СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ
по программе
Конкурса «Симфония Ямала»

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ
Концерт для фортепиано с оркестром #3 ре минор

А вот эту музыку можно бесконечно. И каждый раз не покидает мысль: как настолько ГЕНИАЛЬНО можно было написать? Откуда, с каких небес и при каком вдохновении пришла в мир музыка невероятной красоты, мощи, и силы духа?
Тайна сия великая есть.

Весной 1909 года семья Рахманиновых покинула Дрезден и вернулась в Москву. Композитор сразу же включился в работу. Летом, по обычаю, он перебирается в Ивановку. Вот только к этому времени имение уже пришло практически в упадок. Композитору пришлось взять в свои руки полностью управление и привести все в порядок. Масса усовершенствований обошлась Рахманинову в приличную сумму. Именно здесь он и начинает работу над своим Концертом. К октябрю все было полностью закончено и оркестровано.

Что и требовалось доказать: шедевр родился в условиях каждодневного труда - как физического, так и духовного.

На видео:
Мин Жуй
МГАСО, дир. Ю.Ткаченко

#СтраницыИстории
#СимфонияЯмала

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ
по программе
Конкурса «Симфония Ямала»

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ
Концерт для фортепиано с оркестром #2 до минор

«Вы напишите отличный концерт. Самый лучший концерт» -

внушал Рахманинову доктор Даль на сеансах гипноза. Результатом стало появление Второго концерта - абсолютного хита мировой классики.

Вспомнились слова Сергея Рахманинова, которые он сказал в одном из интервью, отвечая на вопрос «что Вас вдохновляет»:

«Все красивое помогает… Красивая женщина - конечно, источник вечного вдохновения. Но вы должны бежать прочь от нее и искать уединения, иначе вы ничего не доведете до конца. Носите вдохновение в вашем сердце и сознании, думайте о вдохновительнице, но для творческой работы оставайтесь всегда наедине с самим собой».

Ах, Сергей Васильевич…! Знал о чем говорил!☺️ Поэтому и музыка - вдохновенная и поэтичная.

На видео:
Александр Князев
МГАСО, дир. Ю.Ткаченко

#СтраницыИстории
#СимфонияЯмала

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

В этот день 7 марта 1824 года - ровно 200 лет назад - началась концертная история, получившая название «листомания».

Конечно, Ференц Лист (речь идет именно о нем!) выступал и до того: с 9 лет юного вундеркинда можно было услышать, скажем, в Прессбурге или Вене. Но именно первый концерт в Париже принес 12-летнему музыканту настоящую славу😉

Говорят, что Россини, стоявший в тот день за дирижерским пультом, от восхищения даже забывал давать оркестрантам должные указания.

Все парижские газеты на следующий день буквально захлебывались от восторга. Одна из них написала:

«Душа Моцарта переселилась в тело юного Листа. Он еще едва достает до педалей рояля, но он уже первый пианист Европы».

Заработок юного Листа за это выступление составил около пяти тысяч франков (полтора миллиона рублей в современной конвертации), что позволило ему и его отцу, продюсировавшему сына, на время позабыть о материальных заботах.

Самое забавное в том, что Париж на концерте рукоплескал тому, кого не принял в собственную консерваторию🤦‍♀️

Причуды судьбы!

#СтраницыИстории

СОБЫТИЕ ДНЯ
Страницы истории…

26 марта 1828 года
ФРАНЦ ШУБЕРТ
дал свой первый, последний и единственный публичный концерт. 31 год прожил он на свете, но успел написать более тысячи произведений. Признание его таланта началось с единственного авторского концерта.
Вена, зал Общества друзей музыки.
До сих пор не ясно, что сподвигло Шуберта на организацию этого концерта.

Как предположил один из биографов, все музыкальные издательства Вены были к тому моменту переполнены сочинениями Шуберта для печати. Больше не принимали. А раз нет издания – нет и денег. Для Шуберта концерт был единственным способом поправить материальное положение.

Так и произошло: за концерт Шуберт выручил 800 флоринов (более 500 тыс. руб.) за это первое и последнее в его жизни выступление, прошедшее с большим успехом, позволил Шуберту приобрести собственный рояль.

Концерт должен был бы стать поворотной точкой в карьере Шуберта. Но… ему всю жизнь не везло: ни в карьере, ни в деньгах, ни в любви.

В марте того же года в Вену прибыл с гастролями Паганини: на ближайшие несколько месяцев город охватило сумасшествие: все говорили только о Паганини. Газеты пестрили заметками только о Паганини. Билет на концерт Шуберта стоил 3 флорина (ок.2 тыс руб), а на Паганини – 5 и 10 флоринов. Венские извозчики даже прозвали банкноту в 5 флоринов «паганиннерль».

К слову сказать, Шуберт дважды был на концертах виртуоза. За 6 мес в Вене Паганини заработал что-то около 75000 флоринов (ок.50 млн руб).  А Шуберт… так и остался в тени, с одним единственным концертом в своей биографии.

Но недолго композитор им пользовался: уже в ноябре того же года Франц Шуберт заболел тифом и умер. На памятнике над его могилой высечена очень красноречивая надпись:

«Смерть похоронила здесь богатое сокровище, но еще более прекрасные надежды!»

#СобытиеДня
#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

Сергей Прокофьев никогда не умел расставаться с сочинениями, не получившими - по той или иной причине - славы. Композитор возвращался в партитуре, редактировал, переделывал, использовал материал в новых опусах…

К таким сочинениям относился Виолончельный концерт 1938 года, написанный для Григория Пятигорского и совершенно не имевший успеха. Виолончелисты заклеймили его «неиграбельным», а Прокофьев в ответ парировал, что ему

«мало знаком ваш сумасшедший инструмент».

Лишь после знакомства с Мстиславом Ростроповичем Прокофьев изменил мнение об инструменте. Более того, его поздние неоконченные сочинения предназначены именно для виолончели.

Кстати, тот неудачный концерт был полностью переписан - под влиянием Ростроповича - и введен в зал славы как Симфония-концерт - ныне признанный шедевр.

Прокофьев и Ростропович были похожи: и внешне, и по характеру. Рихтер писал, что

«можно было принять Сергея Сергеевича за его (Ростроповича) отца».

Оба - лобастые, очкарики, неудержимые весельчаки.
Недаром Ростропович, восхищенный учителем, не уставал повторять:

«Он /Прокофьев/ уберег мой вкус и переселил в мою душу маленький кусочек своего солнца, и его мне хватит надолго».

Мстислав Леопольдович был прав🌞

#СтраницыИстории

СОБЫТИЕ ДНЯ
Страницы истории…

В итальянской опере XVII-XVIII столетий (а также операх других стран, созданных по итальянской модели) был закон: lieto fine, или счастливый финал. Какие бы страсти ни разыгрывались на сцене, все должно было заканчиваться хорошо. Лишь много позже, веке эдак в XIX-м придет к власти драматургия в стиле «все умерли». Это оперный романтизм, реализм, особенно, веризм и т.д.

Казалось бы, что мы не знаем о сюжете гениальной поэмы Пушкина «Евгений Онегин» и ее воплощении на оперной сцене талантом Петра Ильича Чайковского?

В этот день 29 марта (17 ст.ст.) 1879 года состоялось первое полностью театральное исполнение шедевра: силами студентов консерватории под руководством Николая Рубинштейна - на сцене Малого театра.

«Никогда еще композитор не был в такой мере самим собою как в этих лирических сценах <...> г.Чайковский - несравненный элегический поэт в звуках» -

читаем мы отзыв рецензента.

А вот что сам Чайковский писал по этому поводу:

«Я ощутил большое удовольствие. Исполнение в общем было очень удовлетворительное. Хор и оркестр исполняли своё дело прекрасно. <…> Во время антрактов я виделся со всеми бывшими товарищами. Мне было весьма приятно заметить, что все они без исключения необыкновенно сильно полюбили музыку „Онегина“. Николай Григорьевич, который очень скуп на похвалы, сказал мне, что он влюблён в эту музыку. Танеев после первого акту хотел мне выразить своё сочувствие, но вместо того разрыдался. Не могу выразить Вам, до чего это меня тронуло. Вообще все без исключения выражали мне свою любовь к „Онегину“ с такою силою и искренностью, что я был радостно удивлён этим».

Только вот есть деталь, чрезвычайно удивительная:
оказывается та самая первая постановка заканчивалась… объятиями Татьяны и Онегина!
Вот это поворот! Ай да… режиссер Иван Самарин!

Впрочем долго эта искажающая первоисточник версия не задержалась, и все вернулось на круги своя: то есть к знакомому нам финалу с рыданиями Онегина «О, жалкий жребий мой!»
😉

#СобытиеДня
#СтраницыИстории

СОБЫТИЕ ДНЯ
Страницы истории…

25 апреля 1926 года Артуро Тосканини на сцене миланской «Ла Скалы» провел посмертную премьеру неоконченной последней оперы Джакомо Пуччини «Турандот».

В память о друге в момент, где обрывается партитура маэстро остановил спектакль со словами:

«Здесь остановился Пуччини. Смерть оказалась сильней искусства».

В память о премьерной постановке - любимый шедевр из «Турандот» Пуччини в исполнении Лучано Паваротти.

Хорошего вечера!

#СобытиеДня
#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

Это поразительно, но 9 мая как памятная дата появилась в истории России не в 1945-м.

9 мая (28 апреля ст.ст.) 1791 года впервые прозвучал первый неофициальный гимн России!

Повод к созданию гимна - великая победа русского воинства: взятие Измаила (близ Одессы) войсками Александра Суворова в ходе русско-турецкой войны (1787-91).

Гимн, написанный композитором Осипом Козловским на текст Гавриила Державина, впервые прозвучал в Таврическом дворце светлейшего князя Григория Потемкина 9 мая 1791 года на грандиозном празднике - в честь победы русского оружия и во славу императрицы Екатерины II.

И только вслушайтесь в слова:
стоит, порой, перелистывать страницы истории…
👇👇👇

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

Музыкой Эдварда Грига как-то с самого начала восхищались в России. Балакирев - показывал на своих занятиях его музыку и находил что-то неповторимое и пленительное; Римский-Корсаков считал музыку Грига прекрасной, Чайковский - гениальной, а Стасов буквально ахал от образности…

Сочинения Грига постоянно звучали на домашних и камерных концертных собраниях. Среди почитателей Грига в России был и Лев Николаевич Толстой: в списке его любимых произведений, составленном Гольденвейзером, - романсы Грига.

Особенно писатель любил романс «Я люблю тебя», при исполнении которого всегда «всхлипывал»…
👇👇👇

#СтраницыИстории

https://youtu.be/86Kep3j2vAE?feature=shared

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

Этот пост можно было бы назвать «Тридцать три и одна треть: 33 1/3»:

21 июня 1948 года стартовал новый виток эры звукозаписи и воспроизведения: фирма “Columbia Records” выпустила в продажу долгоиграющую 12-дюймовую пластинку, рассчитанную на скорость вращения 33⅓ об/мин.

Именно этот вариант стал стандартом для всей музыкальной индустрии, который сохраняет некоторую популярность и поныне.

Предшествующая история была долгой, длиной почти в столетие. Это и фоноавтограф Мартенвиля, и фонограф Эдисона, и граммофон Берлинера с пластинками - сначала из эбонита, затем из шеллака… Варьировался и размер пластинок, и скорость вращения: к 1939 году последняя была снижена с 78 до 33⅓ об/мин, что существенно увеличивало длительность звучания (на каждую из сторон могло «поместиться» более 20 минут музыки). Были учтены и прочие «ошибки» прежних лет – «борозды» для иглы укреплены и сокращены до миллиметрового размера.

После Второй мировой для успешной конкуренции с магнитными аудионосителями (катушками магнитофонных лент) был внедрен в производство новый материал для пластинок – винилат.

В итоге, 21 июня, когда формат LP (лонгплей) вышел в свет, стал точкой отсчета всей современной индустрии звукозаписи и распространения музыки😉

P.S. А вы помните самую первую пластинку в вашей жизни?🔥

#СтраницыИстории

СОБЫТИЕ ДНЯ
Страницы истории…

Если бы не дата 16 июля 1782 года, мир не узнал бы знаменитый диалог между Моцартом и императором Иосифом II, состоявшийся сразу после триумфальной премьеры нового моцартовского зингшпиля «Похищение из сераля»:

Император:
- Слишком много нот, мой дорогой Моцарт!

Моцарт:
- Ровно столько, сколько нужно, Ваше Величество!

16 июля в венском Бургтеатре давали первый венский оперный шедевр Моцарта - на модную после осады Вены турецкую тему и с главной героиней, Констанцей, названной в честь невесты-жены композитора.

Написанию оперы сопутствовала бурная личная жизнь: Моцарт добивался Констанцу Вебер, а все вокруг чинили препятствия и расставляли сети. Были ссоры, сцены ревности, приступы ярости. Но победила любовь😉

Уже 4 августа Моцарт женился на Констанце, а зингшпиль «Похищение из сераля» стал едва ли не личной историей борьбы за возлюбленную. Кстати, несмотря на противодействие со стороны родителей, Император лично дал разрешение на брак😉

Опера имела оглушительный успех, Моцарт получил вознаграждение в размере 1200 флоринов (около 1 млн.руб., которые, видимо, и ушли из п свадьбу🤣), а уважаемый композитор Глюк пригласил чету Моцартов - после специального показа оперы - на торжественный обед😉

#СобытиеДня
#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

Самый известный инструмент Гварнери дель Джезу -
скрипка Il Cannone, т.е. «Пушка»: так ее прозвал ее владелец Никколо Паганини - за невероятную силу, мощь, глубину и «дальнобойность» звука.

Сотворенная мастером за год до смерти, она, возможно, так и осталась бы лишь обычной скрипкой в коллекции какого-нибудь меломана, если бы не случай.

У Никколо Паганини в юности была пагубная страсть - азартные игры. Бывало, он проигрывал за одну ночь гонорар за несколько концертов. А суммы были значительные🤦‍♀️

В один из вечеров, перед самым концертом, Паганини проиграл все деньги, и на кон была поставлена скрипка Амати - все что оставалось. Скрипку Паганини тоже проиграл. Солировать было не на чем.

Тогда - согласно легенде - из-за соседнего столика встал человек:

«Я простой купец из Парижа, но люблю музыку и бывал на ваших концертах. Вы – синьор Никколо Паганини. Так вот, скрипка ваша не из лучших. Не жалейте о ней. На вечер я дам вам другую. Ее сделал никому не известный мастер Джузеппе Гварнери дель Джезу, но, может быть, ее звук понравится вам».

17-летний Паганини пришел в восторг. Был потрясен его игрой и парижский купец. После концерта он отказался принять скрипку обратно.

Эта скрипка Гварнери сопровождала Паганини всю жизнь. Только один раз, перед концертом в Париже, она «заболела», и Паганини отнес ее скрипичному мастеру Вильому.
За помощь Паганини вручил ему драгоценную шкатулку:

«У меня было две таких шкатулки. Одну я подарил врачу, исцелившему мое тело, вторую дарю вам, исцелившему душу».

До самой смерти Паганини так и не расстался с этой скрипкой Гварнери. Он завещал ее музею родного города Генуи, где она находится и поныне.

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

«Галантные Индии» Жана-Филиппа Рамо возникли сегодня не случайно:

именно в этот день,
23 августа
далекого 1735 года
в зале Тюильри Королевской Академии музыки в Париже
впервые была показана первая опера-балет «Галантные Индии»
композитора Жана-Филиппа Рамо, успевшего к тому времени уже обрести «славу» непонятного «барочного» композитора.
Да, вы не ослышались: впервые в музыке слово «барокко» появилось в сатирическом памфлете именно в отношении одной из опер Рамо.

Это самое популярное его произведение, до 1773 года выдержавшее не менее 320 представлений.

Жанр этот чисто французский. Появился он в конце XVII века у Паскаля Коласса («Времена года», 1695) и Андре Кампра («Галантная Европа», 1697). А главная суть новинки в том, что каждый из трех-четырех актов имеет свой собственный сюжет, но все они связаны общей темой, заявляемой в прологе.

Яркий, зрелищный, эффектный, с новинками машинерии и сочетанием пения и танцев, жанр был любим публикой: легкий и непритязательный, он не навевал скуку, как трагедии на музыке Люлли.

Сами авторы (Рамо – не исключение) предпочитали называть свои произведения «героическими балетами», причем слово «героический» в данном случае говорит не о героизме, а просто о высоком статусе героев.

К слову, жанр оперы-балета был весьма практичным: неудачные акты можно было выбрасывать или заменять новыми, а полюбившиеся произведения – расширять. Именно так случилось с "Галантными Индиями" Рамо: от двух актов композитор за полгода пришел к четырем, и все объединенные идеей земной любви, а также руссоистской мыслью о моральной чистоте так называемых «дикарей».

Турки, персы, перуанские инки и американские дикари на деле оказываются более добродетельными и более утонченными, чем светски-циничные, жадные и довольно жестокие европейцы. В этом посыл оперы Рамо и либреттиста Фюзелье вполне сходится со знаменитым утверждением Дидро:

«Я готов идти на пари, что из варварство менее порочно, чем наша городская цивилизация».

Рамо и Фюзелье в качестве места действия избирают экзотические страны Турцию, Перу, Персию и Северную Америку - отсюда «Индии», т.е. все страны за пределами Европы. А слово "галантность" в названии говорит о том, что тема произведения – любовь, и отнюдь не платоническая, а вполне земная и предприимчивая.

С легкой руки Рамо ориентализм «Галантных Индий» становится одним из характерных стилистических отличий французской балетной музыки.

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

В книге Н.М. Рейнова "Физики-учителя и друзья" описана встреча Термена и Владимира Ленина в Кремле в марте 1922 года, в ходе которой вождь мирового пролетариата пытался исполнить на терменвоксе «Жаворонка» Глинки. В марте 1991 года, будучи уже глубоким стариком, Термен вступил в КПСС. На вопрос «Зачем?», изобретатель отвечал:
«Я обещал Ленину».

До последних дней жизни Лев Термен был полон энергии и не раз шутил на тему своего бессмертия. В доказательство он предлагал прочитать свою фамилию наоборот:
«Термен - не мрёт»🔥

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

Евгений Федорович Светланов вспоминал:

«Это может показаться странным. Но с той поры, как помню себя, я знал, что стану дирижером».

С молодых лет Большой театр — его второй дом. Отец был солистом, мать — артисткой миманса. Родители брали сына на спектакли и концерты.

Однажды на концерте он вскочил на стул, на котором сидел, и стал энергично размахивать руками. Было ему лет шесть. Увидев это, знаменитый дирижер Большого Николай Голованов сказал:

«Из этого, видно, выйдет дирижер».

Это было пророчество🔥

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ
или Сказ о том, как Джузеппе Верди не хотел сочинять оперы
👇👇👇

Сложно представить, что автор самых репертуарных и по сей день опер с завидной регулярностью пытался бросить это гиблое, как ему казалось, композиторское дело!
Верди многие годы называл свой труд «галерами», а себя - «несчастным, обречённым писать эти каракули».

Впервые зарок бросить сочинять Верди дал себе в 27 лет. И далее обещал неоднократно. Но так и не бросил.

В середине 1840-х композитор писал:

«Я с нетерпением жду, когда же подойдут к концу три следующие года. За это время я должен написать шесть опер, а потом скажу всему этому «прощай»».

Сказать "прощай не получилось, и он вновь взялся за перо, чтобы написать «Риголетто» (1851). Но и теперь он мечтал только об одном:

«Придет время, и оно не так уж далеко, когда я скажу: "Прощай, моя публика! Моя карьера окончена: теперь я буду сажать капусту».

Ближе в шестидесяти годам Верди окончательно и бесповоротно (как ему казалось) ушел на покой, поставив красивую точку в виде «Аиды». Но в итоге и она не стала его последней оперой.

Почему Верди так настойчиво пытался уйти из профессии? Факторов много. И травма в виде не принятия в Миланскую консерваторию (которую годы спустя назовут его именем), и потеря семьи в период работы на ранними операми, и отношения с публикой, которая встречала первые работы композитора свистом, топотом и оскорбительными криками…

Все это Верди пережил и прежде, чем ему довелось познать славу, возник комплекс душевной боли при работе над очередным новым произведением:

«Душа моя черна, черна всегда, и будет такой до тех пор, пока я не закончу свою карьеру, которую ненавижу».

После успеха «Набукко» Верди стал усматривать в сочинении опер фактор собственного материального благополучия:

«Кто знает, может, однажды утром я проснусь миллионером? Каким же подлинным, прекрасным смыслом наполнено это слово! И насколько пусто звучит, по сравнению с ним, все эти - «успех», «слава», «талант» и т.п.!»

Ради мечты Верди трудился на износ и жестко отстаивал свои интересы в переговорах с импресарио и издателями. 15 опер за 10 лет. К 35 годам он стал самым популярным композитором Италии и весьма состоятельным человеком. Счастливый Верди покупает дом в Буссето и большие земельные угодья.

Парадокс. Но музыкальный символ итальянской оперы не любил мир театра и шум вокруг своей персоны. Главной ценностью для него была земля, а настоящим делом - труд на ней. После того, как Верди купил земельные угодья недалеко от Буссето, в Сант-Агате, он удалился от шумного оперного мира и с головой окунулся в проблемы сельского хозяйства и строительства. Через полтора года у него уже было стадо из семнадцати коров и десяти быков, не считая одиннадцати телят и шести баранов, винный погреб, каретный двор и мукомольное производство.

Жена Верди певица Джузеппина Стреппони жаловалась друзьям:

«Я рассчитываю исключительно на то, что погода испортится и нельзя будет выйти из дома, только это вынудит его снова взяться за перо».

Когда в 1861 году в Италии проходила первая перепись населения, в графе «род деятельности, профессия» всемирно известный композитор Верди написал: «фермер, землевладелец».

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ…

14 января - 125 лет со дня премьеры любимейшей и популярнейшей оперы Джакомо Пуччини «Тоска», показанной в Риме в 1900 году.

Хотя… если бы композитор не увидел прежде написания партитуры театральную драму с Сарой Бернар, и если бы издатель Пуччини не договорился с конкурентом, для которого уже было создано либретто, возможно, мир не увидел бы одну из ярчайших оперных драм столетия!

По свидетельствам биографов, согласие автора драмы Викторьена Сарду на использование его сочинения для основы либретто Пуччини получил благодаря музыке: композитор исполнил для драматурга фрагменты своих опер, и музыка его покорила.

Это опера «на троих», поскольку действие движут именно они: пылко влюбленная и ревнивая певица Флория Тоска, талантливый, благородный, любящий художник Марио Каварадосси и коварный и жестокий барон Скарпиа. Их взаимодействие/ противостояние - и есть главный сценический «двигатель» драмы, приводящий трагическому финалу.

Говорят, один из либреттистов настаивал на изменении финала. Он предлагал отказаться от гибели главной героини и заменить сцену ее падения с крыши замка на безумие. Но драматург на уговоры не поддавался: девушка должна кинуться вниз с парапета Замка Святого Ангела. Главным аргументом такого финала он назвал следующее - нехорошо задерживать зрителя сценой сумасшествия перед самым концом спектакля. И тогда в спор вмешался Пуччини: он взял свой экземпляр либретто, открыл заключительную сцену и показал присутствующим свою пометку "ария пальто". Так он назвал финальный номер, который услышат не все зрители - ведь к этому моменту большая их часть покинет зал и устремится за верхней одеждой в гардероб. Это очень развеселило Сарду, и он доверил переработку последней сцены композитору, которого назвал "человеком театра", лучше других знающего предпочтения публики.

Премьерный спектакль «Тоски» прошел в знаменитом римском Театро «Констанци» 14 января 1900 года. Исполнителями главных ролей были Хариклея Даркле (Флория Тоска), Энрико де Марки (Марио Каварадосси), Эудженио Джиральдони (Барон Скарпья). У дирижерского пульта в тот вечер был композитор Леопольд Муньоне. Дебютная постановка вызвала небывалый ажиотаж - в зале находилось первое лицо государства - сама королева Италии Маргарита Савойская, которую сопровождала большая часть представителей правительства. Не упустили возможности услышать оперу соотечественники композитора - П. Масканьи, Ф. Чилеа, Дж. Сгамбатти. После спектакля Пуччини несколько раз вызывали на сцену, однако он остался недоволен реакцией зала.

Первый показ спектакля наделал много шума. Началось все с того, что театральный зал заполонила полиция. Кто-то сообщил о том, что в зале заложена бомба. После ее безуспешных поисков, спектакль все-таки начался. Едва грянули первые аккорды оркестрового вступления, как в зале послышались крики. Их причиной стала не угроза взрыва, а нарушение римской театральной традиции: в городе было принято начинать спектакли с опозданием. Публика собиралась как раз с этим расчетом, а на этот раз дирижер начал оперу вовремя. Только что пришедшие зрители возмутились и потребовали начать спектакль сначала. Дирижеру и солистам пришлось пойти на уступки🤣

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

На фото: дарственная надпись Чехова - Чайковскому.

В 1889 г. Чехов письменно обратился к Чайковскому с просьбой о разрешении посвятить ему свою новую книгу рассказов «Хмурые люди». Он писал композитору:

«…. рассказы эти скучны и нудны, как осень, однообразны по тону, и художественные элементы в них густо перемешаны с медицинскими».

О своем желании посвятить книгу Чайковскому Чехов пишет ему:

«… это посвящение, во-первых, доставит мне большое удовольствие и, во-вторых, оно хотя немного удовлетворит тому глубокому чувству уважения, которое заставляет меня вспоминать о Вас ежедневно. Мысль посвятить Вам книжку крепко засела мне в голову еще в тот день, когда я, завтракая с Вами у Модеста Ильича, узнал от Вас, что Вы читали мои рассказы. Если Вы вместе с разрешением пришлете мне еще свою фотографию, то я получу больше, чем стою, и буду доволен во веки веков».

Незадолго до выхода своей книжки рассказов «Хмурые люди» Чехов пишет Модесту Чайковскому:

«Через 1½—2 недели выйдет в свет моя книжка, посвященная Петру Ильичу. Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, — до такой степени я уважаю его. Если говорить о рангах, то в русском искусстве он занимает теперь второе место после Льва Толстого, который давно уже сидит на первом. (Третье я отдаю Репину, а себе беру девяносто восьмое.) Я давно уже таил в себе дерзкую мечту — посвятить ему что-нибудь. Это посвящение, думал я, было бы частичным, минимальным выражением той громадной критики, какую я, писака, составил о его великолепном таланте и какой, по своей музыкальной бездарности, не умею изложить на бумаге. К сожалению, мечту свою пришлось осуществить на книжке, которую я не считаю лучшею. Она состоит из специально хмурых, психопатологических очерков и носит хмурое название, так что почитателям Петра Ильича и ему самому мое посвящение придется далеко не по вкусу».

По поводу восторженных строк Чехова в письме Модесту Чайковскому о его брате композиторе М. И. Чайковский в своем ответном письме пишет:

«Мой брат будет очень обрадован и польщен Вашими строками о нем. Я выписал их и послал ему. Он совершенно разделяет мое отношение к Вашему таланту. Я по его рекомендации познакомился с первой Вашей вещью».

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ

Сергей Прокофьев никогда не умел расставаться с сочинениями, не получившими - по той или иной причине - славы. Композитор возвращался в партитуре, редактировал, переделывал, использовал материал в новых опусах…

К таким сочинениям относился Виолончельный концерт 1938 года, написанный для Григория Пятигорского и совершенно не имевший успеха. Виолончелисты заклеймили его «неиграбельным», а Прокофьев в ответ парировал, что ему

«мало знаком ваш сумасшедший инструмент».

Лишь после знакомства с Мстиславом Ростроповичем Прокофьев изменил мнение об инструменте. Более того, его поздние неоконченные сочинения предназначены именно для виолончели.

Кстати, тот неудачный концерт был полностью переписан - под влиянием Ростроповича - и введен в зал славы как Симфония-концерт - ныне признанный шедевр.

Прокофьев и Ростропович были похожи: и внешне, и по характеру. Рихтер писал, что

«можно было принять Сергея Сергеевича за его (Ростроповича) отца».

Оба - лобастые, очкарики, неудержимые весельчаки.
Недаром Ростропович, восхищенный учителем, не уставал повторять:

«Он /Прокофьев/ уберег мой вкус и переселил в мою душу маленький кусочек своего солнца, и его мне хватит надолго».

Мстислав Леопольдович был прав🌞

#СтраницыИстории

СТРАНИЦЫ ИСТОРИИ:
ИСТОРИЯ ПОСВЯЩЕНИЙ

Гектор БЕРЛИОЗ.
«Фантастическая симфония».

1830-й год. Краеугольный камень романтического программного симфонизма.
Здесь и подробнейшая программа-сюжет, и типично романтический прием лейтмотива, олицетворяющего возлюбленную, и весь спектр романтический образности - от восторженных вздохов - до трагической казни и финального шабаша ведьм. В общем, на любой вкус🤦‍♀️🤣
Плюс к этому невероятно красочный оркестр (недаром Берлиоз слыл подлинным мастером этого дела, даже трактат оставил).

Кому же посвящен сей «труд»?😉
👇👇👇

#СтраницыИстории
#ИсторияПосвящений