История одной картины
52.6K subscribers
6.88K photos
34 videos
3 files
1.52K links
У каждой картины есть своя история...

Все вопросы — @nikfr0st
Менеджер — @yuliyapic

Реклама на бирже: https://telega.in/c/pic_history

Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history
Download Telegram
"Танец"
1906 г.

Андре Дерен
Частная коллекция.

«Танец» Дерена – одна из самых загадочных его картин. Это расцвет фовистического периода художника. Он уже прочувствовал мощь цвета, дал себе волю в колристических экспериментах.

Матисс через четыре года напишет свой знаменитый «Танец» для Щукина. И, пожалуй, картина Дерена могла стать одним из факторов, вдохновивших мэтра, создавшего кружение алых, пылающих тел на двухцветном фоне. Самого же Дерена очевидно вдохновили колористические поиски Матисса, таитянки Гогена и экзотические мотивы Руссо.

Написанная Дереном в том же году акварель «Вакхический танец», возможно, была подготовительным этапом к созданию этого полотна. Но в акварели есть еще один полноценный участник композиции – белый. Белыми оставлены сидящие фигуры, над ними танцует алая женщина.

Буйство цвета на картине Андре Дерена «Танец» обеспечивает особую экспрессивность. Изображение двухмерное, танец фигур кажется шаманской пляской. Основные цвета: красный, синий, желтый и зеленый резко контрастируют друг с другом, создавая пресловутое ощущение «дикости» и подтверждая безусловную принадлежность картины к фовизму.

Фигура слева, расцвеченная волнистыми линиями, ритмически перекликается с деревом на заднем плане справа, написанном подобными линиями. Птица усиливает ощущение стихийности происходящего, она кажется одним из танцоров. В следующий миг все взлетят? Или птица присоединиться к пляшущим на земле? Здесь возможно всё что угодно. Зеленый змей в ногах танцоров вызывает библейские аналогии. Искушение? Предстоит изгнание? Пляска напоследок или напротив, празднование райского блаженства, которому искушения пока неведомы? И, кстати, что за одинокая фигура в верхнем правом углу? Как она связана с танцующими? Желтые плоды на зеленом дереве над ней – не те ли самые плоды познания?
Вопросов больше, чем ответов, и «правильный» ответ в любом случае неизвестен. Впрочем, среди исследователей встречается и такое мнение, что многие живописцы после «открывшего Таити» Поля Гогена обратились к экзотическим темам как к благодатной почве для изображения идиллической свободы и спонтанности, поэтому иные композиции могут и не нести в себе потаенный смысл, а быть условными изображением дальних стран, в которых неистово танцуют обнаженные свободные от условностей женщины в окружении невиданных растений, птиц и зверей.

#АндреДерен #ЖанроваяCцена #Фовизм
"Арлекин и Пьеро"
1924 г.
Андре Дерен
Музей Оранжери, Париж.

В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой.

Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда.

Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны.

Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело.

Эта метафора применима и к художникам.

Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими.

#АндреДерен #Неоклассицизм

@pic_history
"Стол и стулья"
1912 г.
Андре Дерен
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

«Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен.

В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения.

Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов.

Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты.

Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину.

После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью».

#АндреДерен #Натюрморт #Кубизм

@pic_history
"Субботний день"
1914 г.
Андре Дерен
ГМИИ имени А. С. Пушкина.

Кажется, что в эту комнату, изображенную Андре Дереном чуть ли не в натуральную величину, зритель мог бы войти – а возможно, он уже в ней, рядом с тремя женщинами. Хозяйка с резкими чертами лица что-то говорит служанке, оторвавшись от книги, страницы которой заложила пальцем, а девушка с рукоделием сосредоточена на своей тонкой работе. Каждая могла бы стать отдельным портретом.

У них узкие длинные фигуры с вытянутыми шеями, головы чуть повернуты и наклонены, жесты тонких пальцев многозначительны, а складки на одежде заложены туго и тщательно – да и все остальные драпировки тоже. Сумрачный колорит, простота обстановки с автономным натюрмортом на столе и лаконичный пейзаж за окном дополняют сходство со средневековой живописью. Это впечатление подтверждается тем, что тумбочка слева, стол и камин нарисованы в обратной перспективе.

Дерен написал это панно в годы пристального внимания к готическому искусству и африканской деревянной скульптуре, оттого фигуры женщин напоминают статуи, а их лица – четкий рельеф экспрессивных масок.

В то же время войти в этот мир не так-то легко. И не только из-за того, что он парадоксально сочетает архаику с модерном и многослойную тесноту с ощущением отстраненности, если не одиночества. Странность этого мира нежна и хрупка, почти божественна. Он убран, чист, украшен цветами. Дыхание в нем как будто замедляется. Считают, что название «Субботний день» дал картине Андре Дерена поэт Гийом Аполлинер. Суббота – день отдыха, и служанка, задумавшись о чём-то своём, смотрит с теплотой. А взгляд зрителя в конце концов уходит из этой комнаты вправо – туда, где обсаженная деревьям аллея увлекает к далекому горизонту.

#АндреДерен #Фовизм

@pic_history
"Старый город в Кань"
1910 г.
Андре Дерен
ГМИИ имени А. С. Пушкина.

Андре Дерен был неутомимым экспериментатором и постоянно находился в поиске, не задерживаясь в каком-либо из стилей слишком долго. Импрессионизм, фовизм, неоклассика, готические мотивы – всего лишь неполный перечень его исканий. Картина «Старый город в Кань» создана во время недолгого увлечения Дерена кубизмом.

Всего несколько месяцев спустя после того, как на осеннем Салоне 1905 года художник в компании с Матиссом и Вламинком неожиданно становится основателем нового течения - фовизма – он сближается с Пикассо на почве увлечения Сезанном. Уже в 1908 году в его творчестве начинают проявляться черты кубизма, а последующие пару лет Дерен работает на пленэрах вместе с Браком и Пикассо.

Кубизм привлекал его в раннем, «сезанновском» воплощении. В это время буйная фовистская палитра Дерена значительно приглушается, объекты на картинах становятся объемными, структурированными, начинает проявляться четкая геометрия и специфическая обратная перспектива. Его любимой палитрой в эти годы становятся все оттенки коричневого и охры в сочетании с темными тонами синего и зеленого.

Небольшой городок Кань-сюр-Мер, расположенный на Юге-Востоке Франции в живописнейшем регионе Прованс – Альпы – Лазурный берег, пользовался большой популярностью у многих известных художников. Здесь жили и работали Огюст Ренуар, Амедео Модильяни, Виктор Вазарели, Хаим Сутин, Ив Кляйн, Моисей Кислинг и другие. Предгорье Альп на севере, средневековый замок Гримальди в старом городе, Средиземное море на юге – художникам было на что положить глаз.

Дерена привлек Верхний Кань – историческая часть города, возвышающаяся на холме ближе к Альпам. Старинные здания с остроконечными крышами, теснящиеся на средневековых улочках в окружении вечнозеленой листвы, идеально вписались в его излюбленную цветовую гамму. Типично кубистские объемы, характерная светотень и акцент на рукотворных объектах делает «Старый город в Кань» похожим на натюрморт в духе Сезанна.

Но Дерен не был бы самим собой, если бы остался в рамках одного стиля и не привнес в него посторонних веяний. На память от эпохи фовизма ему остался блестящий дар колориста, а из наследия старых мастеров, которых художник очень ценил и тщательно изучал, он перенял лаконичность формы и сдержанность палитры.

Его роман с кубизмом закончился так же стремительно, как и начался. Пока Пикассо и Брак все глубже погружались в его дебри, разбирая предметы на молекулы и складывая их на картинах в произвольном порядке, Дерен посчитал кубизм тупиковой ветвью эволюции живописи. Его разочарование было настолько велико, что он собственноручно сжег почти все картины этого периода и никогда больше к нему не возвращался.

#АндреДерен #Кубизм

@pic_history
"Просушка парусов"
1905 г.
Андре Дерен
ГМИИ имени А. С. Пушкина.

Дерен привез из портового городка Коллиура, куда Матисс пригласил его и Синьяка поработать, серию морских пейзажей. Как резко отличается прямая яркая освещенность средиземноморского побережья от густого переплетения теней на заросшем садами острове Шату-ле-Сен! Свет так бел, так интенсивен, что все цветное видится блеклым, а тень – легкой, прозрачной, подчас даже окрашенной.

Прежде живописцы работали в мастерских у северного окна, где мягкий свет в течение дня не слишком меняется. Выйдя на пленэр, они смогли оценить дары, которыми щедро осыпают колориста раннее утро, туман, рябь на воде… Но только не полдень, с его резкими тенями, «крадущий» цвет у всего цветного. И тем более не полдень на берегу моря, в котором ослепительный субтропический свет удваивается.

Но смелый художник видит в этом пронизывающем все пространство свете праматерию. Из нее словно рождаются все объекты – горы, песок, стены, люди, лодки, море. Такой изначальной материей на коллиурских картинах Дерена служат просветы загрунтованного холста, не тронутого кистью художника. Зато цвет работает не только как цвет, но одновременно и как способ передать тень.

Оттого цветные мазки Дерен кладет то крапинами, то цельными линиями и контурными обводками, то крупными пятнами, свободно внедряя зеленый в гущу оранжевого, красный – между разными синими. Предоставленное первородному свету и цвету пространство на плоской картине гибко и упруго – вот-вот спружинит и взломает раму. Цвет не мог диктовать композиционных решений, пока так не сделал Дерен, а Матисс, который продолжал делить цвет на оттенки, тут же перенял у младшего коллеги эту новую технику.

«Просушка парусов» экспонировалась на Осеннем салоне 1905 года в Париже и стала эталоном нового движения в искусстве - фовизма. Оно не было задекларированным (Матисс и его соратники не любили теоретизировать), а сложилось из родственных стилей нескольких живописцев, которых роднили творческие устремления. Посмотрев их картины, критик Луи Воксель перешел к бронзовой детской головке работы скульптора Марка и воскликнул: «Донателло среди диких зверей!». После чего кличка «дикие», les fauves, объединила тех обитателей мастерских на Монмартре и Кур-ла-Рэн, для кого экспрессия была связана с «чистыми средствами» живописи: линией, формой и прежде всего – цветом как он есть.

#АндреДерен #Пейзаж #Фовизм

@pic_history
"Портрет Матисса"
1905 г.
Андре Дерен
Тейт Британия, Лондон.

Дерен написал портрет Анри Матисса, а Матисс написал портрет Андре Дерена. Всё это произошло в предшествующее рождению фовизма лето 1905 года. Дерен по приглашению старшего товарища гостил у Матиссов в Коллиуре – маленьком рыбацком городке на побережье Средиземного моря. В разговорах, в работе, в неистовстве природы и цвета рождалось «искусство диких».

Под чутким руководством Матисса Дерен открывал мир цвета и был настолько вдохновлён перспективами, что называл все свои прошлые опыты смешными. Матисс на этом портрете кажется не написанным, он словно вылеплен цветом, словно Дерен ваял его лицо и фон красками. Плотные, густые теплые оранжевые, сине-зеленые и розовые пятна формирует лицо художника. Контраст освещенной яркой стороны лица и затененной сине-зеленой придает образу монументальность. Черные и коричневые плотно положенные мазки создают волосы и бороду, рубашка написана прохладными синим и голубым цветами. Трубка – полоска яркого кармина, фон – широкие желто-зеленые мазки. На портрете почти нет линий – разве что ухо и плечо справа слегка очерчены контуром, прочее создано исключительно цветом.

На глазах Матисса очки, тонкие дужки заметны на висках. Взгляд его спокойный, углубленный в себя. Трубка и очки – своеобразные символы особого положения Матисса, его статуса мэтра среди более молодых соратников по фовизму.

Матисс занимает всё пространство портрета, макушка даже частично срезана, что символизирует масштаб фигуры не в смысле ее физических размеров. Поместить изображаемого на холст Дерену вполне по силам, но Матисс выходит за пределы холста.

«Портрет Матисса» реалистическим уж точно не назовешь. Но удивительное дело – не узнать на нем маэстро невозможно.

#АндреДерен #Портрет #Фовизм

@pic_history
«Танец» Дерена – одна из самых загадочных его картин. Это расцвет фовистического периода художника. Он уже прочувствовал мощь цвета, дал себе волю в колористических экспериментах.

Матисс через четыре года напишет свой знаменитый «Танец» для Щукина. И, пожалуй, картина Дерена могла стать одним из факторов, вдохновивших мэтра, создавшего кружение алых, пылающих тел на двухцветном фоне. Самого же Дерена очевидно вдохновили колористические поиски Матисса, таитянки Гогена и экзотические мотивы Руссо.

Написанная Дереном в том же году акварель «Вакхический танец», возможно, была подготовительным этапом к созданию этого полотна. Но в акварели есть еще один полноценный участник композиции – белый. Белыми оставлены сидящие фигуры, над ними танцует алая женщина.

Буйство цвета на картине Андре Дерена «Танец» обеспечивает особую экспрессивность. Изображение двухмерное, танец фигур кажется шаманской пляской. Основные цвета: красный, синий, желтый и зеленый резко контрастируют друг с другом, создавая пресловутое ощущение «дикости» и подтверждая безусловную принадлежность картины к фовизму.

Фигура слева, расцвеченная волнистыми линиями, ритмически перекликается с деревом на заднем плане справа, написанном подобными линиями. Птица усиливает ощущение стихийности происходящего, она кажется одним из танцоров. В следующий миг все взлетят? Или птица присоединиться к пляшущим на земле? Здесь возможно всё что угодно. Зеленый змей в ногах танцоров вызывает библейские аналогии. Искушение? Предстоит изгнание? Пляска напоследок или напротив, празднование райского блаженства, которому искушения пока неведомы? И, кстати, что за одинокая фигура в верхнем правом углу? Как она связана с танцующими? Желтые плоды на зеленом дереве над ней – не те ли самые плоды познания?
Вопросов больше, чем ответов, и «правильный» ответ в любом случае неизвестен. Впрочем, среди исследователей встречается и такое мнение, что многие живописцы после «открывшего Таити» Поля Гогена обратились к экзотическим темам как к благодатной почве для изображения идиллической свободы и спонтанности, поэтому иные композиции могут и не нести в себе потаенный смысл, а быть условными изображением дальних стран, в которых неистово танцуют обнаженные свободные от условностей женщины в окружении невиданных растений, птиц и зверей.

#АндреДерен #Фовизм

@pic_history
Картина «Гавань в Провансе» написана в период увлечение Дерена кубизмом. Весьма заметны в ней и отголоски примитивизма: отсутствие перспективы, не соотнесенность масштабов: огромное дерево на переднем плане, тщательно прорисованные травинки. Невероятно большие с точки зрения классической перспективы деревья на дальней белой горе и крошечные облака над горой. Подобным образом писал Анри Руссо.

Цвет нанесен четко и плотно, пуантилизм остался в далеком прошлом. Плоскости плотного локального цвета заполняют геометрические формы. Темные деревья и насыщенного теплого цвета почва контрастируют со светлыми домами, прохладной голубизной воды и синевой неба. Общее настроение картины было бы светлым, если бы не слишком темное, с практически черной листвой переднее дерево. За счет него возникает ощущение внутренней напряженности.

С картиной Дерена перекликается «лирический кубизм» русского художника Роберта Фалька. Интересна позиция, с которой мы видим картину – высокая точка, провал пространства, дальний план, на котором можно рассмотреть мельчайшие детали. Подобное Дерен делал в пейзажах с мостами. Впрочем, приём этот отнюдь не был новшеством, он встречается еще в работах Брейгеля.

Дерен подобным образом написал и открытое окно, мотив которого безусловно навеян Матиссом – у мэтра он был одним из любимейших. Можно уйти из фовизма, но близкое общение с Матиссом не проходит бесследно.

#АндреДерен #Фовизм

@pic_history
Дерен изобразил северный берег Темзы и поворот к Вестминстеру. В центре композиции сине-зеленая дорога, устремленная к повороту. Именно она соединяет воедино цветовое буйство картины. Дорогу окаймляет розовый тротуар, ограниченный синими стенами. За счет сужения дороги вплоть до полного исчезновения создается перспектива и ощущение удаленности, хотя фактически изображение остается двухмерным. Сама Темза слева желтая, и желтое с розовым небо за зданиями на заднем плане. Здания, как и река справа, синего цвета. В строениях на дальнем берегу, присмотревшись, мы можем узнать Биг Бэн и здание британского Парламента. Интенсивные цвета на переднем плане контрастируют с бледным, практически пастельным задним планом.

Желтый цвет художник наносил по технике пуантилизма. Он вообще любил таким образом работать именно с солнечным желтым и еще с синим цветом. Например, в еще одном изображении моста Чарринг-кросс вода в Темзе снова желто-синяя. И еще пример. А на сияющем «Мосту Ватерлоо» с неба буквально льются потоки солнечного света, изображенные всё в той же пуантилистически-фовистской технике Дерена.

Отправляя Дерена в Лондон, Амбруаз Воллар надеялся, что «дикий» художник в своей манере повторит успех Клода Моне. В 1904 году в Париже состоялась выставка Моне, на которой были показаны 37 его лондонских картин. Моне писал и Чарринг-Кросс, И мост Варерлоо. Впрочем, эта история начинается не с Моне. Безусловно, на импрессиониста повлияли лондонские виды Тёрнера, чего стоит легендарный «Пожар в здании парламента». Тёрнер же, в свою очередь, несмотря на всю его самобытность, тоже не на пустом месте появился, ему предшествовали британские пейзажи кисти Каналетто. Его «Вестминстерское аббатство» и «Берег Темзы» чрезмерно четкие и выверенные, чтобы говорить о прямых заимствованиях со стороны импрессионистов или Дерена, но не эти ли солнечные лучи заложили основу для тех, кто пришел с мольбертом к Темзе позже?

@pic_history

#АндреДерен
Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда.

Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны.

Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело.

Эта метафора применима и к художникам.

Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими.

@pic_history

#АндреДерен #Неоклассицизм
В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения.

Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов.

Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты.

Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину.

После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью».

@pic_history

#АндреДерен #Натюрморт #Кубизм