🤍 Нам только дай повод порассуждать о современном искусстве!
По случаю запуска нового лекционного цикла Ф.А. Кострица об актуальном искусстве, открываем новую рубрику, которая будет посвящена Музею Людвига в Русском музее. Герой первого выпуска - Роберт Раушенберг.
👨🏻🎨 Роберт Руашенберг — американский художник, известный тем, что переосмыслял и объединял в своих работах разные виды искусства (рисование и скульптуру, живопись и фотографию), создавал работы из обычных вещей (банка колы, куски картона и так далее). Последователь традиции Дюшана и других радикальных классиков модернизма. Работал в стилях поп-арт, нео-дадаизм и абстрактный экспрессионизм.
🎙 Художник говорил: «Я действительно жалею людей, которые полагают, что вещи типа тарелок, зеркал или бутылок Кока-Колы уродливы, потому что подобными вещами они окружены весь день, и это, должно быть, удручает их.»
🔬 Композиция «Турецкие бани (по Энгру)» строится на сопоставлении фотографий, снятых с обыденных предметов, фрагментированной черно-белой репродукции с картины Ж. Д. Энгра «Турецкие бани» (1862-1863, Лувр, Париж), а также фотографии фрагмента инсталляции «Один и три стула» Йозефа Кошута. Провоцирующее сочетание классической картины с концептуальной композицией и с повседневной утварью – типичный пример позднего поп-арта.
Выбор Энгра не случаен для Раушенберга: он восхищался французским художником и постоянно цитировал его произведения в своих работах, так же, как и концептуалиста Кошута. Получается, что оба цитируемых художника имеют одинаковую ценность, ведь и живописные шедевры старых мастеров, и современное искусство, и бытовые предметы происходят из мира репродукций, а значит, они равны.
🏛Вы можете сами увидеть эту работу в Петербурге на постоянной экспозиции Музея Людвига в Мраморном дворце (Миллионная улица, 5А, второй этаж) и сравнить её работами других художников направления «поп-арт»!
▫️Р. Раушенберг. Турецкие бани бани (по Энгру). Коллаж, Шелкография, Белила, Трафаретная печать. 1967. Музей Людвига в Русском музее.
▫️Й. Кошут. Один и три стула. 1965. Колледж Марселя Паньоля.
▫️Ж.О.Д. Энгр. Турецкая баня. Холст на дереве, масло. 1862 Лувр.
#историяоднойкартины #музейлюдвигаврусскоммузее
По случаю запуска нового лекционного цикла Ф.А. Кострица об актуальном искусстве, открываем новую рубрику, которая будет посвящена Музею Людвига в Русском музее. Герой первого выпуска - Роберт Раушенберг.
👨🏻🎨 Роберт Руашенберг — американский художник, известный тем, что переосмыслял и объединял в своих работах разные виды искусства (рисование и скульптуру, живопись и фотографию), создавал работы из обычных вещей (банка колы, куски картона и так далее). Последователь традиции Дюшана и других радикальных классиков модернизма. Работал в стилях поп-арт, нео-дадаизм и абстрактный экспрессионизм.
🎙 Художник говорил: «Я действительно жалею людей, которые полагают, что вещи типа тарелок, зеркал или бутылок Кока-Колы уродливы, потому что подобными вещами они окружены весь день, и это, должно быть, удручает их.»
🔬 Композиция «Турецкие бани (по Энгру)» строится на сопоставлении фотографий, снятых с обыденных предметов, фрагментированной черно-белой репродукции с картины Ж. Д. Энгра «Турецкие бани» (1862-1863, Лувр, Париж), а также фотографии фрагмента инсталляции «Один и три стула» Йозефа Кошута. Провоцирующее сочетание классической картины с концептуальной композицией и с повседневной утварью – типичный пример позднего поп-арта.
Выбор Энгра не случаен для Раушенберга: он восхищался французским художником и постоянно цитировал его произведения в своих работах, так же, как и концептуалиста Кошута. Получается, что оба цитируемых художника имеют одинаковую ценность, ведь и живописные шедевры старых мастеров, и современное искусство, и бытовые предметы происходят из мира репродукций, а значит, они равны.
🏛Вы можете сами увидеть эту работу в Петербурге на постоянной экспозиции Музея Людвига в Мраморном дворце (Миллионная улица, 5А, второй этаж) и сравнить её работами других художников направления «поп-арт»!
▫️Р. Раушенберг. Турецкие бани бани (по Энгру). Коллаж, Шелкография, Белила, Трафаретная печать. 1967. Музей Людвига в Русском музее.
▫️Й. Кошут. Один и три стула. 1965. Колледж Марселя Паньоля.
▫️Ж.О.Д. Энгр. Турецкая баня. Холст на дереве, масло. 1862 Лувр.
#историяоднойкартины #музейлюдвигаврусскоммузее
Пикассо в Русском музее.
Вы видели в Музее Людвига в Русском музее картину Пикассо? Пикассо - один из самых популярных художников ХХ века, оказавший исключительное влияние на культуру и искусство новейшего времени. Живописец, график, скульптор, керамист, художник театра. Творчество Пикассо прошло путь от горькой поэзии «голубого» периода до лирических миражей «розового», от суровых кубистических построений к созданию тончайших фигуративных рисунков. Его «Герника» стала одной из наиболее значительных картин XX века, выразившей трагедию войны новым пластическим языком. Ни один другой художник ХХ столетия не сконцентрировал в своем искусстве с такой удивительной полнотой лики и личины новейшей культуры, ее великие триумфы и мистификации, ее находки и заблуждения, мучительные споры, циничные игры и парадоксальную человечность.
На постоянной экспозиции Музея Людвига в Мраморном дворце можно увидеть картину Пикассо «Большие головы» (1969 Холст, масло. 194,5 х 129). Это картина позднего периода творчества художника. В ней возник синтез многолетних исканий, образ взломанного сознания и растерзанного мира. Слова Пикассо о том, что он пишет не то, что видит, а то, что мыслит, перед этим полотном не кажутся просто метафорой. Здесь отчетливо прочитываются вариации мотивов из прежних периодов его искусства. Многое напоминает о начале творческого пути: «кубистический» взгляд — соединение нескольких точек зрения, жесткий декоративный эффект, ломкость линий, сочетание закругленных и угловатых форм. Одновременно использованы пластические находки конца 1930-х (известная картина «Плачущая женщина», 1937), равно как и приемы 1950-х.
#музейлюдвигаврусскоммузее #историяодногошедевра #современноеискусствоврусскоммузее
Вы видели в Музее Людвига в Русском музее картину Пикассо? Пикассо - один из самых популярных художников ХХ века, оказавший исключительное влияние на культуру и искусство новейшего времени. Живописец, график, скульптор, керамист, художник театра. Творчество Пикассо прошло путь от горькой поэзии «голубого» периода до лирических миражей «розового», от суровых кубистических построений к созданию тончайших фигуративных рисунков. Его «Герника» стала одной из наиболее значительных картин XX века, выразившей трагедию войны новым пластическим языком. Ни один другой художник ХХ столетия не сконцентрировал в своем искусстве с такой удивительной полнотой лики и личины новейшей культуры, ее великие триумфы и мистификации, ее находки и заблуждения, мучительные споры, циничные игры и парадоксальную человечность.
На постоянной экспозиции Музея Людвига в Мраморном дворце можно увидеть картину Пикассо «Большие головы» (1969 Холст, масло. 194,5 х 129). Это картина позднего периода творчества художника. В ней возник синтез многолетних исканий, образ взломанного сознания и растерзанного мира. Слова Пикассо о том, что он пишет не то, что видит, а то, что мыслит, перед этим полотном не кажутся просто метафорой. Здесь отчетливо прочитываются вариации мотивов из прежних периодов его искусства. Многое напоминает о начале творческого пути: «кубистический» взгляд — соединение нескольких точек зрения, жесткий декоративный эффект, ломкость линий, сочетание закругленных и угловатых форм. Одновременно использованы пластические находки конца 1930-х (известная картина «Плачущая женщина», 1937), равно как и приемы 1950-х.
#музейлюдвигаврусскоммузее #историяодногошедевра #современноеискусствоврусскоммузее
🎐Романтика повседневного и эстетика пустоты.
Продолжаем знакомство с коллекцией Музея Людвига в Мраморном дворце и зарубежными искусством второй половины XX века в Русском музее. Сегодня в центре нашего внимания - скульптуры американского художника Джорджа Сигала.
🗯Джордж Сигал изобрел особую технику: обертывал модель тканями, пропитанными гипсом, и создавал формы по частям, затем соединяя их. Такие скульптуры напоминали бы обычные муляжи, если бы скульптор не работал вручную над поверхностью каждой из своих «статуй». Его скульптуры в натуральную величину населяют самые обычные места: автобусные остановки, рестораны, заводские цеха и так далее. Сигал не ищет сенсационного, он фиксирует повседневную жизнь, острота восприятия которой утеряна. Гипсовые фигуры становятся странными двойниками зрителя, сохраняя специфическую застылую выразительность и тягучее оцепенение.
🗿Причесывающаяся девушка. 1967 Деревянный стул, гипс. 134 х 60 х 66
Поза «Причесывающейся девушки» проста и не занимательна, но масштаб скульптуры, а также соединение гипсовой фигуры с настоящим стулом задерживают внимание зрителя. Художник неоднократно лепил обнаженное женское тело и в его трактовке чувствовал себя наследником европейской традиции. Сигал говорил: «Когда я начал делать слепки с людей, то открыл, что тела обычных людей, без больших претензий на красоту, могут обладать певучестью и красотой ритма. Люди, которых я снова и снова предпочитаю использовать в качестве моделей, это мои друзья и родственники с очень живой интеллектуальной жизнью». Художник вдохновляется обыденной жизнью, романтизируя в своих композициях повседневность.
#музейлюдвигаврусскоммузее #историяоднойскульптуры
Продолжаем знакомство с коллекцией Музея Людвига в Мраморном дворце и зарубежными искусством второй половины XX века в Русском музее. Сегодня в центре нашего внимания - скульптуры американского художника Джорджа Сигала.
🗯Джордж Сигал изобрел особую технику: обертывал модель тканями, пропитанными гипсом, и создавал формы по частям, затем соединяя их. Такие скульптуры напоминали бы обычные муляжи, если бы скульптор не работал вручную над поверхностью каждой из своих «статуй». Его скульптуры в натуральную величину населяют самые обычные места: автобусные остановки, рестораны, заводские цеха и так далее. Сигал не ищет сенсационного, он фиксирует повседневную жизнь, острота восприятия которой утеряна. Гипсовые фигуры становятся странными двойниками зрителя, сохраняя специфическую застылую выразительность и тягучее оцепенение.
🗿Причесывающаяся девушка. 1967 Деревянный стул, гипс. 134 х 60 х 66
Поза «Причесывающейся девушки» проста и не занимательна, но масштаб скульптуры, а также соединение гипсовой фигуры с настоящим стулом задерживают внимание зрителя. Художник неоднократно лепил обнаженное женское тело и в его трактовке чувствовал себя наследником европейской традиции. Сигал говорил: «Когда я начал делать слепки с людей, то открыл, что тела обычных людей, без больших претензий на красоту, могут обладать певучестью и красотой ритма. Люди, которых я снова и снова предпочитаю использовать в качестве моделей, это мои друзья и родственники с очень живой интеллектуальной жизнью». Художник вдохновляется обыденной жизнью, романтизируя в своих композициях повседневность.
#музейлюдвигаврусскоммузее #историяоднойскульптуры
На прошлой неделе мы уже начали знакомство со скульптурой в коллекции Музея Людвига в Мраморном дворце и рассмотрели работу американского скульптора Джорджа Сигала. Сегодня обратимся к Йозефу Бойсу - немецкому художнику-шаману, одному из важнейших теоретиков постмодернизма.
Бойс участвовал во II Мировой войне, был ранен и находился в плену. Эти события сильно повлияли на все его творчество. Выработав собственную стратегию в искусстве, Бойс стал всемирно известным после своих сенсационных и дерзких перформансов, в которых представление соприкасалось с вольным течением жизни и парадоксальными композициями (например, завернутый в войлок рояль). Всякая художественная работа для Бойса связана с материалами-энергоносителями (жир, войлок, мед, медь и другие), которые являются не самоцелью, а лишь средством достичь «выплеска энергии» и стимулировать мышление, чтобы покинуть привычные пути одностороннего поведения и найти новые связи. С их помощью воспроизводились такие феномены, как энергия и тепло, жизнь и смерть, эволюция и динамика.
#музейлюдвигаврусскоммузее
#историяоднойскульптуры
Бойс участвовал во II Мировой войне, был ранен и находился в плену. Эти события сильно повлияли на все его творчество. Выработав собственную стратегию в искусстве, Бойс стал всемирно известным после своих сенсационных и дерзких перформансов, в которых представление соприкасалось с вольным течением жизни и парадоксальными композициями (например, завернутый в войлок рояль). Всякая художественная работа для Бойса связана с материалами-энергоносителями (жир, войлок, мед, медь и другие), которые являются не самоцелью, а лишь средством достичь «выплеска энергии» и стимулировать мышление, чтобы покинуть привычные пути одностороннего поведения и найти новые связи. С их помощью воспроизводились такие феномены, как энергия и тепло, жизнь и смерть, эволюция и динамика.
#музейлюдвигаврусскоммузее
#историяоднойскульптуры
«Женщина-зверь» — ранняя работа Бойса, выполненная им еще в студенческие годы. В тот период он ограничивает круг сюжетов изображениями животных, человеческих фигур и религиозными темами. Здесь явно ощутимо воздействие Эвальда Матаре — автора анималистических скульптур, у которого Бойс учился в Академии. Больше всего эта работа напоминает первобытных Венер, например, Венеру Виллендорфскую - хрестоматийный пример искусства палеолита. У неё нет лица, пластически определены только грудь и лоно. Считается, что это изображение богини плодородия или великой матери.
В молодости Бойс бывал на немецких художественных выставках, где он мог видеть совсем другие скульптуры. Например, работы Арно Брекера, официального скульптора Третьего рейха: идеальные формы человеческих тел, которые напоминают произведения античной классики. Можно предположить, что для Бойса идеально-прекрасное человеческое тело служило напоминанием о нацистском искусстве. Поэтому Бойс обращается не к Античности, а к еще более древнему искусству - к архаике.
Скульптура Бойса может показаться изображением реально существующего создания, в котором сквозь человеческий облик угадывается странный и опасный хищник. Найденная в «Женщине-звере» обобщенная форма женской фигуры будет часто встречаться в творчестве Бойса и позже — как в рисунках, так и в скульптуре. В фигуре проявился интерес к архетипу и коллективной памяти, откуда художник извлекает образы, помогающие ему осмыслить жизнь в целом — от доисторического сознания до путешествия в будущие миры.
▫️Женщина-зверь. 1949 Бронза. 46 х 10 х 12. Русский музей
▫️Арно Брекер. Эос. 1939
▫️Венера Виллендорфская. Известняк, Red ochre. Высота 11 см. Музей естествознания, Вена
#музейлюдвигаврусскоммузее
#историяоднойскульптуры
В молодости Бойс бывал на немецких художественных выставках, где он мог видеть совсем другие скульптуры. Например, работы Арно Брекера, официального скульптора Третьего рейха: идеальные формы человеческих тел, которые напоминают произведения античной классики. Можно предположить, что для Бойса идеально-прекрасное человеческое тело служило напоминанием о нацистском искусстве. Поэтому Бойс обращается не к Античности, а к еще более древнему искусству - к архаике.
Скульптура Бойса может показаться изображением реально существующего создания, в котором сквозь человеческий облик угадывается странный и опасный хищник. Найденная в «Женщине-звере» обобщенная форма женской фигуры будет часто встречаться в творчестве Бойса и позже — как в рисунках, так и в скульптуре. В фигуре проявился интерес к архетипу и коллективной памяти, откуда художник извлекает образы, помогающие ему осмыслить жизнь в целом — от доисторического сознания до путешествия в будущие миры.
▫️Женщина-зверь. 1949 Бронза. 46 х 10 х 12. Русский музей
▫️Арно Брекер. Эос. 1939
▫️Венера Виллендорфская. Известняк, Red ochre. Высота 11 см. Музей естествознания, Вена
#музейлюдвигаврусскоммузее
#историяоднойскульптуры
🗯Продолжаем знакомство с коллекцией зарубежного искусства второй половины XX века в рубрике #музейлюдвигаврусскоммузее.
🗿На прошлой неделе мы с вами рассматривали скульптуру Йозефа Бойса, а сегодня обратимся к его современнику - живописцу Георгу Базелицу.
👨🏻🎨 Творчество Георга Базелица непосредственно связано с «бунтующим поколением» немецких художников — неоэкспрессионистов, которых назовут «Новыми дикими» (Хельмут Миддендорф, Райнер Феттинг, Саломе, Лючиано Кастелли). Картины Базелица начала 1960-х были призваны эпатировать публику, отвергать общепризнанные моральные принципы и устои. В середине 1960-х бунтарское настроение Базелица привело к появлению портретов современного героя «нового типа» — партизана, мятежника, повстанца. Художник стремился превратить свое искусство в анархический манифест, вступая тем самым в конфликт с официально признанными авторитетами. В конце 1960-х Базелиц увлекся работой над «фрактурными картинами», которые свидетельствовали об ироническом отношении к фигуративному творчеству. С 1969 Базелиц, отстраняясь от абстрактной живописи, начал переворачивать картину вверх ногами: он «закодировал» полотно и приблизился к беспредметности, однако оставил возможность для зрителя угадать, что изображено.
🖼 Бутылка и орел. 1977. Диптих. Фанера, масло. 250 х 170. Обе части.
Орел и бутылка на соседних полотнах не имеют явной связи друг с другом, а будучи повернутым на 180 градусов, изображение совершенно утрачивает смысл, становясь, по сути, из фигуративного беспредметным. Провокативный прием не означает, что художник вешает свои уже готовые картины вверх ногами. Он последовательно пишет сюжетные изображения перевернутыми с ног на голову, что подтверждается направлением мазков кисти. Художник говорил: «Для меня проблема состояла в том, чтобы не создавать повествовательных, описательных картин. Переворачивание сюжета позволило мне свободно заниматься живописными проблемами».
#историяоднойкартины #русскиймузей #russianmuseum #новыедикие #neuewilde #неоэкспрессионизм
🗿На прошлой неделе мы с вами рассматривали скульптуру Йозефа Бойса, а сегодня обратимся к его современнику - живописцу Георгу Базелицу.
👨🏻🎨 Творчество Георга Базелица непосредственно связано с «бунтующим поколением» немецких художников — неоэкспрессионистов, которых назовут «Новыми дикими» (Хельмут Миддендорф, Райнер Феттинг, Саломе, Лючиано Кастелли). Картины Базелица начала 1960-х были призваны эпатировать публику, отвергать общепризнанные моральные принципы и устои. В середине 1960-х бунтарское настроение Базелица привело к появлению портретов современного героя «нового типа» — партизана, мятежника, повстанца. Художник стремился превратить свое искусство в анархический манифест, вступая тем самым в конфликт с официально признанными авторитетами. В конце 1960-х Базелиц увлекся работой над «фрактурными картинами», которые свидетельствовали об ироническом отношении к фигуративному творчеству. С 1969 Базелиц, отстраняясь от абстрактной живописи, начал переворачивать картину вверх ногами: он «закодировал» полотно и приблизился к беспредметности, однако оставил возможность для зрителя угадать, что изображено.
🖼 Бутылка и орел. 1977. Диптих. Фанера, масло. 250 х 170. Обе части.
Орел и бутылка на соседних полотнах не имеют явной связи друг с другом, а будучи повернутым на 180 градусов, изображение совершенно утрачивает смысл, становясь, по сути, из фигуративного беспредметным. Провокативный прием не означает, что художник вешает свои уже готовые картины вверх ногами. Он последовательно пишет сюжетные изображения перевернутыми с ног на голову, что подтверждается направлением мазков кисти. Художник говорил: «Для меня проблема состояла в том, чтобы не создавать повествовательных, описательных картин. Переворачивание сюжета позволило мне свободно заниматься живописными проблемами».
#историяоднойкартины #русскиймузей #russianmuseum #новыедикие #neuewilde #неоэкспрессионизм
Херувимы. 1991. Композиция из 2 частей. Дерево, левкас, масло, роспись, золочение.
Вы можете увидеть эту работу на экспозиции Музея Людвига в Русском музее на втором этаже Мраморного дворца. Адрес: Миллионная улица, 5/1.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Вы можете увидеть эту работу на экспозиции Музея Людвига в Русском музее на втором этаже Мраморного дворца. Адрес: Миллионная улица, 5/1.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Продолжаем знакомство с коллекцией современного искусства в нашей постоянной рубрике #музейлюдвигаврусскоммузее.
👨🏻🎨 Эрик Владимирович Булатов (род. 5 сентября 1933 в городе Свердловск) - один из самых известных современных российский художников - онователей соц-арта.
🖼 Булатов часто создает живопись по фотографиям. Так, картина «Тающие облака» восходит к знаменитому снимку Александра Родченко. Как один из важнейших представителей соц-арта Булатов включал во многие работы тексты, содержащие официальную советскую терминологию. Они воспринимаются как дистанцированный, ироничный взгляд на действительность. Несмотря на отказ от текстового комментария в картине «Тающие облака», она тоже читается как метафора глубоких изменений и преобразований в мире и обществе конца 1980-х годов, которое постепенно становилось более открытым.
👨🏻🎨 Эрик Владимирович Булатов (род. 5 сентября 1933 в городе Свердловск) - один из самых известных современных российский художников - онователей соц-арта.
🖼 Булатов часто создает живопись по фотографиям. Так, картина «Тающие облака» восходит к знаменитому снимку Александра Родченко. Как один из важнейших представителей соц-арта Булатов включал во многие работы тексты, содержащие официальную советскую терминологию. Они воспринимаются как дистанцированный, ироничный взгляд на действительность. Несмотря на отказ от текстового комментария в картине «Тающие облака», она тоже читается как метафора глубоких изменений и преобразований в мире и обществе конца 1980-х годов, которое постепенно становилось более открытым.
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
ЭНДИ УОРХОЛ В РУССКОМ МУЗЕЕ
Кто такой Петер Людвиг, и почему он решил подарить Русскому музею работы Уорхола, Пикассо, Баския и других звезд искусства XX века? Узнайте в новой серии коротких экскурсий по Музею Людвига в Мраморном дворце! Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
Тема первого выпуска: «Портрет Петера Людвига» Энди Уорхола (1980).
#музейлюдвигаврусскоммузее
Кто такой Петер Людвиг, и почему он решил подарить Русскому музею работы Уорхола, Пикассо, Баския и других звезд искусства XX века? Узнайте в новой серии коротких экскурсий по Музею Людвига в Мраморном дворце! Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
Тема первого выпуска: «Портрет Петера Людвига» Энди Уорхола (1980).
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
ПИКАССО В РУССКОМ МУЗЕЕ
Как в коллекции Русского музея появилась живопись Пикассо? Какую картину этого знаменитого художника можно увидеть в Мраморном дворце? Почему виртуозный рисовальщик Пикассо предпочел кубизм академической живописи? Узнайте в новой серии коротких экскурсий по Музею Людвига в Мраморном дворце! Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Как в коллекции Русского музея появилась живопись Пикассо? Какую картину этого знаменитого художника можно увидеть в Мраморном дворце? Почему виртуозный рисовальщик Пикассо предпочел кубизм академической живописи? Узнайте в новой серии коротких экскурсий по Музею Людвига в Мраморном дворце! Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
БАСКИЯ И УОРХОЛ В РУССКОМ МУЗЕЕ
Вам наверняка знакома детская игра в «Чепуху»? Примерно по такому же принципу создана картина «Без названия» Ж.-М.Баския и Э.Уорхола (1984). Подробности – в новом выпуске мини-экскурсий по Музею Людвига в Русском музее. Рассказывает: Смолянская Александра, искусствовед, сотрудник Русского музея.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Вам наверняка знакома детская игра в «Чепуху»? Примерно по такому же принципу создана картина «Без названия» Ж.-М.Баския и Э.Уорхола (1984). Подробности – в новом выпуске мини-экскурсий по Музею Людвига в Русском музее. Рассказывает: Смолянская Александра, искусствовед, сотрудник Русского музея.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
НАТЮРМОРТ В XX ВЕКЕ – КАКОЙ ОН?
В новом выпуске мини-экскурсий по музею Людвига в Русском музее – «Рисунок из стали с фруктами, цветами и Моникой» Тома Вессельмана (1986). Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
В новом выпуске мини-экскурсий по музею Людвига в Русском музее – «Рисунок из стали с фруктами, цветами и Моникой» Тома Вессельмана (1986). Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«МАДОННА» КЛАУДИО БРАВО
Sacra Conversazione - итал. Святое Собеседование - классический сюжет итальянского Возрождения. Дева Мария с младенцем на руках в окружении святых. Художник нашего времени соединяет мотив, характерный для Раннего Средневековья, с манерой и стилем европейской живописи XVI-XVII вв.
Подробнее об экспонате Музея Людвига в Русском музее рассказывает искусствовед Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Sacra Conversazione - итал. Святое Собеседование - классический сюжет итальянского Возрождения. Дева Мария с младенцем на руках в окружении святых. Художник нашего времени соединяет мотив, характерный для Раннего Средневековья, с манерой и стилем европейской живописи XVI-XVII вв.
Подробнее об экспонате Музея Людвига в Русском музее рассказывает искусствовед Александра Смолянская.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Между книгой и картиной
Разбираем экспонат Музея Людвига в Русском музее: «Между книгой и картиной – Каспар Давид Фридрих».
К. Д. Фридрих, мастер пейзажа, представитель немецкого романтизма. Он говорил о своих работах: «Это сделала природа, я только скопировал».
Николай Овчинников, в свою очередь, цитирует Фридриха. Зачем он представляет картины в виде книг? Рассказывает искусствовед, ведущий сотрудник отдела новейших течений Антон Успенский.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Разбираем экспонат Музея Людвига в Русском музее: «Между книгой и картиной – Каспар Давид Фридрих».
К. Д. Фридрих, мастер пейзажа, представитель немецкого романтизма. Он говорил о своих работах: «Это сделала природа, я только скопировал».
Николай Овчинников, в свою очередь, цитирует Фридриха. Зачем он представляет картины в виде книг? Рассказывает искусствовед, ведущий сотрудник отдела новейших течений Антон Успенский.
#музейлюдвигаврусскоммузее
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
«Херувимы» Джеффа Кунса (1991) – атрибут нового рая. Откуда в современном искусстве вкус на китч? Рассказывает искусствовед, сотрудник Русского музея Александра Смолянская.
Продолжаем серию мини-экскурсий по Музею Людвига в Русском музее.
#коллекциярусскогомузея #музейлюдвигаврусскоммузее #джеффкунс
Продолжаем серию мини-экскурсий по Музею Людвига в Русском музее.
#коллекциярусскогомузея #музейлюдвигаврусскоммузее #джеффкунс