"Блаженная Беатриче"
1870 г.
Данте Габриэль Россетти
Тейт Британия, Лондон.
Лауданум – это опийная спиртовая настойка, которую в Викторианской Англии считали панацеей от всех болезней. А прежде всего, успокоительным, обезболивающим и снотворным. Жене Данте Габриэля Россетти было 33 года, когда она приняла смертельную дозу лауданума: то ли просто превысила допустимую порцию лекарства, без которого не обходилась последние несколько лет, то ли намеренно покончила с собой.
«Блаженную Беатриче» Россетти написал вскоре после смерти Элизабет Сиддал по эскизам и рисункам, которых за время их совместной жизни он сделал сотни. Элизабет работала в шляпном магазине, когда ее увидел художник Уолтер Деверелл, зашедший в лавку случайно вместе с матерью. После этой встречи он рассказывал Холману Ханту и Россетти: «Она как королева: великолепно высокая, с прекрасной фигурой, величественной шеей, нежным лицом, плавный переход линий от висков к скулам в точности напоминает скульптуру богини Фидия... Подождите, я еще не закончил! У нее серые глаза, а волосы похожи на сверкающую медь и переливаются, когда она их распускает». Художники-прерафаэлиты нашли идеальную модель, словно сошедшую с ранних ренессансных фресок – Милле писал с нее Офелию, Хант – Сильвию. Потом Лиззи познакомили с Россетти – и она стала его личной натурщицей, любовницей, а вскоре и ученицей. 10 лет они прожили вместе – темпераментные, страстные, вспыльчивые, талантливые, оба поэты и художники. Данте писал ее одержимо, ежедневно, ее лицо смотрело с каждого наброска и полотна в его матерской. Элизабет была больна туберкулезом, частые приступы укладывали ее надолго в постель, через какое-то время искривленный позвоночник начал вызывать приступы невралгии – тут-то в ее руках и оказалась настойка опия. В 1860 году, когда состояние девушки было критическим, отчаявшийся Россетти решил на ней жениться. Он чувствовал себя виноватым, потому что не решался сделать этого раньше, да и верностью в этих 10-летних отношениях не мог похвастать. И вдруг смысл всей его жизни, его любимая, его модель, его Беатриче – при смерти.
Элизабет Россетти почувствовала себя лучше после свадьбы, но прожила в браке всего два года. Это были уже совсем не безоблачные отношения музы и вдохновенного поэта, омраченные, к тому же, выкидышем, бессонницами, наркотической зависимостью. В 1862 году Лиззи приняла смертельную дозу лауданума – то ли желая облегчить невыносимую боль, то ли решившись избавиться от боли навсегда. И овдовевший художник задумал «Блаженную Беатриче», над которой будет работать 6 лет.
Беатриче – это образ, безраздельно принадлежавший Лиззи в творчестве Россетти. И теперь Россетти пишет ее в момент расставания с миром – в блаженном и смиренном принятии конца. Голубь опускает ей в раскрытые ладони мак – символ смерти. За ее плечами ангел любви, одетый в красное, держит догорающий огонь – символ угасающей жизни. Вторая фигура – это сам Россетти в образе Данте, уже не способный удержать возлюбленную на земле. В одном из писем художник рассказывал, что стремился не изобразить смерть, а заменить ее неким состоянием транса, в котором Беатриче переносится с земли на небеса.
Джон Рёскин сказал о необычном свойстве света в работах Россетти в 60-е годы: «Его свет – это не сам солнечный свет, а солнечный свет, рассеянный сквозь цветные стекла». Первое впечатление от «Блаженной Беатриче» именно такое: свет излучает вся фигура девушки, ее руки и подол платья, ее сияющие волосы светятся изнутри, а не подсвечены внешним источником, солнцем из далекого города.
После смерти Элизабетт Россетти не смог жить в их общем доме – и переехал. «Блаженную Беатриче» он повторит еще несколько раз (в основном, получая заказ именно на это изображение). С каждой новой репликой свет в руках и волосах Беатриче будет все более неуверенным и тусклым, как и воспоминания об Элизабетт, вытесняемые из жизни Россетти новыми женщинами, опиумом и виски.
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты
@pic_history
1870 г.
Данте Габриэль Россетти
Тейт Британия, Лондон.
Лауданум – это опийная спиртовая настойка, которую в Викторианской Англии считали панацеей от всех болезней. А прежде всего, успокоительным, обезболивающим и снотворным. Жене Данте Габриэля Россетти было 33 года, когда она приняла смертельную дозу лауданума: то ли просто превысила допустимую порцию лекарства, без которого не обходилась последние несколько лет, то ли намеренно покончила с собой.
«Блаженную Беатриче» Россетти написал вскоре после смерти Элизабет Сиддал по эскизам и рисункам, которых за время их совместной жизни он сделал сотни. Элизабет работала в шляпном магазине, когда ее увидел художник Уолтер Деверелл, зашедший в лавку случайно вместе с матерью. После этой встречи он рассказывал Холману Ханту и Россетти: «Она как королева: великолепно высокая, с прекрасной фигурой, величественной шеей, нежным лицом, плавный переход линий от висков к скулам в точности напоминает скульптуру богини Фидия... Подождите, я еще не закончил! У нее серые глаза, а волосы похожи на сверкающую медь и переливаются, когда она их распускает». Художники-прерафаэлиты нашли идеальную модель, словно сошедшую с ранних ренессансных фресок – Милле писал с нее Офелию, Хант – Сильвию. Потом Лиззи познакомили с Россетти – и она стала его личной натурщицей, любовницей, а вскоре и ученицей. 10 лет они прожили вместе – темпераментные, страстные, вспыльчивые, талантливые, оба поэты и художники. Данте писал ее одержимо, ежедневно, ее лицо смотрело с каждого наброска и полотна в его матерской. Элизабет была больна туберкулезом, частые приступы укладывали ее надолго в постель, через какое-то время искривленный позвоночник начал вызывать приступы невралгии – тут-то в ее руках и оказалась настойка опия. В 1860 году, когда состояние девушки было критическим, отчаявшийся Россетти решил на ней жениться. Он чувствовал себя виноватым, потому что не решался сделать этого раньше, да и верностью в этих 10-летних отношениях не мог похвастать. И вдруг смысл всей его жизни, его любимая, его модель, его Беатриче – при смерти.
Элизабет Россетти почувствовала себя лучше после свадьбы, но прожила в браке всего два года. Это были уже совсем не безоблачные отношения музы и вдохновенного поэта, омраченные, к тому же, выкидышем, бессонницами, наркотической зависимостью. В 1862 году Лиззи приняла смертельную дозу лауданума – то ли желая облегчить невыносимую боль, то ли решившись избавиться от боли навсегда. И овдовевший художник задумал «Блаженную Беатриче», над которой будет работать 6 лет.
Беатриче – это образ, безраздельно принадлежавший Лиззи в творчестве Россетти. И теперь Россетти пишет ее в момент расставания с миром – в блаженном и смиренном принятии конца. Голубь опускает ей в раскрытые ладони мак – символ смерти. За ее плечами ангел любви, одетый в красное, держит догорающий огонь – символ угасающей жизни. Вторая фигура – это сам Россетти в образе Данте, уже не способный удержать возлюбленную на земле. В одном из писем художник рассказывал, что стремился не изобразить смерть, а заменить ее неким состоянием транса, в котором Беатриче переносится с земли на небеса.
Джон Рёскин сказал о необычном свойстве света в работах Россетти в 60-е годы: «Его свет – это не сам солнечный свет, а солнечный свет, рассеянный сквозь цветные стекла». Первое впечатление от «Блаженной Беатриче» именно такое: свет излучает вся фигура девушки, ее руки и подол платья, ее сияющие волосы светятся изнутри, а не подсвечены внешним источником, солнцем из далекого города.
После смерти Элизабетт Россетти не смог жить в их общем доме – и переехал. «Блаженную Беатриче» он повторит еще несколько раз (в основном, получая заказ именно на это изображение). С каждой новой репликой свет в руках и волосах Беатриче будет все более неуверенным и тусклым, как и воспоминания об Элизабетт, вытесняемые из жизни Россетти новыми женщинами, опиумом и виски.
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты
@pic_history
Это одно из уникальных произведений художника-поэта, в котором стихи поясняют, что изображено, а живопись оказывается иллюстрацией к стихам. В верхнем правом углу полотна Россетти написал сонет о Прозерпине на итальянском языке:
О светлый день, на краткий миг пролей
Свой бледный луч в забытый уголок
Моей темницы, в горестный чертог!
Цветущей Энны и родных полей
Не стоит плод, что у моих очей
Похитил свет небес. Полны тоски
Луга Аида. О, как далеки
Былые дни от будущих ночей!
Как далека я от себя самой —
Витаю в мыслях где-то, знака жду
И сердцем слышу, как, томясь в бреду,
Душа другая шепчет, скрыта тьмой:
«Как тяжек, Прозерпина, твой покой!
О, горе! Не избыть твою беду».
(Перевод А. Круглова)
Одна из восьми картин с изображением Прозерпины в 2013 году была продана на аукционе Sotheby's за 5,2 миллиона долларов – на тот момент она стала самой дорогой работой художника. Россетти повторял «Прозерпину» больше 10 лет подряд – отчасти потому, что получал заказы именно на эту картину и, само собой, часто нуждался в деньгах, отчасти потому, что этот образ преследовал его. В одном из писем он сказал, что считает ее лучшей своей работой. И повторил за несколько месяцев до смерти, в наркотическом и алкогольном угаре, в разгар болезни, полуслепым и парализованным. Джейн Моррис к тому времени отказалась от близких отношений с художником. Они стали приносить ей слишком много страданий.
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты #Портрет
@pic_history
О светлый день, на краткий миг пролей
Свой бледный луч в забытый уголок
Моей темницы, в горестный чертог!
Цветущей Энны и родных полей
Не стоит плод, что у моих очей
Похитил свет небес. Полны тоски
Луга Аида. О, как далеки
Былые дни от будущих ночей!
Как далека я от себя самой —
Витаю в мыслях где-то, знака жду
И сердцем слышу, как, томясь в бреду,
Душа другая шепчет, скрыта тьмой:
«Как тяжек, Прозерпина, твой покой!
О, горе! Не избыть твою беду».
(Перевод А. Круглова)
Одна из восьми картин с изображением Прозерпины в 2013 году была продана на аукционе Sotheby's за 5,2 миллиона долларов – на тот момент она стала самой дорогой работой художника. Россетти повторял «Прозерпину» больше 10 лет подряд – отчасти потому, что получал заказы именно на эту картину и, само собой, часто нуждался в деньгах, отчасти потому, что этот образ преследовал его. В одном из писем он сказал, что считает ее лучшей своей работой. И повторил за несколько месяцев до смерти, в наркотическом и алкогольном угаре, в разгар болезни, полуслепым и парализованным. Джейн Моррис к тому времени отказалась от близких отношений с художником. Они стали приносить ей слишком много страданий.
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты #Портрет
@pic_history
Образ Изольды и символика
Джейн в средневековом платье предстоит в образе Изольды, тоскующей по изгнанному Тристану. Первоначально исследователи считали, что это раскаивающаяся королева Гвиневра — супруга короля Артура, изменившая ему с прекрасным рыцарем Ланселотом. Такой версии способствовал выход поэтического сочинения Морриса «Защита Гвиневры и другие стихи» в год написания картины. Но позднее было установлено, что это именно Изольда, легендарная возлюбленная Тристана.
Изольда как будто только встала с постели — в смятых белых простынях можно разглядеть щенка английской гончей. Возможно, влюбленная девушка и вовсе не сомкнула глаз — лицо ее бледное и уставшее. Ветки розмарина, обозначающие верность, вплетены в венок и красноречиво говорят о мыслях и чувствах Изольды, она верна, но не мужу. Белое платье с нежным рисунком ниспадает на пол, полностью скрывая тело, но при этом одновременно подчеркивая изгибы фигуры. Яркие красные рукава контрастируют с общей бледностью и понуростью Изольды, но при этом отлично вписываются в общую обстановку комнаты замка. Героиня небрежной рукой придерживает золотой пояс — символ целомудрия, который она хочет затянуть на бедрах, как это было модно в Средние века.
Детали и их значение
Полотно больше напоминает декоративное произведение, чем живопись. Четкая графичность, локальные цвета и усиленный акцент на деталях — все это говорит о тяге автора к декору, дизайну и народному творчеству. Красные, синие, белые и золотистые оттенки придают композиции карнавальное, яркое настроение. Цветовые оттенки демонстрируют традиционные национальные мотивы, а детали — личные увлечения автора: старинные книги, зеркала, персидские ковры, белоснежные гардины, оформление стен и даже блестящие медные кувшины. Скорее всего все эти предметы были из коллекции Морриса и писались с натуры. Рисунок на стене и декор туалетного столика Изольды повторяет принты, используемые художником в работе его фирмы.
Элисон Смит — сотрудник галереи Тейт отмечает, что «Прекрасная Изольда» - это одно из нескольких произведений прерафаэлитов, созданных под влиянием живописи Яна Ван Эйка. Такие детали, как собачка, апельсины, туфли на полу и даже поза героини напоминают знаменитый портрет четы Арнольфини.
Творческое и личное в картине «Прекрасная Изольда»
Над картиной Уильям Моррис работал несколько месяцев, она давалась ему довольно трудно. Желание создать настоящее живописное произведение и борьба с собственными предпочтениями усложняли его работу.
С трудом давался и образ самой героини: Моррис уже полюбил свою будущую жену. В будущем он практически не будет ее писать, в наследии останутся лишь несколько набросков. Существует легенда, будто бы в тщетных попытках добиться анатомической точности, на обороте картины он написал: «Я не могу написать вас, но я люблю вас».
Как и королева Гвиневра, так и Изольда — это женщины, героини славного английского эпоса, испытавшие глубокие чувства, но не к своим мужьям. Любовь Морриса к Джейн Берден, несмотря на то, что та стала его супругой, принесла ему много боли и разочарования. Позже Джейн и вовсе признается, что никогда не любила мужа.
Возможно, это не лучшее живописное произведение среди художников-прерафаэлитов, но совершенно точно, оно глубоко осознанно, прочувствованно и является в некоторой степени пророческим.
В 1874 году картина была объявлена собственностью Форда Мэдокса Брауна, однако ее хотел выкупить Россетти, страстно любивший супругу Морриса. В конечном счете полотно досталось сыну Россетти. До его смерти оно хранилось забытым в шкафу и лишь после было возвращено Джейн. В 1939 году, согласно ее завещанию, картина перешла в собственность Галереи Тейт.
#УильямМоррис #Прерафаэлиты
@pic_history
Джейн в средневековом платье предстоит в образе Изольды, тоскующей по изгнанному Тристану. Первоначально исследователи считали, что это раскаивающаяся королева Гвиневра — супруга короля Артура, изменившая ему с прекрасным рыцарем Ланселотом. Такой версии способствовал выход поэтического сочинения Морриса «Защита Гвиневры и другие стихи» в год написания картины. Но позднее было установлено, что это именно Изольда, легендарная возлюбленная Тристана.
Изольда как будто только встала с постели — в смятых белых простынях можно разглядеть щенка английской гончей. Возможно, влюбленная девушка и вовсе не сомкнула глаз — лицо ее бледное и уставшее. Ветки розмарина, обозначающие верность, вплетены в венок и красноречиво говорят о мыслях и чувствах Изольды, она верна, но не мужу. Белое платье с нежным рисунком ниспадает на пол, полностью скрывая тело, но при этом одновременно подчеркивая изгибы фигуры. Яркие красные рукава контрастируют с общей бледностью и понуростью Изольды, но при этом отлично вписываются в общую обстановку комнаты замка. Героиня небрежной рукой придерживает золотой пояс — символ целомудрия, который она хочет затянуть на бедрах, как это было модно в Средние века.
Детали и их значение
Полотно больше напоминает декоративное произведение, чем живопись. Четкая графичность, локальные цвета и усиленный акцент на деталях — все это говорит о тяге автора к декору, дизайну и народному творчеству. Красные, синие, белые и золотистые оттенки придают композиции карнавальное, яркое настроение. Цветовые оттенки демонстрируют традиционные национальные мотивы, а детали — личные увлечения автора: старинные книги, зеркала, персидские ковры, белоснежные гардины, оформление стен и даже блестящие медные кувшины. Скорее всего все эти предметы были из коллекции Морриса и писались с натуры. Рисунок на стене и декор туалетного столика Изольды повторяет принты, используемые художником в работе его фирмы.
Элисон Смит — сотрудник галереи Тейт отмечает, что «Прекрасная Изольда» - это одно из нескольких произведений прерафаэлитов, созданных под влиянием живописи Яна Ван Эйка. Такие детали, как собачка, апельсины, туфли на полу и даже поза героини напоминают знаменитый портрет четы Арнольфини.
Творческое и личное в картине «Прекрасная Изольда»
Над картиной Уильям Моррис работал несколько месяцев, она давалась ему довольно трудно. Желание создать настоящее живописное произведение и борьба с собственными предпочтениями усложняли его работу.
С трудом давался и образ самой героини: Моррис уже полюбил свою будущую жену. В будущем он практически не будет ее писать, в наследии останутся лишь несколько набросков. Существует легенда, будто бы в тщетных попытках добиться анатомической точности, на обороте картины он написал: «Я не могу написать вас, но я люблю вас».
Как и королева Гвиневра, так и Изольда — это женщины, героини славного английского эпоса, испытавшие глубокие чувства, но не к своим мужьям. Любовь Морриса к Джейн Берден, несмотря на то, что та стала его супругой, принесла ему много боли и разочарования. Позже Джейн и вовсе признается, что никогда не любила мужа.
Возможно, это не лучшее живописное произведение среди художников-прерафаэлитов, но совершенно точно, оно глубоко осознанно, прочувствованно и является в некоторой степени пророческим.
В 1874 году картина была объявлена собственностью Форда Мэдокса Брауна, однако ее хотел выкупить Россетти, страстно любивший супругу Морриса. В конечном счете полотно досталось сыну Россетти. До его смерти оно хранилось забытым в шкафу и лишь после было возвращено Джейн. В 1939 году, согласно ее завещанию, картина перешла в собственность Галереи Тейт.
#УильямМоррис #Прерафаэлиты
@pic_history
Шекспировская Миранда на полотне Уотерхауса
Сюжет пьесы повествует о приключениях волшебника и герцога миланского Просперо и его дочери — юной Миранды. Благодаря родственным перипетиям и борьбе за власть, главная героиня и ее отец на много лет оказываются отшельниками на необитаемом острове. Здесь Просперо доводит свое искусство волшебства до совершенства, чтобы отомстить брату-узурпатору Алонсо. Спустя годы, Просепро насылает бурю на корабль Алонсо, и все, бывшие на судне, погибают. Сыну врага, племяннику Фердинанду удается спастись, и он встречает Миранду. Девушка и юноша влюбляются, но отец Миранды испытывает Фердинанда и скрывает тот факт, что его отец жив. Благодаря магической силе Просеперо, все недоразумения приходят к положительному завершению: брат признает его власть, сын встречается с отцом, и возлюбленные готовятся к свадьбе, благополучно вернувшись в цивилизованный мир.
Художник выбрал для живописного повествования самый трагический и трогательный момент всей пьесы: гибель корабля Алонсо. Миранда — глубоко чувствующая девушка, она поражена болью и бессилием при виде кораблекрушения и гибели людей:
О, как я страдала,
Страданья погибавших разделяя!
Корабль отважный, где, конечно, были
И честные и праведные люди,
Разбился в щепы. В сердце у меня
Звучит их вопль. Увы, они погибли!
Миранда Уотерхауса одиноко стоит на берегу бушующего моря, не в силах оказать помощь тонущему судну. В окружении скал и волн, дочь герцога возвышается, как маяк, крепко стоя на земле, словно каменные глыбы вдоль берега. Переживание и отчаяние девушки зритель видеть не может: она изображена в пол оборота. Но художник передал эмоции шекспировских строк через ее движения и колорит: Миранда удерживает развевающиеся волосы правой рукой, а левую прижимает к сердцу, там где «звучит их вопль» - вопль погибающих. Глубокий синий тон длинного средневекового платья перекликается с оттенком воды, которая бурлит, поднимая песок со дна. Край нижней юбки, манжеты и сумка на поясе резонируют с красно-рыжей копной волос, разбитой мачтой и окружающими стихию утесами. Преобладание этих двух оттенков создает осенний монохромный колорит морского пейзажа, усиливает впечатление неизбежности.
«Миранда и буря»: эволюция образа
Образ Миранды часто привлекал художников, и они иллюстрировали самые разные эпизоды повествования. Но Уотерхаус, следуя своему стремлению изображать эпические моменты, воспользовался только трагическими строками пьесы. Художник не дает зрителю надежды на счастливый конец, нет намека на то, что это не история горя и потери, а история о счастливой любви и волшебстве. Отчаяние героини при виде разбивающегося о рифы судна — единственное, что автор намерен донести и показать, используя для этого свои уникальные художественные приемы.
Шекспировские героини занимают особое место в творчестве Уотерхауса, а образ Миранды первый раз возник еще в начале его карьеры в 1875 году. Это совсем другая картина: буря окончена, и последние слабые волны неспеша накатывают на берег. Босая Миранда сидит на берегу в безвольно-меланхоличной позе, волосы ее убраны и перетянуты лентой, а руки устало сложены на коленях. Пик страданий позади, Миранда слаба и апатична. Восприятие героини на закате жизни художника меняется: на смену печальной и отрешенной нимфы приходит сильная античная богиня в кельтском одеянии с огненными волосами. Именно такой женский образ был востребован и любим зрителями и критиками Уотерхауса.
При жизни художника картина выставлялась в Королевской академии художеств. Полотно было приобретено на аукционе Sotheby's 21 ноября 1989 и находится сейчас в частной коллекции.
#ДжонУотерхаус #Прерафаэлиты #ЛитературнаяСцена
@pic_history
Сюжет пьесы повествует о приключениях волшебника и герцога миланского Просперо и его дочери — юной Миранды. Благодаря родственным перипетиям и борьбе за власть, главная героиня и ее отец на много лет оказываются отшельниками на необитаемом острове. Здесь Просперо доводит свое искусство волшебства до совершенства, чтобы отомстить брату-узурпатору Алонсо. Спустя годы, Просепро насылает бурю на корабль Алонсо, и все, бывшие на судне, погибают. Сыну врага, племяннику Фердинанду удается спастись, и он встречает Миранду. Девушка и юноша влюбляются, но отец Миранды испытывает Фердинанда и скрывает тот факт, что его отец жив. Благодаря магической силе Просеперо, все недоразумения приходят к положительному завершению: брат признает его власть, сын встречается с отцом, и возлюбленные готовятся к свадьбе, благополучно вернувшись в цивилизованный мир.
Художник выбрал для живописного повествования самый трагический и трогательный момент всей пьесы: гибель корабля Алонсо. Миранда — глубоко чувствующая девушка, она поражена болью и бессилием при виде кораблекрушения и гибели людей:
О, как я страдала,
Страданья погибавших разделяя!
Корабль отважный, где, конечно, были
И честные и праведные люди,
Разбился в щепы. В сердце у меня
Звучит их вопль. Увы, они погибли!
Миранда Уотерхауса одиноко стоит на берегу бушующего моря, не в силах оказать помощь тонущему судну. В окружении скал и волн, дочь герцога возвышается, как маяк, крепко стоя на земле, словно каменные глыбы вдоль берега. Переживание и отчаяние девушки зритель видеть не может: она изображена в пол оборота. Но художник передал эмоции шекспировских строк через ее движения и колорит: Миранда удерживает развевающиеся волосы правой рукой, а левую прижимает к сердцу, там где «звучит их вопль» - вопль погибающих. Глубокий синий тон длинного средневекового платья перекликается с оттенком воды, которая бурлит, поднимая песок со дна. Край нижней юбки, манжеты и сумка на поясе резонируют с красно-рыжей копной волос, разбитой мачтой и окружающими стихию утесами. Преобладание этих двух оттенков создает осенний монохромный колорит морского пейзажа, усиливает впечатление неизбежности.
«Миранда и буря»: эволюция образа
Образ Миранды часто привлекал художников, и они иллюстрировали самые разные эпизоды повествования. Но Уотерхаус, следуя своему стремлению изображать эпические моменты, воспользовался только трагическими строками пьесы. Художник не дает зрителю надежды на счастливый конец, нет намека на то, что это не история горя и потери, а история о счастливой любви и волшебстве. Отчаяние героини при виде разбивающегося о рифы судна — единственное, что автор намерен донести и показать, используя для этого свои уникальные художественные приемы.
Шекспировские героини занимают особое место в творчестве Уотерхауса, а образ Миранды первый раз возник еще в начале его карьеры в 1875 году. Это совсем другая картина: буря окончена, и последние слабые волны неспеша накатывают на берег. Босая Миранда сидит на берегу в безвольно-меланхоличной позе, волосы ее убраны и перетянуты лентой, а руки устало сложены на коленях. Пик страданий позади, Миранда слаба и апатична. Восприятие героини на закате жизни художника меняется: на смену печальной и отрешенной нимфы приходит сильная античная богиня в кельтском одеянии с огненными волосами. Именно такой женский образ был востребован и любим зрителями и критиками Уотерхауса.
При жизни художника картина выставлялась в Королевской академии художеств. Полотно было приобретено на аукционе Sotheby's 21 ноября 1989 и находится сейчас в частной коллекции.
#ДжонУотерхаус #Прерафаэлиты #ЛитературнаяСцена
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
"Миранда"
1875 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
1875 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие.
Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать.
Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона:
Как жизнь пуста! — она сказала. —
Он не придет и впредь.
А я устала, так устала,
Уж лучше умереть!
Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание.
Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии.
Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение.
Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами.
#ДжонМилле #Прерафаэлиты
@pic_history
Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать.
Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона:
Как жизнь пуста! — она сказала. —
Он не придет и впредь.
А я устала, так устала,
Уж лучше умереть!
Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание.
Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии.
Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение.
Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами.
#ДжонМилле #Прерафаэлиты
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Другие критики отмечали в «Наемном пастухе» негативную оценку католической церкви, якобы обманом привлекавшую англиканскую паству. И тем не менее, даже среди современных исследователей, свободных в своих суждениях, есть те, кто игнорирует христианский смысл картины, объясняя ее стремлением художника приучить своих зрителей к трудолюбию.
Сам же Хант в своей переписке вскользь упоминал, что он имел имел своей целью не только растолковать притчу Христа, но и показать современным проповедникам, что нужно заниматься своей паствой, а не вдаваться в пустые богословские споры.
#УильямХолманХант #АллегорическаяСцена #Прерафаэлиты
@pic_history
Сам же Хант в своей переписке вскользь упоминал, что он имел имел своей целью не только растолковать притчу Христа, но и показать современным проповедникам, что нужно заниматься своей паствой, а не вдаваться в пустые богословские споры.
#УильямХолманХант #АллегорическаяСцена #Прерафаэлиты
@pic_history
Холман Хант, который делил в 1849 с Россетти мастерскую, помогал ему справиться с композицией – и один из ангелов в процессе работы над картиной исчез. А символы, которые были понятны адресату Россетти, сейчас требуют хотя бы краткой интерпретации. Книги, которых Пресвятая Богородица в силу исторических обстоятельств, читать не могла, занимают положенное им символическое место - на корешке каждой из них написана одна из добродетелей, и все они вместе создают прочное основание для вазы с лилией. Лилия в свою очередь – символ невинности. Пальмовая ветвь и ветка шиповника символизируют Вербное воскресенье (Palm Sunday) и Распятие ее будущего Сына. Виноградная лоза, которую обрезает Иоахим – символ самого Христа.
Наконец, доказательство № 5. В самой первой живописной работе Данте Габриэль Россетти смог незаметно для беспечных критиков продемострировать главные идеи Братства прерафаэлитов: верность природе и возврат к средневековой эстетике и символам.
@pic_history
#ДантеРоссетти #РелигиознаяСцена #Прерафаэлиты
Наконец, доказательство № 5. В самой первой живописной работе Данте Габриэль Россетти смог незаметно для беспечных критиков продемострировать главные идеи Братства прерафаэлитов: верность природе и возврат к средневековой эстетике и символам.
@pic_history
#ДантеРоссетти #РелигиознаяСцена #Прерафаэлиты
Частичную отгадку происходящему предоставляет лепнина на горшке, недвусмысленный намек художника. Видите черепа? Что ж, пришла пора кратко изложить содержание поэмы Китса, базирующейся на одной из новелл «Декамерона» Бокаччо – сборника любовно-авантюрных историй, изданного в 1351-1352 годы.
Итак, жила-была во Флоренции девица-красавица, которую браться желали выдать замуж за состоятельного человека, владельца оливковых плантаций. А она возьми, да и влюбись в Лоренцо - простого наемного работника, выполнявшего поручения братьев: демократичные совместные трапезы семейства в компании с клерком сыграли роковую роль. Платоническими мечтами дело не ограничилось. Как-то один из братьев застал Изабеллу, идущую ночью в комнату юноши. Грех прелюбодеяния решено было скрыть самым радикальным образом – убив Лоренцо. Что и было проделано, а Изабелле братья сказали о том, что работник «в командировке» - отправлен с неким поручением за город. Да так и не вернулся… Однако явился к своей возлюбленной в виде призрака и поведал о преступлении, описав подробности, благодаря которым Изабелла нашла могилу любимого. Далее…
Помните сказку Ганса Кристиана Андересена «Эльф розового куста», отчасти «перепевающую» тот же сюжет? Обезумевшая от горя молодая женщина выкапывает тело и отрезает голову Лоренцо.
…Она домой внесла ее тайком
И каждую расправила ресницу
Вкруг усыпальниц глаз, и липкий ком
Его волос расчесывала, литься
Своим слезам позволив, будто льдом
Вод родниковых дав ему умыться.
Так над главой любимого она
Все плакала, вздыхала дотемна.
Потом атласом бережно покрыла,
Пропитанным сладчайшею росой
Цветов Востока; новая могила
Теперь обретена. - В горшок простой
Цветочный положив, припорошила
Она свое сокровище землей
И посадила базилик на ней,
И орошала влагою очей.
Братья, увы, обо всем узнали, отняли горшок-захоронение, и Изабелла вскоре умерла.
История грустная. Сыграла она злую шутку и с самим художником, столь искусно изобразившим обитель погибшей любви и прекрасную в своей печали героиню поэмы.
Картину мастер задумывал в 1848 году и сделал ряд набросков. Хотя, как говорят, он пленился волнующей эротичностью новеллы "Декамерона", ацент на образе главной героине был сделан не сразу. Наброски изображали и вероломных братьев, проверяющих счета, и Лоренцо за работой.
Прошло почти 18 лет. Мастер женился, и вместе с беременной Фанни Во отправился в путешествие по Италии. Идиллия! Дивная природа, любимая красавица-жена… Самое время создать картину на давно привлекавший сюжет, на этот раз изобразив лишь чудесную, хоть и безутешную Изабеллу. Хорошей ли это было идеей? Судьба была безжалостна к художнику: там же, в Италии, в 1866 году вскоре после родов Фанни умерла от лихорадки. Горевавший художник переносил на полотно черты ушедшей супруги…
Картину он закончил в 1868 году уже в Англии. Ювелирную и волнующую работу мастера высоко оценили коллеги: своих "Изабелл..." вслед за Хантом изобразили другие прерафаэлиты – Уотерхаус и Александер. Но вот женитьбу Ханта на Эдит, сестре Фанни (действо в Англии и вовсе противозаконное - пара уезжала в Швейцарию), прерафаэлиты не приняли, разгорелся конфликт: отношения между "сестрами" и "братьями" в коллективе всегда были непростыми. А картину продолжал преследовать шлейф невезения, хотя поначалу ее купил и представил публике сам Эрнест Гамбаро - известный арт-дилер, считайте, Ларри Гагосян своего времени в Англии.
Каноническую работу одного из основателей славного содружества продали в 2014 году с аукциона Christie's за 4,25 миллиона долларов. Этот с виду достойный результат был далек от первоначальной аукционной оценки столь выдающегося полотна (8,4 – 13,4 млн. долларов), как и от надежд Музея Искусств Делавера (США, Delaware Art Museum) решить за этот счет финансовые проблемы учреждения. Картина там хранилась с 1947 года. Понизив стартовую цену – дескать, спрос на работы прерафаэлитов на спаде, - музейщики в итоге выручили неплохую сумму. Был установлен и мировой рекорд стоимости для картин Уильяма Ханта.
@pic_history
#УильямХант #Прерафаэлиты
Итак, жила-была во Флоренции девица-красавица, которую браться желали выдать замуж за состоятельного человека, владельца оливковых плантаций. А она возьми, да и влюбись в Лоренцо - простого наемного работника, выполнявшего поручения братьев: демократичные совместные трапезы семейства в компании с клерком сыграли роковую роль. Платоническими мечтами дело не ограничилось. Как-то один из братьев застал Изабеллу, идущую ночью в комнату юноши. Грех прелюбодеяния решено было скрыть самым радикальным образом – убив Лоренцо. Что и было проделано, а Изабелле братья сказали о том, что работник «в командировке» - отправлен с неким поручением за город. Да так и не вернулся… Однако явился к своей возлюбленной в виде призрака и поведал о преступлении, описав подробности, благодаря которым Изабелла нашла могилу любимого. Далее…
Помните сказку Ганса Кристиана Андересена «Эльф розового куста», отчасти «перепевающую» тот же сюжет? Обезумевшая от горя молодая женщина выкапывает тело и отрезает голову Лоренцо.
…Она домой внесла ее тайком
И каждую расправила ресницу
Вкруг усыпальниц глаз, и липкий ком
Его волос расчесывала, литься
Своим слезам позволив, будто льдом
Вод родниковых дав ему умыться.
Так над главой любимого она
Все плакала, вздыхала дотемна.
Потом атласом бережно покрыла,
Пропитанным сладчайшею росой
Цветов Востока; новая могила
Теперь обретена. - В горшок простой
Цветочный положив, припорошила
Она свое сокровище землей
И посадила базилик на ней,
И орошала влагою очей.
Братья, увы, обо всем узнали, отняли горшок-захоронение, и Изабелла вскоре умерла.
История грустная. Сыграла она злую шутку и с самим художником, столь искусно изобразившим обитель погибшей любви и прекрасную в своей печали героиню поэмы.
Картину мастер задумывал в 1848 году и сделал ряд набросков. Хотя, как говорят, он пленился волнующей эротичностью новеллы "Декамерона", ацент на образе главной героине был сделан не сразу. Наброски изображали и вероломных братьев, проверяющих счета, и Лоренцо за работой.
Прошло почти 18 лет. Мастер женился, и вместе с беременной Фанни Во отправился в путешествие по Италии. Идиллия! Дивная природа, любимая красавица-жена… Самое время создать картину на давно привлекавший сюжет, на этот раз изобразив лишь чудесную, хоть и безутешную Изабеллу. Хорошей ли это было идеей? Судьба была безжалостна к художнику: там же, в Италии, в 1866 году вскоре после родов Фанни умерла от лихорадки. Горевавший художник переносил на полотно черты ушедшей супруги…
Картину он закончил в 1868 году уже в Англии. Ювелирную и волнующую работу мастера высоко оценили коллеги: своих "Изабелл..." вслед за Хантом изобразили другие прерафаэлиты – Уотерхаус и Александер. Но вот женитьбу Ханта на Эдит, сестре Фанни (действо в Англии и вовсе противозаконное - пара уезжала в Швейцарию), прерафаэлиты не приняли, разгорелся конфликт: отношения между "сестрами" и "братьями" в коллективе всегда были непростыми. А картину продолжал преследовать шлейф невезения, хотя поначалу ее купил и представил публике сам Эрнест Гамбаро - известный арт-дилер, считайте, Ларри Гагосян своего времени в Англии.
Каноническую работу одного из основателей славного содружества продали в 2014 году с аукциона Christie's за 4,25 миллиона долларов. Этот с виду достойный результат был далек от первоначальной аукционной оценки столь выдающегося полотна (8,4 – 13,4 млн. долларов), как и от надежд Музея Искусств Делавера (США, Delaware Art Museum) решить за этот счет финансовые проблемы учреждения. Картина там хранилась с 1947 года. Понизив стартовую цену – дескать, спрос на работы прерафаэлитов на спаде, - музейщики в итоге выручили неплохую сумму. Был установлен и мировой рекорд стоимости для картин Уильяма Ханта.
@pic_history
#УильямХант #Прерафаэлиты
Как и многие прерафаэлиты, Бёрн-Джонс выбрал длинное и узкое полотно вертикального формата. Прекрасная нищенка сидит выше короля – очень наглядное напоминание о грядущем повышении её статуса. Бледная кожа девушки контрастирует с более тёмными тонами остальной картины, концентрируя внимание зрителя на тонкой, эфирной фигуре, столь типичной для героинь Бёрн-Джонса.
Учёные отметили сходство девушки-нищенки с женой художника Джорджианой, которая вышла за него в 1860 году. Она была одной из четырёх знаменитых сестёр Макдональд (три другие также вступили в браки с выдающимися мужчинами того времени), а позже стала биографом своего супруга. Впрочем, их союз не всегда был безоблачным. Роман живописца с моделью Марией Замбако вызвал скандал, когда та, потеряв рассудок под конец их отношений, публично пригрозила покончить жизнь самоубийством.
Интересно, что один цветок на картине «Король Кофетуа и нищенка» – это анемон, который в викторианской Англии считался символом отвергнутой любви. Это чувство явно не соответствует легенде, но, возможно, было значимым для самого художника. Учёные также указывают, что тема любви, побеждающей классовые и финансовые предрассудки, соответствует идеям, которые высказывал Уильям Моррис – убеждённый социалист и один из ближайших друзей Бёрн-Джонса.
Для короля Кофетуа позировал художник по металлу Уильям Бенсон. Он же, как пишут биографы Бёрн-Джонса, изготовил корону, которую его герой держит в руке, поскольку автор картины стремился к точному воспроизведению всех предметов и писал их натуры. Интересное решение было найдено для одеяния нищенки. В стихотворении сказано, что она предстала перед королём в «сером и добродетельном» платье, которое Бёрн-Джонс посчитал, по его выражению, «неаппетитным». И всё же он не стал менять образ, описанный поэтом, но одел свою героиню в почти прозрачную тёмно-серую тунику.
Бёрн-Джонс начал писать «Короля Кофетуа и нищенку» в 1861/62 годах. Спустя 12 лет он разработал новую композицию, а к исходному полотну вернулся в 1881 году. В апреле 1884-го художник объявил об окончании работы.
Весной 1884 года полотно «Король Кофетуа и нищенка» было выставлено в галерее Гросвенор и очень хорошо принято публикой. Сентиментальность темы и счастливый конец истории, несомненно, освежающе поздействовали на аудиторию XIX века, которая привыкла в основном к повествованиям с печальным финалом. The Art Journal объявил работу «картиной года», а The Times пошла дальше и назвала её «не только самым прекрасным произведением, которое когда-либо писал мистер Бёрн-Джонс, но одной из лучших картин, когда-либо написанных англичанином». Пять лет спустя шедевр был представлен на Всемирной выставке в Париже, а его автор получил орден Почетного легиона. Жена художника Джорджиана утверждала, что «в этой картине больше личных черт Эдварда, чем в любой другой из созданных им».
@pic_history
#ЭдвардБёрнДжонс #ЛитературнаяСцена #Прерафаэлиты
Учёные отметили сходство девушки-нищенки с женой художника Джорджианой, которая вышла за него в 1860 году. Она была одной из четырёх знаменитых сестёр Макдональд (три другие также вступили в браки с выдающимися мужчинами того времени), а позже стала биографом своего супруга. Впрочем, их союз не всегда был безоблачным. Роман живописца с моделью Марией Замбако вызвал скандал, когда та, потеряв рассудок под конец их отношений, публично пригрозила покончить жизнь самоубийством.
Интересно, что один цветок на картине «Король Кофетуа и нищенка» – это анемон, который в викторианской Англии считался символом отвергнутой любви. Это чувство явно не соответствует легенде, но, возможно, было значимым для самого художника. Учёные также указывают, что тема любви, побеждающей классовые и финансовые предрассудки, соответствует идеям, которые высказывал Уильям Моррис – убеждённый социалист и один из ближайших друзей Бёрн-Джонса.
Для короля Кофетуа позировал художник по металлу Уильям Бенсон. Он же, как пишут биографы Бёрн-Джонса, изготовил корону, которую его герой держит в руке, поскольку автор картины стремился к точному воспроизведению всех предметов и писал их натуры. Интересное решение было найдено для одеяния нищенки. В стихотворении сказано, что она предстала перед королём в «сером и добродетельном» платье, которое Бёрн-Джонс посчитал, по его выражению, «неаппетитным». И всё же он не стал менять образ, описанный поэтом, но одел свою героиню в почти прозрачную тёмно-серую тунику.
Бёрн-Джонс начал писать «Короля Кофетуа и нищенку» в 1861/62 годах. Спустя 12 лет он разработал новую композицию, а к исходному полотну вернулся в 1881 году. В апреле 1884-го художник объявил об окончании работы.
Весной 1884 года полотно «Король Кофетуа и нищенка» было выставлено в галерее Гросвенор и очень хорошо принято публикой. Сентиментальность темы и счастливый конец истории, несомненно, освежающе поздействовали на аудиторию XIX века, которая привыкла в основном к повествованиям с печальным финалом. The Art Journal объявил работу «картиной года», а The Times пошла дальше и назвала её «не только самым прекрасным произведением, которое когда-либо писал мистер Бёрн-Джонс, но одной из лучших картин, когда-либо написанных англичанином». Пять лет спустя шедевр был представлен на Всемирной выставке в Париже, а его автор получил орден Почетного легиона. Жена художника Джорджиана утверждала, что «в этой картине больше личных черт Эдварда, чем в любой другой из созданных им».
@pic_history
#ЭдвардБёрнДжонс #ЛитературнаяСцена #Прерафаэлиты
Уильям Моррис скончался в октябре 1896 года. Спустя два года, как свидетельствуют документы, Бёрн-Джонс начал ощущать нехватку времени. Его раздражали вынужденные перерывы в работе – в том числе приглашение на юбилейные торжества королевы Виктории, куда он отправился неохотно и пробыл недолго. Он отказывался отвлекаться на новости о начале войны между Америкой и Испанией или тревожащие политические слухи: «Я пропустил это. Я пропущу очень многое. Я должен [сделать это], если хочу добраться до Авалона».
В середине июня 1898 года Бёрн-Джонс считал, что картина будет завершена через два месяца. Но в ночь на 17-е число он вызвал к себе в спальню Джорджиану и умер от сердечного приступа. Так и не законченный «Последний сон короля Артура в Авалоне» был выставлен в Королевской академии в 1916 году. Он стал одним из центров бурного возрождения рыцарского духа, который должен был сплотить войска и прославлять павших в Первой мировой войне. Такая упрощённая интерпретация шедевра наверняка разозлила бы художника.
В апреле 1963 года грандиозное полотно оказалось на аукционе Christie's. Его приобрёл Луис Ферре, основатель Музея искусств Понсе и будущий губернатор Пуэрто-Рико. К тому времени работы прерафаэлитов вышли из моды, и потому британское правительство дало разрешение на экспорт, несмотря на некоторые возражения. Теперь «Последний сон…» является жемчужиной коллекции пуэрториканского музея – наряду с шедевром «Пылающий июнь» Фредерика Лейтона, современника Бёрн-Джонса.
@pic_history
#ЭдвардБёрнДжонс #ЛитературнаяСцена #Прерафаэлиты
В середине июня 1898 года Бёрн-Джонс считал, что картина будет завершена через два месяца. Но в ночь на 17-е число он вызвал к себе в спальню Джорджиану и умер от сердечного приступа. Так и не законченный «Последний сон короля Артура в Авалоне» был выставлен в Королевской академии в 1916 году. Он стал одним из центров бурного возрождения рыцарского духа, который должен был сплотить войска и прославлять павших в Первой мировой войне. Такая упрощённая интерпретация шедевра наверняка разозлила бы художника.
В апреле 1963 года грандиозное полотно оказалось на аукционе Christie's. Его приобрёл Луис Ферре, основатель Музея искусств Понсе и будущий губернатор Пуэрто-Рико. К тому времени работы прерафаэлитов вышли из моды, и потому британское правительство дало разрешение на экспорт, несмотря на некоторые возражения. Теперь «Последний сон…» является жемчужиной коллекции пуэрториканского музея – наряду с шедевром «Пылающий июнь» Фредерика Лейтона, современника Бёрн-Джонса.
@pic_history
#ЭдвардБёрнДжонс #ЛитературнаяСцена #Прерафаэлиты
Telegram
История одной картины
"Пылающий июнь"
1895 г.
Сэр Фредерик Лейтон
Музей искусств Понсе.
На создание самого знаменитого полотна Лейтона вдохновила его модель, которая однажды просто уснула в мастерской. Художника поразила гибкость тела, и та замысловатая поза, которую приняла…
1895 г.
Сэр Фредерик Лейтон
Музей искусств Понсе.
На создание самого знаменитого полотна Лейтона вдохновила его модель, которая однажды просто уснула в мастерской. Художника поразила гибкость тела, и та замысловатая поза, которую приняла…
«Блаженную Беатриче» Россетти написал вскоре после смерти Элизабет Сиддал по эскизам и рисункам, которых за время их совместной жизни он сделал сотни. Элизабет работала в шляпном магазине, когда ее увидел художник Уолтер Деверелл, зашедший в лавку случайно вместе с матерью. После этой встречи он рассказывал Холману Ханту и Россетти: «Она как королева: великолепно высокая, с прекрасной фигурой, величественной шеей, нежным лицом, плавный переход линий от висков к скулам в точности напоминает скульптуру богини Фидия... Подождите, я еще не закончил! У нее серые глаза, а волосы похожи на сверкающую медь и переливаются, когда она их распускает». Художники-прерафаэлиты нашли идеальную модель, словно сошедшую с ранних ренессансных фресок – Милле писал с нее Офелию, Хант – Сильвию. Потом Лиззи познакомили с Россетти – и она стала его личной натурщицей, любовницей, а вскоре и ученицей. 10 лет они прожили вместе – темпераментные, страстные, вспыльчивые, талантливые, оба поэты и художники. Данте писал ее одержимо, ежедневно, ее лицо смотрело с каждого наброска и полотна в его матерской. Элизабет была больна туберкулезом, частые приступы укладывали ее надолго в постель, через какое-то время искривленный позвоночник начал вызывать приступы невралгии – тут-то в ее руках и оказалась настойка опия. В 1860 году, когда состояние девушки было критическим, отчаявшийся Россетти решил на ней жениться. Он чувствовал себя виноватым, потому что не решался сделать этого раньше, да и верностью в этих 10-летних отношениях не мог похвастать. И вдруг смысл всей его жизни, его любимая, его модель, его Беатриче – при смерти.
Элизабет Россетти почувствовала себя лучше после свадьбы, но прожила в браке всего два года. Это были уже совсем не безоблачные отношения музы и вдохновенного поэта, омраченные, к тому же, выкидышем, бессонницами, наркотической зависимостью. В 1862 году Лиззи приняла смертельную дозу лауданума – то ли желая облегчить невыносимую боль, то ли решившись избавиться от боли навсегда. И овдовевший художник задумал «Блаженную Беатриче», над которой будет работать 6 лет.
Беатриче – это образ, безраздельно принадлежавший Лиззи в творчестве Россетти. И теперь Россетти пишет ее в момент расставания с миром – в блаженном и смиренном принятии конца. Голубь опускает ей в раскрытые ладони мак – символ смерти. За ее плечами ангел любви, одетый в красное, держит догорающий огонь – символ угасающей жизни. Вторая фигура – это сам Россетти в образе Данте, уже не способный удержать возлюбленную на земле. В одном из писем художник рассказывал, что стремился не изобразить смерть, а заменить ее неким состоянием транса, в котором Беатриче переносится с земли на небеса.
Джон Рёскин сказал о необычном свойстве света в работах Россетти в 60-е годы: «Его свет – это не сам солнечный свет, а солнечный свет, рассеянный сквозь цветные стекла». Первое впечатление от «Блаженной Беатриче» именно такое: свет излучает вся фигура девушки, ее руки и подол платья, ее сияющие волосы светятся изнутри, а не подсвечены внешним источником, солнцем из далекого города.
После смерти Элизабетт Россетти не смог жить в их общем доме – и переехал. «Блаженную Беатриче» он повторит еще несколько раз (в основном, получая заказ именно на это изображение). С каждой новой репликой свет в руках и волосах Беатриче будет все более неуверенным и тусклым, как и воспоминания об Элизабетт, вытесняемые из жизни Россетти новыми женщинами, опиумом и виски.
@pic_history
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты
Элизабет Россетти почувствовала себя лучше после свадьбы, но прожила в браке всего два года. Это были уже совсем не безоблачные отношения музы и вдохновенного поэта, омраченные, к тому же, выкидышем, бессонницами, наркотической зависимостью. В 1862 году Лиззи приняла смертельную дозу лауданума – то ли желая облегчить невыносимую боль, то ли решившись избавиться от боли навсегда. И овдовевший художник задумал «Блаженную Беатриче», над которой будет работать 6 лет.
Беатриче – это образ, безраздельно принадлежавший Лиззи в творчестве Россетти. И теперь Россетти пишет ее в момент расставания с миром – в блаженном и смиренном принятии конца. Голубь опускает ей в раскрытые ладони мак – символ смерти. За ее плечами ангел любви, одетый в красное, держит догорающий огонь – символ угасающей жизни. Вторая фигура – это сам Россетти в образе Данте, уже не способный удержать возлюбленную на земле. В одном из писем художник рассказывал, что стремился не изобразить смерть, а заменить ее неким состоянием транса, в котором Беатриче переносится с земли на небеса.
Джон Рёскин сказал о необычном свойстве света в работах Россетти в 60-е годы: «Его свет – это не сам солнечный свет, а солнечный свет, рассеянный сквозь цветные стекла». Первое впечатление от «Блаженной Беатриче» именно такое: свет излучает вся фигура девушки, ее руки и подол платья, ее сияющие волосы светятся изнутри, а не подсвечены внешним источником, солнцем из далекого города.
После смерти Элизабетт Россетти не смог жить в их общем доме – и переехал. «Блаженную Беатриче» он повторит еще несколько раз (в основном, получая заказ именно на это изображение). С каждой новой репликой свет в руках и волосах Беатриче будет все более неуверенным и тусклым, как и воспоминания об Элизабетт, вытесняемые из жизни Россетти новыми женщинами, опиумом и виски.
@pic_history
#ДантеРоссетти #Прерафаэлиты
Telegram
История одной картины