"Автопортрет"
1890 г.
Анри Руссо
Национальная галерея в Праге.
В возрасте 46 лет Руссо создал автопортрет, изобразив себя на фоне городского пейзажа и назвав его "портретом-пейзажем". Несоотнесенность размеров на автопортрете словно разбивает полотно на две части: собственно, как и следует из названия: портрет и пейзаж. За спиной художника – Париж, мост через Сену, небольшие домики, Эйфелева башня и корабль с мачтой, увешанной флагами разных стран, воздушный шар в небе.
Сам художник одет в элегантный черный костюм; берет, кисть и палитра указывают на его профессию. Справа от головы пролетает воздушный шар. Это - символ эпохи, в которой жил автор картины. Его фигура непропорционально велика, указывая на амбиции Руссо стать известным академическим художником.
Интересно, что со временем художник фиксировал изменения, произошедшие с ним, на портрете. К надписи Клеманс на палитре добавилась Жозефина, имена первой и второй жен Руссо. На левом лацкане пиджака появился значок, подаренный министерством культуры за преподавание в Филотехнической школе. Представленная в марте 1890 года на Салоне Независимых картина подвергалась насмешкам и издевательствам со стороны критиков, сумевших оценить замысел автора лишь много лет спустя.
#АнриРуссо #Портрет #Примитивизм
1890 г.
Анри Руссо
Национальная галерея в Праге.
В возрасте 46 лет Руссо создал автопортрет, изобразив себя на фоне городского пейзажа и назвав его "портретом-пейзажем". Несоотнесенность размеров на автопортрете словно разбивает полотно на две части: собственно, как и следует из названия: портрет и пейзаж. За спиной художника – Париж, мост через Сену, небольшие домики, Эйфелева башня и корабль с мачтой, увешанной флагами разных стран, воздушный шар в небе.
Сам художник одет в элегантный черный костюм; берет, кисть и палитра указывают на его профессию. Справа от головы пролетает воздушный шар. Это - символ эпохи, в которой жил автор картины. Его фигура непропорционально велика, указывая на амбиции Руссо стать известным академическим художником.
Интересно, что со временем художник фиксировал изменения, произошедшие с ним, на портрете. К надписи Клеманс на палитре добавилась Жозефина, имена первой и второй жен Руссо. На левом лацкане пиджака появился значок, подаренный министерством культуры за преподавание в Филотехнической школе. Представленная в марте 1890 года на Салоне Независимых картина подвергалась насмешкам и издевательствам со стороны критиков, сумевших оценить замысел автора лишь много лет спустя.
#АнриРуссо #Портрет #Примитивизм
"Муза, вдохновляющая поэта"
1909 г.
Анри Руссо
Базельский художественный музей.
«Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне.
Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь.
Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!».
Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый!
Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо.
Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона.
#АнриРуссо #Примитивизм
@pic_history
1909 г.
Анри Руссо
Базельский художественный музей.
«Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне.
Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь.
Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!».
Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый!
Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо.
Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона.
#АнриРуссо #Примитивизм
@pic_history
"Война"
1894 г.
Анри Руссо
Музей д’Орсе, Париж.
«Война» интерпретирует известный сюжет о всадниках Апокалипсиса. Но вместо четырех перед нами одна – всадница раздора, Война. Она изображена не злой старухой. Напротив, это ребенок. Не знающий границ и не слышащий гласа разума. Выпустивший ее на свободу, призвавший тут же утрачивает над ней контроль, она несется, круша всё на своем пути. И именно потому, что она не «злая», просто такова ее природа, ее невозможно убедить, остановить, уговорить. Она неотвратима и неподвластна логике, как неподвластны ей цунами и пожар.
Горы трупов, которые всадница оставляет за собой, ее не радуют и не печалят – она просто проносится над ними. Факел в ее руке – словно страшная игрушка в руках равнодушно-сумасшедшего дитяти. Ощущение катастрофы и разрушения подчеркивают голые деревья и сломанная ветка. Покалеченные тела кажутся призрачными. Всадница раздора, слетающие к трупам вороны и зарево пожара вдали – куда большая реальность, чем эти тела, еще недавно бывшие людьми.
Когда Анри Руссо встретил свою вторую любовь, Жозефину, она была замужем за скверным типом, месье Тансере, который беспробудно пил и поколачивал женщину. Что мог сделать художник? Кое-что мог. Он изобразил супруга любимой в виде трупа – бородач справа, на груди которого уже пристроился ворон, выклевывающий ему глаза, – это и есть муж Жозефины. По слухам, собратья Руссо по масонской ложе осудили этот приём. Однако результаты он принес, магия живописи не делает холостых выстрелов: через некоторое время муж Жозефины, будучи пьяным, умер в придорожной канаве…
Себя художник тоже изобразил на этой картине. Он здесь – единственное, кроме всадницы и птиц, живое существо. Справа, на переднем плане лежит человек с открытыми глазами. С одной стороны, это торжество жизни – всадница раздора проносится над ним, вокруг трупы, а он – жив. С другой – признание, сажем так, недолговечности этого явления. Долго ли ему оставаться в живых, если война несется над ним?
«Война» – первая картина Руссо, удостоенная похвалы. До этого критики если и упоминали Руссо, то исключительно как мишень для насмешек. А в1894 году в газете «Меркюр де Франс» наконец появилась одобрительная рецензия.
«Картина великолепно передает потрясающую атмосферу бедствия и невосполнимых потерь; ничто и никогда не будет здесь жить. Пылающий вдали огонь довершит жестокость, причиненную оружием. Надо быть недобросовестным, чтобы утверждать, что человек, способный внушить нам подобные мысли, не художник», – написал художественный критик Альбер дю Руа.
#АнриРуссо
@pic_history
1894 г.
Анри Руссо
Музей д’Орсе, Париж.
«Война» интерпретирует известный сюжет о всадниках Апокалипсиса. Но вместо четырех перед нами одна – всадница раздора, Война. Она изображена не злой старухой. Напротив, это ребенок. Не знающий границ и не слышащий гласа разума. Выпустивший ее на свободу, призвавший тут же утрачивает над ней контроль, она несется, круша всё на своем пути. И именно потому, что она не «злая», просто такова ее природа, ее невозможно убедить, остановить, уговорить. Она неотвратима и неподвластна логике, как неподвластны ей цунами и пожар.
Горы трупов, которые всадница оставляет за собой, ее не радуют и не печалят – она просто проносится над ними. Факел в ее руке – словно страшная игрушка в руках равнодушно-сумасшедшего дитяти. Ощущение катастрофы и разрушения подчеркивают голые деревья и сломанная ветка. Покалеченные тела кажутся призрачными. Всадница раздора, слетающие к трупам вороны и зарево пожара вдали – куда большая реальность, чем эти тела, еще недавно бывшие людьми.
Когда Анри Руссо встретил свою вторую любовь, Жозефину, она была замужем за скверным типом, месье Тансере, который беспробудно пил и поколачивал женщину. Что мог сделать художник? Кое-что мог. Он изобразил супруга любимой в виде трупа – бородач справа, на груди которого уже пристроился ворон, выклевывающий ему глаза, – это и есть муж Жозефины. По слухам, собратья Руссо по масонской ложе осудили этот приём. Однако результаты он принес, магия живописи не делает холостых выстрелов: через некоторое время муж Жозефины, будучи пьяным, умер в придорожной канаве…
Себя художник тоже изобразил на этой картине. Он здесь – единственное, кроме всадницы и птиц, живое существо. Справа, на переднем плане лежит человек с открытыми глазами. С одной стороны, это торжество жизни – всадница раздора проносится над ним, вокруг трупы, а он – жив. С другой – признание, сажем так, недолговечности этого явления. Долго ли ему оставаться в живых, если война несется над ним?
«Война» – первая картина Руссо, удостоенная похвалы. До этого критики если и упоминали Руссо, то исключительно как мишень для насмешек. А в1894 году в газете «Меркюр де Франс» наконец появилась одобрительная рецензия.
«Картина великолепно передает потрясающую атмосферу бедствия и невосполнимых потерь; ничто и никогда не будет здесь жить. Пылающий вдали огонь довершит жестокость, причиненную оружием. Надо быть недобросовестным, чтобы утверждать, что человек, способный внушить нам подобные мысли, не художник», – написал художественный критик Альбер дю Руа.
#АнриРуссо
@pic_history
"Сон"
1910 г.
Анри Руссо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Огромное полотно «Сон» нередко называют лучшим произведением Руссо. Это то ли последняя, то ли одна из последних (сведения разнятся) его работ, и в ней, пожалуй, художник сказал всё, чему научился за свою жизнь.
«Сон» можно официально считать предтечей сюрреализма. Руссо нередко подстраховывался, дабы публика правильно поняла, «что хотел сказать художник», и снабжал картины обширными комментариям. В частности, «Сон» получил такую аннотацию от создателя: «Ядвиге снится волшебный сон. Она спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц отбрасывает свет на цветы и зеленые деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки».
По одной из легенд, Ядвигой звали польку, в которую Руссо в юности был влюблен. Впрочем, он утверждал, что на «Портрете Ядвиги», выкупленном Пикассо в магазине по цене чистого холста, изображена его учительница-полька. Конечно, юноша вполне мог быть влюблен и в учительницу, но здесь мы окончательно переходим в область догадок, поэтому вернемся к факту: Руссо нравилось имя Ядвига.
«Сон» воспроизводит пространство сновидения, причем это именно пространство – потрясающее богатство палитры позволило художнику создать трехмерность. Новаторским сюжетным открытием стал перенос спящей девушки в мир ее сновидения. То есть перенесена не Ядвига – персонаж сна, а сама Ядвига, смотрящая сон. Подзаголовком картины можно бы сделать «Так зарождался сюрреализм». Ирония в том, что столь необычным образом Таможенник выразил свое пристрастие к академической, салонной живописи. Есть ли что-то более типичное для этого направления, чем обнаженная девушка, возлежащая на диване? В трактовке Руссо этот сюжет банальным точно не назовешь!
С технической и колористической стороны картина безупречна – множество оттенков зелени (здесь использовано более 20 зеленых тонов), создающих ощущение глубины, яркие вплетения экзотических цветов, спелые плоды. Тропическое буйство цветов, плодов, зелени создает аллюзию рая. Множество животных и птиц, темнокожий музыкант, про которого нам художник разъяснил, что он – искуситель. Но в этом сновидении речь не пойдет ни об опасности, ни об изгнании, сон явно и очевидно сладостен, воистину райский сон.
В отличие от множества других работ Руссо, которые встречали насмешками и публика, и коллеги, выставленный на 26-м Салоне Независимых «Сон» сразу же привлек восхищенное внимание. Поэт Гийом Аполлинер написал об экспозиции статью, отметив, что уж теперь-то над Таможенником вряд ли кто осмелится смеяться – и публика, и художники признали картину шедевром. А основоположник сюрреализма в литературе Андре Бретон утверждал, что эта картина «впитала в себя всю поэзию и все тайны нашего времени».
#АнриРуссо
@pic_history
1910 г.
Анри Руссо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Огромное полотно «Сон» нередко называют лучшим произведением Руссо. Это то ли последняя, то ли одна из последних (сведения разнятся) его работ, и в ней, пожалуй, художник сказал всё, чему научился за свою жизнь.
«Сон» можно официально считать предтечей сюрреализма. Руссо нередко подстраховывался, дабы публика правильно поняла, «что хотел сказать художник», и снабжал картины обширными комментариям. В частности, «Сон» получил такую аннотацию от создателя: «Ядвиге снится волшебный сон. Она спокойно уснула под звуки флейты неизвестного соблазнителя. Когда месяц отбрасывает свет на цветы и зеленые деревья, звери, и даже хищники, замирают, прислушиваясь к чудесным звукам музыки».
По одной из легенд, Ядвигой звали польку, в которую Руссо в юности был влюблен. Впрочем, он утверждал, что на «Портрете Ядвиги», выкупленном Пикассо в магазине по цене чистого холста, изображена его учительница-полька. Конечно, юноша вполне мог быть влюблен и в учительницу, но здесь мы окончательно переходим в область догадок, поэтому вернемся к факту: Руссо нравилось имя Ядвига.
«Сон» воспроизводит пространство сновидения, причем это именно пространство – потрясающее богатство палитры позволило художнику создать трехмерность. Новаторским сюжетным открытием стал перенос спящей девушки в мир ее сновидения. То есть перенесена не Ядвига – персонаж сна, а сама Ядвига, смотрящая сон. Подзаголовком картины можно бы сделать «Так зарождался сюрреализм». Ирония в том, что столь необычным образом Таможенник выразил свое пристрастие к академической, салонной живописи. Есть ли что-то более типичное для этого направления, чем обнаженная девушка, возлежащая на диване? В трактовке Руссо этот сюжет банальным точно не назовешь!
С технической и колористической стороны картина безупречна – множество оттенков зелени (здесь использовано более 20 зеленых тонов), создающих ощущение глубины, яркие вплетения экзотических цветов, спелые плоды. Тропическое буйство цветов, плодов, зелени создает аллюзию рая. Множество животных и птиц, темнокожий музыкант, про которого нам художник разъяснил, что он – искуситель. Но в этом сновидении речь не пойдет ни об опасности, ни об изгнании, сон явно и очевидно сладостен, воистину райский сон.
В отличие от множества других работ Руссо, которые встречали насмешками и публика, и коллеги, выставленный на 26-м Салоне Независимых «Сон» сразу же привлек восхищенное внимание. Поэт Гийом Аполлинер написал об экспозиции статью, отметив, что уж теперь-то над Таможенником вряд ли кто осмелится смеяться – и публика, и художники признали картину шедевром. А основоположник сюрреализма в литературе Андре Бретон утверждал, что эта картина «впитала в себя всю поэзию и все тайны нашего времени».
#АнриРуссо
@pic_history
"Спящая цыганка"
1897 г.
Анри Руссо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Картину «Спящая цыганка» Руссо предлагал приобрести мэру своего родного города Лаваля за 2000 франков. Тот даже не удостоил послание ответом. Зато это письмо послужило доказательством авторства – многие полагали картину розыгрышем Дерена, якобы написавшего её «под Руссо».
Как мечтал Таможенник (под таким прозвищем Руссо вошел в историю мировой живописи) прославиться в качестве художника-реалиста, как искренне верил, что его картины – реалистические! С какой надеждой именовал он себя в биографии, которая так и не будет опубликована, «одним из наших лучших художников-реалистов современности».
Своими учителями Руссо считал популярных в то время Феликса Клемана и Леона Жерома. По его словам, он «пользовался некоторыми советами» этих живописцев. Не факт, что они сами об этом знали, по крайней мере, о встречах с Жеромом ничего неизвестно, хотя, по слухам, мэтр салонной живописи как-то раскритиковал в пух и прах картины Руссо (и Моне тогда тоже досталось).
Тем не менее, Руссо очень старался работать в реалистическом стиле и подражал своим учителям: Жером достаточно много писал диких животных, любил их изображать и Таможенник. В частности, эта картина вдохновлена «Святым Иеронимом» Жерома. Если святой может спать, облокотившись на льва, что мешает спящей цыганке соседствовать со львом?
Дополнительным подтверждением того, что картина написана в реалистическом стиле, по мнению Руссо, были детали – раз пустыня, так вот же и кувшин с водой. В письме мэру художник старательно подчеркивал этот факт: «рядом с ней изображён лежащий кувшин (внутри него питьевая вода)». Мандолина возле спящей, по задумке Руссо, должна свидетельствовать о роде её занятий.
Цыганка изображена в стилистике восточных женщин, цветная одежда контрастирует с темным тоном лица. Изображение двухмерно. Конечно, это не реализм. Но неумение Руссо выстраивать перспективу и соотносить размеры обуславливает грандиозность картины, придает ей ощущение некой монументальности и, пожалуй, даже мифологичности. Подобное можно наблюдать в работах грузинского самоучки Нико Пиросмани.
Ни Руссо, ни Пиросмани не умели создавать пространственные конструкции на холсте. Но в некоторых случаях неумение и незнание того, «как это делается», приводят к росту мастерства в другом направлении. В частности, Руссо – блестящий колорист, во многих работах он вполне успешно создает перспективу исключительно посредством виртуозного использования цвета.
О «Спящей цыганке» Руссо сказал, что она утопает в лунном свете. И действительно, прохладный, спокойный свет заполнил холст, создавая ощущение умиротворения и гармонии, несмотря на сюжет, который теоретически о «жажде крови». Таможенник часто сопровождал свои картины длинными подписями. В частности, когда «Цыганка» была выставлена на Салоне независимых, к раме картины художник прикрепил пояснительный текст: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, застывает на месте, не решаясь наброситься на крепко спящую обессилевшую жертву».
Но спящую жертву и льва заливает лунный мягкий свет, поэтому мы знаем, что драмы не будет. Собственно, как ее нет и в прообразе, подтолкнувшем Руссо к написанию этой картины – Святой Иероним спокойно спит на льве.
Поскольку мэр Лаваля предложение Руссо проигнорировал, картина оказалась в частной коллекции в Париже. В 1924 году ее приобрел коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер, а позже у него перекупил для Нью-йоркского музея историк искусства Альфред Барр.
#АнриРуссо
@pic_history
1897 г.
Анри Руссо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Картину «Спящая цыганка» Руссо предлагал приобрести мэру своего родного города Лаваля за 2000 франков. Тот даже не удостоил послание ответом. Зато это письмо послужило доказательством авторства – многие полагали картину розыгрышем Дерена, якобы написавшего её «под Руссо».
Как мечтал Таможенник (под таким прозвищем Руссо вошел в историю мировой живописи) прославиться в качестве художника-реалиста, как искренне верил, что его картины – реалистические! С какой надеждой именовал он себя в биографии, которая так и не будет опубликована, «одним из наших лучших художников-реалистов современности».
Своими учителями Руссо считал популярных в то время Феликса Клемана и Леона Жерома. По его словам, он «пользовался некоторыми советами» этих живописцев. Не факт, что они сами об этом знали, по крайней мере, о встречах с Жеромом ничего неизвестно, хотя, по слухам, мэтр салонной живописи как-то раскритиковал в пух и прах картины Руссо (и Моне тогда тоже досталось).
Тем не менее, Руссо очень старался работать в реалистическом стиле и подражал своим учителям: Жером достаточно много писал диких животных, любил их изображать и Таможенник. В частности, эта картина вдохновлена «Святым Иеронимом» Жерома. Если святой может спать, облокотившись на льва, что мешает спящей цыганке соседствовать со львом?
Дополнительным подтверждением того, что картина написана в реалистическом стиле, по мнению Руссо, были детали – раз пустыня, так вот же и кувшин с водой. В письме мэру художник старательно подчеркивал этот факт: «рядом с ней изображён лежащий кувшин (внутри него питьевая вода)». Мандолина возле спящей, по задумке Руссо, должна свидетельствовать о роде её занятий.
Цыганка изображена в стилистике восточных женщин, цветная одежда контрастирует с темным тоном лица. Изображение двухмерно. Конечно, это не реализм. Но неумение Руссо выстраивать перспективу и соотносить размеры обуславливает грандиозность картины, придает ей ощущение некой монументальности и, пожалуй, даже мифологичности. Подобное можно наблюдать в работах грузинского самоучки Нико Пиросмани.
Ни Руссо, ни Пиросмани не умели создавать пространственные конструкции на холсте. Но в некоторых случаях неумение и незнание того, «как это делается», приводят к росту мастерства в другом направлении. В частности, Руссо – блестящий колорист, во многих работах он вполне успешно создает перспективу исключительно посредством виртуозного использования цвета.
О «Спящей цыганке» Руссо сказал, что она утопает в лунном свете. И действительно, прохладный, спокойный свет заполнил холст, создавая ощущение умиротворения и гармонии, несмотря на сюжет, который теоретически о «жажде крови». Таможенник часто сопровождал свои картины длинными подписями. В частности, когда «Цыганка» была выставлена на Салоне независимых, к раме картины художник прикрепил пояснительный текст: «Хищник, обуреваемый жаждой крови, застывает на месте, не решаясь наброситься на крепко спящую обессилевшую жертву».
Но спящую жертву и льва заливает лунный мягкий свет, поэтому мы знаем, что драмы не будет. Собственно, как ее нет и в прообразе, подтолкнувшем Руссо к написанию этой картины – Святой Иероним спокойно спит на льве.
Поскольку мэр Лаваля предложение Руссо проигнорировал, картина оказалась в частной коллекции в Париже. В 1924 году ее приобрел коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер, а позже у него перекупил для Нью-йоркского музея историк искусства Альфред Барр.
#АнриРуссо
@pic_history
Художника-самоучку не останавливали ни насмешки публики на выставках, ни едкие комментарии профессиональных коллег. Хотя среди его наиболее преданных поклонников числились Робер Делоне и Пабло Пикассо, а мэтр Камиль Писсарро отмечал богатство тонов картины Руссо «Карнавальный вечер» на выставке Салона независимых в 1886 году. Сам Руссо предельно серьезно относился к своему хобби и даже уволился со службы на таможне, чтобы посвятить ему все свое время.
Художник, проложивший дорогу в искусстве всем самоучкам, искренне верил, что придерживался канонов академической живописи и относил свои работы к реализму. Он был настолько непосредственен и наивен, что всегда принимал саркастичные высказывания о своем творчестве за чистую монету, а согласно одной легенде даже сказал однажды своему главному почитателю: «Пикассо, мы с тобой величайшие художники своего времени: ты – древневосточного направления, я – современного».
Помимо карьеры профессионального художника, Руссо мечтал о дальних путешествиях по экзотическим странам и головокружительных приключениях. Свои мечты он воплощал в полотнах, написав обширный цикл о жизни диких животных в джунглях. Он смешивал фантазии и реальность не только на холсте, рассказывая своим друзьям о поездке в Мексику и скитаниях в тропических лесах.
На самом деле он черпал вдохновение в Ботаническом саду и Зоологическом музее в Париже, где зарисовывал с натуры диковинные растения и чучела животных. Но, не обладая необходимыми навыками для правильной передачи их анатомии, Руссо создавал потрясающие своей детской непосредственностью рисунки, на которых сложно воспринимать всерьез трагедию жертвы, столкнувшейся с опасным хищником. На картине «Нападение ягуара на лошадь» этот сюжет написан так неумело, что противостояние животных напоминает скорее любовные игры, чем смертельную схватку. Но это лишь придает работе неотразимое обаяние.
Руссо очень любил зеленый цвет и гордился, когда ему удавалось использовать более двух десятков его оттенков, как и на этой картине. Итальянский художник и критик Арденго Соффичи описывал, как ему удалось стать свидетелем работы художника. Сначала Руссо тщательно прорисовывал все контуры растений, а затем писал каждый тон в отдельности, счищая всю краску с палитры перед тем, как приступать к следующему. Постепенно на его холсте вырастали фантастические затерянные миры с невиданными растениями и яркими цветами, будоражащие воображение и внушающие любовь с первого взгляда.
@pic_history
#АнриРуссо #Примитивизм #Анимализм
Художник, проложивший дорогу в искусстве всем самоучкам, искренне верил, что придерживался канонов академической живописи и относил свои работы к реализму. Он был настолько непосредственен и наивен, что всегда принимал саркастичные высказывания о своем творчестве за чистую монету, а согласно одной легенде даже сказал однажды своему главному почитателю: «Пикассо, мы с тобой величайшие художники своего времени: ты – древневосточного направления, я – современного».
Помимо карьеры профессионального художника, Руссо мечтал о дальних путешествиях по экзотическим странам и головокружительных приключениях. Свои мечты он воплощал в полотнах, написав обширный цикл о жизни диких животных в джунглях. Он смешивал фантазии и реальность не только на холсте, рассказывая своим друзьям о поездке в Мексику и скитаниях в тропических лесах.
На самом деле он черпал вдохновение в Ботаническом саду и Зоологическом музее в Париже, где зарисовывал с натуры диковинные растения и чучела животных. Но, не обладая необходимыми навыками для правильной передачи их анатомии, Руссо создавал потрясающие своей детской непосредственностью рисунки, на которых сложно воспринимать всерьез трагедию жертвы, столкнувшейся с опасным хищником. На картине «Нападение ягуара на лошадь» этот сюжет написан так неумело, что противостояние животных напоминает скорее любовные игры, чем смертельную схватку. Но это лишь придает работе неотразимое обаяние.
Руссо очень любил зеленый цвет и гордился, когда ему удавалось использовать более двух десятков его оттенков, как и на этой картине. Итальянский художник и критик Арденго Соффичи описывал, как ему удалось стать свидетелем работы художника. Сначала Руссо тщательно прорисовывал все контуры растений, а затем писал каждый тон в отдельности, счищая всю краску с палитры перед тем, как приступать к следующему. Постепенно на его холсте вырастали фантастические затерянные миры с невиданными растениями и яркими цветами, будоражащие воображение и внушающие любовь с первого взгляда.
@pic_history
#АнриРуссо #Примитивизм #Анимализм
Telegram
История одной картины
"Карнавальный вечер"
1886 г.
Анри Руссо
Художественный музей Филадельфии.
1886 г.
Анри Руссо
Художественный музей Филадельфии.
Горы трупов, которые всадница оставляет за собой, ее не радуют и не печалят – она просто проносится над ними. Факел в ее руке – словно страшная игрушка в руках равнодушно-сумасшедшего дитяти. Ощущение катастрофы и разрушения подчеркивают голые деревья и сломанная ветка. Покалеченные тела кажутся призрачными. Всадница раздора, слетающие к трупам вороны и зарево пожара вдали – куда большая реальность, чем эти тела, еще недавно бывшие людьми.
Когда Анри Руссо встретил свою вторую любовь, Жозефину, она была замужем за скверным типом, месье Тансере, который беспробудно пил и поколачивал женщину. Что мог сделать художник? Кое-что мог. Он изобразил супруга любимой в виде трупа – бородач справа, на груди которого уже пристроился ворон, выклевывающий ему глаза, – это и есть муж Жозефины. По слухам, собратья Руссо по масонской ложе осудили этот приём. Однако результаты он принес, магия живописи не делает холостых выстрелов: через некоторое время муж Жозефины, будучи пьяным, умер в придорожной канаве…
Себя художник тоже изобразил на этой картине. Он здесь – единственное, кроме всадницы и птиц, живое существо. Справа, на переднем плане лежит человек с открытыми глазами. С одной стороны, это торжество жизни – всадница раздора проносится над ним, вокруг трупы, а он – жив. С другой – признание, сажем так, недолговечности этого явления. Долго ли ему оставаться в живых, если война несется над ним?
«Война» – первая картина Руссо, удостоенная похвалы. До этого критики если и упоминали Руссо, то исключительно как мишень для насмешек. А в1894 году в газете «Меркюр де Франс» наконец появилась одобрительная рецензия.
«Картина великолепно передает потрясающую атмосферу бедствия и невосполнимых потерь; ничто и никогда не будет здесь жить. Пылающий вдали огонь довершит жестокость, причиненную оружием. Надо быть недобросовестным, чтобы утверждать, что человек, способный внушить нам подобные мысли, не художник», – написал художественный критик Альбер дю Руа.
@pic_history
#АнриРуссо
Когда Анри Руссо встретил свою вторую любовь, Жозефину, она была замужем за скверным типом, месье Тансере, который беспробудно пил и поколачивал женщину. Что мог сделать художник? Кое-что мог. Он изобразил супруга любимой в виде трупа – бородач справа, на груди которого уже пристроился ворон, выклевывающий ему глаза, – это и есть муж Жозефины. По слухам, собратья Руссо по масонской ложе осудили этот приём. Однако результаты он принес, магия живописи не делает холостых выстрелов: через некоторое время муж Жозефины, будучи пьяным, умер в придорожной канаве…
Себя художник тоже изобразил на этой картине. Он здесь – единственное, кроме всадницы и птиц, живое существо. Справа, на переднем плане лежит человек с открытыми глазами. С одной стороны, это торжество жизни – всадница раздора проносится над ним, вокруг трупы, а он – жив. С другой – признание, сажем так, недолговечности этого явления. Долго ли ему оставаться в живых, если война несется над ним?
«Война» – первая картина Руссо, удостоенная похвалы. До этого критики если и упоминали Руссо, то исключительно как мишень для насмешек. А в1894 году в газете «Меркюр де Франс» наконец появилась одобрительная рецензия.
«Картина великолепно передает потрясающую атмосферу бедствия и невосполнимых потерь; ничто и никогда не будет здесь жить. Пылающий вдали огонь довершит жестокость, причиненную оружием. Надо быть недобросовестным, чтобы утверждать, что человек, способный внушить нам подобные мысли, не художник», – написал художественный критик Альбер дю Руа.
@pic_history
#АнриРуссо