"Зебра"
1983 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
Шелкография «Зебра» входит в цикл картин «Вымирающие виды», созданный Энди Уорхолом в 1983 году. Серию картин у художника, открывшего миру поп-арт, заказали известные защитники животных и владельцы галереи Рональд и Фрейда Фельдман. Также можно встретить другое название цикла - «Животные в гриме». В серии 10 изображений редчайших животных, существование которых на планете находится под угрозой. Кроме Зебры Греви, Уорхол изобразил орангутанга, чёрного носорога, амурского тигра, африканского слона и др. Зебра Греви - самый редкий вид зебр, популяция которых сокращается ежегодно, а в некоторых ареалах обитания истреблена вовсе.
На полотне мы видим большую голову зебры Греви, повёрнутую к зрителю. Техника мастера осталась неизменной, а вот стилевая подача «позднего» Уорхола претерпела некоторые нововведения. Изображения стали сочнее, красочнее, контрастные цвета перемежевываются с тонкими, достаточно нежными линиями. Вот и представленная работа очень броская и контрастная. Чёрно-красная голова зебры обведена тонкими жёлтыми линиями, такими же линиями продублированы полоски на морде животного. Картина получилась очень динамичной и прямо-таки притягивающей внимание зрителя.
Что касается техники, то автор привычно использует своё ноу-хау, изобретённое ещё в начале творческого пути и навеянного экспериментами с камерой обскура. Уорхол накладывал диапозитив на нейлоновую сетку, до этого смоченную фотоэмульсией. Получалась плёнка, которую можно было использовать несколько раз. Таким путём созданы почти все произведения художника и цикл «Вымирающие виды» не исключение.
#ЭндиУорхол #Анимализм #ПопАрт
1983 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
Шелкография «Зебра» входит в цикл картин «Вымирающие виды», созданный Энди Уорхолом в 1983 году. Серию картин у художника, открывшего миру поп-арт, заказали известные защитники животных и владельцы галереи Рональд и Фрейда Фельдман. Также можно встретить другое название цикла - «Животные в гриме». В серии 10 изображений редчайших животных, существование которых на планете находится под угрозой. Кроме Зебры Греви, Уорхол изобразил орангутанга, чёрного носорога, амурского тигра, африканского слона и др. Зебра Греви - самый редкий вид зебр, популяция которых сокращается ежегодно, а в некоторых ареалах обитания истреблена вовсе.
На полотне мы видим большую голову зебры Греви, повёрнутую к зрителю. Техника мастера осталась неизменной, а вот стилевая подача «позднего» Уорхола претерпела некоторые нововведения. Изображения стали сочнее, красочнее, контрастные цвета перемежевываются с тонкими, достаточно нежными линиями. Вот и представленная работа очень броская и контрастная. Чёрно-красная голова зебры обведена тонкими жёлтыми линиями, такими же линиями продублированы полоски на морде животного. Картина получилась очень динамичной и прямо-таки притягивающей внимание зрителя.
Что касается техники, то автор привычно использует своё ноу-хау, изобретённое ещё в начале творческого пути и навеянного экспериментами с камерой обскура. Уорхол накладывал диапозитив на нейлоновую сетку, до этого смоченную фотоэмульсией. Получалась плёнка, которую можно было использовать несколько раз. Таким путём созданы почти все произведения художника и цикл «Вымирающие виды» не исключение.
#ЭндиУорхол #Анимализм #ПопАрт
"Восемь Элвисов"
1963 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
В картине Энди Уорхола «Восемь Элвисов» нашли своё отражение не только интерес мастера к выдающемуся человеку своего времени, но и достаточно глубокий философский подтекст. Произведение представляет собой многократное изображение самого успешного в коммерческом смысле певца XX века Элвиса Пресли. Каждый последующий отпечаток наслаивается на предыдущий, постепенно «собираясь» к правой части работы, где изображения находятся, фактически, одно на одном. Представленная работа не столько позволяет нам вспомнить об известном певце с выразительным вокалом, сколько уносит в метафизические размышления (зная о том, как закончил жизнь знаменитый красавец) – монотонность и пресыщенность одинаковыми образами и клише, страх смерти, бренность существования, забвение и роль даже самых выдающихся деятелей в контексте «сжимающегося» линейного времени.
Картина выполнена в любимом цвете автора – серебряном, в привычной для него авторской технике, позволяющей любой свой шедевр многократно копировать. Кто сказал, что искусство должно быть уникальным? Уорхол разрушал стереотипы, превратив свою работу, в некотором роде, в фабричный подряд с множеством подмастерье, которые тиражировали придуманную мастером идею, образ, идол.
Для своей работы Уорхол взял кадр из фильма, где снимался его герой - Flaming Star. В первоначальном варианте Элвисов было 16, позже автор оставил лишь 8, попутно создав ещё несколько аналогичных работ - «двойной» и «тройной» Элвис. С самого начала создания, «Восемь Элвисов» окутывал некий ареол таинственности. Вначале работа принадлежала известному коллекционеру Аннибале Берлинджери, который никогда, не смотря на просьбы, не предоставлял картину к какой бы то ни было выставке.
В 2009 году разразилась сенсация, шокировав публику - журнал «Экономист» написал о тайной сделке, проведённой год назад при посредничестве арт-дилера Philippe Segalot, бывшего сотрудника элитного аукциона «Кристис», по которой «Восемь Элвисов» перешла в руки другого частного коллекционера за рекордные 100 млн. долларов. Кто является владельцем картины сегодня неизвестно. Господин Берлинджери, которому 40 лет принадлежали «Элвисы», ни даёт никаких комментариев о том, кому он продал одну из самых известных работ Уорхола. Местонахождение работы до сих пор неизвестно и вряд ли в ближайшее время публика сможет её увидеть.
#ЭндиУорхол #Портрет #ПопАрт
1963 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
В картине Энди Уорхола «Восемь Элвисов» нашли своё отражение не только интерес мастера к выдающемуся человеку своего времени, но и достаточно глубокий философский подтекст. Произведение представляет собой многократное изображение самого успешного в коммерческом смысле певца XX века Элвиса Пресли. Каждый последующий отпечаток наслаивается на предыдущий, постепенно «собираясь» к правой части работы, где изображения находятся, фактически, одно на одном. Представленная работа не столько позволяет нам вспомнить об известном певце с выразительным вокалом, сколько уносит в метафизические размышления (зная о том, как закончил жизнь знаменитый красавец) – монотонность и пресыщенность одинаковыми образами и клише, страх смерти, бренность существования, забвение и роль даже самых выдающихся деятелей в контексте «сжимающегося» линейного времени.
Картина выполнена в любимом цвете автора – серебряном, в привычной для него авторской технике, позволяющей любой свой шедевр многократно копировать. Кто сказал, что искусство должно быть уникальным? Уорхол разрушал стереотипы, превратив свою работу, в некотором роде, в фабричный подряд с множеством подмастерье, которые тиражировали придуманную мастером идею, образ, идол.
Для своей работы Уорхол взял кадр из фильма, где снимался его герой - Flaming Star. В первоначальном варианте Элвисов было 16, позже автор оставил лишь 8, попутно создав ещё несколько аналогичных работ - «двойной» и «тройной» Элвис. С самого начала создания, «Восемь Элвисов» окутывал некий ареол таинственности. Вначале работа принадлежала известному коллекционеру Аннибале Берлинджери, который никогда, не смотря на просьбы, не предоставлял картину к какой бы то ни было выставке.
В 2009 году разразилась сенсация, шокировав публику - журнал «Экономист» написал о тайной сделке, проведённой год назад при посредничестве арт-дилера Philippe Segalot, бывшего сотрудника элитного аукциона «Кристис», по которой «Восемь Элвисов» перешла в руки другого частного коллекционера за рекордные 100 млн. долларов. Кто является владельцем картины сегодня неизвестно. Господин Берлинджери, которому 40 лет принадлежали «Элвисы», ни даёт никаких комментариев о том, кому он продал одну из самых известных работ Уорхола. Местонахождение работы до сих пор неизвестно и вряд ли в ближайшее время публика сможет её увидеть.
#ЭндиУорхол #Портрет #ПопАрт
«Банка с супом «Кэмпбелл»
1962 г.
Энди Уорхол
«Банка с супом «Кэмпбелл» - произведение, которое принесло славу Энди Уорхолу, ставшему знаменитым во всем мире как «Король поп-арта».
В течении года Уорхол создал серию из 32 одинаковых полотен.
Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет.
Критики заявляли, что простое по своей сути изображение супа заставляет задуматься о многом - неприхотливом вкусе целой нации, а также бездушии, пошлости и одинаковости окружающих предметов.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
1962 г.
Энди Уорхол
«Банка с супом «Кэмпбелл» - произведение, которое принесло славу Энди Уорхолу, ставшему знаменитым во всем мире как «Король поп-арта».
В течении года Уорхол создал серию из 32 одинаковых полотен.
Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет.
Критики заявляли, что простое по своей сути изображение супа заставляет задуматься о многом - неприхотливом вкусе целой нации, а также бездушии, пошлости и одинаковости окружающих предметов.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
"Зебра"
1983 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
Шелкография «Зебра» входит в цикл картин «Вымирающие виды», созданный Энди Уорхолом в 1983 году. Серию картин у художника, открывшего миру поп-арт, заказали известные защитники животных и владельцы галереи Рональд и Фрейда Фельдман. Также можно встретить другое название цикла - «Животные в гриме». В серии 10 изображений редчайших животных, существование которых на планете находится под угрозой. Кроме Зебры Греви, Уорхол изобразил орангутанга, чёрного носорога, амурского тигра, африканского слона и др. Зебра Греви - самый редкий вид зебр, популяция которых сокращается ежегодно, а в некоторых ареалах обитания истреблена вовсе.
На полотне мы видим большую голову зебры Греви, повёрнутую к зрителю. Техника мастера осталась неизменной, а вот стилевая подача «позднего» Уорхола претерпела некоторые нововведения. Изображения стали сочнее, красочнее, контрастные цвета перемежевываются с тонкими, достаточно нежными линиями. Вот и представленная работа очень броская и контрастная. Чёрно-красная голова зебры обведена тонкими жёлтыми линиями, такими же линиями продублированы полоски на морде животного. Картина получилась очень динамичной и прямо-таки притягивающей внимание зрителя.
Что касается техники, то автор привычно использует своё ноу-хау, изобретённое ещё в начале творческого пути и навеянного экспериментами с камерой обскура. Уорхол накладывал диапозитив на нейлоновую сетку, до этого смоченную фотоэмульсией. Получалась плёнка, которую можно было использовать несколько раз. Таким путём созданы почти все произведения художника и цикл «Вымирающие виды» не исключение.
#ЭндиУорхол #Анимализм #ПопАрт
1983 г.
Энди Уорхол
Частная коллекция.
Шелкография «Зебра» входит в цикл картин «Вымирающие виды», созданный Энди Уорхолом в 1983 году. Серию картин у художника, открывшего миру поп-арт, заказали известные защитники животных и владельцы галереи Рональд и Фрейда Фельдман. Также можно встретить другое название цикла - «Животные в гриме». В серии 10 изображений редчайших животных, существование которых на планете находится под угрозой. Кроме Зебры Греви, Уорхол изобразил орангутанга, чёрного носорога, амурского тигра, африканского слона и др. Зебра Греви - самый редкий вид зебр, популяция которых сокращается ежегодно, а в некоторых ареалах обитания истреблена вовсе.
На полотне мы видим большую голову зебры Греви, повёрнутую к зрителю. Техника мастера осталась неизменной, а вот стилевая подача «позднего» Уорхола претерпела некоторые нововведения. Изображения стали сочнее, красочнее, контрастные цвета перемежевываются с тонкими, достаточно нежными линиями. Вот и представленная работа очень броская и контрастная. Чёрно-красная голова зебры обведена тонкими жёлтыми линиями, такими же линиями продублированы полоски на морде животного. Картина получилась очень динамичной и прямо-таки притягивающей внимание зрителя.
Что касается техники, то автор привычно использует своё ноу-хау, изобретённое ещё в начале творческого пути и навеянного экспериментами с камерой обскура. Уорхол накладывал диапозитив на нейлоновую сетку, до этого смоченную фотоэмульсией. Получалась плёнка, которую можно было использовать несколько раз. Таким путём созданы почти все произведения художника и цикл «Вымирающие виды» не исключение.
#ЭндиУорхол #Анимализм #ПопАрт
"Электрический стул"
1963 г.
Энди Уорхол
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
«В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти»
Тема умирания, исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы».
Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект».
Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
1963 г.
Энди Уорхол
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
«В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти»
Тема умирания, исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы».
Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект».
Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
"Белый флаг"
1955 г.
Джаспер Джонс
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Даже задолго до того, как Джаспер Джонс стал отшельником и начал избегать общества других людей, он крайне редко давал какие-либо комментарии к своим работам. Однако еще в 50-е, когда он начал создавать свою знаменитую серию флагов, художник рассказал, как к нему пришла эта идея. Джонс увидел сон, в котором он рисовал американский флаг, и, проснувшись, взялся за работу. На создание первого флага у художника ушло около двух лет, и из этой работы родилась серия самых разнообразных изображений предмета, знакомого каждому американцу едва ли не с рождения.
Говоря о своих флагах и о более позднем цикле с изображениями букв и цифр, Джонс отмечал, что их объединяет одна особенность: мы видим их каждый день, но никогда не рассматриваем. Мало кому пришло бы в голову восхищаться красотой цифр или детально разглядывать каждую букву алфавита. Мы автоматически считываем информацию, которую несут эти символы, не рассматривая каждый из них по отдельности. Что же касается американского флага, то он за долгие десятилетия успел превратиться из патриотического символа в одно из самых растиражированных и банальных «фоновых» изображений, на котором не задерживается взгляд.
«Белый флаг» - самая большая картина из этой серии и первая монохромная. Практически лишив изображение цвета и оставив лишь намек на оттенки, Джонс демонстрирует, что даже в таком виде американский флаг остается узнаваемым. Кроме того, с помощью этого приема художник сосредотачивает внимание зрителя не на том, что изображено на полотне, а на том, как оно сделано. По сути «Белый флаг» - это не картина, а коллаж. Полотно составлено из трех панелей: одна со звездами, вторая – с семью полосами справа от звезд, и третья, самая большая, - с полосами внизу. Над каждой частью картины Джонс работал отдельно: полностью покрыв холст слоем неотбеленного пчелиного воска, он формировал на нем рисунок из обрывков газет, бумаги и кусочков ткани, предварительно окуная их в расплавленный воск. Затем художник соединил все три холста и покрыл их красками на основе все того же пчелиного воска, смешанного с пигментами. Финальным штрихом стало нанесение неравномерного слоя белой масляной краски. Сложность работы в технике энкаустики заключается в том, что такие краски достаточно быстро застывают, однако именно этот подход позволял Джонсу формировать объемное, неоднородное пространство полотна.
#ДжасперДжонс #ПопАрт
@pic_history
1955 г.
Джаспер Джонс
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Даже задолго до того, как Джаспер Джонс стал отшельником и начал избегать общества других людей, он крайне редко давал какие-либо комментарии к своим работам. Однако еще в 50-е, когда он начал создавать свою знаменитую серию флагов, художник рассказал, как к нему пришла эта идея. Джонс увидел сон, в котором он рисовал американский флаг, и, проснувшись, взялся за работу. На создание первого флага у художника ушло около двух лет, и из этой работы родилась серия самых разнообразных изображений предмета, знакомого каждому американцу едва ли не с рождения.
Говоря о своих флагах и о более позднем цикле с изображениями букв и цифр, Джонс отмечал, что их объединяет одна особенность: мы видим их каждый день, но никогда не рассматриваем. Мало кому пришло бы в голову восхищаться красотой цифр или детально разглядывать каждую букву алфавита. Мы автоматически считываем информацию, которую несут эти символы, не рассматривая каждый из них по отдельности. Что же касается американского флага, то он за долгие десятилетия успел превратиться из патриотического символа в одно из самых растиражированных и банальных «фоновых» изображений, на котором не задерживается взгляд.
«Белый флаг» - самая большая картина из этой серии и первая монохромная. Практически лишив изображение цвета и оставив лишь намек на оттенки, Джонс демонстрирует, что даже в таком виде американский флаг остается узнаваемым. Кроме того, с помощью этого приема художник сосредотачивает внимание зрителя не на том, что изображено на полотне, а на том, как оно сделано. По сути «Белый флаг» - это не картина, а коллаж. Полотно составлено из трех панелей: одна со звездами, вторая – с семью полосами справа от звезд, и третья, самая большая, - с полосами внизу. Над каждой частью картины Джонс работал отдельно: полностью покрыв холст слоем неотбеленного пчелиного воска, он формировал на нем рисунок из обрывков газет, бумаги и кусочков ткани, предварительно окуная их в расплавленный воск. Затем художник соединил все три холста и покрыл их красками на основе все того же пчелиного воска, смешанного с пигментами. Финальным штрихом стало нанесение неравномерного слоя белой масляной краски. Сложность работы в технике энкаустики заключается в том, что такие краски достаточно быстро застывают, однако именно этот подход позволял Джонсу формировать объемное, неоднородное пространство полотна.
#ДжасперДжонс #ПопАрт
@pic_history
"Электрический стул"
1963 г.
Энди Уорхол
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
«В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти»
Тема исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы».
Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект».
Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
@pic_history
1963 г.
Энди Уорхол
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
«В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти»
Тема исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы».
Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект».
Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину.
#ЭндиУорхол #ПопАрт
@pic_history