#сюжетнедели
Малявинский красный

Сейчас в Инженерном корпусе Третьяковки открыта выставка «Адепты красного». В ней кураторы нам довольно доходчиво показывают, что на первый взгляд схожие Архипов и Малявин — очень даже различимые авторы.

Свели их по пристрастию к красному цвету, но по мне — Малявин куда больше его адепт. До него в истории русского искусства вспоминается не так уж много примеров такого открытого огненного красного. Предлагаю разобраться, откуда растут корни:

🔴Крестьянские наряды. Сам Малявин — выходец из бедной крестьянской семьи. Еще в детстве он впитал цвета нарядных деревенских баб — с красными (красна девица=красива девица) сарафанами и платками.

Интересно, что завелась эта мода благодаря рискованному решению одного купца из Владимирской губернии Федора Баранова — в 1830-е годы он принялся красить ситцы в красный цвет импортным «французским краппом».

🔴Иконописная традиция. Юношей Малявин добрался до Афона, принял там послушничество и служил в иконописной мастерской.

🔴Наследство Абрамцевского кружка. В среде молодых художников времен обучения Малявина уже проросли те семена, что закладывали в Абрамцево — любви к жизни и живописи.

Говоря современным языком: в искусстве можно было теперь не только страдать и обличать горести. А какой цвет доходчивее всего выразит предельную радость?)

🔴Влияние Андерса Цорна. Этот шведский живописец бешено гремел в конце XIX— нач XX века, поражал всех своей раскрепощенной манерой письма. Дягилев привозил его в Россию — шлейф от увиденного еще десятилетие угадывается в работах Серова, Кустодиева, Грабаря. В Дягилевском красном угадывается цорновская чувственность.

🔴Интуитивное понимание психологического эффекта. Тут мы уже переходим к допущению, но научно доказано, что красный — цвет, на который мы наиболее активно реагируем физически: учащается сердцебиение и дыхание. А если он преобладает на полотне размером 2х4 метра — равнодушно мимо не пройдешь никак))

Поделитесь вашей интерпретацией: все-таки что хотел донести до нас Малявин своим красным?

Вы помните, как я залипла на работах Герхарда Рихтера на Art Basel. Тут увидела, что сейчас в дюссельдорфском Дворце искусств открыта его выставка «Тайные сокровища», где представлено больше 120 работ и половина из них — впервые! Из частных коллекций.

Меня это очень удивило. Оказалось, что в Дюссельдорфе вокруг Рихтера сложился особый круг коллекционеров. Они покупали его работы в знак поддержки по доступным ценам, когда Герхард был молодым автором (просто ролевая модель для всех коллекционеров)).

Прочитала, что пока кураторы собирали выставку, случился смешной ситуасьон. Звонит один из коллекционеров, уже передавший часть работ и говорит:
— Я же забыл показать вам картину в гостевом туалете🙈

Ладно, шутки шутками, но немцы не стремятся обменять своего Рихтера на миллионы. Он для них как часть идентичности. Автор, который на протяжении всей карьеры осмыслял травматические эпизоды из истории Германии. Выражал в своих абстракциях скорбь многих соотечественников.

Наверняка те, кто был на выставке художника в Еврейском музее несколько лет назад, помнят серию «Биркенау». Художник создал ее под впечатлением от фотографий 1944 года, снятых тайком одним из узников концлагеря Освенцим-Биркенау. 

Следуя идее о том, что невозможно реалистично изобразить трагедию холокоста, художник снова и снова наносил изображения на огромные холсты и соскабливал их до тех пор, пока не достиг задуманного эффекта. Это очень пронзительные вещи.

Сам Рихтер отказался продавать какую-либо из них, намеренно проигнорировал все предложения (в том числе нью-йоркского музея Метрополитен) — для него крайне важно, чтобы полотна остались в Германии.

Что думаете? Прав Рихтер в своем методе осмысления истории? 

У каждой страны к середине ХХ века было уникальное искусство

Спасибо вам за отклик на вчерашний пост о Рихтере. Да, тема немецкого искусства острая: коллективная травма, вина и стыд — с такими материями в принципе сложно обращаться. А когда художники пытаются их избыть или осмыслить через работы, то сопротивление в ответ — норма.

На мой взгляд, тут важна смелость: художники прошлого века решились изобразить ту «Действительность», которую нельзя увидеть, но можно ощутить.

При этом на общемировые кризисы в разных странах реагировали по-разному. Почему? Как? 

Самым подробным образом на эти вопросы отвечает искусствовед и куратор Анастасия Шавлохова в новом курсе «Региональные школы современного искусства» от Академии OP-POP-ART.

Обещала к вам вернуться с новостью о запуске — момент настал)
Старт первого потока обучения 18 ноября. Записаться можно ТУТ 👈👈

Что в программе? 10 лекций о современном искусстве — глобальном и локальном. Вы погрузитесь в историю девяти европейских стран и увидите, как национальные особенности просачиваются в работах знаковых фигур.

Какая страна была возвестницей, а какая — подражателем. Почему дадаизм плавно вышел в сюрреализм во Франции, а в Германии — в экспрессионизм. 

Как плотно вшитый миф о римском величии обслуживал тоталитарный итальянский режим, а череда политических переворотов эхом разошлась в работах испанцев.

Вы удивитесь, какое влияние на современное искусство оказала Бельгия и Румыния. А Английское modern и contemporary art охватите в два интенсивных подхода — Бэкон и Фрейд, группа молодых британских художников, оглядка на американцев.

Если до курса современное искусство казалось хаосом, бурной рекой, то после вы будете знать все ее внутренние течения;) Для тех, кто хочет развиваться в арт-мире, это маст: вам будет легче считывать национальные символы и темы, в проекты сможете вносить новые нарративы. 

Лекции Анастасии здорово структурируют в голове все, что долго копилось, но не складывалось в систему. Очень рекомендую и радуюсь за тех, кто обретет эти знания среди первых🤍