало знаменитых живописцев, до самой своей смерти в 2010 году сражалась с Советом, доказывая подлинность картины.
И только теперь, когда все участники этой истории уже отправились в мир иной, с помощью независимой криминалистической экспертизы удалось получить доказательства, связывающие Поллока с работой «Красный, черный и серебряный». Эксперт-криминалист Николас Петрако, исследовавший картину, обнаружил на ней не только шерсть белого медведя с ковра из дома художника и частички почвы, характерной именно для той местности, но и волос самого Поллока. По словам Петрако, эти находки более чем убедительны.
#ДжексонПоллок #Абстракционизм
@pic_history
"Скачет красная конница"
1932 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
Что же он хотел нам сказать?
«Красная конница» - одна из самых известных живописных шарад Казимира Малевича. В смысле разнообразия версий того, что хотел нам сказать автор своим произведением, ее бьет разве что «Черный квадрат». Среди искусствоведов отчего-то принято подходить к этой картине с рулеткой и калькулятором. Тестировать линию горизонта на соответствие правилу золотого сечения (если что, соответствие это практически идеально). Считать красноармейцев (три группы по четыре всадника). Находить «подозрительные» совпадения (трижды четыре – двенадцать, и, надо же, именно двенадцать оттенков имеет в разрезе земля!). Наделять числа глубоким символическим звучанием (три – как три богатыря – символ стихийной силы, четыре – символ порядка, свидетельство того, что революция – это «управляемое стихийное бедствие», двенадцать – это и вовсе универсум, и т.д и т. п.). Весь этот математический анализ – занятие настолько же увлекательное, насколько и пустое. Малевич был интуитивным гением, если он и наделил свое полотно столь изобильной нумерологией, то ненамеренно.
Не вносит ясности и дата создания «Конницы». Сам художник датировал ее 1918 годом, хотя эксперты единодушно считают, что она была написана намного позднее - между 1928 и 1932 годами. Зачем Малевич сжульничал? Возможно, из «харчевых» соображений. «Красная Конница» - единственная его абстрактная работа, признанная и одобренная советской властью. Может быть, Казимир Северинович хотел задним числом добрать благонадежности. Или не хотел «включать заднюю» и возвращаться к «презренному жанру», после того как объявил супрематизм вершиной творческой эволюции.
Впрочем, если вы любитель неочевидных трактовок, то вот вам еще одна. Приглядевшись, можно заметить, что силуэты всадников как бы «расчетверяются». Они движутся не тремя группами по четыре, а тремя своеобразными «кавалеристскими каре». Если представить себе, как это выглядит сверху, получатся три красных квадрата на черной плоскости – зашифрованная супрематическая композиция.
Так или иначе, картина была написана уже после того, как роман Малевича с советской властью испустил дух. Возможно, даже после отсидки в «Крестах» по обвинению в шпионаже. Выходит, ключ к единственно верной трактовке все-таки следует искать с обратной стороны холста.
«Скачет красная конница из октябрьской столицы на защиту советской границы» - это можно было принять за чистую монету в 1913-м, когда Малевич работал в издании «Сегодняшний лубок». В 30-е подобное авторское уточнение выглядит совершенно ерническим.
Те же «бравурные» нотки звучат в другом поэтическом произведении Малевича, написанном чуть позднее. «Еду, еду, ду-ду-ду! На резиновом кругу. Ничего, мадам Дуду, едет Казя на кругу» - декламировал в 1934-м смертельно больной Малевич, лежа на резиновой шине от пролежней.
Это был абсолютно бесстрашный человек, заискивать перед властями ему было ни к чему. Разочарование, горький сарказм, ощущение близости финиша – вот стежки тонкой красной линии, которая пронизывает эту беспощадную картину.
#КазимирМалевич #Абстракционизм
@pic_history
1932 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
Что же он хотел нам сказать?
«Красная конница» - одна из самых известных живописных шарад Казимира Малевича. В смысле разнообразия версий того, что хотел нам сказать автор своим произведением, ее бьет разве что «Черный квадрат». Среди искусствоведов отчего-то принято подходить к этой картине с рулеткой и калькулятором. Тестировать линию горизонта на соответствие правилу золотого сечения (если что, соответствие это практически идеально). Считать красноармейцев (три группы по четыре всадника). Находить «подозрительные» совпадения (трижды четыре – двенадцать, и, надо же, именно двенадцать оттенков имеет в разрезе земля!). Наделять числа глубоким символическим звучанием (три – как три богатыря – символ стихийной силы, четыре – символ порядка, свидетельство того, что революция – это «управляемое стихийное бедствие», двенадцать – это и вовсе универсум, и т.д и т. п.). Весь этот математический анализ – занятие настолько же увлекательное, насколько и пустое. Малевич был интуитивным гением, если он и наделил свое полотно столь изобильной нумерологией, то ненамеренно.
Не вносит ясности и дата создания «Конницы». Сам художник датировал ее 1918 годом, хотя эксперты единодушно считают, что она была написана намного позднее - между 1928 и 1932 годами. Зачем Малевич сжульничал? Возможно, из «харчевых» соображений. «Красная Конница» - единственная его абстрактная работа, признанная и одобренная советской властью. Может быть, Казимир Северинович хотел задним числом добрать благонадежности. Или не хотел «включать заднюю» и возвращаться к «презренному жанру», после того как объявил супрематизм вершиной творческой эволюции.
Впрочем, если вы любитель неочевидных трактовок, то вот вам еще одна. Приглядевшись, можно заметить, что силуэты всадников как бы «расчетверяются». Они движутся не тремя группами по четыре, а тремя своеобразными «кавалеристскими каре». Если представить себе, как это выглядит сверху, получатся три красных квадрата на черной плоскости – зашифрованная супрематическая композиция.
Так или иначе, картина была написана уже после того, как роман Малевича с советской властью испустил дух. Возможно, даже после отсидки в «Крестах» по обвинению в шпионаже. Выходит, ключ к единственно верной трактовке все-таки следует искать с обратной стороны холста.
«Скачет красная конница из октябрьской столицы на защиту советской границы» - это можно было принять за чистую монету в 1913-м, когда Малевич работал в издании «Сегодняшний лубок». В 30-е подобное авторское уточнение выглядит совершенно ерническим.
Те же «бравурные» нотки звучат в другом поэтическом произведении Малевича, написанном чуть позднее. «Еду, еду, ду-ду-ду! На резиновом кругу. Ничего, мадам Дуду, едет Казя на кругу» - декламировал в 1934-м смертельно больной Малевич, лежа на резиновой шине от пролежней.
Это был абсолютно бесстрашный человек, заискивать перед властями ему было ни к чему. Разочарование, горький сарказм, ощущение близости финиша – вот стежки тонкой красной линии, которая пронизывает эту беспощадную картину.
#КазимирМалевич #Абстракционизм
@pic_history
"Сад в Мурнау II"
1910 г.
Василий Кандинский
Художественный фонд Мерцбахера, Швейцария.
Становление Кандинского-абстракциониста
В конце 1904 года Кандинский вместе с Габриель Мюнтер отправляется в многолетнее путешествие (по большей части – по европейским странам), которое повлияло на его дальнейшее творчество и определило направление последующих художественных экспериментов художника. Во время своего странствия Кандинский несколько месяцев прожил в Париже (сам город ему не очень нравился, но они задержались там по настоянию Мюнтер), где познакомился с творчеством Сезанна и фовистов. Их яркие и энергичные полотна оказали существенное влияние на палитру и цветовую насыщенность работ, которые художник начинает создавать после возвращения в Германию.
Летом 1909 года Кандинский и Мюнтер отправляются в небольшой городок Мурнау в предгорье Баварских Альп. Эта поездка считается своего рода отправной точкой в становлении Кандинского-абстракциониста.
Картина «Сад в Мурнау» была написана Кандинским как раз в этот период. В город они с Габриель приехали по приглашению давних друзей и коллег художника – Алексея Явленского и Марианны Веревкиной. Большую часть времени они проводили вместе, часто работая на пленэре, так что в этот период Кандинский по большей части пишет пейзажи. Но пейзажи эти уже совсем не похожи на ранние работы художника, в них еще чувствуется влияние импрессионистов, но при этом заметно настроение, которое будет отличать его «импрессии», «импровизации» и «композиции».
Из этих новых пейзажей, написанных в Мурнау, постепенно уходит объем, меняется перспектива. Кандинский начинает использовать более яркие, густые цвета, но накладывает их очень тонким, местами совсем прозрачным слоем. «Сад в Мурнау» наряду с другими работами этого периода наглядно демонстрирует постепенное движение Кандинского в сторону абстракционизма. Здесь еще вполне различимы предметы и объекты, но их контуры уже максимально размыты, а границы зачастую очень условны. О своих пейзажах, написанных в Мурнау, Кандинский позже говорил: «Меня мало интересовали деревья или дома сами по себе. Накладывая на холст цветные линии и пятна, я хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна мне одному».
#ВасилийКандинский #Пейзаж #Абстракционизм
1910 г.
Василий Кандинский
Художественный фонд Мерцбахера, Швейцария.
Становление Кандинского-абстракциониста
В конце 1904 года Кандинский вместе с Габриель Мюнтер отправляется в многолетнее путешествие (по большей части – по европейским странам), которое повлияло на его дальнейшее творчество и определило направление последующих художественных экспериментов художника. Во время своего странствия Кандинский несколько месяцев прожил в Париже (сам город ему не очень нравился, но они задержались там по настоянию Мюнтер), где познакомился с творчеством Сезанна и фовистов. Их яркие и энергичные полотна оказали существенное влияние на палитру и цветовую насыщенность работ, которые художник начинает создавать после возвращения в Германию.
Летом 1909 года Кандинский и Мюнтер отправляются в небольшой городок Мурнау в предгорье Баварских Альп. Эта поездка считается своего рода отправной точкой в становлении Кандинского-абстракциониста.
Картина «Сад в Мурнау» была написана Кандинским как раз в этот период. В город они с Габриель приехали по приглашению давних друзей и коллег художника – Алексея Явленского и Марианны Веревкиной. Большую часть времени они проводили вместе, часто работая на пленэре, так что в этот период Кандинский по большей части пишет пейзажи. Но пейзажи эти уже совсем не похожи на ранние работы художника, в них еще чувствуется влияние импрессионистов, но при этом заметно настроение, которое будет отличать его «импрессии», «импровизации» и «композиции».
Из этих новых пейзажей, написанных в Мурнау, постепенно уходит объем, меняется перспектива. Кандинский начинает использовать более яркие, густые цвета, но накладывает их очень тонким, местами совсем прозрачным слоем. «Сад в Мурнау» наряду с другими работами этого периода наглядно демонстрирует постепенное движение Кандинского в сторону абстракционизма. Здесь еще вполне различимы предметы и объекты, но их контуры уже максимально размыты, а границы зачастую очень условны. О своих пейзажах, написанных в Мурнау, Кандинский позже говорил: «Меня мало интересовали деревья или дома сами по себе. Накладывая на холст цветные линии и пятна, я хотел заставить предметы петь с той силой, что была известна мне одному».
#ВасилийКандинский #Пейзаж #Абстракционизм
"Клавиши фортепиано"
1909 г.
Франтишек Купка
Национальная галерея в Праге.
Картина «Клавиши фортепиано» отображает переход Франтишека Купки от недолго увлечения неоимпрессионизмом в мир абстракции. Абстракционизм Купки чрезвычайно музыкален, критик Валенси определил его как «музыкализм».
Внизу полотна изображены клавиши фортепиано в виде вертикальных линий, которыми Купка показывал состояние единения с высшими материями, вознесения. «Вертикальная линия торжественна, это позвоночник жизни в пространстве, ось любой конструкции», – пояснял художник.
Пальцы касаются устремленных вверх клавиш, из которых рождается целый мир. Кажется, что лодка, озеро, деревья и люди вышли из фортепианного аккорда. Получившийся результат можно описать словами Бориса Пастернака, которому в ранних стихотворениях отлично удавалось соединять поэзию и музыку:
Я клавишей стаю кормил с руки
Под хлопанье крыльев, плеск и гогот.
Чуть раньше литовский художник и композитор Миколоюс Чюрленис тоже активно искал связи между живописью и музыкой и, как и Купка, нередко называл свои картины музыкальными терминами.
Живопись Купки не спонтанна, а глубоко продумана. Он активно использовал идею Ньютона о сопоставлении цветов солнечного спектра и звуков музыкальной октавы, проводя параллели между длиной разноцветных участков спектра и частотой колебаний звуков гаммы. Согласно этой теории, «до» – красный, «ре» – фиолетовый, «ми» – синий и так далее. Кстати сам Ньютон это открытие считал совершенно бесполезным и праздным. Но Купка такого отношения не разделял (у него даже есть абстрактная картина «Диски Ньютона») и при написании «Клавиш фортепиано» явно обращался к идее Ньютона. Из черно-белых клавиш рождаются не просто мир, но мир, облаченный во все цвета спектра, вернее, созданный из этих цветов.
#ФрантишекКупка #Абстракционизм
1909 г.
Франтишек Купка
Национальная галерея в Праге.
Картина «Клавиши фортепиано» отображает переход Франтишека Купки от недолго увлечения неоимпрессионизмом в мир абстракции. Абстракционизм Купки чрезвычайно музыкален, критик Валенси определил его как «музыкализм».
Внизу полотна изображены клавиши фортепиано в виде вертикальных линий, которыми Купка показывал состояние единения с высшими материями, вознесения. «Вертикальная линия торжественна, это позвоночник жизни в пространстве, ось любой конструкции», – пояснял художник.
Пальцы касаются устремленных вверх клавиш, из которых рождается целый мир. Кажется, что лодка, озеро, деревья и люди вышли из фортепианного аккорда. Получившийся результат можно описать словами Бориса Пастернака, которому в ранних стихотворениях отлично удавалось соединять поэзию и музыку:
Я клавишей стаю кормил с руки
Под хлопанье крыльев, плеск и гогот.
Чуть раньше литовский художник и композитор Миколоюс Чюрленис тоже активно искал связи между живописью и музыкой и, как и Купка, нередко называл свои картины музыкальными терминами.
Живопись Купки не спонтанна, а глубоко продумана. Он активно использовал идею Ньютона о сопоставлении цветов солнечного спектра и звуков музыкальной октавы, проводя параллели между длиной разноцветных участков спектра и частотой колебаний звуков гаммы. Согласно этой теории, «до» – красный, «ре» – фиолетовый, «ми» – синий и так далее. Кстати сам Ньютон это открытие считал совершенно бесполезным и праздным. Но Купка такого отношения не разделял (у него даже есть абстрактная картина «Диски Ньютона») и при написании «Клавиш фортепиано» явно обращался к идее Ньютона. Из черно-белых клавиш рождаются не просто мир, но мир, облаченный во все цвета спектра, вернее, созданный из этих цветов.
#ФрантишекКупка #Абстракционизм
"Голова крестьянина"
1929 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
В начале 1920-х годов Казимир Малевич сосредотачивается на том, чтобы нести идеи супрематизма в массы, после 1923 года почти полностью прекращая писать картины (но не статьи, трактаты и манифесты). Художник преподает в Витебске, Ленинграде и некоторое время – в Киеве. На протяжении всего этого времени отношения Казимира Севериновича с официальными властями продолжали ухудшаться. Его смещали с должностей, увольняли под разными предлогами и арестовывали. Едва успев добиться известности и признания, Малевич снова оказался в оппозиции к официальному курсу, которому были вынуждены следовать его коллеги, вовремя не переехавшие в Европу. При этом художник оставался, без преувеличения, культовой личностью. Студенты и поклонники его творчества безоговорочно принимали каждое его слово, и, если бы Малевичу взбрело в голову, скажем, устроить перформанс с массовым самоубийством, последователей у него наверняка нашлось бы немало.
В конце концов, Казимира Севериновича лишили возможности преподавать в принципе, и тогда, поняв, что с вездесущим соцреализмом ему точно не по пути, он снова берется за краски – без оглядки на кого бы то ни было. В одном из писем того периода Малевич пишет: «Я подумываю о возвращении к живописи с целью писать символические картины. Я хочу создать образ, который был бы действенным». Начиная с 1929 года, он создает новую серию полотен, героями которых становятся крестьяне. По привычке перекраивая собственную биографию, в том числе и творческую, некоторые из этих картин Малевич датирует 1910-ми годами. Более поздний анализ, однако, позволил определить, что эти работы были написаны в начале 30-х. К этому же периоду относится и одна из самых известных картин художника – «Голова крестьянина».
Нового крестьянина Малевича едва ли можно назвать счастливым или умиротворенным. Его судьба незавидна и горька, как и судьба великого множества деревенских жителей в те годы. За спиной героя картины видны силуэты сельских построек, над которыми кружат птицы, а с другой стороны полотна к ним неумолимо приближаются самолеты, как некие предвестники опасности. Ощущение тоски и безысходности подчеркивается скорбным выражением глаз крестьянина, отсылающим нас к иконописным традициям (как и вся композиция полотна). Кроме того, Малевич будто бы лишает своего героя голоса, закрывая его рот бородой, как непроницаемой повязкой. В будущих картинах художник начнет и вовсе обезличивать своих крестьян, оставляя на месте их лиц пустые овалы.
#КазимирМалевич #Портрет #Абстракционизм
@pic_history
1929 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
В начале 1920-х годов Казимир Малевич сосредотачивается на том, чтобы нести идеи супрематизма в массы, после 1923 года почти полностью прекращая писать картины (но не статьи, трактаты и манифесты). Художник преподает в Витебске, Ленинграде и некоторое время – в Киеве. На протяжении всего этого времени отношения Казимира Севериновича с официальными властями продолжали ухудшаться. Его смещали с должностей, увольняли под разными предлогами и арестовывали. Едва успев добиться известности и признания, Малевич снова оказался в оппозиции к официальному курсу, которому были вынуждены следовать его коллеги, вовремя не переехавшие в Европу. При этом художник оставался, без преувеличения, культовой личностью. Студенты и поклонники его творчества безоговорочно принимали каждое его слово, и, если бы Малевичу взбрело в голову, скажем, устроить перформанс с массовым самоубийством, последователей у него наверняка нашлось бы немало.
В конце концов, Казимира Севериновича лишили возможности преподавать в принципе, и тогда, поняв, что с вездесущим соцреализмом ему точно не по пути, он снова берется за краски – без оглядки на кого бы то ни было. В одном из писем того периода Малевич пишет: «Я подумываю о возвращении к живописи с целью писать символические картины. Я хочу создать образ, который был бы действенным». Начиная с 1929 года, он создает новую серию полотен, героями которых становятся крестьяне. По привычке перекраивая собственную биографию, в том числе и творческую, некоторые из этих картин Малевич датирует 1910-ми годами. Более поздний анализ, однако, позволил определить, что эти работы были написаны в начале 30-х. К этому же периоду относится и одна из самых известных картин художника – «Голова крестьянина».
Нового крестьянина Малевича едва ли можно назвать счастливым или умиротворенным. Его судьба незавидна и горька, как и судьба великого множества деревенских жителей в те годы. За спиной героя картины видны силуэты сельских построек, над которыми кружат птицы, а с другой стороны полотна к ним неумолимо приближаются самолеты, как некие предвестники опасности. Ощущение тоски и безысходности подчеркивается скорбным выражением глаз крестьянина, отсылающим нас к иконописным традициям (как и вся композиция полотна). Кроме того, Малевич будто бы лишает своего героя голоса, закрывая его рот бородой, как непроницаемой повязкой. В будущих картинах художник начнет и вовсе обезличивать своих крестьян, оставляя на месте их лиц пустые овалы.
#КазимирМалевич #Портрет #Абстракционизм
@pic_history
Telegram
История одной картины
"Два крестьянина на фоне полей"
1930 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
1930 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей.
Композицию каждой работы Кандинский стремится выстроить так, чтобы зритель мог «войти» внутрь картины и вращаться в ней. Он утяжеляет нижний край композиции, тем самым выдвигая его вперед, а верхнюю часть, наоборот, облегчает, отдаляя ее от зрителя. За счет одного из главных контрастов Кандинского – между синим и желтым цветами – в центре композиции создается зона активного движения вглубь и вовне.
Кандинский потратил много месяцев на подготовку к написанию «Композиции VII», но создание самой картины заняло у него всего четыре дня. Художник сделал около 30 эскизов к полотну. Некоторые из них напоминают детализированные наброски к картинам Караваджо или Леонардо да Винчи, изображающие складки ткани, листву деревьев или человеческие конечности. На некоторых из раза в раз повторяется одна и та же изогнутая линия, на других схематически изображены основные структурные элементы композиции, третьи содержат детальный план создания полотна. Кроме того, существует около 15 различных изображений, связанных с «Композицией VII»: это наброски маслом, карандашные эскизы, акварели, рисунки на стекле и гравюры.
Габриель Мюнтер, которая была свидетельницей создания полотна, 25 ноября 1913 года сделала в своем дневнике запись о том, что в их дом в Мурнау доставили холст для «Композиции VII», и Кандинский тем же вечером приступил к работе. Следующим утром она сделала первую фотографию картины, а после обеда – вторую. Запись в дневнике Мюнтер от 28 ноября гласит, что картина завершена. Утром 29 ноября она сфотографировала готовую работу. Так было зафиксировано рождение великого шедевра.
@pic_history
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
Кандинский потратил много месяцев на подготовку к написанию «Композиции VII», но создание самой картины заняло у него всего четыре дня. Художник сделал около 30 эскизов к полотну. Некоторые из них напоминают детализированные наброски к картинам Караваджо или Леонардо да Винчи, изображающие складки ткани, листву деревьев или человеческие конечности. На некоторых из раза в раз повторяется одна и та же изогнутая линия, на других схематически изображены основные структурные элементы композиции, третьи содержат детальный план создания полотна. Кроме того, существует около 15 различных изображений, связанных с «Композицией VII»: это наброски маслом, карандашные эскизы, акварели, рисунки на стекле и гравюры.
Габриель Мюнтер, которая была свидетельницей создания полотна, 25 ноября 1913 года сделала в своем дневнике запись о том, что в их дом в Мурнау доставили холст для «Композиции VII», и Кандинский тем же вечером приступил к работе. Следующим утром она сделала первую фотографию картины, а после обеда – вторую. Запись в дневнике Мюнтер от 28 ноября гласит, что картина завершена. Утром 29 ноября она сфотографировала готовую работу. Так было зафиксировано рождение великого шедевра.
@pic_history
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
Чтобы натянуть холст нужного размера, Поллоку пришлось разрушить стену между двумя комнатами. Пегги дала ему полную свободу и в сюжете полотна, и в технике, и в материалах. И долгие недели художник просто сидел в студии, уставившись на «огромный, но чертовски захватывающий» чистый холст, не имея ни малейшего понятия о том, что на нем изобразить.
Время поджимало, Гуггенхайм начала давить на Поллока, требуя выполнить заказ. И, наконец, «Фреска» заняла свое место в доме галеристки. По словам художника, его вдохновило внезапное видение: «Это было бегство всех животных Американского Запада: коров и лошадей, антилоп и быков».
Существует легенда, согласно которой Поллок написал это полотно всего лишь за одну ночь. Однако недавний анализ картины показал, что она создавалась не одну неделю, поскольку некоторые слои краски были уже высохшими, когда наносились новые (а в случае с масляными красками этот процесс занимает довольно много времени).
Марсель Дюшан рассказывал, что готовое полотно, доставленное Поллоком в особняк Гуггенхайм, оказалось слишком большим, и его пришлось подрезать, чтобы оно поместилось на стену. Однако многочисленные исследования и экспертизы, которым подвергалась «Фреска» на протяжении своего существования, не нашли этому никакого подтверждения.
@pic_history
#ДжексонПоллок #Абстракционизм
Время поджимало, Гуггенхайм начала давить на Поллока, требуя выполнить заказ. И, наконец, «Фреска» заняла свое место в доме галеристки. По словам художника, его вдохновило внезапное видение: «Это было бегство всех животных Американского Запада: коров и лошадей, антилоп и быков».
Существует легенда, согласно которой Поллок написал это полотно всего лишь за одну ночь. Однако недавний анализ картины показал, что она создавалась не одну неделю, поскольку некоторые слои краски были уже высохшими, когда наносились новые (а в случае с масляными красками этот процесс занимает довольно много времени).
Марсель Дюшан рассказывал, что готовое полотно, доставленное Поллоком в особняк Гуггенхайм, оказалось слишком большим, и его пришлось подрезать, чтобы оно поместилось на стену. Однако многочисленные исследования и экспертизы, которым подвергалась «Фреска» на протяжении своего существования, не нашли этому никакого подтверждения.
@pic_history
#ДжексонПоллок #Абстракционизм
Летом 1909 года Василий Кандинский и Габриель Мюнтер по приглашению коллег приехали в Мурнау, небольшой городок в предгорье Баварских Альп. Именно в этом месте, как считается, началось движение Кандинского в сторону абстракционизма. В работах этого периода можно увидеть вполне узнаваемые формы и объекты, но они постепенно лишаются объема, художник меняет перспективу и размывает границы. "Импровизация №20" - одна из последних картин Кандинского, в которых еще можно различить контуры и формы реальных, хоть и искаженных, объектов. Дальше придет время чистой абстракции.
Для Кандинского живопись была неотделима от музыки. До сих пор точно не известно, была ли у художника синестезия, эксперты не могут прийти к единому мнению на этот счет. Однако современники Кандинского, как и он сам, утверждали, что он в самом деле "слышал" цвета и "видел" звуки. Не случайно свои абстрактные работы художник называл "импровизациями" и "композициями", словами, которые принято было применять к музыкальным произведениям.
Кандинский говорил: "Цвет - это клавиш, глаз - молоточек, душа - многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу". И удивительным образом при взгляде на "Импровизацию №20", в которой ощущение стремительного движения создается лишь с помощью ярких цветовых пятен и черных контуров, зритель невольно начинает слышать целый оркестр.
@pic_history
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
Для Кандинского живопись была неотделима от музыки. До сих пор точно не известно, была ли у художника синестезия, эксперты не могут прийти к единому мнению на этот счет. Однако современники Кандинского, как и он сам, утверждали, что он в самом деле "слышал" цвета и "видел" звуки. Не случайно свои абстрактные работы художник называл "импровизациями" и "композициями", словами, которые принято было применять к музыкальным произведениям.
Кандинский говорил: "Цвет - это клавиш, глаз - молоточек, душа - многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу". И удивительным образом при взгляде на "Импровизацию №20", в которой ощущение стремительного движения создается лишь с помощью ярких цветовых пятен и черных контуров, зритель невольно начинает слышать целый оркестр.
@pic_history
#ВасилийКандинский #Абстракционизм