"Се человек"
1543 г.
Тициан Вечеллио
Музей истории искусств, Вена.
При представлении истории Евангелия того, как подвергшую пыткам и истекающую кровью фигуру Христа вывели из зала суда римского прокуратора, Понтия Пилата, и поставили перед евреям, чтобы быть казненным. Картина показывает здание с его лестничным пролетом, приводящим к входу великого общественного здания в одной стороне, которая во многих отношениях напоминает картину Представления Девы Марии в Храме. Ecce Homo – “се человек”, букв. “вот человек”, “это человек”.
Слова Понтия Пилата об Иисусе Христе. согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат показал народу Иерусалима после бичевания Иисуса Христа, одетого в багряницу и увенчанного терновым венцом, желая возбудить сострадание толпы. ” Тогда вышел Иисус в терновом венце и в багрянице. И сказал им Пилат: “се, Человек!” Когда же увидели Его первосвященники и служители, то закричали: “распни, распни Его!” Пилат говорит им: “возьмите Его вы, и распните; ибо я не нахожу в Нем вины”. ” Событие это имело место поздним утром Страстной пятницы, в иерусалимской претории рядом с башней замка Антония.
Картина полна монументального размаха и великолепия: композиция строится на укрупненных, динамических ритмах, язык поз и жестов аффектирован и усложнен. Особо примечателен образ юноши в левом углу картины. Человек с ужасом и страхом осознает случившуюся трагедию.
На фоне радостных и беспечных лиц, имеющих власть над Христом, это выглядит с подчеркнутым драматизмом.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяCцена #Возрождение
1543 г.
Тициан Вечеллио
Музей истории искусств, Вена.
При представлении истории Евангелия того, как подвергшую пыткам и истекающую кровью фигуру Христа вывели из зала суда римского прокуратора, Понтия Пилата, и поставили перед евреям, чтобы быть казненным. Картина показывает здание с его лестничным пролетом, приводящим к входу великого общественного здания в одной стороне, которая во многих отношениях напоминает картину Представления Девы Марии в Храме. Ecce Homo – “се человек”, букв. “вот человек”, “это человек”.
Слова Понтия Пилата об Иисусе Христе. согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат показал народу Иерусалима после бичевания Иисуса Христа, одетого в багряницу и увенчанного терновым венцом, желая возбудить сострадание толпы. ” Тогда вышел Иисус в терновом венце и в багрянице. И сказал им Пилат: “се, Человек!” Когда же увидели Его первосвященники и служители, то закричали: “распни, распни Его!” Пилат говорит им: “возьмите Его вы, и распните; ибо я не нахожу в Нем вины”. ” Событие это имело место поздним утром Страстной пятницы, в иерусалимской претории рядом с башней замка Антония.
Картина полна монументального размаха и великолепия: композиция строится на укрупненных, динамических ритмах, язык поз и жестов аффектирован и усложнен. Особо примечателен образ юноши в левом углу картины. Человек с ужасом и страхом осознает случившуюся трагедию.
На фоне радостных и беспечных лиц, имеющих власть над Христом, это выглядит с подчеркнутым драматизмом.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяCцена #Возрождение
"Сизиф"
1549 г.
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
У Девкалиона был внук Эол, сын которого, Сизиф, основатель Коринфа, был самый хитрый из всех смертных. Однажды он открыл местопребывание Зевса речному богу Асону. За его обещание провести реку на Коринфскую возвышенность. Асон сдержал свое слово, и забил из скалы известный источник Пирены.
Зевс решил наказать вероломного Сизифа и послал к нему Танатоса. Но хитрый царь заковал ее в крепкие цепи, так что ни один человек в стране не мог умереть. Наконец, пришел бог войны Арес и освободил Смерть, Сизифа же низверг в преисподнюю. Но и здесь Сизиф сумел обмануть богов.
Он запретил своей жене совершать по нем погребальные жертвы. Отсутствие их возмутило все подземное царство, и Персефона позволила Сизифу возвратиться на землю, чтобы напомнить нерадивой супруге о ее обязанностях.
Вернувшись в свое королевство, хитрый король и не думал о возвращении в преисподнюю и снова весело зажил в своем роскошном дворце. Однажды, когда он сидел за столом, наслаждаясь богатыми яствами, к нему неожиданно вошла Смерть и вернула его назад, в преисподнюю. Там его постигаю наказание: он должен был втаскивать на высокую гору громадную мраморную глыбу.
Лишь только он достигал вершины и пробовал укрепить там камень, тот срывался и снова катился вниз, и несчастный преступник снова напрасно принимался за свою тяжелую работу. И это длилось века… До сих пор еще бесплодная, напрасная работа называется “Сизифовой”.
Поздний Тициан развернуто ставит проблемы колористической гармонии в живописи, а также и проблему создания выразительной техники свободного и точного живописного мазка. Мазок приобретает особое значение, он не только передает фактуру материала, но его движение лепит саму форму – пластику предмета. Огромное достоинство творческого языка позднего Тициана в том, что структура мазка дает образец реалистического единства художественного и психологического момента.
Фактурно и выразительно вылеплена освещенная последними закатными лучами солнца атлетическая фигура, мускулистое тело намертво слилось с каменной глыбой, не уступая ей в твердости. Создается просто физическое ощущение остановки течения времени и нескончаемости тяжелого бесполезного труда античного героя.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
1549 г.
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
У Девкалиона был внук Эол, сын которого, Сизиф, основатель Коринфа, был самый хитрый из всех смертных. Однажды он открыл местопребывание Зевса речному богу Асону. За его обещание провести реку на Коринфскую возвышенность. Асон сдержал свое слово, и забил из скалы известный источник Пирены.
Зевс решил наказать вероломного Сизифа и послал к нему Танатоса. Но хитрый царь заковал ее в крепкие цепи, так что ни один человек в стране не мог умереть. Наконец, пришел бог войны Арес и освободил Смерть, Сизифа же низверг в преисподнюю. Но и здесь Сизиф сумел обмануть богов.
Он запретил своей жене совершать по нем погребальные жертвы. Отсутствие их возмутило все подземное царство, и Персефона позволила Сизифу возвратиться на землю, чтобы напомнить нерадивой супруге о ее обязанностях.
Вернувшись в свое королевство, хитрый король и не думал о возвращении в преисподнюю и снова весело зажил в своем роскошном дворце. Однажды, когда он сидел за столом, наслаждаясь богатыми яствами, к нему неожиданно вошла Смерть и вернула его назад, в преисподнюю. Там его постигаю наказание: он должен был втаскивать на высокую гору громадную мраморную глыбу.
Лишь только он достигал вершины и пробовал укрепить там камень, тот срывался и снова катился вниз, и несчастный преступник снова напрасно принимался за свою тяжелую работу. И это длилось века… До сих пор еще бесплодная, напрасная работа называется “Сизифовой”.
Поздний Тициан развернуто ставит проблемы колористической гармонии в живописи, а также и проблему создания выразительной техники свободного и точного живописного мазка. Мазок приобретает особое значение, он не только передает фактуру материала, но его движение лепит саму форму – пластику предмета. Огромное достоинство творческого языка позднего Тициана в том, что структура мазка дает образец реалистического единства художественного и психологического момента.
Фактурно и выразительно вылеплена освещенная последними закатными лучами солнца атлетическая фигура, мускулистое тело намертво слилось с каменной глыбой, не уступая ей в твердости. Создается просто физическое ощущение остановки течения времени и нескончаемости тяжелого бесполезного труда античного героя.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
"Пир богов" (совместно с Джованни Беллини)
1529 г.
Тициан Вечеллио
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
Пир богов является картиной, написанной маслом, итальянским мастером эпохи Возрождения, Джованни Беллини. Однако, Доссо Досси и Тициан известны существенными дополнениями к деталям ландшафта. Это одна из немногих картин на мифологическую тему этого венецианского художника.
Завершенная в 1514 году, она является последней его крупной работой.
На сегодняшний день работа находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. Там ее считают “одной из величайших картин эпохи Возрождения в Соединенных Штатах”. Картина является первым крупным изображением сцены “Пира богов” в искусстве эпохи Возрождения.
Картина показывает случай с попыткой изнасилования Лотис. Она был нимфой писал Овидий, дочерью Нептуна. Во время фестиваля в честь Либера, на котором она присутствовала, Приапа пытался изнасиловать ее, пока та спала, но неожиданно была разбужена ослом и убежала, оставив Приапа в замешательстве.
На картине присутствуют многие персонажи из греческого пантеона и мифологического бестиария.
Около 1598 года картина была конфискована и доставлены в Риме кардиналом Ипполито Альдобрандини в качестве папского легата.
“Пир богов” был выставлен в 1856 году, в Британском институте в Лондоне. Так же он приезжал в Вашингтоне, побывал в Венеции в 1990 году, в Лондоне и Мадриде в 2003 году, а также в Вене в 2006 году,
Картина была тщательно исследована в 1985 году, был проведен обширный анализ пигмента в ходе очистки и сохранившегося работы над картиной. Все три художника, Беллини, Доссо и Тициан использованы пигменты, доступные в тот период времени, в числе которых были: природный ультрамарин, свинцово-оловянно-желтый, малахит, ярь – медянка и киноварь. Пир богов является одним из немногих примеров использования аурипигмента и реальгаром в масляной итальянской живописи эпохи Возрождения.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
1529 г.
Тициан Вечеллио
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
Пир богов является картиной, написанной маслом, итальянским мастером эпохи Возрождения, Джованни Беллини. Однако, Доссо Досси и Тициан известны существенными дополнениями к деталям ландшафта. Это одна из немногих картин на мифологическую тему этого венецианского художника.
Завершенная в 1514 году, она является последней его крупной работой.
На сегодняшний день работа находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. Там ее считают “одной из величайших картин эпохи Возрождения в Соединенных Штатах”. Картина является первым крупным изображением сцены “Пира богов” в искусстве эпохи Возрождения.
Картина показывает случай с попыткой изнасилования Лотис. Она был нимфой писал Овидий, дочерью Нептуна. Во время фестиваля в честь Либера, на котором она присутствовала, Приапа пытался изнасиловать ее, пока та спала, но неожиданно была разбужена ослом и убежала, оставив Приапа в замешательстве.
На картине присутствуют многие персонажи из греческого пантеона и мифологического бестиария.
Около 1598 года картина была конфискована и доставлены в Риме кардиналом Ипполито Альдобрандини в качестве папского легата.
“Пир богов” был выставлен в 1856 году, в Британском институте в Лондоне. Так же он приезжал в Вашингтоне, побывал в Венеции в 1990 году, в Лондоне и Мадриде в 2003 году, а также в Вене в 2006 году,
Картина была тщательно исследована в 1985 году, был проведен обширный анализ пигмента в ходе очистки и сохранившегося работы над картиной. Все три художника, Беллини, Доссо и Тициан использованы пигменты, доступные в тот период времени, в числе которых были: природный ультрамарин, свинцово-оловянно-желтый, малахит, ярь – медянка и киноварь. Пир богов является одним из немногих примеров использования аурипигмента и реальгаром в масляной итальянской живописи эпохи Возрождения.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
"Венера Урбинская"
1538 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Уффици, Флоренция.
История создания «Венеры Урбинской»
Картина написана Тицианом в качестве свадебного подношения для Гвидобальдо делла Ровере, герцога Урбинского, - титулом владельца картины объясняется её название. Для молодого Гвидобальдо по соображениям политики была выбрана в невесты Джулия Варано, на момент создания картины – 10-летняя девочка. «Венера Урбинская» была свадебным подарком в ожидании, когда Джулия подрастёт и в ней окрепнут любовные чувства к супругу. Впрочем, вряд ли Тициан писал «Венеру Урбинскую» с юной Варано. Есть предположение, что его моделью была мать Гвидобальдо, герцогиня Элеонора Гонзага: её портрет работы Тициана датируется тем же 1538-м годом, что и «Венера Урбинская», и некоторое внешнее сходство действительно налицо.
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
@pic_history
1538 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Уффици, Флоренция.
История создания «Венеры Урбинской»
Картина написана Тицианом в качестве свадебного подношения для Гвидобальдо делла Ровере, герцога Урбинского, - титулом владельца картины объясняется её название. Для молодого Гвидобальдо по соображениям политики была выбрана в невесты Джулия Варано, на момент создания картины – 10-летняя девочка. «Венера Урбинская» была свадебным подарком в ожидании, когда Джулия подрастёт и в ней окрепнут любовные чувства к супругу. Впрочем, вряд ли Тициан писал «Венеру Урбинскую» с юной Варано. Есть предположение, что его моделью была мать Гвидобальдо, герцогиня Элеонора Гонзага: её портрет работы Тициана датируется тем же 1538-м годом, что и «Венера Урбинская», и некоторое внешнее сходство действительно налицо.
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
@pic_history
"Святой Себастьян"
1570-е
Тициан Вечеллио
Государственный Эрмитаж.
Одна из последних картин, написанных Тицианом, «Святой Себастьян» (1570-1572) ныне является жемчужиной Эрмитажа, попавшей туда в середине 1850-х годов из семейного собрания династии Барбариго. В 1585-м году, спустя почти десятилетие после кончины художника, сын Тициана Помпонио продал отцовский дом вместе со всем содержащимся там движимым и недвижимым имуществом некому Кристофоро из знатного падуанского рода Барбариго. Частью этой оптовой сделки оказался и такой шедевр, как «Святой Себастьян».
Легенда о Святом Себастьяне
В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги.
Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян»
В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета».
Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе.
Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяСцена #Возрождение
@pic_history
1570-е
Тициан Вечеллио
Государственный Эрмитаж.
Одна из последних картин, написанных Тицианом, «Святой Себастьян» (1570-1572) ныне является жемчужиной Эрмитажа, попавшей туда в середине 1850-х годов из семейного собрания династии Барбариго. В 1585-м году, спустя почти десятилетие после кончины художника, сын Тициана Помпонио продал отцовский дом вместе со всем содержащимся там движимым и недвижимым имуществом некому Кристофоро из знатного падуанского рода Барбариго. Частью этой оптовой сделки оказался и такой шедевр, как «Святой Себастьян».
Легенда о Святом Себастьяне
В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги.
Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян»
В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета».
Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе.
Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяСцена #Возрождение
@pic_history
"Любовь небесная и любовь земная"
1518 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Боргезе, Рим.
Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио.
Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная»
Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись.
Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца.
Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную).
Символика картины «Любовь небесная и любовь земная»
Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа.
Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи.
Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте.
#ТицианВечеллио #Возрождение
@pic_history
1518 г.
Тициан Вечеллио
Галерея Боргезе, Рим.
Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио.
Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная»
Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись.
Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца.
Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную).
Символика картины «Любовь небесная и любовь земная»
Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа.
Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи.
Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте.
#ТицианВечеллио #Возрождение
@pic_history
История создания
Огромный алтарь был заказан Тициану отцом Джермано, настоятелем церкви Фрари в год победы Венецианской республики святого Марка над полчищами императора Максимилиана. В 1509-м германцы оккупировали все материковые владения Венеции, и лишь к 1516-му году республика смогла вернуть их все под свой контроль, освободив последний из занятых германцами городов – Верону.
Известно, что Тициан не очень хотел браться за это работу, и аванс за неё был вручен ему церковью почти насильно. Проведённый в ХХ веке радиологический анализ показал, что красочный слой картины очень тонок: вероятно, отец Джеромано был настолько скуп, что Тициану, который обычно писал размашистыми и щедрыми мазками, в этом случае приходилось экономить даже на красочных пигментах.
Празднества по случаю освящения «Ассунты» летописцы Венеции освещают как самое торжественное событие в жизни города в XVI веке. В величественном и радостном образе Богоматери, устремлённой к небу, видели олицетворении самой Венеции, победившей германцев и с ликованием отмечающей свой триумф.
Художественно-композиционные особенности
Картина композиционно разделена на три яруса: нижний (земной), средний (пространство восхождения) и верхний (небесный). По мере удаления от земли меняется цветовая гамма, фон из серо-бежевого становится золотым. В великолепной живописи преобладают градации коричневого, зелёного, красного и золотистого цветов.
В нижней части сгрудились апостолы, чьи без малого трехметровые фигуры охвачены небывалым волнением. Их возведенные к небу глаза выражают скорбь, почти отчаяние от расставания с Пресвятой Девой, а воздетые к небу руки – эмоциональный протест. Необычайно острый накал чувств, переданный Тицианом в фигурах апостолов, был настолько нов в живописи, что эпатировал многих современников: некоторые утверждали, что вместо святых апостолов художник изобразил «ссорящихся заговорщиков».
В средней части картины Дева Мария в сопровождении множества херувимов воспаряет к своему Небесному Отцу. Она исполнена неподдельной величественности, радостной торжественности и совсем не напоминает робких и кротких Мадонн, написанных Тицианом ранее. Бог-Отец с двумя ангелами венчают верхний, «небесный», ярус «Ассунты».
Значение в контексте веницианского и римского искусства эпохи Возрождения
«Вознесение Богоматери» не просто одна из вершин и творчества Тициана. «Ассунта» - поистине новое слово в венецианской живописи, никогда ранее не поднимавшейся до таких высот героической патетики и гражданского звучания: творчество Карпаччо, братьев Беллини и в особенности Джорджоне носило куда более камерный характер. Впервые в станковой живописи Тициан дает подобный образец героического стиля с монументальной укрупненностью форм, сопоставимой по мощи только с фресками Микеланджело для Сикстинский капеллы.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяCцена #Возрождение
@pic_history
Огромный алтарь был заказан Тициану отцом Джермано, настоятелем церкви Фрари в год победы Венецианской республики святого Марка над полчищами императора Максимилиана. В 1509-м германцы оккупировали все материковые владения Венеции, и лишь к 1516-му году республика смогла вернуть их все под свой контроль, освободив последний из занятых германцами городов – Верону.
Известно, что Тициан не очень хотел браться за это работу, и аванс за неё был вручен ему церковью почти насильно. Проведённый в ХХ веке радиологический анализ показал, что красочный слой картины очень тонок: вероятно, отец Джеромано был настолько скуп, что Тициану, который обычно писал размашистыми и щедрыми мазками, в этом случае приходилось экономить даже на красочных пигментах.
Празднества по случаю освящения «Ассунты» летописцы Венеции освещают как самое торжественное событие в жизни города в XVI веке. В величественном и радостном образе Богоматери, устремлённой к небу, видели олицетворении самой Венеции, победившей германцев и с ликованием отмечающей свой триумф.
Художественно-композиционные особенности
Картина композиционно разделена на три яруса: нижний (земной), средний (пространство восхождения) и верхний (небесный). По мере удаления от земли меняется цветовая гамма, фон из серо-бежевого становится золотым. В великолепной живописи преобладают градации коричневого, зелёного, красного и золотистого цветов.
В нижней части сгрудились апостолы, чьи без малого трехметровые фигуры охвачены небывалым волнением. Их возведенные к небу глаза выражают скорбь, почти отчаяние от расставания с Пресвятой Девой, а воздетые к небу руки – эмоциональный протест. Необычайно острый накал чувств, переданный Тицианом в фигурах апостолов, был настолько нов в живописи, что эпатировал многих современников: некоторые утверждали, что вместо святых апостолов художник изобразил «ссорящихся заговорщиков».
В средней части картины Дева Мария в сопровождении множества херувимов воспаряет к своему Небесному Отцу. Она исполнена неподдельной величественности, радостной торжественности и совсем не напоминает робких и кротких Мадонн, написанных Тицианом ранее. Бог-Отец с двумя ангелами венчают верхний, «небесный», ярус «Ассунты».
Значение в контексте веницианского и римского искусства эпохи Возрождения
«Вознесение Богоматери» не просто одна из вершин и творчества Тициана. «Ассунта» - поистине новое слово в венецианской живописи, никогда ранее не поднимавшейся до таких высот героической патетики и гражданского звучания: творчество Карпаччо, братьев Беллини и в особенности Джорджоне носило куда более камерный характер. Впервые в станковой живописи Тициан дает подобный образец героического стиля с монументальной укрупненностью форм, сопоставимой по мощи только с фресками Микеланджело для Сикстинский капеллы.
#ТицианВечеллио #РелигиознаяCцена #Возрождение
@pic_history
Красавица Европа была единственной дочерью Агенора, царствовавшего в богатом финикийском городе Сидоне. Однажды она увидела сон, в котором за нее боролись две женщины. Одна из них привиделась Европе как материк Азия, а вторая – как земля, находящаяся за морем. В борьбе Азия проиграла и уступила Европу второй женщине. Проснувшись, Европа обратилась к богам с молитвами, прося отвратить от нее возможное несчастье. После она созвала подруг и отправилась с ними гулять на морской берег.
Прекрасная девушка приглянулась Зевсу, главному над богами. Решив похитить Европу, Зевс-громовержец обернулся белым быком и присоединился к стаду, пасшемуся у моря, где в то время прогуливалась Европа со своими спутниками. Красота белого быка покорила девушку: она приблизилась к существу с протянутой рукой, и бык остался спокойным. Европа стала играть с покорным животным, украсила его рога гирляндами цветов, а после взобралась к нему на спину. Тут-то озорной Зевс и унес ее в море. Девушка в ужасе вцепилась в прекрасного быка, который помчался с ней навстречу пенным волнам.
Тициан изобразил на своей картине несущегося на гребне волны Зевса в образе быка; на его спине прекрасная Европа одной рукой держится за рог, а второй машет красным тонким шарфом, пытаясь привлечь внимание оставшихся на берегу подруг. Спутники Европы видят, как она удаляется в море, но бессильны предпринять что-либо. Драматическая составляющая – грозный шипастый морской монстр, которого Тициан поместил на переднем плане, символизирует безысходность происходящего: ведь Европа скорее останется на спине быка, нежели даст пожрать себя чудищу. Вслед за быком плывет амур на спине дельфина, подражая позе Европы – возможно, насмехаясь над ее бедственным положением. Диагональная композиция, выбранная художником для этой работы, придает фигурам ощущение движения, которому вторит изгибающийся берег и неровная горная гряда.
Согласно мифу, Зевс перенес Европу на остров Крит. От этого союза появились на свет трое сыновей: Радаманф, Сарпедон и Минос, ставший царем столицы Крита — Кносса, колыбели первой европейской цивилизации. Как знак любви Зевса к Европе, на небе появилось созвездие божественного быка - Тельца.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Прекрасная девушка приглянулась Зевсу, главному над богами. Решив похитить Европу, Зевс-громовержец обернулся белым быком и присоединился к стаду, пасшемуся у моря, где в то время прогуливалась Европа со своими спутниками. Красота белого быка покорила девушку: она приблизилась к существу с протянутой рукой, и бык остался спокойным. Европа стала играть с покорным животным, украсила его рога гирляндами цветов, а после взобралась к нему на спину. Тут-то озорной Зевс и унес ее в море. Девушка в ужасе вцепилась в прекрасного быка, который помчался с ней навстречу пенным волнам.
Тициан изобразил на своей картине несущегося на гребне волны Зевса в образе быка; на его спине прекрасная Европа одной рукой держится за рог, а второй машет красным тонким шарфом, пытаясь привлечь внимание оставшихся на берегу подруг. Спутники Европы видят, как она удаляется в море, но бессильны предпринять что-либо. Драматическая составляющая – грозный шипастый морской монстр, которого Тициан поместил на переднем плане, символизирует безысходность происходящего: ведь Европа скорее останется на спине быка, нежели даст пожрать себя чудищу. Вслед за быком плывет амур на спине дельфина, подражая позе Европы – возможно, насмехаясь над ее бедственным положением. Диагональная композиция, выбранная художником для этой работы, придает фигурам ощущение движения, которому вторит изгибающийся берег и неровная горная гряда.
Согласно мифу, Зевс перенес Европу на остров Крит. От этого союза появились на свет трое сыновей: Радаманф, Сарпедон и Минос, ставший царем столицы Крита — Кносса, колыбели первой европейской цивилизации. Как знак любви Зевса к Европе, на небе появилось созвездие божественного быка - Тельца.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Мифологическая основа картины Тициана
Согласно мифу, Акрисию, царю греческого Аргоса, дельфийский оракул возвестил, что его сместит с престола собственный внук, которого в будущем родит царская дочь, красавица Даная. Напуганный предсказанием, Акрисий заточил Данаю в башню, куда не доберётся ни одни из смертных. Красотой Данаи пленился Зевс. Бог-громовержец проник к ней в виде золотого дождя. От этой связи на свет появился герой Персей.
Пять «Данай» Тициана
Первый вариант «Данаи» Тициан написал в 1544-1545 годах по заказу кардинала Алессандро Фарнезе, одного из богатейших людей Италии (по слухам, моделью являлась любовница кардинала – известная куртизанка по прозвищу Ангел). Картина хранится в Неаполе, в музее Каподимонте, и отличается от всех последующих версий составом персонажей: во всех остальных будет присутствовать старая кормилица (или служанка). В первой же версии этой героини не было: вместо неё в ногах у Данаи располагается купидон с крылышками и луком, что вполне логично, учитывая образ жизни натурщицы, с которой писалась картина. Да и мифический золотой дождь приобретает в этой связи совсем новые оттенки смысла.
Второй вариант «Данаи» создан около 1553 года для испанского короля Филиппа II. Здесь вместо купидона возникает старая кормилица, которую Тициан будет повторять во всех последующих версиях. Во многом такое изменение оказалось удачным. Оно позволило Тициану обогатить композицию целым рядом смысловых контрастов: молодость и старость, красота и уродство, обнажённая фигура и одетая. Впоследствии «Даная» Филиппа II украшала королевские резиденции Алькасар и Буэн-Ретиро, а после войны за независимость в первой половине ХIX века король Фердинанд VII передал её герцогу Веллингтону, и сейчас картина представлена в резиденции Веллингтонов Эпсли-Хаус (Лондон).
Еще две «Данаи» – из собраний Эрмитажа (Санкт-Петербург) и Историко-художественного музея (Вена) – датируются 1554-м и 1564-м годами соответственно.
Пятая «Даная», хранящаяся в Прадо, написана в промежутке между 1560-1565 годами. По качеству исполнения она превосходит реплики из Петербурга и Вены. Специалисты отмечают, что из всех версий именно эта отличается наибольшим градусом эротизма. В других версиях ноги Данаи прикрывает полупрозрачная ткань – здесь она отсутствует; выражение лица героини с приоткрытыми губами не просто сияет спокойной умиротворённостью, как в прочих версиях, – оно близко к экстатическому; рука Данаи покоится между бёдер, словно облегчая доступ к её телу Зевсу, падающему сверху в виде дождя из золотых монет.
«Даная» и её особый, «тициановский» колорит
Передача теплого свечения заката, усиливающего эротический накал картины, искуснейшее использование Тицианом полутонов и цветовых антитез, отказ от резко обозначенных разделяющих линий создают естественную мягкость колорита, где краски будто особым образом мерцают от пронизывающего их изнутри света, что и получило название тициановского колорита.
Место «Данаи» в творчестве Тициана
Частота повторения одного сюжета и громкие имена заказчиков свидетельствуют о том высоком положении, которое Тициан Вечеллио занимал в художественной иерархии периода Высокого Ренессанса. Тициан ценился не только как непревзойдённый мастер колорита, но и как виртуоз эротической живописи. Тосканский писатель XVI века Джованни делла Каза замечает: Даная в исполнении Тициана соблазнительна настолько, что в сравнении с ней даже его обнажённая «Венера Урбинская» кажется монахиней.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Согласно мифу, Акрисию, царю греческого Аргоса, дельфийский оракул возвестил, что его сместит с престола собственный внук, которого в будущем родит царская дочь, красавица Даная. Напуганный предсказанием, Акрисий заточил Данаю в башню, куда не доберётся ни одни из смертных. Красотой Данаи пленился Зевс. Бог-громовержец проник к ней в виде золотого дождя. От этой связи на свет появился герой Персей.
Пять «Данай» Тициана
Первый вариант «Данаи» Тициан написал в 1544-1545 годах по заказу кардинала Алессандро Фарнезе, одного из богатейших людей Италии (по слухам, моделью являлась любовница кардинала – известная куртизанка по прозвищу Ангел). Картина хранится в Неаполе, в музее Каподимонте, и отличается от всех последующих версий составом персонажей: во всех остальных будет присутствовать старая кормилица (или служанка). В первой же версии этой героини не было: вместо неё в ногах у Данаи располагается купидон с крылышками и луком, что вполне логично, учитывая образ жизни натурщицы, с которой писалась картина. Да и мифический золотой дождь приобретает в этой связи совсем новые оттенки смысла.
Второй вариант «Данаи» создан около 1553 года для испанского короля Филиппа II. Здесь вместо купидона возникает старая кормилица, которую Тициан будет повторять во всех последующих версиях. Во многом такое изменение оказалось удачным. Оно позволило Тициану обогатить композицию целым рядом смысловых контрастов: молодость и старость, красота и уродство, обнажённая фигура и одетая. Впоследствии «Даная» Филиппа II украшала королевские резиденции Алькасар и Буэн-Ретиро, а после войны за независимость в первой половине ХIX века король Фердинанд VII передал её герцогу Веллингтону, и сейчас картина представлена в резиденции Веллингтонов Эпсли-Хаус (Лондон).
Еще две «Данаи» – из собраний Эрмитажа (Санкт-Петербург) и Историко-художественного музея (Вена) – датируются 1554-м и 1564-м годами соответственно.
Пятая «Даная», хранящаяся в Прадо, написана в промежутке между 1560-1565 годами. По качеству исполнения она превосходит реплики из Петербурга и Вены. Специалисты отмечают, что из всех версий именно эта отличается наибольшим градусом эротизма. В других версиях ноги Данаи прикрывает полупрозрачная ткань – здесь она отсутствует; выражение лица героини с приоткрытыми губами не просто сияет спокойной умиротворённостью, как в прочих версиях, – оно близко к экстатическому; рука Данаи покоится между бёдер, словно облегчая доступ к её телу Зевсу, падающему сверху в виде дождя из золотых монет.
«Даная» и её особый, «тициановский» колорит
Передача теплого свечения заката, усиливающего эротический накал картины, искуснейшее использование Тицианом полутонов и цветовых антитез, отказ от резко обозначенных разделяющих линий создают естественную мягкость колорита, где краски будто особым образом мерцают от пронизывающего их изнутри света, что и получило название тициановского колорита.
Место «Данаи» в творчестве Тициана
Частота повторения одного сюжета и громкие имена заказчиков свидетельствуют о том высоком положении, которое Тициан Вечеллио занимал в художественной иерархии периода Высокого Ренессанса. Тициан ценился не только как непревзойдённый мастер колорита, но и как виртуоз эротической живописи. Тосканский писатель XVI века Джованни делла Каза замечает: Даная в исполнении Тициана соблазнительна настолько, что в сравнении с ней даже его обнажённая «Венера Урбинская» кажется монахиней.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Символы и аллегории в «Венере Урбинской»
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
Для свадебной картины обязательными являлись атрибуты, призванные символизировать супружескую верность, и «Венера Урбинская» строго следует этому правилу. В центре композиции оказывается округленный женский живот, вечный символ чадородия и продолжения жизни. Левая рука женщины стыдливо прикрывает лоно. Белые простыни и подушки, на которых она возлежит, должны символизировать её чистоту. Шиповник в руках и мирт на окне – традиционные аллегории брачной жизни; собачка, свернувшаяся кольцом у ног, символизирует преданность. Служанки на заднем плане (одна роется в кассоне – свадебном сундуке, вторая нетерпеливо ждёт) должны с минуты на минуту приступить к процедуре облачения своей госпожи.
«Венера Урбинская» Тициана и «Спящая Венера» Джорджоне
«Венера Урбинская» написана Тицианом под явным воздействием полотна его современника Джорджоне «Спящая Венера». 33-летний Джорджоне, обогативший традиционный помпезный венецианский стиль невиданной доселе живостью и непосредственностью восприятия природы, трагически умер в расцвете сил от господствовавшей в Венеции чумы. По преданию, Тициану чудом удалось спасти несколько полотен Джорджоне от огня: дабы избежать распространения инфекции, все вещи погибших от чумы сжигались. Среди спасённых картин оказалась и «Спящая Венера». Она потрясла Тициана своим необыкновенным композиционным совершенством: вытянутый и замкнутый контур женского тела выглядел непривычно и потрясал гармонической завершённостью. Друзья умершего художника неоднократно обращались к Тициану с просьбой восстановить пострадавшие полотна Джорджоне и закончить те, что не были им дописаны, что Тициан и сделал. Позднее он повторил композиционное решение «Спящей Венеры» в своей «Венере Урбинской», перенеся её с лона природы в интерьер богатого венецианского дома. В образе тициановской Венеры, в сравнении с Венерой Джорджоне, возможно, меньше поэтической возвышенности и больше неприкрытой чувственности, но этим достигается и большая реалистичность, прямая жизненность образа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяCцена #Возрождение
Telegram
История одной картины
"Спящая Венера"
1510 г.
Джорджоне
Дрезденская картинная галерея.
1510 г.
Джорджоне
Дрезденская картинная галерея.
Легенда о Святом Себастьяне
В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги.
Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян»
В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета».
Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе.
Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #РелигиознаяСцена #Возрождение
В базилике Святого Себастьяна, расположенной в районе античных катакомб Рима, хранятся мощи легионера, капитана римских лучников, который за стойкость в исповедании веры был признан Католической церковью святым. Себастьян тайно принял христианство и приобщал к нему других язычников. За это император Диоклетиан назначил страшное наказание: легионера привязали к дереву и лучники из его когорты должны были пускать в Себастьяна стрелы, пока он не превратится, по словам одного доминиканского монаха, «в подобие дикообраза». Житие сообщает, что после этого истязания Себастьян выжил, однако был приговорен к повторной казни через побиение камнями. Его изувеченное тело обнаружила в придорожной канаве святая Лючия и предала земле близ Аппиевой дороги.
Художественное своеобразие картины Тициана «Святой Себастьян»
В определённом смысле «Святой Себастьян» представляет собой итог творческих исканий Тициана как величайшего колориста. Тициан мыслит не линиями, не объемами и массами, не светотенью или пропорциями, как другие художники, - он воспроизводит мир и воссоздаёт форму исключительно красками, через цвет и соотношение тонов. Тончайшие рефлексы желтого, розового, коричневого позволяют передать дыхание и трепет живой и страдающей плоти. Тревожный колорит картины, где ночь освещена языками пламени, бросающими на тело мученика капризные дрожащие отсветы, а мрачная земля сливается с апокалиптически черным небом, позволил искусствоведам увидеть в этом темном полотне «настоящую симфонию цвета».
Интересно, что если в ранний и зрелый периоды творчества Тициана основным носителем цвета выступали ткани и предметы интерьера, то в поздний период главным ретранслятором красочного звучания становится человеческое тело, беззащитное и прекрасное в своей наготе.
Поза Себастьяна, привязанного к дереву, но не сломленного, не утратившего достоинства и даже перед лицом надвигающейся смерти не открекшегося от Христа, выражает глубокую веру Тициана в стойкость человеческого духа.
@pic_history
#ТицианВечеллио #РелигиознаяСцена #Возрождение