"Авиньонские девицы"
1907 г.
Пабло Пикассо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника.
Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене».
Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены.
По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе.
#ПаблоПикассо #Кубизм | Слушать аудиоразбор
@pic_history
1907 г.
Пабло Пикассо
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника.
Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене».
Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены.
По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе.
#ПаблоПикассо #Кубизм | Слушать аудиоразбор
@pic_history
"Семья акробатов с обезьяной"
1905 г.
Пабло Пикассо
Гётеборгский художественный музей.
Молодой Пабло Пикассо создал «Семью акробатов с обезьяной» в 1905 году, используя различные техники. Он изобразил довольно типичную для своего времени семью. Прибегнув к диагональной композиции для создания динамики, используя особый мазок кисти, лёгкий и тёплый цвет, художник уловил и передал сентиментальное настроение этой сцены. Эта картина из собрания Гётеборгского художественного музея – один из примеров движения к экспрессионизму и кубизму в течение «розового периода» Пикассо.
«Розовый период» в творчестве Пикассо продолжался с 1904-го по 1906 год. Тогда он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода», когда художник жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это он выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
Однако в августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца.
Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» – таких как «Семья акробатов с обезьяной» – не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе.
Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Живописец продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая значимая особенность «розового периода». Этот промежуток менее популярен у широкой публики, чем «голубой период», но он имеет гораздо более важное художественно-историческое значение. В эти годы Пикассо начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века.
Прорывом «розового периода» стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году. В отличие от более поздних работ, бросающих вызов правилам линейной перспективы и другим устоявшимся способам рисования, «Семья акробатов…» более реалистична с традиционной точки зрения. Однако её линии столь же наводят на размышления, как и появившиеся позже более абстрактные работы художника. Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. В других малозаметных деталях, таких как поворот тела ребёнка, можно также наблюдать определённые шаги к кубизму, родоначальником которого Пикассо стал несколько лет спустя. В этом смысле картина представляет собой интересный этап в развитии художественного стиля автора.
«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
#ПаблоПикассо #Экспрессионизм
@pic_history
1905 г.
Пабло Пикассо
Гётеборгский художественный музей.
Молодой Пабло Пикассо создал «Семью акробатов с обезьяной» в 1905 году, используя различные техники. Он изобразил довольно типичную для своего времени семью. Прибегнув к диагональной композиции для создания динамики, используя особый мазок кисти, лёгкий и тёплый цвет, художник уловил и передал сентиментальное настроение этой сцены. Эта картина из собрания Гётеборгского художественного музея – один из примеров движения к экспрессионизму и кубизму в течение «розового периода» Пикассо.
«Розовый период» в творчестве Пикассо продолжался с 1904-го по 1906 год. Тогда он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода», когда художник жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это он выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества.
Однако в августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца.
Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» – таких как «Семья акробатов с обезьяной» – не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе.
Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Живописец продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая значимая особенность «розового периода». Этот промежуток менее популярен у широкой публики, чем «голубой период», но он имеет гораздо более важное художественно-историческое значение. В эти годы Пикассо начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века.
Прорывом «розового периода» стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году. В отличие от более поздних работ, бросающих вызов правилам линейной перспективы и другим устоявшимся способам рисования, «Семья акробатов…» более реалистична с традиционной точки зрения. Однако её линии столь же наводят на размышления, как и появившиеся позже более абстрактные работы художника. Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. В других малозаметных деталях, таких как поворот тела ребёнка, можно также наблюдать определённые шаги к кубизму, родоначальником которого Пикассо стал несколько лет спустя. В этом смысле картина представляет собой интересный этап в развитии художественного стиля автора.
«Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем.
#ПаблоПикассо #Экспрессионизм
@pic_history