Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям
В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре.
Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты.
Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки.
Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда.
По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна.
Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью.
С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм.
Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали.
#новостиИОК
@pic_history
В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре.
Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты.
Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки.
Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда.
По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна.
Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью.
С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм.
Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали.
#новостиИОК
@pic_history
Самоуничтожившаяся картина Бэнкси снова в продаже и стоит в разы дороже
Работа уличного художника Бэнкси, которая сенсационно самоуничтожилась сразу после продажи в 2018 году за 1,4 миллиона долларов, снова выставлена на аукцион. Однако теперь эстимейт «Любви в мусорном баке» составляет от 4 до 6 миллионов фунтов (от 5,5 до 8,3 миллиона долларов). Торги пройдут в лондонском офисе Sotheby’s 14 октября.
Произведение представляет собой наполовину изрезанный шредером холст, на который спреем нанесено изображение девочки, тянущейся за улетающим воздушным шаром в форме сердца. Мы не знаем, специально или случайно она его отпустила. Два года назад работа была выставлена на торги под названием «Девочка с воздушным шаром». Как только анонимный европейский покупатель сделал выигрышную ставку, скрытый измельчитель, который Бэнкси встроил в массивную раму, пришёл в действие — и полотно осталось свисать из каркаса, изрезанное в «лапшу».
Покупательница всё же решила завершить покупку — и это принесёт ей немалый профит, если картина уйдёт за ожидаемую теперь сумму. Алекс Бранчик, глава департамента современного искусства Sotheby’s, охарактеризовал «Любовь в мусорном баке» как «величайшее произведение Бэнкси и настоящую икону новейшей истории искусства, родившуюся из самого зрелищного художественного события XXI века».
Картина отправится в предпродажное турне и будет выставлена на всеобщее обозрение в Лондоне, Гонконге, Тайбэе и Нью-Йорке.
Бэнкси, который никогда полностью не раскрывал свою личность, начал карьеру с расписывания зданий в английском Бристоле, и стал одним из самых известных художников в мире. Мотив девочки с воздушным шаром он перерабатывает с начала 2000-х годов. Самый известный публике вариант появился на лондонском мосту Ватерлоо в 2002-м с припиской «Всегда есть надежда». В последующие годы он стал одним из самых любимых произведений искусства у британцев.
После того, как это сентиментальное, почти сахарное изображение уничтожилось не до конца, у критиков возникло множество вопросов. Знал ли Sotheby’s о трюке заранее? Правда ли, что шредер был неисправен, как утверждал потом Бэнкси? Почему изрезанное произведение, которое художник переименовал в «Любовь в мусорном ведре», более ценно, чем оригинал? Но пока влиятельные авторитеты в мире искусства бьются над этими вопросами, «Любовь в мусорном баке» наглядно доказывает, что Бэнкси является непреодолимой культурной силой.
#новостиИОК
@pic_history
Работа уличного художника Бэнкси, которая сенсационно самоуничтожилась сразу после продажи в 2018 году за 1,4 миллиона долларов, снова выставлена на аукцион. Однако теперь эстимейт «Любви в мусорном баке» составляет от 4 до 6 миллионов фунтов (от 5,5 до 8,3 миллиона долларов). Торги пройдут в лондонском офисе Sotheby’s 14 октября.
Произведение представляет собой наполовину изрезанный шредером холст, на который спреем нанесено изображение девочки, тянущейся за улетающим воздушным шаром в форме сердца. Мы не знаем, специально или случайно она его отпустила. Два года назад работа была выставлена на торги под названием «Девочка с воздушным шаром». Как только анонимный европейский покупатель сделал выигрышную ставку, скрытый измельчитель, который Бэнкси встроил в массивную раму, пришёл в действие — и полотно осталось свисать из каркаса, изрезанное в «лапшу».
Покупательница всё же решила завершить покупку — и это принесёт ей немалый профит, если картина уйдёт за ожидаемую теперь сумму. Алекс Бранчик, глава департамента современного искусства Sotheby’s, охарактеризовал «Любовь в мусорном баке» как «величайшее произведение Бэнкси и настоящую икону новейшей истории искусства, родившуюся из самого зрелищного художественного события XXI века».
Картина отправится в предпродажное турне и будет выставлена на всеобщее обозрение в Лондоне, Гонконге, Тайбэе и Нью-Йорке.
Бэнкси, который никогда полностью не раскрывал свою личность, начал карьеру с расписывания зданий в английском Бристоле, и стал одним из самых известных художников в мире. Мотив девочки с воздушным шаром он перерабатывает с начала 2000-х годов. Самый известный публике вариант появился на лондонском мосту Ватерлоо в 2002-м с припиской «Всегда есть надежда». В последующие годы он стал одним из самых любимых произведений искусства у британцев.
После того, как это сентиментальное, почти сахарное изображение уничтожилось не до конца, у критиков возникло множество вопросов. Знал ли Sotheby’s о трюке заранее? Правда ли, что шредер был неисправен, как утверждал потом Бэнкси? Почему изрезанное произведение, которое художник переименовал в «Любовь в мусорном ведре», более ценно, чем оригинал? Но пока влиятельные авторитеты в мире искусства бьются над этими вопросами, «Любовь в мусорном баке» наглядно доказывает, что Бэнкси является непреодолимой культурной силой.
#новостиИОК
@pic_history
Копия «Моны Лизы» из Музея Прадо проливает новый свет на оригинал
Открывшаяся недавно в Музее Прадо выставка, посвящённая копии «Моны Лизы», предлагает неожиданный взгляд на оригинал авторства Леонардо да Винчи. Это первый показ, посвящённый мадридской картине. В некоторых отношениях повторение даёт более полное представление о намерениях художника, чем подлинник из Лувра в Париже.
Прежде кураторы Прадо приписывали копию одному из двух учеников Леонардо, чьи имена нам известны. Но искусствовед Мартин Кемп из Оксфордского университета не разделяет их мнение.
Ещё десять лет назад картина из Прадо считалась просто одной из многочисленных ранних версий «Моны Лизы». Затем консерваторы подтвердили, что её чёрный фон появился позже, а под ним находится пейзаж. Краску удалили, и в 2012 году было объявлено о захватывающем открытии: оригинал Лувра и копия из Прадо имеют схожие подмалёвки. Скорее всего это значит, что они были написаны в студии Леонардо одновременно, то есть картина из Мадрида не была скопирована с полностью завершённого оригинала.
Некоторые части композиции сохранились лучше, чем на подлиннике. Это, например, планки стула, оборка по краю декольте на платье женщины и вуаль вокруг её левой руки. Цвета на копии из Прадо значительно ярче и, вероятнее всего, ближе к оригиналу, поскольку картина из Лувра сильно затемнена обесцветившимся лаком. На копии также виден розовый оттенок губ модели, который упоминал искусствовед XVI века Джорджо Вазари.
Мартин Кемп говорит, что «леди из Прадо передаёт чувство очаровательной тревоги, а не духовное знание, как леонардовская Джоконда».
Одним из ключевых вопросов была дата создания копии «Моны Лизы». На сайте галереи сейчас указан широкий период, как и у оригинала в Лувре — от 1503 года до смерти Леонардо в 1519-м. Однако на выставке значится более узкий временной промежуток — 1507/16 годы.
Также на сайте Прадо по-прежнему написано, что копия принадлежит «одному из учеников Леонардо, вероятно, Салаи или Франческо Мельци». Первый пришёл в студию мастера (и впоследствии стал его вероятным любовником) в 1490 году, а второй присоединился к мастерской примерно в 1506-м. Мартин Кемп ставит под сомнения обе атрибуции. «Подписанная и датированная картина Салаи не имеет ничего общего с копией из Прадо. И у нас нет заслуживающего доверие ядра картин, безусловно приписанных Мельци», — указывает учёный. Судя по всему, Прадо склоняется к этой точке зрения, поскольку в пресс-релизе к выставке не упоминается ни один из этих двух учеников Леонардо.
Интереснее всего то, что Прадо теперь приписывает автору своей «Моны Лизы» две другие картины, которые скопированы с оригиналов Леонардо. Это «Спаситель Мира», которого называют «версией маркиза де Гане» (1505−15), ныне находящийся в частной коллекции, и «Святая Анна» (1508/13) из Музея Хаммера в Лос-Анджелесе.
В экспозиции более широко исследуется роль прижизненных копий с других произведений из мастерской Да Винчи. Кураторы Прадо не согласны с тем, что к известным версиям «Мадонны с веретеном» (1501/10) приложил руку сам мастер — они заявляют, что это работы его учеников. Национальные галереи Шотландии предоставили для выставки так называемую «Мадонну Баклю», хотя на их сайте всё ещё значится, что эту панель частично написал сам Леонардо. Ещё одно повторение находится в частной коллекции. Дебаты по поводу атрибуции этих произведений далеки от завершения.
#новостиИОК
@pic_history
Открывшаяся недавно в Музее Прадо выставка, посвящённая копии «Моны Лизы», предлагает неожиданный взгляд на оригинал авторства Леонардо да Винчи. Это первый показ, посвящённый мадридской картине. В некоторых отношениях повторение даёт более полное представление о намерениях художника, чем подлинник из Лувра в Париже.
Прежде кураторы Прадо приписывали копию одному из двух учеников Леонардо, чьи имена нам известны. Но искусствовед Мартин Кемп из Оксфордского университета не разделяет их мнение.
Ещё десять лет назад картина из Прадо считалась просто одной из многочисленных ранних версий «Моны Лизы». Затем консерваторы подтвердили, что её чёрный фон появился позже, а под ним находится пейзаж. Краску удалили, и в 2012 году было объявлено о захватывающем открытии: оригинал Лувра и копия из Прадо имеют схожие подмалёвки. Скорее всего это значит, что они были написаны в студии Леонардо одновременно, то есть картина из Мадрида не была скопирована с полностью завершённого оригинала.
Некоторые части композиции сохранились лучше, чем на подлиннике. Это, например, планки стула, оборка по краю декольте на платье женщины и вуаль вокруг её левой руки. Цвета на копии из Прадо значительно ярче и, вероятнее всего, ближе к оригиналу, поскольку картина из Лувра сильно затемнена обесцветившимся лаком. На копии также виден розовый оттенок губ модели, который упоминал искусствовед XVI века Джорджо Вазари.
Мартин Кемп говорит, что «леди из Прадо передаёт чувство очаровательной тревоги, а не духовное знание, как леонардовская Джоконда».
Одним из ключевых вопросов была дата создания копии «Моны Лизы». На сайте галереи сейчас указан широкий период, как и у оригинала в Лувре — от 1503 года до смерти Леонардо в 1519-м. Однако на выставке значится более узкий временной промежуток — 1507/16 годы.
Также на сайте Прадо по-прежнему написано, что копия принадлежит «одному из учеников Леонардо, вероятно, Салаи или Франческо Мельци». Первый пришёл в студию мастера (и впоследствии стал его вероятным любовником) в 1490 году, а второй присоединился к мастерской примерно в 1506-м. Мартин Кемп ставит под сомнения обе атрибуции. «Подписанная и датированная картина Салаи не имеет ничего общего с копией из Прадо. И у нас нет заслуживающего доверие ядра картин, безусловно приписанных Мельци», — указывает учёный. Судя по всему, Прадо склоняется к этой точке зрения, поскольку в пресс-релизе к выставке не упоминается ни один из этих двух учеников Леонардо.
Интереснее всего то, что Прадо теперь приписывает автору своей «Моны Лизы» две другие картины, которые скопированы с оригиналов Леонардо. Это «Спаситель Мира», которого называют «версией маркиза де Гане» (1505−15), ныне находящийся в частной коллекции, и «Святая Анна» (1508/13) из Музея Хаммера в Лос-Анджелесе.
В экспозиции более широко исследуется роль прижизненных копий с других произведений из мастерской Да Винчи. Кураторы Прадо не согласны с тем, что к известным версиям «Мадонны с веретеном» (1501/10) приложил руку сам мастер — они заявляют, что это работы его учеников. Национальные галереи Шотландии предоставили для выставки так называемую «Мадонну Баклю», хотя на их сайте всё ещё значится, что эту панель частично написал сам Леонардо. Ещё одно повторение находится в частной коллекции. Дебаты по поводу атрибуции этих произведений далеки от завершения.
#новостиИОК
@pic_history
Картину Боттичелли выставят на продажу за $40 миллионов
Аукционный дом Sotheby’s выставляет на торги картину одного из величайших художников эпохи Возрождения — «Мужа скорбей» Сандро Боттичелли. Панель станет звёздным лотом на ежегодной распродаже «Неделя мастеров» в Нью-Йорке в январе 2022 года с предварительной оценкой более 40 миллионов долларов. Это один из немногих шедевров мастера, остающийся в частных руках.
«Муж скорбей», выполненный в конце XV — начале XVI века, относится к позднему периоду творчества Боттичелли. Тогда художник находился под сильным влиянием фанатичного доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, и в его стиле чётко обозначился христианский символизм и визионерская духовность. Портрет воскресшего Христа сочетает уникальную манеру мастера с потрясающе современным и человечным изображением Иисуса.
Панель появится на торгах после триумфальной продажи «Портрета юноши с медальоном». В январе 2021 года он ушёл за 92,2 млн долларов, что сделало его третьей из самых дорогих работ старых мастеров. Вообще же произведения Боттичелли любого периода — большая редкость на рынке. Его поздние творения очень редко появляются на торгах: сейчас известны только три картины, созданные после 1492 года, которые находятся в частных руках.
«Муж скорбей» сейчас представлен на публичной выставке в Гонконге, где наблюдается всплеск интереса не только к Боттичелли, но и вообще к «голубым фишкам» из числа старых мастеров. В прошлом году в Гонконгском музее искусств с большим успехом прошла выставка «Боттичелли и его эпоха. Шедевры из Уффици». После Дальнего Востока картина отправится во всемирное турне в Лос-Анджелес, Лондон и Дубай, а затем вернётся в Нью-Йорк, где будет показана перед продажей в январе.
Характерные черты «Мужа скорбей» — это строго фронтальное изображение Иисуса и нимб из ангелов, которые держат атрибуты Страстей Христовых. Они написаны в технике «гризайль», с помощью которой плоскому рисунку придаётся объёмность скульптуры. Но в первую очередь зритель видит скрещённые на груди руки Сына Божия с ранами от гвоздей и его пронзительный взгляд, который вызывает в памяти светские образы и придаёт иконе черты портрета.
Впервые «Муж скорбей» упоминается в коллекции известной английской оперной певицы Аделаиды Кембл (1814−1879). Она происходила из знаменитой актёрской династии и вместе с мужем — политиком Эдвардом Джоном Сарторисом — была влиятельной фигурой в викторианском Лондоне и в Риме. Позже картина перешла к правнучке Аделаиды, леди Канингем, которая продала её в 1963 году с молотка за 10 тысяч фунтов стерлингов (с учётом инфляции это 178 тыс. фунтов стерлингов или 243 тыс. долларов США в 2021 году). С тех пор панель практически не появлялась на публике. Исключением стала крупная ретроспектива Боттичелли, которая прошла в 2009—2010 годах в Штеделевском художественном институте в немецком Франкфурте.
#новостиИОК
@pic_history
Аукционный дом Sotheby’s выставляет на торги картину одного из величайших художников эпохи Возрождения — «Мужа скорбей» Сандро Боттичелли. Панель станет звёздным лотом на ежегодной распродаже «Неделя мастеров» в Нью-Йорке в январе 2022 года с предварительной оценкой более 40 миллионов долларов. Это один из немногих шедевров мастера, остающийся в частных руках.
«Муж скорбей», выполненный в конце XV — начале XVI века, относится к позднему периоду творчества Боттичелли. Тогда художник находился под сильным влиянием фанатичного доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, и в его стиле чётко обозначился христианский символизм и визионерская духовность. Портрет воскресшего Христа сочетает уникальную манеру мастера с потрясающе современным и человечным изображением Иисуса.
Панель появится на торгах после триумфальной продажи «Портрета юноши с медальоном». В январе 2021 года он ушёл за 92,2 млн долларов, что сделало его третьей из самых дорогих работ старых мастеров. Вообще же произведения Боттичелли любого периода — большая редкость на рынке. Его поздние творения очень редко появляются на торгах: сейчас известны только три картины, созданные после 1492 года, которые находятся в частных руках.
«Муж скорбей» сейчас представлен на публичной выставке в Гонконге, где наблюдается всплеск интереса не только к Боттичелли, но и вообще к «голубым фишкам» из числа старых мастеров. В прошлом году в Гонконгском музее искусств с большим успехом прошла выставка «Боттичелли и его эпоха. Шедевры из Уффици». После Дальнего Востока картина отправится во всемирное турне в Лос-Анджелес, Лондон и Дубай, а затем вернётся в Нью-Йорк, где будет показана перед продажей в январе.
Характерные черты «Мужа скорбей» — это строго фронтальное изображение Иисуса и нимб из ангелов, которые держат атрибуты Страстей Христовых. Они написаны в технике «гризайль», с помощью которой плоскому рисунку придаётся объёмность скульптуры. Но в первую очередь зритель видит скрещённые на груди руки Сына Божия с ранами от гвоздей и его пронзительный взгляд, который вызывает в памяти светские образы и придаёт иконе черты портрета.
Впервые «Муж скорбей» упоминается в коллекции известной английской оперной певицы Аделаиды Кембл (1814−1879). Она происходила из знаменитой актёрской династии и вместе с мужем — политиком Эдвардом Джоном Сарторисом — была влиятельной фигурой в викторианском Лондоне и в Риме. Позже картина перешла к правнучке Аделаиды, леди Канингем, которая продала её в 1963 году с молотка за 10 тысяч фунтов стерлингов (с учётом инфляции это 178 тыс. фунтов стерлингов или 243 тыс. долларов США в 2021 году). С тех пор панель практически не появлялась на публике. Исключением стала крупная ретроспектива Боттичелли, которая прошла в 2009—2010 годах в Штеделевском художественном институте в немецком Франкфурте.
#новостиИОК
@pic_history
Картину Дюрера убрали с сайта Лондонской национальной галереи из-за жалобы об антисемитском содержании
Картина Дюрера «Христос среди учителей» (1506) входит в собрание мадридского музея Тиссена-Борнемисы, а в Лондонской национальной галерее она должна появиться на выставке «Приключения Дюрера: путешествия художника эпохи Возрождения», которая откроется 20 ноября. Репродукция картины была размещена на сайте британского музея — среди материалов о предстоящей выставке. Как сообщает издание Jewish News, посетитель сайта Ральф Харрис проинформировал галерею о том, что картина содержит антисемитскую карикатуру, и репродукция вскоре исчезла.
«Мы удалили изображение и сопроводительный текст из нашей онлайн-галереи избранных выставленных работ, поскольку почувствовали, что в этом формате не было достаточного пространства для интерпретации, которая необходима для этой работы», — так пояснил исчезновение работы с сайта представитель Национальной галереи. В учреждении также признали, что эта картина может быть воспринята зрителями как оскорбительная, а потому в текстах и аудиогиде к выставке обещают сделать необходимые акценты на наличии карикатурных изображений антисемитского характера на полотне Дюрера.
На картине показан эпизод из жизни 12-летнего Иисуса, описанный в Евангелии от Луки: «Каждый год родители Его ходили в Иерусалим на праздник Пасхи. И когда Он был двенадцати лет, пришли они также по обычаю в Иерусалим на праздник. Когда же, по окончании дней праздника, возвращались, остался Отрок Иисус в Иерусалиме; и не заметили того Иосиф и Матерь Его, но думали, что Он идет с другими. Пройдя же дневной путь, стали искать Его между родственниками и знакомыми и, не найдя Его, возвратились в Иерусалим, ища Его. Через три дня нашли Его в храме, сидящего посреди учителей, слушающего их и спрашивающего их; все слушавшие Его дивились разуму и ответам Его».
Прежде всего бросается в глаза карикатурность персонажа, изображённого слева от Иисуса. Высказываются предположения, что этот образ может быть связан с рисунками Леонардо да Винчи, изображающими гротескные головы: картину «Христос среди учителей» Дюрер написал во время своего путешествия в Италию.
Проблема антисемитских изображений в изобразительном искусстве Средневековья и Ренессанса — не надуманная. На протяжении веков был сформирован обширный набор визуальных знаков, по которым на картинах и рисунках опознавались иноверцы вообще и иудеи в частности. Известный российский историк и популяризатор науки Михаил Майзульс недавно защитил диссертацию на тему «Иноверцы и еретики в западноевропейской иконографии ХII-ХV вв.: конструирование образа врага», в которой каталогизировал эти «ядовитые» изобразительные приёмы, с помощью которых маркировали иноверцев.
В частности, Михаил Майзульс пишет, что длинный, крючковатый, похожий на клюв хищной птицы, или, наоборот, вздёрнутый и напоминающий пятачок нос стал опознавательным знаком евреев (а также других иноверцев и еретиков). Людей с подчеркнуто неидеальными носами часто можно встретить в произведениях со сценами Страстей Христовых. Среди опознавательных знаков мучителей Христа также — раскрытые рты, агрессивно обнажённые зубы (в то же время Христос и святые обычно принимают самые страшные муки с сомкнутыми устами) и броские головные уборы — остроконечная шляпа «юденхут» или чалма, которой могут быть отмечены любые «иные», не только мусульмане.
Случай с картиной Дюрера — не первый, когда музеям приходится делать специальные пояснения о том, что отражённые в произведениях искусства этические представления прошлого не считаются приемлемыми и даже осуждаются в наши дни. Мысль о том, что не всё изображённое на картине подлежит одобрению, вроде бы очевидная. Но, видимо, сейчас общество находится на том этапе, когда всем будет спокойнее, если эта мысль будет проговариваться во время экскурсий и прописываться в каталогах.
#новостиИОК
@pic_history
Картина Дюрера «Христос среди учителей» (1506) входит в собрание мадридского музея Тиссена-Борнемисы, а в Лондонской национальной галерее она должна появиться на выставке «Приключения Дюрера: путешествия художника эпохи Возрождения», которая откроется 20 ноября. Репродукция картины была размещена на сайте британского музея — среди материалов о предстоящей выставке. Как сообщает издание Jewish News, посетитель сайта Ральф Харрис проинформировал галерею о том, что картина содержит антисемитскую карикатуру, и репродукция вскоре исчезла.
«Мы удалили изображение и сопроводительный текст из нашей онлайн-галереи избранных выставленных работ, поскольку почувствовали, что в этом формате не было достаточного пространства для интерпретации, которая необходима для этой работы», — так пояснил исчезновение работы с сайта представитель Национальной галереи. В учреждении также признали, что эта картина может быть воспринята зрителями как оскорбительная, а потому в текстах и аудиогиде к выставке обещают сделать необходимые акценты на наличии карикатурных изображений антисемитского характера на полотне Дюрера.
На картине показан эпизод из жизни 12-летнего Иисуса, описанный в Евангелии от Луки: «Каждый год родители Его ходили в Иерусалим на праздник Пасхи. И когда Он был двенадцати лет, пришли они также по обычаю в Иерусалим на праздник. Когда же, по окончании дней праздника, возвращались, остался Отрок Иисус в Иерусалиме; и не заметили того Иосиф и Матерь Его, но думали, что Он идет с другими. Пройдя же дневной путь, стали искать Его между родственниками и знакомыми и, не найдя Его, возвратились в Иерусалим, ища Его. Через три дня нашли Его в храме, сидящего посреди учителей, слушающего их и спрашивающего их; все слушавшие Его дивились разуму и ответам Его».
Прежде всего бросается в глаза карикатурность персонажа, изображённого слева от Иисуса. Высказываются предположения, что этот образ может быть связан с рисунками Леонардо да Винчи, изображающими гротескные головы: картину «Христос среди учителей» Дюрер написал во время своего путешествия в Италию.
Проблема антисемитских изображений в изобразительном искусстве Средневековья и Ренессанса — не надуманная. На протяжении веков был сформирован обширный набор визуальных знаков, по которым на картинах и рисунках опознавались иноверцы вообще и иудеи в частности. Известный российский историк и популяризатор науки Михаил Майзульс недавно защитил диссертацию на тему «Иноверцы и еретики в западноевропейской иконографии ХII-ХV вв.: конструирование образа врага», в которой каталогизировал эти «ядовитые» изобразительные приёмы, с помощью которых маркировали иноверцев.
В частности, Михаил Майзульс пишет, что длинный, крючковатый, похожий на клюв хищной птицы, или, наоборот, вздёрнутый и напоминающий пятачок нос стал опознавательным знаком евреев (а также других иноверцев и еретиков). Людей с подчеркнуто неидеальными носами часто можно встретить в произведениях со сценами Страстей Христовых. Среди опознавательных знаков мучителей Христа также — раскрытые рты, агрессивно обнажённые зубы (в то же время Христос и святые обычно принимают самые страшные муки с сомкнутыми устами) и броские головные уборы — остроконечная шляпа «юденхут» или чалма, которой могут быть отмечены любые «иные», не только мусульмане.
Случай с картиной Дюрера — не первый, когда музеям приходится делать специальные пояснения о том, что отражённые в произведениях искусства этические представления прошлого не считаются приемлемыми и даже осуждаются в наши дни. Мысль о том, что не всё изображённое на картине подлежит одобрению, вроде бы очевидная. Но, видимо, сейчас общество находится на том этапе, когда всем будет спокойнее, если эта мысль будет проговариваться во время экскурсий и прописываться в каталогах.
#новостиИОК
@pic_history
Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке
Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей.
В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году.
Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов.
Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году.
«Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним.
Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане.
Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра.
Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников.
Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога.
Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге.
Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов.
«Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы.
И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона.
Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов.
Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию.
#новостиИОК
@pic_history
Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей.
В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году.
Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов.
Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году.
«Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним.
Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане.
Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра.
Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников.
Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога.
Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге.
Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов.
«Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы.
И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона.
Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов.
Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию.
#новостиИОК
@pic_history
Telegram
ИОК | Картины
Рисунок, купленный по случаю за $30, может оказаться оригиналом Дюрера
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто.
Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера.
У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews.
Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины.
Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт.
Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо».
Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году.
Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации.
#новостиИОК
@pic_history
Под картиной Рембрандта «Ночной дозор» обнаружен скрытый эскиз
Эскиз Рембрандта скрыт под густым слоем краски на самом известном произведении мастера — «Ночном дозоре». Впервые учёным удалось взглянуть на процесс создания самого масштабного полотна в творчестве голландского художника XVII века.
Подготовительный рисунок, выполненный бежевой краской с высоким содержанием мела, был найден во время исследования, которое в течение двух с половиной лет проводили реставраторы, эксперты и искусствоведы в Рейксмузеуме в Амстердаме. Эскиз показал, какие изменения в процессе написания Рембрандт ван Рейн внёс в расположение 34-х персонажей, а также перьев, копий и мечей вокруг них.
На создание «Ночного дозора», изображающего ополчение под командованием капитана Франса Баннинга Кока, ушло три года. Полотно заказало Стрелковое общество гражданского ополчения Амстердама для украшения банкетного зала в своей штаб-квартире. В 1715 году картину перенесли в городскую Ратушу и обрезали с трёх сторон, чтобы она поместилась между двумя колоннами.
Питер Рулофс, руководитель отдела живописи Рейксмузеума, сказал, что скрытый эскиз Рембрандта удалось рассмотреть с помощью новейших технологий сканирования благодаря тому, что художник использовал насыщенную мелом краску. «Вы спросите, почему это так важно? Что ж, это всё равно что заглянуть через плечо Рембрандта, когда он работал над „Ночным дозором“», — пояснил эксперт.
Учёные всегда подозревали, что Рембрандт сделал наброски на холсте, прежде чем приступить к этой сложной композиции. Но это всегда было лишь предположением.
«Теперь у нас есть свидетельства, которые впервые дают нам реальное представление о творческом процессе Рембрандта. Приятно видеть, как он искал подходящую композицию. Мы открыли истоки „Ночного дозора“», — заявил Рулофс.
Рембрандт применял технику импасто, то есть нанесения густого слоя краски на холст для создания трёхмерной структуры, отражающей свет.
Специалисты, принимавшие участие в так называемой «Операции „Ночной дозор“» с лета 2019 года, использовали новейшие технологии для исследования картины. Заглянув под слои, они обнаружили, что изначально Рембрандт украсил перьями шлем милиционера Класа ван Крёйсбергена, но позже закрасил их.
Он также сделал наброски большего числа копий, чем оказалось на итоговом варианте, и подкорректировал положение ног сержанта Ромбаута Кемпа. Есть также признаки того, что в оригинале между капитаном и его лейтенантом Виллемом ван Рёйтенбюрхом находился меч.
«Мы не знаем, почему Рембрандт передумал. Вероятно, он удалил перья, потому что они привлекали слишком много внимания, ведь Ван Крёйсберген находится в центре композиции», — говорит Рулофс.
Исследования «Ночного дозора» проводились перед его первой за 40 лет реставрацией.
Состояние картины считается очень хорошим, несмотря на то, что она пережила бурные четыре столетия, включая перевозку в бункер в прибрежных дюнах в начале Второй мировой войны. Безусловно, на поверхности есть признаки истирания, обесцвечивания и потери краски. Но приоритетом для специалистов была борьба с деформацией полотна, заметной, например, в верхнем левом углу. Полагают, что она началась во время пребывания картины в крыле Philips во время ремонта главного здания Рейксмузеума между 2003 и 2013 годами.
Работа размером 3,63 на 4,37 метра будет вынута из нынешнего деревянного каркаса, к которому картина крепилась металлическими гвоздями с 1975 года. Консерваторы уверены, что именно деревянные подрамники усугубляют проблему, поскольку по-разному натягивают холст. Затем полотно будет помещено на новый каркас из нереактивного материала. По мнению специалистов, он даст картине больше стабильности.
Процесс переноса холста на новый подрамник начнётся в январе 2022-го и, как ожидается, продлится около трёх месяцев. После этого эксперты приступят к другим методам консервации, включая удаление нескольких слоев лака с поверхности работы.
#новостиИОК
@pic_history
Эскиз Рембрандта скрыт под густым слоем краски на самом известном произведении мастера — «Ночном дозоре». Впервые учёным удалось взглянуть на процесс создания самого масштабного полотна в творчестве голландского художника XVII века.
Подготовительный рисунок, выполненный бежевой краской с высоким содержанием мела, был найден во время исследования, которое в течение двух с половиной лет проводили реставраторы, эксперты и искусствоведы в Рейксмузеуме в Амстердаме. Эскиз показал, какие изменения в процессе написания Рембрандт ван Рейн внёс в расположение 34-х персонажей, а также перьев, копий и мечей вокруг них.
На создание «Ночного дозора», изображающего ополчение под командованием капитана Франса Баннинга Кока, ушло три года. Полотно заказало Стрелковое общество гражданского ополчения Амстердама для украшения банкетного зала в своей штаб-квартире. В 1715 году картину перенесли в городскую Ратушу и обрезали с трёх сторон, чтобы она поместилась между двумя колоннами.
Питер Рулофс, руководитель отдела живописи Рейксмузеума, сказал, что скрытый эскиз Рембрандта удалось рассмотреть с помощью новейших технологий сканирования благодаря тому, что художник использовал насыщенную мелом краску. «Вы спросите, почему это так важно? Что ж, это всё равно что заглянуть через плечо Рембрандта, когда он работал над „Ночным дозором“», — пояснил эксперт.
Учёные всегда подозревали, что Рембрандт сделал наброски на холсте, прежде чем приступить к этой сложной композиции. Но это всегда было лишь предположением.
«Теперь у нас есть свидетельства, которые впервые дают нам реальное представление о творческом процессе Рембрандта. Приятно видеть, как он искал подходящую композицию. Мы открыли истоки „Ночного дозора“», — заявил Рулофс.
Рембрандт применял технику импасто, то есть нанесения густого слоя краски на холст для создания трёхмерной структуры, отражающей свет.
Специалисты, принимавшие участие в так называемой «Операции „Ночной дозор“» с лета 2019 года, использовали новейшие технологии для исследования картины. Заглянув под слои, они обнаружили, что изначально Рембрандт украсил перьями шлем милиционера Класа ван Крёйсбергена, но позже закрасил их.
Он также сделал наброски большего числа копий, чем оказалось на итоговом варианте, и подкорректировал положение ног сержанта Ромбаута Кемпа. Есть также признаки того, что в оригинале между капитаном и его лейтенантом Виллемом ван Рёйтенбюрхом находился меч.
«Мы не знаем, почему Рембрандт передумал. Вероятно, он удалил перья, потому что они привлекали слишком много внимания, ведь Ван Крёйсберген находится в центре композиции», — говорит Рулофс.
Исследования «Ночного дозора» проводились перед его первой за 40 лет реставрацией.
Состояние картины считается очень хорошим, несмотря на то, что она пережила бурные четыре столетия, включая перевозку в бункер в прибрежных дюнах в начале Второй мировой войны. Безусловно, на поверхности есть признаки истирания, обесцвечивания и потери краски. Но приоритетом для специалистов была борьба с деформацией полотна, заметной, например, в верхнем левом углу. Полагают, что она началась во время пребывания картины в крыле Philips во время ремонта главного здания Рейксмузеума между 2003 и 2013 годами.
Работа размером 3,63 на 4,37 метра будет вынута из нынешнего деревянного каркаса, к которому картина крепилась металлическими гвоздями с 1975 года. Консерваторы уверены, что именно деревянные подрамники усугубляют проблему, поскольку по-разному натягивают холст. Затем полотно будет помещено на новый каркас из нереактивного материала. По мнению специалистов, он даст картине больше стабильности.
Процесс переноса холста на новый подрамник начнётся в январе 2022-го и, как ожидается, продлится около трёх месяцев. После этого эксперты приступят к другим методам консервации, включая удаление нескольких слоев лака с поверхности работы.
#новостиИОК
@pic_history
Автопортрет Рембрандта за 198 миллионов долларов покупают Нидерланды
Правительство Нидерландов готово заключить многомиллионную сделку с семейством Ротшильдов, которое занимается коллекционированием произведений искусства. Предмет договора — автопортрет Рембрандта ван Рейна стоимостью в 198 миллионов долларов. Власти страны готовы потратить эту сумму (включая 170 миллионов долларов из государственной казны) с тем, чтобы картина навсегда осталась «общественной собственностью в Нидерландах».
Автопортрет под названием «Знаменосец» (De Vaandeldrager), который художник голландского Золотого века написал в 1636 году, на протяжении веков находился в руках частных коллекционеров. В их число входили король Англии Георг IV и клан Ротшильдов, который владел картиной с 1844 года. Семья готова отказаться от заветного портрета за 175 миллионов евро (198 миллионов долларов).
Покупка ещё не завершена, поскольку правительству Нидерландов необходимо одобрение парламента. Деньги поступят из трёх источников: фонд Рейксмузеума в Амстердаме внесёт 10 миллионов евро (или 11 миллионов долларов), ещё 15 миллионов евро (17 миллионов долларов) поступят от Ассоциации Рембрандта. Остальные 150 миллионов евро будут выплачены деньгами налогоплательщиков.
После приобретения «Знаменосца» Рембрандта государство планирует отправить его в турне по стране. После него картина займёт постоянное место в Галерее почета Рейксмузеума. Она уже выставлялась там в 2019 году, когда семья Ротшильдов впервые заявила о намерении продать её. Сразу после этого Франция установила запрет на экспорт автопортрета, объявив его национальным достоянием. Однако французскому правительству пришлось отказаться от права на выкуп картины, поскольку оно не смогло собрать необходимые средства. Тогда в игру вступили Нидерланды.
«Благодаря этому совместному приобретению мы делаем одну из самых красивых работ Рембрандта доступной для всех. После столетнего путешествия „Знаменосец“ теперь навсегда вернётся домой», — говорится в заявлении министра образования, культуры и науки Нидерландов Ингрид ван Энгельшофен. Она добавила, что работа навсегда останется собственностью государства.
«Знаменосец» считается исторически и художественно значимым произведением искусства. Это одна из первых картин, которые Рембрандт создал, став независимым художником. Они проложили путь к художественному прорыву, вершиной которого стал знаменитый шедевр «Ночной дозор». Знаменосцы сражались на передовой в Восьмилетней войне, которая в конечном итоге привела к основанию Нидерландов в 1648 году.
«Это тот момент, когда Рембрандт стал Рембрандтом! Качество картины и тот факт, что она знаменует собой художественный прорыв, делают её беспрецедентной работой мастера», — сказал о работе Тако Диббитс, генеральный директор Рейксмузеума.
#новостиИОК
@pic_history
Правительство Нидерландов готово заключить многомиллионную сделку с семейством Ротшильдов, которое занимается коллекционированием произведений искусства. Предмет договора — автопортрет Рембрандта ван Рейна стоимостью в 198 миллионов долларов. Власти страны готовы потратить эту сумму (включая 170 миллионов долларов из государственной казны) с тем, чтобы картина навсегда осталась «общественной собственностью в Нидерландах».
Автопортрет под названием «Знаменосец» (De Vaandeldrager), который художник голландского Золотого века написал в 1636 году, на протяжении веков находился в руках частных коллекционеров. В их число входили король Англии Георг IV и клан Ротшильдов, который владел картиной с 1844 года. Семья готова отказаться от заветного портрета за 175 миллионов евро (198 миллионов долларов).
Покупка ещё не завершена, поскольку правительству Нидерландов необходимо одобрение парламента. Деньги поступят из трёх источников: фонд Рейксмузеума в Амстердаме внесёт 10 миллионов евро (или 11 миллионов долларов), ещё 15 миллионов евро (17 миллионов долларов) поступят от Ассоциации Рембрандта. Остальные 150 миллионов евро будут выплачены деньгами налогоплательщиков.
После приобретения «Знаменосца» Рембрандта государство планирует отправить его в турне по стране. После него картина займёт постоянное место в Галерее почета Рейксмузеума. Она уже выставлялась там в 2019 году, когда семья Ротшильдов впервые заявила о намерении продать её. Сразу после этого Франция установила запрет на экспорт автопортрета, объявив его национальным достоянием. Однако французскому правительству пришлось отказаться от права на выкуп картины, поскольку оно не смогло собрать необходимые средства. Тогда в игру вступили Нидерланды.
«Благодаря этому совместному приобретению мы делаем одну из самых красивых работ Рембрандта доступной для всех. После столетнего путешествия „Знаменосец“ теперь навсегда вернётся домой», — говорится в заявлении министра образования, культуры и науки Нидерландов Ингрид ван Энгельшофен. Она добавила, что работа навсегда останется собственностью государства.
«Знаменосец» считается исторически и художественно значимым произведением искусства. Это одна из первых картин, которые Рембрандт создал, став независимым художником. Они проложили путь к художественному прорыву, вершиной которого стал знаменитый шедевр «Ночной дозор». Знаменосцы сражались на передовой в Восьмилетней войне, которая в конечном итоге привела к основанию Нидерландов в 1648 году.
«Это тот момент, когда Рембрандт стал Рембрандтом! Качество картины и тот факт, что она знаменует собой художественный прорыв, делают её беспрецедентной работой мастера», — сказал о работе Тако Диббитс, генеральный директор Рейксмузеума.
#новостиИОК
@pic_history
«Новую» работу Караваджо, прежде оценённую в 1500 евро, продают в Испании
Региональное правительство Мадрида получит право первенства среди покупателей во время продажи картины, которую считают произведением художника-суперзвезды XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо. Работа, известная как «Коронование терновым венцом», была снята с аукциона прошлой весной. Основанием стало заявление кураторов Национального музея Прадо о «достаточных стилистических и документальных свидетельствах», указывающих на её подлинность. Власти испанской столицы недавно присвоили картине охранный статус, объявив её объектом культурного интереса.
Произведение должно было уйти с молотка на торгах Ansorena 8 апреля 2021 года с начальной ценой всего в 1500 евро. В онлайн-каталоге аукционного дома было указано, что небольшое полотно принадлежит кисти художника из круга испанского живописца XVII века Хосе де Риберы. Впоследствии испанское правительство наложило запрет на экспорт этой работы.
«Коронование терновым венцом» принадлежит трём детям основателя мадридской школы дизайна IADE Антонио Переса де Кастро и художницы Мерседес Мендес Аттард. Учитывая то, что произведение взято под охрану, владельцы должны сообщить правительству о любой его продаже. Сейчас реставрацией, аутентификацией и последующим выходом картины на рынок заведует коммерческая галерея Colnaghi, базирующаяся в Лондоне и Нью-Йорке.
Первоначально заключить частную сделку с семьёй Перес де Кастро Мендес пытался итальянский дилер Джанкарло Чиарони. Он предложил за работу свыше полумиллиона евро до запланированного аукциона. «Colnaghi сделают всё, что в их силах, но картину всё равно должно будет тщательно изучить правительство. Вероятность того, что её купит испанское государство, очень высока. Но сумма сделки будет не такой высокой, как на международном рынке. В таких случаях очень сложно установить ценность, поскольку это результат бесчисленного количества переменных», — заявил Чиарони.
В своём недавнем заявлении правительство Мадрида поддержало версию о том, что «Коронование терновым венцом» принадлежит кисти основоположника караваджизма: «Информация, появившаяся за последние несколько месяцев, вкупе с исследованиями, которые провели эксперты, подтверждает теорию о том, что это — работа Караваджо». А в британской газете The Guardian произведение охарактеризовано как «пример совершенства и живописного мастерства итальянского натурализма», который оказал большое влияние на мадридскую школу живописи XVII века.
#новостиИОК
@pic_history
Региональное правительство Мадрида получит право первенства среди покупателей во время продажи картины, которую считают произведением художника-суперзвезды XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо. Работа, известная как «Коронование терновым венцом», была снята с аукциона прошлой весной. Основанием стало заявление кураторов Национального музея Прадо о «достаточных стилистических и документальных свидетельствах», указывающих на её подлинность. Власти испанской столицы недавно присвоили картине охранный статус, объявив её объектом культурного интереса.
Произведение должно было уйти с молотка на торгах Ansorena 8 апреля 2021 года с начальной ценой всего в 1500 евро. В онлайн-каталоге аукционного дома было указано, что небольшое полотно принадлежит кисти художника из круга испанского живописца XVII века Хосе де Риберы. Впоследствии испанское правительство наложило запрет на экспорт этой работы.
«Коронование терновым венцом» принадлежит трём детям основателя мадридской школы дизайна IADE Антонио Переса де Кастро и художницы Мерседес Мендес Аттард. Учитывая то, что произведение взято под охрану, владельцы должны сообщить правительству о любой его продаже. Сейчас реставрацией, аутентификацией и последующим выходом картины на рынок заведует коммерческая галерея Colnaghi, базирующаяся в Лондоне и Нью-Йорке.
Первоначально заключить частную сделку с семьёй Перес де Кастро Мендес пытался итальянский дилер Джанкарло Чиарони. Он предложил за работу свыше полумиллиона евро до запланированного аукциона. «Colnaghi сделают всё, что в их силах, но картину всё равно должно будет тщательно изучить правительство. Вероятность того, что её купит испанское государство, очень высока. Но сумма сделки будет не такой высокой, как на международном рынке. В таких случаях очень сложно установить ценность, поскольку это результат бесчисленного количества переменных», — заявил Чиарони.
В своём недавнем заявлении правительство Мадрида поддержало версию о том, что «Коронование терновым венцом» принадлежит кисти основоположника караваджизма: «Информация, появившаяся за последние несколько месяцев, вкупе с исследованиями, которые провели эксперты, подтверждает теорию о том, что это — работа Караваджо». А в британской газете The Guardian произведение охарактеризовано как «пример совершенства и живописного мастерства итальянского натурализма», который оказал большое влияние на мадридскую школу живописи XVII века.
#новостиИОК
@pic_history
«Поцелуй» Климта будет разрезан на кусочки и продан. Виртуально.
Венский Бельведер в сотрудничестве с artèQ запускает исторический проект. Ко Дню святого Валентина самое известное изображение влюблённой пары — «Поцелуй» Густава Климта — будет выставлено на продажу в виде ограниченного количества цифровых фрагментов.
«Поцелуй (Влюблённые)» Густава Климта — одно из самых известных в мире произведений искусства и центральный шедевр в коллекции Бельведера. Эту работу художник создал на пике своего «золотого периода», и Австрийское государство приобрело её после первого публичного показа в 1908 году. Теперь икона венского модерна и европейского модернизма будет воплощена в NFT. Её высокоточную цифровую копию разделят на 10 тысяч уникальных фрагментов и предложат в виде невзаимозаменяемых токенов (non-fungible tokens или NFT).
Стелла Роллиг, гендиректор Бельведера, говорит, что популярность NFT в арт-мире, которая пришла в 2020 году, дала новый импульс интригующему вопросу: «Что значит владеть произведением искусства в эпоху цифровых технологий?». «Преобразование цифровых репродукций в виртуальные оригиналы открывает новые формы взаимодействия, к которым следует относиться серьёзно с финансовой точки зрения, но также можно рассматривать и в игровой форме», — сказала она.
Бельведер ожидает, что коллекционеры NFT проявят большой интерес к предложению, ведь количество фрагментов очень невелико для мирового рынка, а ценными эти токены делает их уникальность.
Каждый из десяти тысяч NFT будет стоить порядка 1850 евро.
Их продажа пройдёт по специально разработанному протоколу: 26 января началась фаза составления списков — заинтересованные пользователи могут зарегистрироваться перед покупкой на платформе thekiss.art. 9 февраля все желающие получат разрешение на покупку отчеканенных NFT-фрагментов цифрового «Поцелуя». Майнинг (процесс, при котором цифровая копия картины становится частью блокчейна) гарантирует, что каждый NFT неизменен и защищён от подделки. С этого же числа покупатели могут завершить сделку. Все сегменты работы будут распределены между ними случайным образом.
Официальный выпуск NFT пройдёт в День святого Валентина, 14 февраля. Выданные сертификаты засвидетельствуют, какой именно фрагмент был приобретён каждым покупателем. С того же дня на платформе будут публиковаться индивидуальные посвящения и признания в любви, которые можно добавлять к токенам. Кстати, эти NFT можно затем перепродать через любую коммерческую площадку, на которой совершаются подобные сделки.
#новостиИОК
@pic_history
Венский Бельведер в сотрудничестве с artèQ запускает исторический проект. Ко Дню святого Валентина самое известное изображение влюблённой пары — «Поцелуй» Густава Климта — будет выставлено на продажу в виде ограниченного количества цифровых фрагментов.
«Поцелуй (Влюблённые)» Густава Климта — одно из самых известных в мире произведений искусства и центральный шедевр в коллекции Бельведера. Эту работу художник создал на пике своего «золотого периода», и Австрийское государство приобрело её после первого публичного показа в 1908 году. Теперь икона венского модерна и европейского модернизма будет воплощена в NFT. Её высокоточную цифровую копию разделят на 10 тысяч уникальных фрагментов и предложат в виде невзаимозаменяемых токенов (non-fungible tokens или NFT).
Стелла Роллиг, гендиректор Бельведера, говорит, что популярность NFT в арт-мире, которая пришла в 2020 году, дала новый импульс интригующему вопросу: «Что значит владеть произведением искусства в эпоху цифровых технологий?». «Преобразование цифровых репродукций в виртуальные оригиналы открывает новые формы взаимодействия, к которым следует относиться серьёзно с финансовой точки зрения, но также можно рассматривать и в игровой форме», — сказала она.
Бельведер ожидает, что коллекционеры NFT проявят большой интерес к предложению, ведь количество фрагментов очень невелико для мирового рынка, а ценными эти токены делает их уникальность.
Каждый из десяти тысяч NFT будет стоить порядка 1850 евро.
Их продажа пройдёт по специально разработанному протоколу: 26 января началась фаза составления списков — заинтересованные пользователи могут зарегистрироваться перед покупкой на платформе thekiss.art. 9 февраля все желающие получат разрешение на покупку отчеканенных NFT-фрагментов цифрового «Поцелуя». Майнинг (процесс, при котором цифровая копия картины становится частью блокчейна) гарантирует, что каждый NFT неизменен и защищён от подделки. С этого же числа покупатели могут завершить сделку. Все сегменты работы будут распределены между ними случайным образом.
Официальный выпуск NFT пройдёт в День святого Валентина, 14 февраля. Выданные сертификаты засвидетельствуют, какой именно фрагмент был приобретён каждым покупателем. С того же дня на платформе будут публиковаться индивидуальные посвящения и признания в любви, которые можно добавлять к токенам. Кстати, эти NFT можно затем перепродать через любую коммерческую площадку, на которой совершаются подобные сделки.
#новостиИОК
@pic_history
Telegram
История одной картины
Работа Караваджо и другие шедевры - в центре банковского скандала
Итальянский суд постановил, что крупная коллекция произведений искусства, принадлежащая обанкротившемуся банку, должна быть продана. Это необходимо, чтобы собрать деньги для выплат клиентам, потерявшим свои сбережения. Но есть одна загвоздка: закон о национальном наследии запрещает менять местоположение ценных картин — в том числе работы Караваджо, которая стоит миллионы.
«Коронование терновым венцом» Караваджо — одно из более чем ста произведений искусства, ранее принадлежавших учреждению Banca Popolare di Vicenza. Оно обанкротилось в 2017 году — после того, как его председатель получил срок за «манипулирование рынком». Всего в бывшем офисе банка в городе Прато находятся 124 картины. Остальные выставлены в музее Виченцы.
Теперь итальянский суд распорядился продать активы банкрота, в том числе — коллекцию произведений искусства, в которой представлены работы Тьеполо, Беллини и Тинторетто, а также картина Караваджо. Её подлинность была окончательно подтверждена в 2017 году, хотя одиннадцатью годами ранее в этом были сомнения. Произведение, которое тогда выставлялась в церкви Сан-Бартоломео делла Чертоза в Генуе, было отреставрировано экспертами, и именно тогда и возник вопрос — это незавершённый подлинник или же копия работы Караваджо.
Что же касается нынешнего судебного вердикта — его будет сложно исполнить, поскольку закон о национальном наследии гласит, что картины должны оставаться там, где они находятся. Сейчас решение будет пересматривать апелляционный суд, и в случае успеха работы выйдут на рынок.
Банк будет обязан оценить коллекцию, но список произведений искусства пока не опубликован. Скорее всего, картины будут выставлены на продажу в аукционном доме дом Пандольфини, который ранее курировал собрание.
#новостиИОК
@pic_history
Итальянский суд постановил, что крупная коллекция произведений искусства, принадлежащая обанкротившемуся банку, должна быть продана. Это необходимо, чтобы собрать деньги для выплат клиентам, потерявшим свои сбережения. Но есть одна загвоздка: закон о национальном наследии запрещает менять местоположение ценных картин — в том числе работы Караваджо, которая стоит миллионы.
«Коронование терновым венцом» Караваджо — одно из более чем ста произведений искусства, ранее принадлежавших учреждению Banca Popolare di Vicenza. Оно обанкротилось в 2017 году — после того, как его председатель получил срок за «манипулирование рынком». Всего в бывшем офисе банка в городе Прато находятся 124 картины. Остальные выставлены в музее Виченцы.
Теперь итальянский суд распорядился продать активы банкрота, в том числе — коллекцию произведений искусства, в которой представлены работы Тьеполо, Беллини и Тинторетто, а также картина Караваджо. Её подлинность была окончательно подтверждена в 2017 году, хотя одиннадцатью годами ранее в этом были сомнения. Произведение, которое тогда выставлялась в церкви Сан-Бартоломео делла Чертоза в Генуе, было отреставрировано экспертами, и именно тогда и возник вопрос — это незавершённый подлинник или же копия работы Караваджо.
Что же касается нынешнего судебного вердикта — его будет сложно исполнить, поскольку закон о национальном наследии гласит, что картины должны оставаться там, где они находятся. Сейчас решение будет пересматривать апелляционный суд, и в случае успеха работы выйдут на рынок.
Банк будет обязан оценить коллекцию, но список произведений искусства пока не опубликован. Скорее всего, картины будут выставлены на продажу в аукционном доме дом Пандольфини, который ранее курировал собрание.
#новостиИОК
@pic_history
Картину Ловиса Коринта, похищенную нацистами, вернули владельцам спустя 80 лет
Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе вернули потомкам немецко-еврейской пары картину немецкого экспрессиониста Ловиса Коринта. Приблизительно 80 лет назад натюрморт «Цветы», написанный в 1913 году, был экспроприирован нацистами. После войны следователи не смогли найти первоначальных владельцев и передали работу музеям.
Нынешняя реституция стала первой в истории Королевских музеев изящных искусств. Этот бельгийский институт объединяет шесть учреждений, в которых хранятся шедевры, охватывающие период от старых мастеров до Рене Магритта.
«Цветы» принадлежали Густаву и Эмме Майер, которые бежали из Германии в 1938 году. Прежде они вели успешный бизнес во Франкфурте, а в их коллекцию входило 30 картин. В течение 14 месяцев 1938—1939 годов супруги находились в Брюсселе и оставили там собрание на хранение. В августе 1939 года — за несколько дней до начала войны — они добрались до Великобритании и поселились в Борнмуте. Больше своих картин они не видели.
Густав Майер умер естественной смертью в 1940 году в возрасте примерно 80 лет. Его жена Эмма скончалась четыре года спустя.
В 1942 году начал работать нацистский отряд по конфискации культурных ценностей, принадлежавших европейским евреям. Им руководил Альфред Розенберг, помощник Гитлера. К 1943 году вся коллекция Майеров в Брюсселе исчезла. Изюминкой собрания была картина Макса Либермана — одного из ведущих импрессионистов Германии — с изображением всадника на пляже. Супруги владели также рядом работ Коринта и других менее известных франкфуртских художников.
Натюрморт — единственное полотно из коллекции, которое удалось идентифицировать. Адвокаты семьи обратились к музеям в 2016 году — через восемь лет после запуска онлайн-базы по поиску 29-ми произведений, которые могут быть в разных коллекциях. Девять правнуков пары, живущие в Великобритании, Южной Африке и США, ещё не решили, что делать с картиной.
Церемония передачи прошла в новом выставочном зале, где представлены другие картины, переданные музеям в 1951 году. Их авторы — как старые мастера, так и художники XIX века, а владельцы либо не были идентифицированы, либо у кураторов возникают вопросы о том, как эти работы были приобретены.
#новостиИОК
@pic_history
Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе вернули потомкам немецко-еврейской пары картину немецкого экспрессиониста Ловиса Коринта. Приблизительно 80 лет назад натюрморт «Цветы», написанный в 1913 году, был экспроприирован нацистами. После войны следователи не смогли найти первоначальных владельцев и передали работу музеям.
Нынешняя реституция стала первой в истории Королевских музеев изящных искусств. Этот бельгийский институт объединяет шесть учреждений, в которых хранятся шедевры, охватывающие период от старых мастеров до Рене Магритта.
«Цветы» принадлежали Густаву и Эмме Майер, которые бежали из Германии в 1938 году. Прежде они вели успешный бизнес во Франкфурте, а в их коллекцию входило 30 картин. В течение 14 месяцев 1938—1939 годов супруги находились в Брюсселе и оставили там собрание на хранение. В августе 1939 года — за несколько дней до начала войны — они добрались до Великобритании и поселились в Борнмуте. Больше своих картин они не видели.
Густав Майер умер естественной смертью в 1940 году в возрасте примерно 80 лет. Его жена Эмма скончалась четыре года спустя.
В 1942 году начал работать нацистский отряд по конфискации культурных ценностей, принадлежавших европейским евреям. Им руководил Альфред Розенберг, помощник Гитлера. К 1943 году вся коллекция Майеров в Брюсселе исчезла. Изюминкой собрания была картина Макса Либермана — одного из ведущих импрессионистов Германии — с изображением всадника на пляже. Супруги владели также рядом работ Коринта и других менее известных франкфуртских художников.
Натюрморт — единственное полотно из коллекции, которое удалось идентифицировать. Адвокаты семьи обратились к музеям в 2016 году — через восемь лет после запуска онлайн-базы по поиску 29-ми произведений, которые могут быть в разных коллекциях. Девять правнуков пары, живущие в Великобритании, Южной Африке и США, ещё не решили, что делать с картиной.
Церемония передачи прошла в новом выставочном зале, где представлены другие картины, переданные музеям в 1951 году. Их авторы — как старые мастера, так и художники XIX века, а владельцы либо не были идентифицированы, либо у кураторов возникают вопросы о том, как эти работы были приобретены.
#новостиИОК
@pic_history
Подборка актуальных арт-событий.
От ценового рекорда работы бельгийского сюрреалиста, которая имеет символичное название «Империя света» и была продана почти за 80 млн долларов, до переформирования рынка искусства, который не может быть вне политики.
#новостиИОК
От ценового рекорда работы бельгийского сюрреалиста, которая имеет символичное название «Империя света» и была продана почти за 80 млн долларов, до переформирования рынка искусства, который не может быть вне политики.
#новостиИОК
Telegraph
Рекорд "Империи света" Магритта, бактерии - реставраторы Микеланджело, Китай без Матисса и Венецианская биеннале без павильона…
Рекорд Магритта Рекорд для работ бельгийского сюрреалиста Рене Магритта был установлен 2 марта на торгах Sotheby’s Modern and Contemporary Art в Лондоне. Версия сюжета «Империя света» (1961 г.) ушла с молотка за 59,422 млн фунтов (79,8 миллиона долларов США) —…
Русский музей запустил нейросеть для создания фото в технике знаменитых художников.
В честь своего 125-летия музей разработал чат-бота, который обрабатывает изображения пользователей в стиле картин известных классиков.
Увидеть свой портрет в стиле великих мастеров из масштабной коллекции музея можно уже сейчас, нейросеть бесплатна и доступна всем. Достатчоно написать любое сообщение в официальном сообществе музея.
Мы попробовали, примеры портретов ниже. Узнаете художников, которым подражает нейросеть?
#новостиИОК | @pic_history
В честь своего 125-летия музей разработал чат-бота, который обрабатывает изображения пользователей в стиле картин известных классиков.
Увидеть свой портрет в стиле великих мастеров из масштабной коллекции музея можно уже сейчас, нейросеть бесплатна и доступна всем. Достатчоно написать любое сообщение в официальном сообществе музея.
Мы попробовали, примеры портретов ниже. Узнаете художников, которым подражает нейросеть?
#новостиИОК | @pic_history
Закукарекает ли как прежде яйцо Ротшильда спустя десятилетия?
Одно из самых сложных и дорогих ювелирных изделий фирмы Фаберже — яйцо-часы, получившее название «яйцо Ротшильда» по имени семьи, которая им владела. С 2014 года оно хранится в Государственном Эрмитаже, и теперь сотрудники лаборатории научной реставрации часов и музыкальных механизмов, с привлечением реставраторов других специализаций, восстановят драгоценный предмет в первоначальном виде.
Яйцо-часы Ротшильда — единственное в своем роде во всей эрмитажной коллекции из почти 70 ювелирных яиц, выполненных мастерами фирмы Фаберже. Оно не пасхальное, не императорское. Яйцо-часы высотой 27 см изготовили ювелиры мастерской Михаила Перхина. В работе использованы золото, серебро и другой металл, жемчуг, алмазы-розы (камни, ограненные «розой», называют не бриллиантами, а алмазами).
Ценность яйца Ротшильда не только в количестве золота и алмазов, но и в уникальном механизме, изготовленном Николаем Роде, часовым мастером фирмы Фаберже. Его восстановление — основная задача, которая стоит перед реставраторами. Дело в том, что часовой механизм действует: если его завести, стрелки будут двигаться. Но изначально устройство не просто отсчитывало часы и минуты — в конце каждого часа верхняя крышка открывалась, из-под нее появлялся петушок, которого поднимала вверх специальная платформа. Петушок, покрытый яркой эмалью и украшенный алмазами, хлопал крыльями, кивал головой и кукарекал, открывая крошечный клюв. Представление продолжалось 15 секунд, потом механическая птица исчезала внутри яйца.
Но сейчас вся эта машинерия не работает. По мнению специалистов, еще до того, как яйцо было продано на аукционе, в его механизме кто-то копался (вероятно, владельцы пытались привести его в действие).
Работа началась с полной разборки предмета и анализа его устройства. Затем все, даже самые мелкие, детали почистили и вымыли. Похоже, что такое с яйцом Ротшильда случилось впервые за почти 120 лет жизни.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Одно из самых сложных и дорогих ювелирных изделий фирмы Фаберже — яйцо-часы, получившее название «яйцо Ротшильда» по имени семьи, которая им владела. С 2014 года оно хранится в Государственном Эрмитаже, и теперь сотрудники лаборатории научной реставрации часов и музыкальных механизмов, с привлечением реставраторов других специализаций, восстановят драгоценный предмет в первоначальном виде.
Яйцо-часы Ротшильда — единственное в своем роде во всей эрмитажной коллекции из почти 70 ювелирных яиц, выполненных мастерами фирмы Фаберже. Оно не пасхальное, не императорское. Яйцо-часы высотой 27 см изготовили ювелиры мастерской Михаила Перхина. В работе использованы золото, серебро и другой металл, жемчуг, алмазы-розы (камни, ограненные «розой», называют не бриллиантами, а алмазами).
Ценность яйца Ротшильда не только в количестве золота и алмазов, но и в уникальном механизме, изготовленном Николаем Роде, часовым мастером фирмы Фаберже. Его восстановление — основная задача, которая стоит перед реставраторами. Дело в том, что часовой механизм действует: если его завести, стрелки будут двигаться. Но изначально устройство не просто отсчитывало часы и минуты — в конце каждого часа верхняя крышка открывалась, из-под нее появлялся петушок, которого поднимала вверх специальная платформа. Петушок, покрытый яркой эмалью и украшенный алмазами, хлопал крыльями, кивал головой и кукарекал, открывая крошечный клюв. Представление продолжалось 15 секунд, потом механическая птица исчезала внутри яйца.
Но сейчас вся эта машинерия не работает. По мнению специалистов, еще до того, как яйцо было продано на аукционе, в его механизме кто-то копался (вероятно, владельцы пытались привести его в действие).
Работа началась с полной разборки предмета и анализа его устройства. Затем все, даже самые мелкие, детали почистили и вымыли. Похоже, что такое с яйцом Ротшильда случилось впервые за почти 120 лет жизни.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Обнаруженный в Генте автопортрет Винсента Ван Гога оказался подделкой
Картина, обнаруженная семейной парой во время ремонта их дома в Генте и предположительно считавшаяся работой Винсента ван Гога, оказалась подделкой. Анализ полотна, проведенный экспертами гентского университета, показал что краска, которой написан «Автопортрет», была создана после 1920 года, в то время как сам художник умер в 1890 году.
«Результаты экспертизы неоспоримы: если судить по составу пигментов, то Ван Гон просто не мог написать эту картину. Я сам надеялся, что она настоящая, но с наукой не поспоришь», — комментирует результаты анализа профессор Гентского университета Питер Ванденабиле.
При этом владельцы картины планируют оставить ее у себя. «Мы даже испытали некоторое облегчение. Если бы это оказался подлинник, нам пришлось бы решать, что с ним делать», — рассказали они в интервью местному изданию.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Картина, обнаруженная семейной парой во время ремонта их дома в Генте и предположительно считавшаяся работой Винсента ван Гога, оказалась подделкой. Анализ полотна, проведенный экспертами гентского университета, показал что краска, которой написан «Автопортрет», была создана после 1920 года, в то время как сам художник умер в 1890 году.
«Результаты экспертизы неоспоримы: если судить по составу пигментов, то Ван Гон просто не мог написать эту картину. Я сам надеялся, что она настоящая, но с наукой не поспоришь», — комментирует результаты анализа профессор Гентского университета Питер Ванденабиле.
При этом владельцы картины планируют оставить ее у себя. «Мы даже испытали некоторое облегчение. Если бы это оказался подлинник, нам пришлось бы решать, что с ним делать», — рассказали они в интервью местному изданию.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Уоддесдонcкий слон снова машет хоботом, но пока не под музыку
Старинной 200-килограммовой механической диковине, которая на своем веку повидала и дворцы, и ярмарочные балаганы, в очередной раз вернули прежнее великолепие.
К моменту первой встречи часовщика Джонатана Беттса с Уоддесдонcким слоном редкая игрушка уже полвека как не вращала глазами, не хлопала ушами и не размахивала большим золотым хоботом. А недавно Беттс уже в третий раз разобрал ее на тысячи деталей — и, что важнее, собрал их обратно. Миниатюрные фигурки снова идут по крошечным мостикам. Крокодилы соседствуют с грифонами, русалками и жуками. Усыпанная бриллиантами лилия раскрывает и закрывает лепестки. Змеи извиваются среди вращающихся звезд. Султан в золотом паланкине медленно поворачивается из стороны в сторону, осматривая свои владения.
Особняк, построенный в 1883 году на склоне Бакингемширского холма в стиле замков Луары , входит в число самых эффектных объектов Национального фонда, а его убранство включает в себя шедевры живописи, мебельного, серебряного, фарфорового и текстильного производств, многие из которых создавались для королевских династий Европы. Как и в случае со многими другими сокровищами барона, не сохранилось никаких документов, позволяющих установить, где и когда слон был куплен и во сколько обошелся. Полагают, что барон, вероятно, увидел слона в Париже и попал под его очарование — как, впрочем, и многие другие.
О раннем периоде пребывания слона в Уоддесдоне известно лишь то, что к 1889 году он уже стоял здесь на специально изготовленном постаменте. В 1920-е годы слона отправили на ремонт, и это, вероятно, был единственный раз, когда он покинул стены особняка. В период Второй мировой войны игрушку время от времени заводили, чтобы ободрить эвакуированных детей. Не исключено, что после того — до первой встречи с Беттсом в начале 1990-х — ее больше ни разу не запускали. Разобрав, почистив и заменив стершиеся георгианские винтики («как правило, очень низкого качества» — презрительно роняет мастер), Беттс поправил провисшие цепные передачи и нанес на сотни точек смазки крошечные капли дорогостоящего масла.
С тех пор два позолоченных ключа, один из которых запускает движение фигурок, а другой — музыкальную шкатулку, поворачивают почти каждый месяц, возвращая слона к жизни.
Вместо оригинальной мелодии механизм играет пять простецких народных мотивов. В какой-то момент музыкальная шкатулка износилась и перестала играть; иглы на барабане спилили и заменили другими. В этот раз Беттс надеялся узнать, какой была изначальная мелодия и, быть может, даже реконструировать ее по следам оригинальных игл, но получить достаточно четкие изображения, увы, не удалось.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Старинной 200-килограммовой механической диковине, которая на своем веку повидала и дворцы, и ярмарочные балаганы, в очередной раз вернули прежнее великолепие.
К моменту первой встречи часовщика Джонатана Беттса с Уоддесдонcким слоном редкая игрушка уже полвека как не вращала глазами, не хлопала ушами и не размахивала большим золотым хоботом. А недавно Беттс уже в третий раз разобрал ее на тысячи деталей — и, что важнее, собрал их обратно. Миниатюрные фигурки снова идут по крошечным мостикам. Крокодилы соседствуют с грифонами, русалками и жуками. Усыпанная бриллиантами лилия раскрывает и закрывает лепестки. Змеи извиваются среди вращающихся звезд. Султан в золотом паланкине медленно поворачивается из стороны в сторону, осматривая свои владения.
Особняк, построенный в 1883 году на склоне Бакингемширского холма в стиле замков Луары , входит в число самых эффектных объектов Национального фонда, а его убранство включает в себя шедевры живописи, мебельного, серебряного, фарфорового и текстильного производств, многие из которых создавались для королевских династий Европы. Как и в случае со многими другими сокровищами барона, не сохранилось никаких документов, позволяющих установить, где и когда слон был куплен и во сколько обошелся. Полагают, что барон, вероятно, увидел слона в Париже и попал под его очарование — как, впрочем, и многие другие.
О раннем периоде пребывания слона в Уоддесдоне известно лишь то, что к 1889 году он уже стоял здесь на специально изготовленном постаменте. В 1920-е годы слона отправили на ремонт, и это, вероятно, был единственный раз, когда он покинул стены особняка. В период Второй мировой войны игрушку время от времени заводили, чтобы ободрить эвакуированных детей. Не исключено, что после того — до первой встречи с Беттсом в начале 1990-х — ее больше ни разу не запускали. Разобрав, почистив и заменив стершиеся георгианские винтики («как правило, очень низкого качества» — презрительно роняет мастер), Беттс поправил провисшие цепные передачи и нанес на сотни точек смазки крошечные капли дорогостоящего масла.
С тех пор два позолоченных ключа, один из которых запускает движение фигурок, а другой — музыкальную шкатулку, поворачивают почти каждый месяц, возвращая слона к жизни.
Вместо оригинальной мелодии механизм играет пять простецких народных мотивов. В какой-то момент музыкальная шкатулка износилась и перестала играть; иглы на барабане спилили и заменили другими. В этот раз Беттс надеялся узнать, какой была изначальная мелодия и, быть может, даже реконструировать ее по следам оригинальных игл, но получить достаточно четкие изображения, увы, не удалось.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Наконец-то решилась судьба фрески Диего Риверы
На протяжении нескольких лет не могла решиться судьба масштабной фрески Диего Риверы, расположенной на стене Художественного института Сан-Франциско (SFAI). По оценкам экспертов, примерная стоимость созданной в 1931 году работы составляет $50 млн. Здание кампуса SFAI, давно испытывавшего финансовые трудности, пытались продать с начала 2020-х годов.
На этой неделе стало известно, что покупателем всего комплекса SFAI стала группа инвесторов во главе с вдовой Стива Джобса. В СМИ сообщается, что они планируют восстановить его в качестве некоммерческого института искусств. Общая стоимость сделки составила $22,5 млн за недвижимость и $7,5 млн за фреску Риверы.
#новостиИОК | @pic_history
источник
На протяжении нескольких лет не могла решиться судьба масштабной фрески Диего Риверы, расположенной на стене Художественного института Сан-Франциско (SFAI). По оценкам экспертов, примерная стоимость созданной в 1931 году работы составляет $50 млн. Здание кампуса SFAI, давно испытывавшего финансовые трудности, пытались продать с начала 2020-х годов.
На этой неделе стало известно, что покупателем всего комплекса SFAI стала группа инвесторов во главе с вдовой Стива Джобса. В СМИ сообщается, что они планируют восстановить его в качестве некоммерческого института искусств. Общая стоимость сделки составила $22,5 млн за недвижимость и $7,5 млн за фреску Риверы.
#новостиИОК | @pic_history
источник
Творчество женщин-художниц и вторичный рынок
В 2023 году одним из главных трендов развития мирового арт-рынка эксперты признавали рост спроса на работы женщин-художниц. На днях компания ArtTactic объявила итоги нового исследования, из которого следует, что в прошлом году объем продаж работ женщин-художниц на международных торгах составил $825,8 млн. Рост данного показателя по сравнению с 2022 годом составил 7%.
Летом прошлого года скульптура Луиз Буржуа «Паук» установила новый рекорд на Sotheby’s, уйдя с молотка за $32,8 млн. Тем самым она стала самой дорогой скульптурой женщины-художницы в аукционной истории. Christie’s удалось установить рекорд на работы Барбары Хэпуорт, чья скульптура «Предок II» несколько месяцев назад перешла к новому владельцу за $11,7 млн.
Наиболее сильные признаки сдвига очевидны в результатах работ художников до 30 лет, которых ArtTactic характеризует как «ультрасовременных». На искусство женщин из этой группы (более 60 имен) приходится почти 70% продаж.
#новостиИОК | @pic_history
источник
В 2023 году одним из главных трендов развития мирового арт-рынка эксперты признавали рост спроса на работы женщин-художниц. На днях компания ArtTactic объявила итоги нового исследования, из которого следует, что в прошлом году объем продаж работ женщин-художниц на международных торгах составил $825,8 млн. Рост данного показателя по сравнению с 2022 годом составил 7%.
Летом прошлого года скульптура Луиз Буржуа «Паук» установила новый рекорд на Sotheby’s, уйдя с молотка за $32,8 млн. Тем самым она стала самой дорогой скульптурой женщины-художницы в аукционной истории. Christie’s удалось установить рекорд на работы Барбары Хэпуорт, чья скульптура «Предок II» несколько месяцев назад перешла к новому владельцу за $11,7 млн.
Наиболее сильные признаки сдвига очевидны в результатах работ художников до 30 лет, которых ArtTactic характеризует как «ультрасовременных». На искусство женщин из этой группы (более 60 имен) приходится почти 70% продаж.
#новостиИОК | @pic_history
источник