Бренд известен красивыми шоу, но в этот раз превзошел сам себя: локация — музей «Фонд Маэ» в Провансе. Коллекция — диалог с работами скульптора Джакометти. Вы можете наблюдать его искусство на фоне моделей.
«Фонд Маэ» называют Лувром Лазурного берега. В его собрании: Матисс, Шагал, Кандинский, Леже, Джакометти и еще много известных имен. Все они вошли в титры показа наравне с участниками шоу. Коллекция «Les Sculptures» — ода классике и минимализму. Собственно, скульптуры Джакометти тоже отличаются предельной лаконичностью. Как говорится, less is more 🤌
Смотрите показы Jacquemus? Понравились ли вам образы моделей?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Начиная с ковидных времен, музеи вместе с ВОЗ стали больше думать о том, какой эффект искусство оказывает на наше состояние. А упоминания о healing art, исцеляющем искусстве, в инфополе взлетели кратно.
К слову, этот термин признан медицинским сообществом — даже врачи стали выписывать походы в музей в качестве дополнения к терапии. Все потому что ученые доказали: нам полезно смотреть на прекрасное. Но как это работает? Вот, что говорит нейропсихолог Тара Суорт:
Все, что мы воспринимаем как эстетически приятное, дает мозгу сигнал о том, что мы в безопасности.
Раз у нас есть возможность рассматривать картины — значит, мы находимся не в режиме выживания. А когда мы намеренно делаем паузы, чтобы окружить себя красотой, насладиться ей, мы приучаем себя к более радостной и спокойной жизни.
Свое исследование на эту же тему делали в МоМА в Нью-Йорке. Они записывали подкасты, где люди описывали, как терапевтично на них повлияло искусство. Трогает история Кристофера Бейли, главы отдела искусства и здравоохранения в ВОЗ. Он поделился, что из-за глаукомы теряет зрение, но когда смотрит на «Кувшинки» Моне, то «не чувствует тревоги или страха, а просто наслаждается радостью цвета».
Со мной все эти смыслы очень созвучны. В 2022 году открытие Postrigay Gallery стало для меня способом справиться со стрессом. А термин healing art хорошо описывает то искусство, которое я подбираю для наших выставок. Я ищу художников, чье творчество передает радость, душевное тепло, спокойствие. Которое обнимает.
Вы можете прочувствовать это на себе. До 11 февраля в моей Галерее в Москве еще открыта выставка «Safe place» — это то место, куда вы можете прийти и выдохнуть. Варя Выборова пишет дом, множество деталей интерьера теплыми и яркими красками. Глядя на ее работы, можно найти что-то близкое для себя, погрузиться в комфортное и безопасное место.
А к какому искусству идете вы, чтобы на время забыть все тревоги? Поделитесь в комментариях🤍
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
OP-POP-ART
На какую тему мне сделать эфир?
Больше всего голосов набрала: «Чем отличаются художники разных стран мира» 🔥
Отличный выбор, соглашаюсь с ним и возвращаюсь к вам с датой и временем эфира — вся информация ПО ССЫЛКЕ 👈👈
Мне захотелось сделать этот эфир таким, чтобы мы не просто классно пообщались об искусстве. Но также я могла передать вам конкретный навык — научить самостоятельно понимать и различать живопись разных стран и эпох.
Представьте: вы идете по Эрмитажу и встречаете в Зале голландской живописи картину:
— Какие детали расскажут об исторических и социальных явлениях места, где она была написана?
— Что считывали в этом сюжете современники художника, и чему он хотел их научить?
— Как на этот сюжет могло повлиять окружение мастера: заказчики, политики, религия и церковь?
Уже собираю для вас материалы готовлю много интересного: рассмотрим символику французского и голландского натюрморта, различия между пейзажами наших и американских художников, живопись разных регионов Италии.
Если вас интересуют какие-то конкретные примеры в рамках нашего разговора, напишите их в комментариях, я постараюсь учесть🙏
И скажите: довольны ли вы, что победила именно эта тема?)) Мне уже не терпится снова лично увидеться с вами
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Вчера я написала, что на моем эфире вы научитесь самостоятельно понимать и различать живопись разных стран и эпох 🧐
Если еще не зарегистрировались — эфир тут 👈
Как этот навык работает на практике? Давайте на время выключимся из вечерних забот, потренируемся в ожидании нашей встречи и вглядимся в полотна Эль Греко 👆
Он соединил в своем творчестве несколько живописных традиций. Каких? Давайте совершим короткий трип по его биографии и ответим на этот вопрос.
Локация 1: Крит. Здесь художник родился и обучился иконописи у византийских мастеров. Это умение оставило след — он всю жизнь пишет различных святых, их даже выделили в отдельный цикл «Апостоладес».
Родина навсегда осталась с ним в еще одной детали. Подписи на греческом: «Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, Κρής», Доменикос Теотокопулос, критянин сделал.
Локация 2: Италия. Он переезжает сюда, чтобы учиться у лучших. Сначала перенимает черты позднего Ренессанса у Тициана: начинает писать людей с опорой на анатомию, выбирает яркие и контрастные краски. А потом знакомится с Тинторетто и, наконец, находит свой стиль.
Маньеризм! Но как его вычислить, спросите? А вот прямые черты: раз — непропорциональные фигуры; два — слишком много эмоций и манерности; три — позы у героев неудобные.
Локация 3: Испания. В Италии художник не смог прославиться, а тут получилось. Испанский след можно обнаружить в сюжетах его полотен: он пишет собор из Галисии на фоне Апостола Иакова и похороны Графа Оргаса, уроженца Толедо.
Кстати, именно испанцы не могли выговорить зубодробительное Доменикос Теотокопулос😬 И назвали художника коротко и ясно: Эль Греко!
Итог: один художник, три страны и живописных манеры.
К эфиру я готовлю много таких примеров. Когда пойдете в музей, сможете также по одному полотну рассказать своим спутникам: мол, это черта чисто итальянской школы, а воот это…))
Как думаете, почему у Эль Греко не пошли дела в Италии? Если не догадаетесь, напишу ответ завтра в комментариях к этому посту 😉
Если еще не зарегистрировались — эфир тут 👈
Как этот навык работает на практике? Давайте на время выключимся из вечерних забот, потренируемся в ожидании нашей встречи и вглядимся в полотна Эль Греко 👆
Он соединил в своем творчестве несколько живописных традиций. Каких? Давайте совершим короткий трип по его биографии и ответим на этот вопрос.
Локация 1: Крит. Здесь художник родился и обучился иконописи у византийских мастеров. Это умение оставило след — он всю жизнь пишет различных святых, их даже выделили в отдельный цикл «Апостоладес».
Родина навсегда осталась с ним в еще одной детали. Подписи на греческом: «Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, Κρής», Доменикос Теотокопулос, критянин сделал.
Локация 2: Италия. Он переезжает сюда, чтобы учиться у лучших. Сначала перенимает черты позднего Ренессанса у Тициана: начинает писать людей с опорой на анатомию, выбирает яркие и контрастные краски. А потом знакомится с Тинторетто и, наконец, находит свой стиль.
Маньеризм! Но как его вычислить, спросите? А вот прямые черты: раз — непропорциональные фигуры; два — слишком много эмоций и манерности; три — позы у героев неудобные.
Локация 3: Испания. В Италии художник не смог прославиться, а тут получилось. Испанский след можно обнаружить в сюжетах его полотен: он пишет собор из Галисии на фоне Апостола Иакова и похороны Графа Оргаса, уроженца Толедо.
Кстати, именно испанцы не могли выговорить зубодробительное Доменикос Теотокопулос😬 И назвали художника коротко и ясно: Эль Греко!
Итог: один художник, три страны и живописных манеры.
К эфиру я готовлю много таких примеров. Когда пойдете в музей, сможете также по одному полотну рассказать своим спутникам: мол, это черта чисто итальянской школы, а воот это…))
Как думаете, почему у Эль Греко не пошли дела в Италии? Если не догадаетесь, напишу ответ завтра в комментариях к этому посту 😉
В комментариях под постом о Jacquemus вы написали, что читать про ⚔️ пересечения моды и искусства, особенно интересно, этот же запрос был популярен в моем опросе. Поэтому я решила вам сегодня рассказать про фотографа Энни Лейбовиц.
В ее фэшн-фотографии можно найти много отсылок к живописи, причем классической — с 17 по 19 века. Она очень хорошо знает искусство этого периода: перенимает принципы построения композиции и сочетания цветов.
В глянцевых фото Лейбовиц рубежа 90-х-начала нулевых можно найти барочные принципы. Первый — избыточность. Всего слишком много: тел, блестящей одежды, контрастов. Второй — динамика. Одежда падает и извивается, люди двигаются. При этом фотограф никакие полотна напрямую не повторяет, только следует законам жанра этого периода.
Позже она стала буквально цитировать картины 19-20 веков. Можно сказать: нет фантазии — просто взяла и скопировала! Но в случае с Энни это обвинение не работает. Мы с вами уже говорили, что вся история искусства построена на диалоге художников друг с другом.
Так и Лейбовиц — она не копирует полотна в лоб, а на основе чужих идей собирает собственные фотошедевры. К тому же, материалы для них роскошные — платья от Alexander McQueen, Vera Wang, Olivier Theyskens и Alexander Wang.
Сможете угадать, кого из художников цитирует Лейбовиц?☝️
1. Фредерик Лейтон, «Пылающий июнь»
2. Густав Климт, «Портрет Рии Мунк»
3. Андерс Цорн, «Портрет Френсис Кливленд Престон»
4. Винсент Ван Гог, «Молодая Японка»
5. Феликс Валлоттон, «Возвращение c моря»
6. Рене Магритт, «Вечернее платье»
Наша героиня — пример того, как много дает насмотренность. База знаний в истории искусства помогает стилистам, дизайнерам, фотографам увереннее чувствовать себя в профессии: находить новые идеи, фактуру, цветовые решения. И выходить из творческих кризисов, потому что под рукой всегда есть источник идей от гениев)
Делитесь, скольких художников угадали в фотографиях Энни?
В ее фэшн-фотографии можно найти много отсылок к живописи, причем классической — с 17 по 19 века. Она очень хорошо знает искусство этого периода: перенимает принципы построения композиции и сочетания цветов.
В глянцевых фото Лейбовиц рубежа 90-х-начала нулевых можно найти барочные принципы. Первый — избыточность. Всего слишком много: тел, блестящей одежды, контрастов. Второй — динамика. Одежда падает и извивается, люди двигаются. При этом фотограф никакие полотна напрямую не повторяет, только следует законам жанра этого периода.
Позже она стала буквально цитировать картины 19-20 веков. Можно сказать: нет фантазии — просто взяла и скопировала! Но в случае с Энни это обвинение не работает. Мы с вами уже говорили, что вся история искусства построена на диалоге художников друг с другом.
Так и Лейбовиц — она не копирует полотна в лоб, а на основе чужих идей собирает собственные фотошедевры. К тому же, материалы для них роскошные — платья от Alexander McQueen, Vera Wang, Olivier Theyskens и Alexander Wang.
Сможете угадать, кого из художников цитирует Лейбовиц?☝️
2. Густав Климт, «Портрет Рии Мунк»
3. Андерс Цорн, «Портрет Френсис Кливленд Престон»
4. Винсент Ван Гог, «Молодая Японка»
5. Феликс Валлоттон, «Возвращение c моря»
6. Рене Магритт, «Вечернее платье»
Наша героиня — пример того, как много дает насмотренность. База знаний в истории искусства помогает стилистам, дизайнерам, фотографам увереннее чувствовать себя в профессии: находить новые идеи, фактуру, цветовые решения. И выходить из творческих кризисов, потому что под рукой всегда есть источник идей от гениев)
Делитесь, скольких художников угадали в фотографиях Энни?