Наверное, нет сейчас другого фильма, о котором столько говорят, как о «Субстанции» (The Substance, 2024) Корали Фаржа. И сразу скажу спасибо компании «Вольга» за возможность увидеть это.
«Субстанция» собрала и продолжает собирать положительные отзывы на кинофестивалях (Канны, Венеция, Торонто), заставляя зрителей по всему миру ждать этот проект с нетерпением. И не зря.
Фильм рассказывает историю Элизабет Спаркл (Деми Мур), постаревшей звезды, которая старается держать себя в форме ради того, чтобы быть ведущей утреннего фитнес-шоу на ТВ. В один момент её решают заменить на молодую девушку, быстро прощаясь со Спаркл. Элизабет готова пойти на всё, чтобы остаться на коне, и с большим энтузиазмом решает испытать экспериментальный препарат под названием «Субстанция».
Суть в том, что после приёма средства не происходит омоложения; на свет появляется альтер-эго — молодая и сексуальная Сью (Маргарет Куолли), словно бы это Элизабет Спаркл в её лучшие годы. Но есть условия у «Субстанции»: каждые семь дней нужно меняться обратно, и главное — это одна девушка, одно целое, «лучшая версия себя».
Отличная реализация идеи от Корали Фаржа, где ярко показана борьба Голливуда за молодые дарования с яркой внешностью и белоснежными улыбками. Деми Мур здесь словно бы Норма Десмонд из «Сансет бульвар» Билли Уайлдера; ещё чуть-чуть — и о ней могут забыть все. Поэтому она предпринимает попытки, чтобы хотя бы её альтер-эго существовало. В этой ситуации видится один минус: она не знает, что творит её молодая версия, пока героиня Мур спит беспробудным сном в ожидании «пересменки».
Важное значение в «Субстанции» играет визуальный ряд. Операторская работа Бенджамина Кракуна подчёркивает контрасты между миром стареющей Элизабет и яркой молодостью Сью. Цветовые решения здесь разнообразны, но они вбиваются в память: холодные тона окружают героиню Мур, подчёркивая её усталость и разочарование, тогда как сцены с Куолли наполнены насыщенными, почти кислотными красками, символизирующими искусственность и нереальность её новой жизни. Выделяется с помощью крупных планов и персонаж Дэнниса Куэйда, подчёркивается его нарочитая клишированность как типичного гадкого телевизионного босса.
Отдельно скажу об актёрских работах. Куэйд, кстати, крут в своём образе — из него получился образцовый комиксовый антагонист. Игра Деми Мур тонко (и в то же время толсто) передаёт внутреннюю борьбу её героини, её страх старения и отчаяние перед неизбежным. Радостно за Мур, о ней снова говорят; я бы актрису даже номинировал на премию «Оскар». Маргарет Куолли тоже отлично справилась с ролью; её персонаж — воплощение обмана, кукла, являющаяся бомбой замедленного действия.
«Субстанция» — образцовый боди-хоррор, который уже сейчас можно назвать одним из главных фильмов 2024 года. Корали Фаржа может потягаться в своём таланте, например, с Жюлией Дюкурно. Этот фильм ещё долго после просмотра не будет выходить из головы. Единственное, с чем Фаржа перестаралась, так это с финальной частью с монстром, которая очень напоминает работы Дэвида Кроненберга, а также другие хорроры 80-х, где взрывающиеся головы, слизь, кровь и мозги были основным оружием, чтобы поразить зрителя. Здесь же можно было обойтись без этого. Тем не менее «Субстанция» - одно из лучших киновпечатлений 2024 года.
#Цитадель_в_кино #премьера
«Субстанция» собрала и продолжает собирать положительные отзывы на кинофестивалях (Канны, Венеция, Торонто), заставляя зрителей по всему миру ждать этот проект с нетерпением. И не зря.
Фильм рассказывает историю Элизабет Спаркл (Деми Мур), постаревшей звезды, которая старается держать себя в форме ради того, чтобы быть ведущей утреннего фитнес-шоу на ТВ. В один момент её решают заменить на молодую девушку, быстро прощаясь со Спаркл. Элизабет готова пойти на всё, чтобы остаться на коне, и с большим энтузиазмом решает испытать экспериментальный препарат под названием «Субстанция».
Суть в том, что после приёма средства не происходит омоложения; на свет появляется альтер-эго — молодая и сексуальная Сью (Маргарет Куолли), словно бы это Элизабет Спаркл в её лучшие годы. Но есть условия у «Субстанции»: каждые семь дней нужно меняться обратно, и главное — это одна девушка, одно целое, «лучшая версия себя».
Отличная реализация идеи от Корали Фаржа, где ярко показана борьба Голливуда за молодые дарования с яркой внешностью и белоснежными улыбками. Деми Мур здесь словно бы Норма Десмонд из «Сансет бульвар» Билли Уайлдера; ещё чуть-чуть — и о ней могут забыть все. Поэтому она предпринимает попытки, чтобы хотя бы её альтер-эго существовало. В этой ситуации видится один минус: она не знает, что творит её молодая версия, пока героиня Мур спит беспробудным сном в ожидании «пересменки».
Важное значение в «Субстанции» играет визуальный ряд. Операторская работа Бенджамина Кракуна подчёркивает контрасты между миром стареющей Элизабет и яркой молодостью Сью. Цветовые решения здесь разнообразны, но они вбиваются в память: холодные тона окружают героиню Мур, подчёркивая её усталость и разочарование, тогда как сцены с Куолли наполнены насыщенными, почти кислотными красками, символизирующими искусственность и нереальность её новой жизни. Выделяется с помощью крупных планов и персонаж Дэнниса Куэйда, подчёркивается его нарочитая клишированность как типичного гадкого телевизионного босса.
Отдельно скажу об актёрских работах. Куэйд, кстати, крут в своём образе — из него получился образцовый комиксовый антагонист. Игра Деми Мур тонко (и в то же время толсто) передаёт внутреннюю борьбу её героини, её страх старения и отчаяние перед неизбежным. Радостно за Мур, о ней снова говорят; я бы актрису даже номинировал на премию «Оскар». Маргарет Куолли тоже отлично справилась с ролью; её персонаж — воплощение обмана, кукла, являющаяся бомбой замедленного действия.
«Субстанция» — образцовый боди-хоррор, который уже сейчас можно назвать одним из главных фильмов 2024 года. Корали Фаржа может потягаться в своём таланте, например, с Жюлией Дюкурно. Этот фильм ещё долго после просмотра не будет выходить из головы. Единственное, с чем Фаржа перестаралась, так это с финальной частью с монстром, которая очень напоминает работы Дэвида Кроненберга, а также другие хорроры 80-х, где взрывающиеся головы, слизь, кровь и мозги были основным оружием, чтобы поразить зрителя. Здесь же можно было обойтись без этого. Тем не менее «Субстанция» - одно из лучших киновпечатлений 2024 года.
#Цитадель_в_кино #премьера
Меня очень радует, что у нас продолжается ретроспектива работ Хаяо Миядзаки. Теперь настал черёд ещё одного доброго #аниме — «Ведьмина служба доставки» (Majo no takkyûbin, 1989), а впереди нас ждёт ещё «Ходячий замок».
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
Лет десять назад (а то и больше), когда я впервые смотрел «... службу доставки» она мне показалась уж слишком простой. Сейчас, после пересмотра, я понимаю, что как раз в этом и заключается её преимущество и прелесть. Теперь я с уверенностью могу эту работу поставить в один ряд с «Моим соседом Тоторо» и «Рыбкой Поньо на утёсе». «... служба доставки» хоть и немного уступает этим двум, но дарит столько доброты и лёгкости, что улыбка не сходит с твоего лица ещё долгое время после просмотра.
Я уже отмечал, что видеть старенькие аниме на большом экране - это отдельное удовольствие, а для меня, в принципе, олдовые аниме - это кайф. В «Ведьминой службе доставки» мягкая, тёплая и одновременно яркая рисовка, создающая дружелюбную и уютную атмосферу. Особых слов заслуживает прорисовка города, где уделено время даже самым мелким деталям.
В центре сюжета у нас девочка Кики, маленькая ведьмочка, которой по обычаям и традициям ведьм настало время выбрать город, куда для практики и самостоятельной жизни нужно отправиться сроком в один год. Она берет с собой глазастого чёрного кота, садится на метлу и летит в место, похожее то ли на Лондон, то ли на Стокгольм, где ей приходит идея организовать собственную службу доставки.
«Ведьмина служба доставки» основана на одноимённом романе писателя Эйко Кадоно, опубликованном в 1985 году. Изначально проектом должен был заниматься другой режиссёр. Однако когда стало понятно, что он не справляется, у руля стал Хаяо Миядзаки, который изначально выступал в качестве продюсера. Именно поэтому сюжет Кадоно был сильно переработан, и акцент в истории был сделан за счёт подростка Кики на темах взросления и поиска себя. Из-за этого, кстати, у студии Гибли и Кадоно случился конфликт, который с трудом удалось уладить самому Миядзаки.
Вообще у студии Гибли было много трудностей во время производства «Ведьминой службы доставки», например, ещё и проблемы с финансированием возникли. Но всё было не зря: Миядзаки правильно сделал, что взялся за проект, ведь приключения ведьмочки Кики и её кота стали одним из самых добрых и запоминающихся аниме студии, получив успех ещё и за пределами Японии - в Европе.
#Цитадель_в_кино
Что такое «Другой человек» (A Different Man, 2024) Аарона Шимберга? Это и мужская версия «Субстанции» Корали Фаржа, это и «Маска» Питера Богдановича, и даже «Человек-слон» Дэвида Линча. С тем лишь исключением, что проект Шимберга всё же уступает перечисленным лентам, хоть с ними и ассоциируется.
Ясно, что, беря за основу тяжёлую генетическую болезнь кожи, Аарон Шимберг решил снять фильм «не о таких как все». Стремление к «нормальности» губит главного героя, в противовес ему показывая на примере персонажа Адама Пирсона, который на самом деле страдает нейрофиброматозом, что успеха можно добиться, имея отталкивающие неизлечимые болезни. Но это всё демонстрируется скорее вопреки, а также ради того, чтобы доказать, что законы подлости всё же существуют.
По факту у Аарона Шимберга удалась в большей степени первая половина фильма, напоминающая как раз ту самую «Субстанцию». Эдвард в прекрасном исполнении, отдадим должное, Себастиана Стэна стремится обрести «лучшую версию себя», прибегая к применению экспериментального препарата, положительный эффект от которого врачи побаиваются гарантировать. Эдвард – исключительно неуверенный в себе, как Вуди Аллен (даже походка похожа), запуганный, страшащийся сам себя и окружающих людей, боящийся девушек, начинающий актёр. Он ходит на пробы и испытывает тягу к общению с только что вселившейся соседкой – Ингрид (Ренате Реинсве).
Вторая половина «Другого человека» хоть и выглядит поначалу забавной, затем стремительно улетает куда-то далеко в мир фантазий Шимберга. Абсурд здесь побеждает здравый смысл настолько, что ты периодически кривишься, но всё же с интересом ждёшь, куда заведёт кривая этих персонажей, да и чем же всё это закончится по итогу. Линия с Пирсоном отвращает и восхищает одновременно. Он максимально навязчив, но силён духом, да так, что с ним хотят дружить вполне обычные девушки, не говоря уже про всех остальных. Что до Эдварда, то ему много хуже, чем было в прежнем состоянии.
Шимберга можно похвалить за его акценты на нестандартных героев, которые приковывают взгляд с первых минут просмотра, они на первом плане, а такое всё же не часто встретишь в традиционном кинематографе. Хорош в «Другом человеке» визуальный стиль вместе с атмосферой, способствующие погружению. Но Шимберг, начиная со второй половины уж слишком заигрывается с абстрактными и экспериментальными решениями, абсурдом, что не позволяет назвать эту работу шедевром. Однако тема того, что от истинного себя никуда и никогда не убежишь, – очень даже интересна, ведь она точно найдёт отклик у зрителя.
#Цитадель_в_кино
Ясно, что, беря за основу тяжёлую генетическую болезнь кожи, Аарон Шимберг решил снять фильм «не о таких как все». Стремление к «нормальности» губит главного героя, в противовес ему показывая на примере персонажа Адама Пирсона, который на самом деле страдает нейрофиброматозом, что успеха можно добиться, имея отталкивающие неизлечимые болезни. Но это всё демонстрируется скорее вопреки, а также ради того, чтобы доказать, что законы подлости всё же существуют.
По факту у Аарона Шимберга удалась в большей степени первая половина фильма, напоминающая как раз ту самую «Субстанцию». Эдвард в прекрасном исполнении, отдадим должное, Себастиана Стэна стремится обрести «лучшую версию себя», прибегая к применению экспериментального препарата, положительный эффект от которого врачи побаиваются гарантировать. Эдвард – исключительно неуверенный в себе, как Вуди Аллен (даже походка похожа), запуганный, страшащийся сам себя и окружающих людей, боящийся девушек, начинающий актёр. Он ходит на пробы и испытывает тягу к общению с только что вселившейся соседкой – Ингрид (Ренате Реинсве).
Вторая половина «Другого человека» хоть и выглядит поначалу забавной, затем стремительно улетает куда-то далеко в мир фантазий Шимберга. Абсурд здесь побеждает здравый смысл настолько, что ты периодически кривишься, но всё же с интересом ждёшь, куда заведёт кривая этих персонажей, да и чем же всё это закончится по итогу. Линия с Пирсоном отвращает и восхищает одновременно. Он максимально навязчив, но силён духом, да так, что с ним хотят дружить вполне обычные девушки, не говоря уже про всех остальных. Что до Эдварда, то ему много хуже, чем было в прежнем состоянии.
Шимберга можно похвалить за его акценты на нестандартных героев, которые приковывают взгляд с первых минут просмотра, они на первом плане, а такое всё же не часто встретишь в традиционном кинематографе. Хорош в «Другом человеке» визуальный стиль вместе с атмосферой, способствующие погружению. Но Шимберг, начиная со второй половины уж слишком заигрывается с абстрактными и экспериментальными решениями, абсурдом, что не позволяет назвать эту работу шедевром. Однако тема того, что от истинного себя никуда и никогда не убежишь, – очень даже интересна, ведь она точно найдёт отклик у зрителя.
#Цитадель_в_кино
«Сидони в Японии» (Sidonie au Japon, 2023) – это идеальное в своей эстетичности кино, аккуратное, нежное, с лёгкими и правильными пропорциями, где несмотря на это, главная героиня в исполнении Изабель Юппер уже многие годы пытается уйти от одиночества. Она отправляется в Японию, вроде как для презентации новой книги, но на деле — чтобы отвлечься.
«Вы писатель?»; «Чем можете это подтвердить?» — два вопроса, с которыми Сидони встречают в аэропорту Токио, и они как никогда точно отражают её внутреннюю борьбу. Неопределённость, неуверенность, шаткость после потерь, сначала родителей, а затем и мужа в автокатастрофе, преследуют её. Япония, страна, которая традиционно представляется как земля призраков, становится для Сидони символическим местом. Каждый отель, в котором она останавливается, приносит видение покойного супруга в исполнении Аугуста Диля. Сцены с актёром снимались на фоне «зелёнки», и его образ был наложен на каждый кадр, что создаёт ощущение бестелесного призрака, находящегося рядом, но не являющегося частью реальности.
«Сидони в Японии» - один из тех фильмов, чуть ли не каждый кадр которого хочется скриншотить и ставить на обои, хочется сказать спасибо за это оператору Селин Бозон, задающую своей камерой настроение картине.
Работа Элиз Жирар хоть и зацикливается на действиях в отелях и созерцании красоты, говорит о попытках найти себя среди чужих культур и внутренних призраков. Это трудно, но прошлое всё же нужно отпускать, что и пытается сделать героиня Юппер. С этими же размышлениями остаётся и зритель после просмотра.
p.s. спасибо творческому объединению Arthouse за возможность увидеть картину в кинотеатре.
#Цитадель_в_кино #премьера
«Вы писатель?»; «Чем можете это подтвердить?» — два вопроса, с которыми Сидони встречают в аэропорту Токио, и они как никогда точно отражают её внутреннюю борьбу. Неопределённость, неуверенность, шаткость после потерь, сначала родителей, а затем и мужа в автокатастрофе, преследуют её. Япония, страна, которая традиционно представляется как земля призраков, становится для Сидони символическим местом. Каждый отель, в котором она останавливается, приносит видение покойного супруга в исполнении Аугуста Диля. Сцены с актёром снимались на фоне «зелёнки», и его образ был наложен на каждый кадр, что создаёт ощущение бестелесного призрака, находящегося рядом, но не являющегося частью реальности.
«Сидони в Японии» - один из тех фильмов, чуть ли не каждый кадр которого хочется скриншотить и ставить на обои, хочется сказать спасибо за это оператору Селин Бозон, задающую своей камерой настроение картине.
Работа Элиз Жирар хоть и зацикливается на действиях в отелях и созерцании красоты, говорит о попытках найти себя среди чужих культур и внутренних призраков. Это трудно, но прошлое всё же нужно отпускать, что и пытается сделать героиня Юппер. С этими же размышлениями остаётся и зритель после просмотра.
p.s. спасибо творческому объединению Arthouse за возможность увидеть картину в кинотеатре.
#Цитадель_в_кино #премьера
Поэкспериментировав с ярким стилем в «Проекте Флорида», Шон Бэйкер довёл до абсолюта свой визуал в фильме «Анора» (Anora, 2024), при этом не забыв проявить симпатию к социальным аутсайдерам. На этот раз фокус направлен на жизнь стриптизёрш, во главе которых для нас находится, конечно же, Энни, она же Анора в исполнении Майки Мэдисон.
Познакомившись во время одной из смен с 21-летним Иваном (Марк Эйдельштейн), Энни решает подработать, выезжая к нему в дом с шикарным видом в свободные часы, а затем даже в выходные. В конце концов, она остается с ним на неделю, и это приводит к внезапной свадьбе, оформленной в Неваде. Миллиардеры-родители Вани, в исполнении Алексея Серебрякова и Дарьи Екамасовой, в шоке. Армянские помощники отца Вани — в ужасе. Теперь задача №1 — аннулировать этот брак.
«Анора» - как глоток свежего воздуха среди бесконечного потока тяжёлых драм, хорроров и триллеров. Яркая до ослепления, смешная почти что до коликов в животе, чертовски красивая, эротическая до желания, а также, естественно, грустная. Бэйкер подчёркивает социальное неравенство современности, когда «сильные мира сего» относятся к обычным людям как к игрушкам, как к мусору. Это пропасть, которую не перепрыгнуть.
Фильм выделяется органично смотрящимся актерским ансамблем. «Анора» Бэйкера — тот редкий случай, когда каждый актер попал в точку. Для Майки Мэдисон это ведущая и пока главная роль в её карьере — отличная работа. Радостно за наших — Эйдельштейна и Борисова. Марк великолепно сыграл беззаботного маменькиного сынка, умеющего развлекаться по полной. Но больше всего мне понравился Юра Борисов — этакий верзила с душой, который проявляет искреннее сочувствие Аноре. Блестяще сыграли армянских прихвостней отца Вани Ваче Товмасян и Карен Карагулян; благодаря им в один момент картина Бэйкера превратилась в очень смешное роуд-муви.
«Анора» — как вспышка, которая радует несколько мгновений, восхищает, а затем оставляет персонажей наедине с собой. Смех смешивается с болью, слезами и криками, обнимашки — с драками, а любовь — с предательством. Это один из самых искренних и живых фильмов года, который открывает тебе глаза и отправляет в дальнейший путь, указав привычную дорогу. Остается смириться и идти дальше.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Познакомившись во время одной из смен с 21-летним Иваном (Марк Эйдельштейн), Энни решает подработать, выезжая к нему в дом с шикарным видом в свободные часы, а затем даже в выходные. В конце концов, она остается с ним на неделю, и это приводит к внезапной свадьбе, оформленной в Неваде. Миллиардеры-родители Вани, в исполнении Алексея Серебрякова и Дарьи Екамасовой, в шоке. Армянские помощники отца Вани — в ужасе. Теперь задача №1 — аннулировать этот брак.
«Анора» - как глоток свежего воздуха среди бесконечного потока тяжёлых драм, хорроров и триллеров. Яркая до ослепления, смешная почти что до коликов в животе, чертовски красивая, эротическая до желания, а также, естественно, грустная. Бэйкер подчёркивает социальное неравенство современности, когда «сильные мира сего» относятся к обычным людям как к игрушкам, как к мусору. Это пропасть, которую не перепрыгнуть.
Фильм выделяется органично смотрящимся актерским ансамблем. «Анора» Бэйкера — тот редкий случай, когда каждый актер попал в точку. Для Майки Мэдисон это ведущая и пока главная роль в её карьере — отличная работа. Радостно за наших — Эйдельштейна и Борисова. Марк великолепно сыграл беззаботного маменькиного сынка, умеющего развлекаться по полной. Но больше всего мне понравился Юра Борисов — этакий верзила с душой, который проявляет искреннее сочувствие Аноре. Блестяще сыграли армянских прихвостней отца Вани Ваче Товмасян и Карен Карагулян; благодаря им в один момент картина Бэйкера превратилась в очень смешное роуд-муви.
«Анора» — как вспышка, которая радует несколько мгновений, восхищает, а затем оставляет персонажей наедине с собой. Смех смешивается с болью, слезами и криками, обнимашки — с драками, а любовь — с предательством. Это один из самых искренних и живых фильмов года, который открывает тебе глаза и отправляет в дальнейший путь, указав привычную дорогу. Остается смириться и идти дальше.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Уж не знаю, что там Питт с Клуни (пока не видел «Одиноких волков»), но Эндрю Гарфилд с Флоренс Пью вполне могут претендовать на звание пары года. Ну ладно, если и не пары, то дуэта года, ведь в картине Джона Краули «Время жить» (ориг. We Live in Time, 2024) между ними ощутимая химия, в которую веришь.
«Время жить» не заставляет зрителя всхлипывать через каждые пару минут, да и сильной драмой его не назовёшь. Но что у фильма Краули точно есть — это та самая жизненность, которая отражена в названии, как оригинальном, так и локализованном.
У фильма лёгкий порог вхождения, чему способствуют как раз Гарфилд (я его последний раз видел на экране аж в 2021 году в трёх фильмах: «Человек-паук: Нет пути домой», «Тик-так... БУМ!», „
«Глаза Тэмми Фэй»), осевший в последние годы в Лондоне и играющий в театре, и Пью — Флоренс красотка и востребованная каждый год актриса.
Так вот, мы погружаемся в историю достаточно быстро, следуя за её сбивчивым ритмом, когда повествование уносит то в прошлое, то резко возвращает в настоящее. Сначала из-за этого немного пробуксовываем, но затем проникаемся искренними отношениями двух героев, ожидая, к чему приведёт их любовь и жизненный путь.
Забавным выдалось их первое знакомство: Альмут и Тобиас (как раз Пью и Гарфилд) сталкиваются вечером, когда девушка случайно сбивает на дороге молодого человека, выбежавшего в халате из отеля после новости о предстоящем разводе. Альмут появляется в жизни Тобиаса именно в тот момент, когда он был в шаге от утраты веры в любовь и готов погрузиться в затяжное уныние.
«Время жить» красиво снят: операторская работа включает сцены и со статичной, и с ручной камерой, которая особенно эффектна в эмоциональных моментах. Картина Краули не претендует на высокие награды, но фокусируется на реальности, где самое страшное соседствует с счастьем. Мы должны уметь жить здесь и сейчас — ведь завтра может уже и не наступить.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Время жить» не заставляет зрителя всхлипывать через каждые пару минут, да и сильной драмой его не назовёшь. Но что у фильма Краули точно есть — это та самая жизненность, которая отражена в названии, как оригинальном, так и локализованном.
У фильма лёгкий порог вхождения, чему способствуют как раз Гарфилд (я его последний раз видел на экране аж в 2021 году в трёх фильмах: «Человек-паук: Нет пути домой», «Тик-так... БУМ!», „
«Глаза Тэмми Фэй»), осевший в последние годы в Лондоне и играющий в театре, и Пью — Флоренс красотка и востребованная каждый год актриса.
Так вот, мы погружаемся в историю достаточно быстро, следуя за её сбивчивым ритмом, когда повествование уносит то в прошлое, то резко возвращает в настоящее. Сначала из-за этого немного пробуксовываем, но затем проникаемся искренними отношениями двух героев, ожидая, к чему приведёт их любовь и жизненный путь.
Забавным выдалось их первое знакомство: Альмут и Тобиас (как раз Пью и Гарфилд) сталкиваются вечером, когда девушка случайно сбивает на дороге молодого человека, выбежавшего в халате из отеля после новости о предстоящем разводе. Альмут появляется в жизни Тобиаса именно в тот момент, когда он был в шаге от утраты веры в любовь и готов погрузиться в затяжное уныние.
«Время жить» красиво снят: операторская работа включает сцены и со статичной, и с ручной камерой, которая особенно эффектна в эмоциональных моментах. Картина Краули не претендует на высокие награды, но фокусируется на реальности, где самое страшное соседствует с счастьем. Мы должны уметь жить здесь и сейчас — ведь завтра может уже и не наступить.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
Благодаря компании Russian World Vision продолжается мой марафон #аниме Хаяо Миядзаки в этом году. На этот раз на большом экране был отсмотрен «Ходячий замок» (Howl no Ugoku Shiro, 2004). К слову, я лично хочу успеть пересмотреть все работы японского мастера до Нового года (осталось несколько), а RWV уже анонсировали, что в марте 2025 года будут организованы показы другой отличной работы Миядзаки – «Ветер крепчает».
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
Что касается «Ходячего замка», то дата моей оценки подсказывает, что в последний раз я смотрел его 6 лет назад, поэтому некоторые детали уже выветрились из головы. С большим удовольствием пересмотрел этот тайтл на большом экране. Например, я подзабыл про смешного персонажа Хина – пёсика, пушистого королевского шпиона с прокуренным голосом, немного похожего на болонку. Он был приставлен к главным героям, но в итоге стал их любимцем и другом. А ещё я почти совсем забыл, какой классный второстепенный персонаж Пугало, который не раз выручит Софи.
Да, Софи – главная героиня «Ходячего замка». Ей 18 лет, она торгует модными шляпами, и на неё однажды накладывает заклятие Ведьма Пустоши, превращая девушку в сморщенную старушку. После этого Софи бежит из города и натыкается на таинственный движущийся замок, принадлежащий молодому волшебнику Хаулу. Он красив, талантлив, храбр и добр, но непостоянен в романтических привязанностях, а потому его можно охарактеризовать как «поедателя женских сердец».
«Ходячий замок» основан на одноимённой книге Дианы Уинн Джонс. Известно, что Миядзаки для своего детища взял из произведения Джонс сам магический мир и персонажей, но переработал их, добавив темы, близкие лично ему. Центральной темой стала война, и зрителю демонстрируются её разрушительные последствия и трепетное ожидание мира. Хотя вокруг творится страшное, а главных героев преследует антагонист в лице Ведьмы Пустоши, Софи, Хаул, Марклу (маленький друг Хаула) и Кальцифер (огненный демон, выполняющий функции двигателя замка, поддерживая его движение и обеспечивая дом магической энергией, а ещё он тоже верный друг Хаула) не теряют позитива и чувства юмора, благодаря чему общий настрой «… замка» остаётся светлым.
«Ходячий замок» заряжает добротой и укрепляет веру в окружающий мир. В свете нынешних ситуаций тайтл Миядзаки невольно вызывает параллели с происходящими событиями. Однако, прежде всего, это волшебная история о любви, самопознании и внутренней силе. Сквозь повествование проходят темы противостояния жестокостям войны, преодоления страхов и принятия себя.
#Цитадель_в_кино #премьера
Вот и ещё одна ожидаемая новинка этого года отсмотрена – на этот раз «Еретик» (Heretic, 2024) Скотта Бека и Брайана Вудса. Спасибо за такую возможность в очередной раз компании Вольга.
«Еретик» — это #хоррор, который смешивает несколько составляющих: традиционные мерзкие моменты ужастиков, бу-моменты, интеллект, психологию, запоминающуюся атмосферу, а также критику религий (но всё же оставляет шанс для веры). Это делает фильм Бека и Вудса несколько более глубоким проектом, чем может показаться на первый взгляд. Две девушки с церковной миссией, обходящие жильцов города, попадают к мистеру Риду в исполнении Хью Гранта, словно вляпываясь чистыми белыми туфлями в землю после дождя.
Дождь продолжает барабанить по крыше дома, обрамлённого изнутри металлом, чтобы не ловила ни одна телефонная сеть. Затем его сменяет снег, заметая следы сестры Барнс (Софи Тэтчер) и сестры Пакстон (Хлоя Ист). Ничего не подозревающие, они ещё внемлют россказням начитанного и хитрого мистера Рида, сравнивающего многочисленные веры, приводя граничащие между собой сходные моменты, а потом внезапно проводя параллели с настольными играми и плагиатом в известных песнях. Усыпив бдительность девушек, будто Сатана в образе змея в Эдемском саду, персонаж Хью Гранта начинает жестокую игру с молодыми героинями.
Одним из главных составляющих успеха фильма «Еретик» является как раз Хью Грант и его мистер Рид. Засевший в умах зрителей как вечно молодой и милый герой ромкомов, здесь Грант отрывается на полную, заигрывая как со зрителем, так и с девушками. Блеща знаниями, под личиной скрывает он настоящего маньяка, жаждущего крови. Наблюдать за его игрой — одно удовольствие; это, без преувеличения, один из лучших перформансов этого года. Каждая эмоция, выражение лица, каждое слово без британского акцента — всё говорит о тщательной проработке персонажа. Это подтверждает разговоры о том, что Хью прописывает биографию каждого своего героя перед съёмками.
«Еретик» также подкупает своей структурой, напоминающей головоломку. Будто созданный гиками, он поражает воображение, а затем вынуждает зрителя складывать 2+2, пытаясь найти выход для девушек из сложившейся ситуации. Однако балом правит Рид — шарлатан ли он или маг, уже не столь важно. Важно лишь чувство беспомощности перед неизведанным.
Без спойлеров скажу, что к «Еретику» остаётся один вопрос — концовка. Она могла бы быть иной, что сделало бы общее впечатление ещё сильнее. Но и так перед нами достойный пример осмысленного хоррора, во время которого хочется не только пугаться, но и слушать диалоги, наслаждаясь их продуманностью.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка
«Еретик» — это #хоррор, который смешивает несколько составляющих: традиционные мерзкие моменты ужастиков, бу-моменты, интеллект, психологию, запоминающуюся атмосферу, а также критику религий (но всё же оставляет шанс для веры). Это делает фильм Бека и Вудса несколько более глубоким проектом, чем может показаться на первый взгляд. Две девушки с церковной миссией, обходящие жильцов города, попадают к мистеру Риду в исполнении Хью Гранта, словно вляпываясь чистыми белыми туфлями в землю после дождя.
Дождь продолжает барабанить по крыше дома, обрамлённого изнутри металлом, чтобы не ловила ни одна телефонная сеть. Затем его сменяет снег, заметая следы сестры Барнс (Софи Тэтчер) и сестры Пакстон (Хлоя Ист). Ничего не подозревающие, они ещё внемлют россказням начитанного и хитрого мистера Рида, сравнивающего многочисленные веры, приводя граничащие между собой сходные моменты, а потом внезапно проводя параллели с настольными играми и плагиатом в известных песнях. Усыпив бдительность девушек, будто Сатана в образе змея в Эдемском саду, персонаж Хью Гранта начинает жестокую игру с молодыми героинями.
Одним из главных составляющих успеха фильма «Еретик» является как раз Хью Грант и его мистер Рид. Засевший в умах зрителей как вечно молодой и милый герой ромкомов, здесь Грант отрывается на полную, заигрывая как со зрителем, так и с девушками. Блеща знаниями, под личиной скрывает он настоящего маньяка, жаждущего крови. Наблюдать за его игрой — одно удовольствие; это, без преувеличения, один из лучших перформансов этого года. Каждая эмоция, выражение лица, каждое слово без британского акцента — всё говорит о тщательной проработке персонажа. Это подтверждает разговоры о том, что Хью прописывает биографию каждого своего героя перед съёмками.
«Еретик» также подкупает своей структурой, напоминающей головоломку. Будто созданный гиками, он поражает воображение, а затем вынуждает зрителя складывать 2+2, пытаясь найти выход для девушек из сложившейся ситуации. Однако балом правит Рид — шарлатан ли он или маг, уже не столь важно. Важно лишь чувство беспомощности перед неизведанным.
Без спойлеров скажу, что к «Еретику» остаётся один вопрос — концовка. Она могла бы быть иной, что сделало бы общее впечатление ещё сильнее. Но и так перед нами достойный пример осмысленного хоррора, во время которого хочется не только пугаться, но и слушать диалоги, наслаждаясь их продуманностью.
#Цитадель_в_кино #премьера #новинка