Горы трупов, которые всадница оставляет за собой, ее не радуют и не печалят – она просто проносится над ними. Факел в ее руке – словно страшная игрушка в руках равнодушно-сумасшедшего дитяти. Ощущение катастрофы и разрушения подчеркивают голые деревья и сломанная ветка. Покалеченные тела кажутся призрачными. Всадница раздора, слетающие к трупам вороны и зарево пожара вдали – куда большая реальность, чем эти тела, еще недавно бывшие людьми.

Когда Анри Руссо встретил свою вторую любовь, Жозефину, она была замужем за скверным типом, месье Тансере, который беспробудно пил и поколачивал женщину. Что мог сделать художник? Кое-что мог. Он изобразил супруга любимой в виде трупа – бородач справа, на груди которого уже пристроился ворон, выклевывающий ему глаза, – это и есть муж Жозефины. По слухам, собратья Руссо по масонской ложе осудили этот приём. Однако результаты он принес, магия живописи не делает холостых выстрелов: через некоторое время муж Жозефины, будучи пьяным, умер в придорожной канаве…

Себя художник тоже изобразил на этой картине. Он здесь – единственное, кроме всадницы и птиц, живое существо. Справа, на переднем плане лежит человек с открытыми глазами. С одной стороны, это торжество жизни – всадница раздора проносится над ним, вокруг трупы, а он – жив. С другой – признание, сажем так, недолговечности этого явления. Долго ли ему оставаться в живых, если война несется над ним?

«Война» – первая картина Руссо, удостоенная похвалы. До этого критики если и упоминали Руссо, то исключительно как мишень для насмешек. А в1894 году в газете «Меркюр де Франс» наконец появилась одобрительная рецензия.

«Картина великолепно передает потрясающую атмосферу бедствия и невосполнимых потерь; ничто и никогда не будет здесь жить. Пылающий вдали огонь довершит жестокость, причиненную оружием. Надо быть недобросовестным, чтобы утверждать, что человек, способный внушить нам подобные мысли, не художник», – написал художественный критик Альбер дю Руа.

@pic_history

#АнриРуссо

"Ночь и сон"
1878 г.
Эвелин де Морган
Поместье Уайтвик, Вулвергемптон.

@pic_history

"Дерево"
1911 г.
Михаил Федорович Ларионов
Государственный Русский музей.

@pic_history

"Письмо"
1891 г.
Мэри Кассат
Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк.

«Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи.

@pic_history

Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет.

«Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке.

Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно.

Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице.

«Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега.

Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти.

@pic_history

#МэриКассат

"Уличная сцена"
1900 г.
Пабло Пикассо
Музей современного искусства, Сан-Франциско.

@pic_history

"Комсомолка"
1937 г.
Николай Павлович Шлеин
Костромской государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.

@pic_history

"Портрет старика с внуком"
1480-е
Доменико Гирландайо
Лувр, Париж.

«Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета.

@pic_history

«Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений.

О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался.

«Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации.

Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных.

@pic_history

#ДоменикоГирландайо #Портрет #Возрождение

"Прибой"
1897 г.
Иван Константинович Айвазовский
Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.

@pic_history

Уровень религиозности населения и авторитет духовенства в допетровской Руси были невообразимо высоки. Особую роль в жизни общества и страны играло монашество. На окраинах государства монастыри выполняли роль оборонительных крепостей, прикрывающих территорию от внешних ударов. А внутри страны за советом и поддержкой к монахам обращались люди разных сословий.

@pic_history