Дорогие, спасибо за ваши отзывы на эфир🙏 Очень ценю, что были со мной.
А теперь #сюжетнедели — по расписанию))
«Дон Кихот» бередит творческий ум художников уже 410 лет. Еще бы — это архетип безнадежных мечтателей, наивно и смело пытающихся служить «высоким идеалам». Пусть постоянно терпя поражения, но постепенно меняя мир к лучшему🤍
Сегодня вглядимся в четыре особенно прекрасных воплощения рыцаря-идеалиста.
Первый — Пикассо.
Этот рисунок Пабло начертал на коленке 60 лет назад, к очередному Юбилею романа — по просьбе издательства. Пока его друг и биограф Пьер Дэкс рассказывал ТЗ, результат уже был готов.
По ощущениям, эти образы уже давно родились в уме гения — просто, наконец, нашли повод выйти. Иначе как так точно?
Второй — Дали.
Для Сальвадора «Дон Кихот» — сюжет сюжетов. Он начал работу над иллюстрациями к роману по совету отца: тот был уверен, что это «достойная задача для его таланта». Всего художник посвятил теме 4 (!) цикла.
Иллюстрируя Сервантеса, он даже изобрел новую технику — булетизм. Дали палил по литографическому камню из аркебузы пулями с краской. Получались кляксы, которые затем под рукой Сальвадора преображалась в эпизод из книги.
Дали очень дорожил этими рисунками, хранил как наиболее любимые, часто любовался ими в одиночестве. По иронии, это далеко не самые известные его работы.
Третий — Серов.
Тут забавное: нашего непревзойденного портретиста интересовали не сам Дон Кихот или Санчо Панса, а …лошадь Росинант!😄 В иллюстрации он акцентирует внимание на ней. При этом отходит от истинного описания внешнего вида героя)
Четвертый — Зверев.
Анатолий Зверев, один из лидеров неофициального искусства 60-х, очень любил Дон Кихота, рисовал его без счету — больше, чем все его предшественники. Герой у него получался скачущий, дерущийся, иногда просто меняющий щиты с красного на желтый.
А у вас есть любимые образы «Дон Кихота»? Может быть из книжной иллюстрации?
А теперь #сюжетнедели — по расписанию))
«Дон Кихот» бередит творческий ум художников уже 410 лет. Еще бы — это архетип безнадежных мечтателей, наивно и смело пытающихся служить «высоким идеалам». Пусть постоянно терпя поражения, но постепенно меняя мир к лучшему🤍
Сегодня вглядимся в четыре особенно прекрасных воплощения рыцаря-идеалиста.
Первый — Пикассо.
Этот рисунок Пабло начертал на коленке 60 лет назад, к очередному Юбилею романа — по просьбе издательства. Пока его друг и биограф Пьер Дэкс рассказывал ТЗ, результат уже был готов.
По ощущениям, эти образы уже давно родились в уме гения — просто, наконец, нашли повод выйти. Иначе как так точно?
Второй — Дали.
Для Сальвадора «Дон Кихот» — сюжет сюжетов. Он начал работу над иллюстрациями к роману по совету отца: тот был уверен, что это «достойная задача для его таланта». Всего художник посвятил теме 4 (!) цикла.
Иллюстрируя Сервантеса, он даже изобрел новую технику — булетизм. Дали палил по литографическому камню из аркебузы пулями с краской. Получались кляксы, которые затем под рукой Сальвадора преображалась в эпизод из книги.
Дали очень дорожил этими рисунками, хранил как наиболее любимые, часто любовался ими в одиночестве. По иронии, это далеко не самые известные его работы.
Третий — Серов.
Тут забавное: нашего непревзойденного портретиста интересовали не сам Дон Кихот или Санчо Панса, а …лошадь Росинант!😄 В иллюстрации он акцентирует внимание на ней. При этом отходит от истинного описания внешнего вида героя)
Четвертый — Зверев.
Анатолий Зверев, один из лидеров неофициального искусства 60-х, очень любил Дон Кихота, рисовал его без счету — больше, чем все его предшественники. Герой у него получался скачущий, дерущийся, иногда просто меняющий щиты с красного на желтый.
А у вас есть любимые образы «Дон Кихота»? Может быть из книжной иллюстрации?
❤101🔥41👍25🤩3
Сегодняшний #сюжетнедели особенно пригодится тем, кто зарегистрировался на повтор эфира «Как читать картины художников разных стран», потому что там мы глубоко разберем голландское искусство семнадцатого века.
А сегодня — посмотрим на то, что было веком раньше. Итак, небольшая шпаргалка по чертам ранненидерландской живописи.
➡️ Дотошная детализация. В одной картине сочетаются микроскопический и телескопический эффект — персики на переднем плане будут с ворсинками, а фигурки
на горизонте с прорисованной вышивкой на рукавах.
➡️ Вещизм. Художникам интересно все материальное разнообразие мира. Ткани, дерево, бытовое убранство, вазы, витражи.
Фактуру было откуда брать: Фландрия в XV–XVI веках была как центральный склад вайлдберриз)) То есть локацией с портовыми городами, куда стекались купцы со всего света. Вдохновение не нужно было искать, оно само текло в руки.
➡️ Донаторы внедряются в библейские сюжеты. Именно в ранненидерландской живописи заказчики перестали быть муравьями у ног святых, а стали с ними вровень — просто потому что «за деньги — да».
> Отсутствие границ между изображением и реальным миром. Тут уже художники просто хотели показать прокаченность своих скиллов)) Например, на нарисованную раму в портрете картузианца работы Петруса Кристуса «присаживается» муха.
Надо сказать, что такое техническое совершенство было возможно благодаря масляным краскам — именно здесь их стали использовать впервые.
> Домашний интерьер. Позднесредневековая фламандская религиозность подчеркивала необходимость личного благочестия, частной молитвы. Поэтому многие сакральные сцены разворачиваются в домашнем интерьере. Тут достаточно вспомнить картины Ван Эйка, сразу становится понятно)
Вам как, нравится Северное Возрождение? Или все-таки к итальянским образам больше тяготеете?)
А сегодня — посмотрим на то, что было веком раньше. Итак, небольшая шпаргалка по чертам ранненидерландской живописи.
на горизонте с прорисованной вышивкой на рукавах.
Фактуру было откуда брать: Фландрия в XV–XVI веках была как центральный склад вайлдберриз)) То есть локацией с портовыми городами, куда стекались купцы со всего света. Вдохновение не нужно было искать, оно само текло в руки.
> Отсутствие границ между изображением и реальным миром. Тут уже художники просто хотели показать прокаченность своих скиллов)) Например, на нарисованную раму в портрете картузианца работы Петруса Кристуса «присаживается» муха.
Надо сказать, что такое техническое совершенство было возможно благодаря масляным краскам — именно здесь их стали использовать впервые.
> Домашний интерьер. Позднесредневековая фламандская религиозность подчеркивала необходимость личного благочестия, частной молитвы. Поэтому многие сакральные сцены разворачиваются в домашнем интерьере. Тут достаточно вспомнить картины Ван Эйка, сразу становится понятно)
Вам как, нравится Северное Возрождение? Или все-таки к итальянским образам больше тяготеете?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤135🔥38👍27🤩5😁1
#сюжетнедели
Дюссельдорфская «прошивка» в Шишкине
В 2004 году на аукционе Сотбис случилась такая история. Полотно Шишкина, первое в прикрепленных, собирались продать за 1,1 млн долларов! Но за полчаса до торгов лот сняли…
Почему?Полотно оказалось подделкой!
Ретроспектива. Хитроумные личности купили картину голландца Маринуса Куккука на аукционе в Швеции за 9000$ и внесли в нее пару правок:
Раз: пририсовали вдалеке пастуха в русской одежде, а лишних животных и крестьян стерли. Тут понятно: Шишкин наш все теплокровное писать не очень умел — даже мишки его вовсе не его, а Савицкого.
Два: подпись «правильного» автора добавили.
Готово, Шишкин, и все почти поверили)
Дело в том, что мошенники хорошо прошерстили биографию художника. Например, они знали: Иван Иванович в 60-х годах XIX века год прожил в Дюссельдорфе — учился писать пейзажи в местной Академии.
Шишкина даже причисляют к «Дюссельдорфской школе», а черты у авторов этого круга устойчивые:
• изображали лес с большущими кронами деревьев
• выписывали мелкие детали, травинки и листочки
• по-особенному подсвечивали облака
• часто писали тропинку уходящую вдаль, коровок
• и все это в грязноватой коричнево-зеленой гамме
То есть картины художника-середнячка «Дюссельдорфской школы» легко спутать с работами Шишкина европейского периода.
На этом печальном принципе и основана схема обмана в арт-среде. На профессиональном жаргоне ее называют «перелицовка».
Надо сказать, что позже, по возвращению в Россию, Шишкин отходит от Дюссельдорфских принципов — в его живописи становится меньше романтизма, пейзажи становятся реалистичнее 🪵
Загадка для вас: сколько картин Шишкина в прикрепленных?)
Дюссельдорфская «прошивка» в Шишкине
В 2004 году на аукционе Сотбис случилась такая история. Полотно Шишкина, первое в прикрепленных, собирались продать за 1,1 млн долларов! Но за полчаса до торгов лот сняли…
Почему?
Ретроспектива. Хитроумные личности купили картину голландца Маринуса Куккука на аукционе в Швеции за 9000$ и внесли в нее пару правок:
Раз: пририсовали вдалеке пастуха в русской одежде, а лишних животных и крестьян стерли. Тут понятно: Шишкин наш все теплокровное писать не очень умел — даже мишки его вовсе не его, а Савицкого.
Два: подпись «правильного» автора добавили.
Готово, Шишкин, и все почти поверили)
Дело в том, что мошенники хорошо прошерстили биографию художника. Например, они знали: Иван Иванович в 60-х годах XIX века год прожил в Дюссельдорфе — учился писать пейзажи в местной Академии.
Шишкина даже причисляют к «Дюссельдорфской школе», а черты у авторов этого круга устойчивые:
• изображали лес с большущими кронами деревьев
• выписывали мелкие детали, травинки и листочки
• по-особенному подсвечивали облака
• часто писали тропинку уходящую вдаль, коровок
• и все это в грязноватой коричнево-зеленой гамме
То есть картины художника-середнячка «Дюссельдорфской школы» легко спутать с работами Шишкина европейского периода.
На этом печальном принципе и основана схема обмана в арт-среде. На профессиональном жаргоне ее называют «перелицовка».
Надо сказать, что позже, по возвращению в Россию, Шишкин отходит от Дюссельдорфских принципов — в его живописи становится меньше романтизма, пейзажи становятся реалистичнее 🪵
Загадка для вас: сколько картин Шишкина в прикрепленных?)
❤130👍54😁10🔥8😱5🎉2👏1
Милые дамы, дорогие мои ценительницы искусства, с праздником! Пусть в вашей душе всегда светит весеннее солнце, а те, кому мы были рождены верными подругами, заботятся и оберегают вас. В этот день — с утроенным рвением))
#сюжетнедели у нас сегодня о рождении женщины всех женщин — Евы🤍
Описан он во 2-й главе книги Бытия: пока Адам спал, Бог взял одно из его ребер и создал женщину. Увидев ее, Адам воскликнул: «Это кость от костей моих и плоть от плоти моей!» (Быт. 2:21-23). Интересно, что в иврите слова «муж» (иш) и «жена» (иша) — однокоренные, так подчеркивается их глубокая связь.
В нашем фокусе сегодня будет ранняя иконография истории — то, как ее изображали до эпохи Возрождения. С курьезами))
На заре традиции сюжет показывали в двух сценах:
→ Извлечение ребра: Адам лежит в позе спящего Эндимиона (античный образ сна), а Бог берет его ребро.
→ Представление Евы Адаму: Бог подводит Еву к Адаму, и тот узнает в ней свою «плоть от плоти».
Но совсем скоро, уже с XI века, они сливаются в одно и выглядит это довольно необычно😄 Ева буквально «выныривает» из тела Адама, а Бог ее не просто благословляет — Он указующим жестом помогает выбраться)) На самом деле тут все по смыслу очень глубоко: это знак силы творения.
В Ренессансе, к слову, мы тоже это видим. У Микеланджело на плафоне Сикстинской капеллы Бог пристально вглядывается в Еву и словно коуч подбадривает: давай-давай, поднимайся, ты сможешь!
Теперь на десерт для самых читающих. История с изображениями рождения Евы не обошлась без забавных моментов. Например, в фресках церкви Сен-Савен-сюр-Гартамп (XI век) реставраторы XIX века кое-чего перепутали…В сцене, где Господь представляет Еву Адаму, кхм, мы видим двух бородатых героев без других половых признаков🧔
А в одном средневековом трактате вместо Евы из ребра Адама почему-то появился баран! Вероятно, это была ошибка миниатюриста, работавшего по неясному (очевидно, сильно неясному) эскизу главы мастерской.
Жмите на ❤️, чтобы поздравить других читательниц)
#сюжетнедели у нас сегодня о рождении женщины всех женщин — Евы🤍
Описан он во 2-й главе книги Бытия: пока Адам спал, Бог взял одно из его ребер и создал женщину. Увидев ее, Адам воскликнул: «Это кость от костей моих и плоть от плоти моей!» (Быт. 2:21-23). Интересно, что в иврите слова «муж» (иш) и «жена» (иша) — однокоренные, так подчеркивается их глубокая связь.
В нашем фокусе сегодня будет ранняя иконография истории — то, как ее изображали до эпохи Возрождения. С курьезами))
На заре традиции сюжет показывали в двух сценах:
→ Извлечение ребра: Адам лежит в позе спящего Эндимиона (античный образ сна), а Бог берет его ребро.
→ Представление Евы Адаму: Бог подводит Еву к Адаму, и тот узнает в ней свою «плоть от плоти».
Но совсем скоро, уже с XI века, они сливаются в одно и выглядит это довольно необычно😄 Ева буквально «выныривает» из тела Адама, а Бог ее не просто благословляет — Он указующим жестом помогает выбраться)) На самом деле тут все по смыслу очень глубоко: это знак силы творения.
В Ренессансе, к слову, мы тоже это видим. У Микеланджело на плафоне Сикстинской капеллы Бог пристально вглядывается в Еву и словно коуч подбадривает: давай-давай, поднимайся, ты сможешь!
Теперь на десерт для самых читающих. История с изображениями рождения Евы не обошлась без забавных моментов. Например, в фресках церкви Сен-Савен-сюр-Гартамп (XI век) реставраторы XIX века кое-чего перепутали…В сцене, где Господь представляет Еву Адаму, кхм, мы видим двух бородатых героев без других половых признаков🧔
А в одном средневековом трактате вместо Евы из ребра Адама почему-то появился баран! Вероятно, это была ошибка миниатюриста, работавшего по неясному (очевидно, сильно неясному) эскизу главы мастерской.
Жмите на ❤️, чтобы поздравить других читательниц)
❤279👍28👏6😁5
#сюжетнедели сегодня весенний и пробуждающий желание потянуться к рассаде😄 (а может кто-то уже?)
Моне, его сад и гиперконтроль
Сначала немного обрисуем контекст. Искусство Клода не было бы таким цветущим, если бы в конце XIX века одновременно не схлестнулись два тренда.
🌱 Первый: в садоводстве случился сдвиг от регулярных парков-перфекционистов а-ля Версаль → к небольшим садам, где царила естественность и «дикость» ландшафтов.
🌱 Второй: бум в ботанике. Путешествовать стало проще, открыты новые рынки, налажены поставки. Как результат, в Европу хлынул поток экзотических растений из Америки, Африки и Азии.
Моне, будучи страстным садоводом, во всем этом варился. Чтобы все было по моде, изучалвлоги книги экспертов-англичан Робинсона и Джекилла. С невероятной дотошностью он планировал свои клумбочки в Живерни, заказывал новейшие растения по каталогам, вовлекал всю свою семью в уход за цветами.
Так что когда вы в следующий раз будете смотреть на его картины с бордюрами из ирисов с тщательно выстроенной градацией из пурпурных и лиловых оттенков, то знайте: перед вами великолепное столкновение художественной и садоводческой теории, переход от формального к неформальному саду, от классического к современному ландшафтному дизайну.
Есть забавная история о том, как однажды осенью наш герой рисовал деревья, и когда какие-то листья опадали, то прикреплял их обратно😄
Да, Моне был предан природе, но вместе с тем очень сильно ее контролировал.
Вроде бы тренд диктовал «дикость» форм, но художник все равно их причесывал, подчинял своему творческому замыслу. Если уж и торчать веточке в сторону, то только в ту, которую я скажу!!))
Признавайтесь: узнали себя? Бывает у вас такое, что не можете отпустить дух контроля? Я вот, честно, с этим работаю — получается пока не всегда))
Моне, его сад и гиперконтроль
Сначала немного обрисуем контекст. Искусство Клода не было бы таким цветущим, если бы в конце XIX века одновременно не схлестнулись два тренда.
🌱 Первый: в садоводстве случился сдвиг от регулярных парков-перфекционистов а-ля Версаль → к небольшим садам, где царила естественность и «дикость» ландшафтов.
🌱 Второй: бум в ботанике. Путешествовать стало проще, открыты новые рынки, налажены поставки. Как результат, в Европу хлынул поток экзотических растений из Америки, Африки и Азии.
Моне, будучи страстным садоводом, во всем этом варился. Чтобы все было по моде, изучал
Так что когда вы в следующий раз будете смотреть на его картины с бордюрами из ирисов с тщательно выстроенной градацией из пурпурных и лиловых оттенков, то знайте: перед вами великолепное столкновение художественной и садоводческой теории, переход от формального к неформальному саду, от классического к современному ландшафтному дизайну.
Есть забавная история о том, как однажды осенью наш герой рисовал деревья, и когда какие-то листья опадали, то прикреплял их обратно😄
Да, Моне был предан природе, но вместе с тем очень сильно ее контролировал.
Вроде бы тренд диктовал «дикость» форм, но художник все равно их причесывал, подчинял своему творческому замыслу. Если уж и торчать веточке в сторону, то только в ту, которую я скажу!!))
Признавайтесь: узнали себя? Бывает у вас такое, что не можете отпустить дух контроля? Я вот, честно, с этим работаю — получается пока не всегда))
👍116❤86🔥33👏21🤩3
#сюжетнедели по следам вчерашнего анонса о Грузии)
На первый взгляд искусство Нико Пиросмани ясно, как водная гладь. Но мы сегодня в нее нырнем и увидим, что там бурлит множество культурных течений-влияний.
Что питало реку искусство Нико:
🔹 Средневековое искусство: фрески и рельефы. Тут влияние считывается в множестве деталей.
Во-первых, композиции и фигуры. Его знаменитые сцены кутежей и пиров часто сравнивают с изображениями Тайной вечери. И замечают, что персонажи (всегда фронтальные), поднимая руки в тосте — словно копируют молитвенный жест с портретов донаторов. Все это придает торжественность.
Во-вторых, фон. Пиросмани часто пишет образы на черной клеенке. И тут видится перекличка с золотым фоном в иконописи. Так образы приобретают вневременность.
Во-всех-остальных. Художник любил обращаться к одним и тем же темам, словно средневековый мастер, который пишет устойчивые сюжеты. И животных он не писал просто так, всегда с религиозной символикой. Например, лань у пруда → душа христианина.
🔹 Тифлисский портрет и надгробные образы — феномены, распространившиеся в Грузии в XIX веке.
Для Пиросмани они были фоном его жизни, так что влияние было естественным. Какие черты? Прежде всего — типизация. Пиросмани создавал не индивидуальные психологические портреты, а портреты-типы: акцентировал внимание на профессии, возрасте или социальном статусе персонажей.
🔹 Ранние фотопортреты. Здесь схожие наивные черты репрезентации: персонажи застыли, обращены к зрителю и держат характерные атрибуты — цветы, тамбурины, книги. Те же кутежи на первых фотографиях очень театральны))
🔹 Народное ремесленное искусство. Тут в пример можно привести то, как людей и разные сценки изображали в керамике или на серебряных сосудах — упрощенно, как вы уже догадались)
Так что «непосредственность» в искусстве Нико все же немного обусловлена. В его творчестве сплавилось очень много всего. Но от этого только больше удовольствия и восхищения, правда же?) Не зря авангардисты включили Нико в свой пантеон и начали за ним повторять.
Любите наивное искусство?
На первый взгляд искусство Нико Пиросмани ясно, как водная гладь. Но мы сегодня в нее нырнем и увидим, что там бурлит множество культурных течений-влияний.
Что питало реку искусство Нико:
🔹 Средневековое искусство: фрески и рельефы. Тут влияние считывается в множестве деталей.
Во-первых, композиции и фигуры. Его знаменитые сцены кутежей и пиров часто сравнивают с изображениями Тайной вечери. И замечают, что персонажи (всегда фронтальные), поднимая руки в тосте — словно копируют молитвенный жест с портретов донаторов. Все это придает торжественность.
Во-вторых, фон. Пиросмани часто пишет образы на черной клеенке. И тут видится перекличка с золотым фоном в иконописи. Так образы приобретают вневременность.
Во-всех-остальных. Художник любил обращаться к одним и тем же темам, словно средневековый мастер, который пишет устойчивые сюжеты. И животных он не писал просто так, всегда с религиозной символикой. Например, лань у пруда → душа христианина.
🔹 Тифлисский портрет и надгробные образы — феномены, распространившиеся в Грузии в XIX веке.
Для Пиросмани они были фоном его жизни, так что влияние было естественным. Какие черты? Прежде всего — типизация. Пиросмани создавал не индивидуальные психологические портреты, а портреты-типы: акцентировал внимание на профессии, возрасте или социальном статусе персонажей.
🔹 Ранние фотопортреты. Здесь схожие наивные черты репрезентации: персонажи застыли, обращены к зрителю и держат характерные атрибуты — цветы, тамбурины, книги. Те же кутежи на первых фотографиях очень театральны))
🔹 Народное ремесленное искусство. Тут в пример можно привести то, как людей и разные сценки изображали в керамике или на серебряных сосудах — упрощенно, как вы уже догадались)
Так что «непосредственность» в искусстве Нико все же немного обусловлена. В его творчестве сплавилось очень много всего. Но от этого только больше удовольствия и восхищения, правда же?) Не зря авангардисты включили Нико в свой пантеон и начали за ним повторять.
Любите наивное искусство?
👍99❤62🔥24
#сюжетнедели цветочково-весенний, потому что о Флоре
Свою историю героиня рассказывает у Овидия в «Фастах»: когда-то она была нимфой Хлоридой, но Зефир, бог западного ветра, похитил ее и сделал своей супругой. В награду за «насилье» (как деликатно пишет Овидий) он подарил ей вечное царство цветов и впридачу статус богини расцвета, весны и полевых плодов. Компенсировал, как мог))
Искусствоведы этот эпизод вообще интерпретируют на высоких нотах: мол, Зефир, начало духовное + Хлорида, материальное начало = «всё рождающая» богиня Флора.
Собственно, далеко отходить не будем — прямую иллюстрацию этой метаморфозы наблюдаем в «Весне» Боттичелли, когда читаем ее справа-налево.
Далее у каждого художника флора получалась по-своему необычно-прекрасно.
Тициан: прекрасная la bella с букетом в руках.
Арчимбольдо: сюрреалистический портрет из цветов, где даже нос — бутон лилии.
Рембрандт: писал Флору дважды — сначала в образе любимой Саскии, затем — простой служанки Хендрикье в скромном переднике. Даже богиня у него становится земной.
Пуссен: собрал визуальный мифологический справочник. В «Царстве Флоры» он изобразил всех, кого богиня превратила в цветы (и тех, кто в этой метаморфозе поучаствовал): Нарцисс с зеркалом, Гиацинт с кровавым следом от диска Аполлона и Аякс, чья кровь окрасила белую гвоздику.
Чьи образы Флоры вспомнили еще? Присылайте)
Свою историю героиня рассказывает у Овидия в «Фастах»: когда-то она была нимфой Хлоридой, но Зефир, бог западного ветра, похитил ее и сделал своей супругой. В награду за «насилье» (как деликатно пишет Овидий) он подарил ей вечное царство цветов и впридачу статус богини расцвета, весны и полевых плодов. Компенсировал, как мог))
Искусствоведы этот эпизод вообще интерпретируют на высоких нотах: мол, Зефир, начало духовное + Хлорида, материальное начало = «всё рождающая» богиня Флора.
Собственно, далеко отходить не будем — прямую иллюстрацию этой метаморфозы наблюдаем в «Весне» Боттичелли, когда читаем ее справа-налево.
Далее у каждого художника флора получалась по-своему необычно-прекрасно.
Тициан: прекрасная la bella с букетом в руках.
Арчимбольдо: сюрреалистический портрет из цветов, где даже нос — бутон лилии.
Рембрандт: писал Флору дважды — сначала в образе любимой Саскии, затем — простой служанки Хендрикье в скромном переднике. Даже богиня у него становится земной.
Пуссен: собрал визуальный мифологический справочник. В «Царстве Флоры» он изобразил всех, кого богиня превратила в цветы (и тех, кто в этой метаморфозе поучаствовал): Нарцисс с зеркалом, Гиацинт с кровавым следом от диска Аполлона и Аякс, чья кровь окрасила белую гвоздику.
Чьи образы Флоры вспомнили еще? Присылайте)
❤119👍26🔥10🎉4🤩1
#сюжетнедели о силе наива☀️
Начало прошлого века. Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Илья Машков и другие художники их круга что-то подустали: академическая традиция комом в горле встала, хотелось обновиться.
И пошли они к тем, кто правилами не скован: художникам Востока, ремесленникам в глубине страны, детям. Точнее не к ним, а их творениям.
Референсы подобрались роскошные:
🟢 Лубки — народные картинки, в которых пятна выходят за контур, а цвета открыты и просты: синий, желтый, зеленый.
🟢 Вывески — кричащие, как рыночные зазывалы. К слову, именно тогда открыли Нико Пиросмани, грузинского самоучку, писавшего вывески для духанов (трактиров). В 1913 году на выставке «Мишень» рядом с работами Ларионова и Гончаровой висели его картины.
🟢 Детские рисунки — где пропорции «неправильные», но чувства — настоящие.
🟢 Иконы — с их плоскостностью и цветом.
Все это напитало художников, так что скоро родился неопримитивизм — направление в искусстве, которое смешивало высокое и низкое. Просуществовало оно недолго — с 1908 по 1913 год —, но этого хватило, чтобы на его основе появился супрематизм и другие авангардные измы.
Главным героем неопримитивизма стал цвет. Почему?
Художники искали что-то универсальное, общее для всех. И цвет оказался идеальным инструментом: он влияет на зрителя мгновенно, еще до осознания. Воздействует напрямую — бьет в глаза, как солнечный свет, заставляя чувствовать, а не анализировать.
И тут я не могу не оставить вам цитату Пикассо, который на похвалу коллег был скуп, как никто: «Когда умрет Анри Матисс, Шагал останется единственным художником, кто действительно понимает, что такое цвет. Я не в восторге от его петухов, летающих скрипачек и всего этого фольклора, но его картины действительно написаны, а не небрежно набросаны».
Шагал не был наивистом или неопримитивистом, но в его работах цвет живет — пульсирует, поет, нарушает все правила. И ОН, Марк Захарович, похвалил за колористический дар Катю Медведеву.
Представляете, какую традицию она продолжает? Ну фантастика же?)
Начало прошлого века. Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Илья Машков и другие художники их круга что-то подустали: академическая традиция комом в горле встала, хотелось обновиться.
И пошли они к тем, кто правилами не скован: художникам Востока, ремесленникам в глубине страны, детям. Точнее не к ним, а их творениям.
Референсы подобрались роскошные:
Все это напитало художников, так что скоро родился неопримитивизм — направление в искусстве, которое смешивало высокое и низкое. Просуществовало оно недолго — с 1908 по 1913 год —, но этого хватило, чтобы на его основе появился супрематизм и другие авангардные измы.
Главным героем неопримитивизма стал цвет. Почему?
Художники искали что-то универсальное, общее для всех. И цвет оказался идеальным инструментом: он влияет на зрителя мгновенно, еще до осознания. Воздействует напрямую — бьет в глаза, как солнечный свет, заставляя чувствовать, а не анализировать.
И тут я не могу не оставить вам цитату Пикассо, который на похвалу коллег был скуп, как никто: «Когда умрет Анри Матисс, Шагал останется единственным художником, кто действительно понимает, что такое цвет. Я не в восторге от его петухов, летающих скрипачек и всего этого фольклора, но его картины действительно написаны, а не небрежно набросаны».
Шагал не был наивистом или неопримитивистом, но в его работах цвет живет — пульсирует, поет, нарушает все правила. И ОН, Марк Захарович, похвалил за колористический дар Катю Медведеву.
Представляете, какую традицию она продолжает? Ну фантастика же?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤128👍47🤩12😱2
#сюжетнедели
Сегодня в центре нашего разговора очень необычная картина Питера Брейгеля Старшего — «Успение Богородицы» (1563–1565). Она любопытна сразу в нескольких отношениях.
Первое: то, как изображен сам сюжет — Успение. Он известный и вглубь иконографии мы сейчас погружаться не будем — посмотрим на более близкую Брейгелю традицию.
Как Успение писали Шонгауэр, Дюрер, Гуго ван дер Гус? Очень похоже: Богородицу в ложе обступили 12 апостолов и один из них — обычно Иоанн или Пётр — вкладывает ей в руку свечу (символ перехода в вечность). Часто встречается подвязанный балдахин этой кровати грушевидной формы.
На первый взгляд Брейгель следует этой привычной схеме. Но на самом деле он тут верен своему правилу «беру чужое и делаю свое», вот, что отличает его «Успение»:
→ Вместо 12 апостолов — толпа людей, среди которых, возможно, и простые верующие.
→ В левом углу появляется спящий человек и сразу вносит смятение в трактовку: одни считают, что это апостол Иоанн запечатлен в миг, сошедшего на него видения; другие считывают этот ход прозаичнее — мол, это тот, кто ухаживал за Девой Марией, измучился и наконец заснул, а в этот момент как раз происходит Успение.
→ В картине нет привычного золотого сияния или Христа, забирающего душу Богоматери.
И второе: Брейгель в этой работе становится визионером. Он пишет ее в нехарактерном для себя колорите — монохроме, гризайле.
Использует резкие контрасты света и тени, погружает пространство во тьму, оставив лишь тусклые островки освещения, размывает силуэты фигур — всё это для его времени было очень дерзко. Фактически, он предвосхищает приемы караваджизма, которые станут главной чертой живописи следующего столетия, особенно в работах Рембрандта.
Удивительно, да? Совсем не мейнстримная маленькая работа, а внутри — столько новаторства. Работая над ней, Брейгель сам того не сознавая (а может и наоборот) заложил идеи, которые определят развитие искусства на десятилетия вперёд.
❤️?)
Сегодня в центре нашего разговора очень необычная картина Питера Брейгеля Старшего — «Успение Богородицы» (1563–1565). Она любопытна сразу в нескольких отношениях.
Первое: то, как изображен сам сюжет — Успение. Он известный и вглубь иконографии мы сейчас погружаться не будем — посмотрим на более близкую Брейгелю традицию.
Как Успение писали Шонгауэр, Дюрер, Гуго ван дер Гус? Очень похоже: Богородицу в ложе обступили 12 апостолов и один из них — обычно Иоанн или Пётр — вкладывает ей в руку свечу (символ перехода в вечность). Часто встречается подвязанный балдахин этой кровати грушевидной формы.
На первый взгляд Брейгель следует этой привычной схеме. Но на самом деле он тут верен своему правилу «беру чужое и делаю свое», вот, что отличает его «Успение»:
→ Вместо 12 апостолов — толпа людей, среди которых, возможно, и простые верующие.
→ В левом углу появляется спящий человек и сразу вносит смятение в трактовку: одни считают, что это апостол Иоанн запечатлен в миг, сошедшего на него видения; другие считывают этот ход прозаичнее — мол, это тот, кто ухаживал за Девой Марией, измучился и наконец заснул, а в этот момент как раз происходит Успение.
→ В картине нет привычного золотого сияния или Христа, забирающего душу Богоматери.
И второе: Брейгель в этой работе становится визионером. Он пишет ее в нехарактерном для себя колорите — монохроме, гризайле.
Использует резкие контрасты света и тени, погружает пространство во тьму, оставив лишь тусклые островки освещения, размывает силуэты фигур — всё это для его времени было очень дерзко. Фактически, он предвосхищает приемы караваджизма, которые станут главной чертой живописи следующего столетия, особенно в работах Рембрандта.
Удивительно, да? Совсем не мейнстримная маленькая работа, а внутри — столько новаторства. Работая над ней, Брейгель сам того не сознавая (а может и наоборот) заложил идеи, которые определят развитие искусства на десятилетия вперёд.
❤️?)
❤123👍43👏10
#сюжетнедели
1930-е, Европа. Воздух искусствоведческого мира пропитан азартом — обнаружена картина раннего Вермеера!
Больше всего ладонями потирает Абрахам Бредиус, главный эксперт по Вермееру. Он чувствовал, он подозревал — в своей теории писал, что до того как обосноваться в семейном гнезде и обрести свой голос, дельфтский мастер мог быть другим.
Искусствовед считал, что на заре пути Вермеер бывал в Италии и там писал больше библейского и в духе Караваджо — так силен был тренд. Но подтверждений не было. И, о чудо, не успел Бердиус исчерпать свой век: в 83 года перед его подслеповатым «знаточеским» взглядом предстал «Христос в Эммаусе».
Разумеется, он кивнул: да-да, это Вермеер «итальянского» периода! И на страницах «Барлингтон Магазин» торжественно объявил о новом шедевре.
Что потом было. Голландцы испугались, что картину продадут, подняли шум о растранжиривании национального достояния, объявили сбор денег на выкуп. Спонсоры, меценаты и просто любители красивых жестов тут же открыли кошельки, и вот — за 174 000 гульденов шедевр был «спасен» для отечества.
Его торжественно водрузили в Boymans Museum, где он мгновенно стал главной звездой сезона, must-see для всех ценителей искусства. Никто тогда даже не заподозрил, что этот «гвоздь коллекции» — всего лишь искусная подделка))
Многие годы за всем, что делает Бердиус, в тени следил один голландец. Он читал его статьи, упорно копировал в мастерской Вермеера, освоил высокое искусство состаривания живописной поверхности с помощью пропекания в печи, использования жестких барсучьих кистей, кислот и проч.
Бердиус однажды «вскрыл» его первую подделку (но не его имя). Во второй раз счет сравнялся. Этим человеком был Хан ван Меегерен. На деньги с «Христоса в Эммаусе» он купил себе виллу в Ницце. А следующие «вермееры» принесли ему 50 доходных домов и отелей.
Но счастья внутри всего этого не было: он бросил двух жен, сидел на морфии, чем дальше, тем хуже писал. Его так и не разоблачали. Признаться пришлось самому: Меегерена обвинили в связи с нацистами и продаже Герингу «Христа и грешницы». На суде он так перепугался, что рассказал о подделках.
И для всех, кому подобных историй всегда мало, напоминаю: завтра искусствовед Екатерина Вершинина прочтет бесплатную онлайн-лекцию «Между мифом и реальностью: история авантюристов в искусстве и кино». Забегайте)
1930-е, Европа. Воздух искусствоведческого мира пропитан азартом — обнаружена картина раннего Вермеера!
Больше всего ладонями потирает Абрахам Бредиус, главный эксперт по Вермееру. Он чувствовал, он подозревал — в своей теории писал, что до того как обосноваться в семейном гнезде и обрести свой голос, дельфтский мастер мог быть другим.
Искусствовед считал, что на заре пути Вермеер бывал в Италии и там писал больше библейского и в духе Караваджо — так силен был тренд. Но подтверждений не было. И, о чудо, не успел Бердиус исчерпать свой век: в 83 года перед его подслеповатым «знаточеским» взглядом предстал «Христос в Эммаусе».
Разумеется, он кивнул: да-да, это Вермеер «итальянского» периода! И на страницах «Барлингтон Магазин» торжественно объявил о новом шедевре.
Что потом было. Голландцы испугались, что картину продадут, подняли шум о растранжиривании национального достояния, объявили сбор денег на выкуп. Спонсоры, меценаты и просто любители красивых жестов тут же открыли кошельки, и вот — за 174 000 гульденов шедевр был «спасен» для отечества.
Его торжественно водрузили в Boymans Museum, где он мгновенно стал главной звездой сезона, must-see для всех ценителей искусства. Никто тогда даже не заподозрил, что этот «гвоздь коллекции» — всего лишь искусная подделка))
Многие годы за всем, что делает Бердиус, в тени следил один голландец. Он читал его статьи, упорно копировал в мастерской Вермеера, освоил высокое искусство состаривания живописной поверхности с помощью пропекания в печи, использования жестких барсучьих кистей, кислот и проч.
Бердиус однажды «вскрыл» его первую подделку (но не его имя). Во второй раз счет сравнялся. Этим человеком был Хан ван Меегерен. На деньги с «Христоса в Эммаусе» он купил себе виллу в Ницце. А следующие «вермееры» принесли ему 50 доходных домов и отелей.
Но счастья внутри всего этого не было: он бросил двух жен, сидел на морфии, чем дальше, тем хуже писал. Его так и не разоблачали. Признаться пришлось самому: Меегерена обвинили в связи с нацистами и продаже Герингу «Христа и грешницы». На суде он так перепугался, что рассказал о подделках.
И для всех, кому подобных историй всегда мало, напоминаю: завтра искусствовед Екатерина Вершинина прочтет бесплатную онлайн-лекцию «Между мифом и реальностью: история авантюристов в искусстве и кино». Забегайте)
❤90🔥41👍33👏3😁1
#сюжетнедели
Несение креста
Разберем не классическую иконографию сюжета, а наоборот — работу Босха, которая из канона выбивается. Гентское «Несение креста», между 1500-1516 гг.
Что здесь не так, как обычно?
🌟 Крупный план и нет пейзажа. Художник словно добавил зум.
🌟 Христос закрывает глаза. На этом взгляд фокусируется сразу, но если дальше скользить по всей мозаике из лиц, то мы понимаем: тут в целом через глаза рассказана история.
Еще три персонажа здесь видят не вполне. По часовой стрелке:
→ Глаза закрыты у героини в левом нижнем углу — по плату с ликом Спасителя, понимаем, что это святая Вероника (апокрифического персонажа, не упомянутого в Евангелиях).
→ Не видны глаза у персонажа выше от Христа. Он двумя руками ухватился за брус креста и зачем — не понятно: повис, чтобы утяжелить путь, или толкает его вверх, чтобы помочь? Если второе, тогда это Симон из Кирены.
Там же, чуть выше, седовласый старец опустил взгляд. Предполагают, что это Иосиф Аримафейский.
→ Верхний правый угол: мужчина закатывает глаза. Это разбойник, который будет распят с Иисусом, но придет к раскаянию.
→ Лицо в тени на переднем плане. Возможно, тоже принадлежит к числу тайных учеников Христа. Кроме сомкнутых век, на то указывает его остроконечная шапочка и полуулыбка.
У других глаза вытаращены, из орбит выскакивают. В общем, на лицо две противоположные группы: одни смотрят и не видят, другие — не смотрят и как раз видят. Знание и зрение противопоставлены.
🌟 Люди Христа композиционно образуют крест. Обратили внимание? Художник тонко усиливает присутствие добра, акцентирует здесь «Божье стадо», хотя поначалу картина пугает своей тотальной темнотой, уродливыми личинами.
Ни до Босха, ни после него такое решение сюжета никто не предлагал. Поэтому, когда авторство картины поставили под сомнение, директор Музея изящных искусств в Генте сказал: создать подобную вещь мог только гений, еще более крупный, нежели Босх.
Несение креста
Разберем не классическую иконографию сюжета, а наоборот — работу Босха, которая из канона выбивается. Гентское «Несение креста», между 1500-1516 гг.
Что здесь не так, как обычно?
Еще три персонажа здесь видят не вполне. По часовой стрелке:
→ Глаза закрыты у героини в левом нижнем углу — по плату с ликом Спасителя, понимаем, что это святая Вероника (апокрифического персонажа, не упомянутого в Евангелиях).
→ Не видны глаза у персонажа выше от Христа. Он двумя руками ухватился за брус креста и зачем — не понятно: повис, чтобы утяжелить путь, или толкает его вверх, чтобы помочь? Если второе, тогда это Симон из Кирены.
Там же, чуть выше, седовласый старец опустил взгляд. Предполагают, что это Иосиф Аримафейский.
→ Верхний правый угол: мужчина закатывает глаза. Это разбойник, который будет распят с Иисусом, но придет к раскаянию.
→ Лицо в тени на переднем плане. Возможно, тоже принадлежит к числу тайных учеников Христа. Кроме сомкнутых век, на то указывает его остроконечная шапочка и полуулыбка.
У других глаза вытаращены, из орбит выскакивают. В общем, на лицо две противоположные группы: одни смотрят и не видят, другие — не смотрят и как раз видят. Знание и зрение противопоставлены.
Ни до Босха, ни после него такое решение сюжета никто не предлагал. Поэтому, когда авторство картины поставили под сомнение, директор Музея изящных искусств в Генте сказал: создать подобную вещь мог только гений, еще более крупный, нежели Босх.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤97👍47🔥21😁5🎉2🤩2
#сюжетнедели сегодня плавно перетекает из поста со вчера
Посмотрим на Франциска Ассизского — святого, в честь которого Папа Франциск и взял свое тронное имя. Он называл его «любимым менестрелем Бога».
Франциск — один из самых часто изображаемых святых. Что точно: он был реальным человеком по имени Джованни ди Пьетро ди Бернардоне. Родился в Ассизи в 1181 году в семье торговца тканями. До нас дошли его рукописи.
Юность Франциска была бурной, но после мистического переживания он отказался от богатства, облачился в рубище и посвятил жизнь проповеди Евангелия. Его призыв к простоте и бедности оказался настолько вирусным, что вокруг него быстро собрались последователи — так родился орден францисканцев, существующий до сих пор.
Уже через два года после смерти Франциска канонизировали, почти сразу его образ распространился по Европе. А в искусстве сложился узнаваемый канон:
* Коричневый или серый хабит, подпоясанный веревкой — символ бедности.
* Стигматы на руках и ногах — знак мистического единства с Христом.
* Латинский крест — отсылка к его проповедям.
* Птицы и волк — напоминание о его легендарной проповеди животным.
Цикл фресок кисти Джотто в огромной базилике Святого Франциска в Ассизи называют первым произведением эпохи Возрождения. Причем по-настоящему революционным: Франциска художник написал как живого человека — с эмоциями, жестами, почти портретной индивидуальностью. Джотто отошел от условности и это удивляло.
С тех пор прошло много веков, но заряженность образа Франциска никуда не делась. Представьте: проповедь, которую нес святой, послужила источником вдохновения для комикса Marvel (выпуск 1980-го). Франциск Ассизский остается героем времени🥀
И для тех, кто хочет больше искусства и Италии в этом дне, напоминаю, что сегодня (как и каждую среду) в 12:00 мск состоится бесплатный эфир-лекция от искусствоведа Миланы Арсанукаевой «Россия-Италия: параллели ХХ века». Вы можете зарегистрироваться сейчас и посмотреть в записи — она будет доступна еще 24 часа🙌
Плюс регистрации: пройти ее нужно единожды — следующие лекции вы уже не пропустите, мы заранее будем высылать анонсы.
И жду от вас впечатления от апрельских эфиров — смотрели? Полезно?)
Посмотрим на Франциска Ассизского — святого, в честь которого Папа Франциск и взял свое тронное имя. Он называл его «любимым менестрелем Бога».
Франциск — один из самых часто изображаемых святых. Что точно: он был реальным человеком по имени Джованни ди Пьетро ди Бернардоне. Родился в Ассизи в 1181 году в семье торговца тканями. До нас дошли его рукописи.
Юность Франциска была бурной, но после мистического переживания он отказался от богатства, облачился в рубище и посвятил жизнь проповеди Евангелия. Его призыв к простоте и бедности оказался настолько вирусным, что вокруг него быстро собрались последователи — так родился орден францисканцев, существующий до сих пор.
Уже через два года после смерти Франциска канонизировали, почти сразу его образ распространился по Европе. А в искусстве сложился узнаваемый канон:
* Коричневый или серый хабит, подпоясанный веревкой — символ бедности.
* Стигматы на руках и ногах — знак мистического единства с Христом.
* Латинский крест — отсылка к его проповедям.
* Птицы и волк — напоминание о его легендарной проповеди животным.
Цикл фресок кисти Джотто в огромной базилике Святого Франциска в Ассизи называют первым произведением эпохи Возрождения. Причем по-настоящему революционным: Франциска художник написал как живого человека — с эмоциями, жестами, почти портретной индивидуальностью. Джотто отошел от условности и это удивляло.
С тех пор прошло много веков, но заряженность образа Франциска никуда не делась. Представьте: проповедь, которую нес святой, послужила источником вдохновения для комикса Marvel (выпуск 1980-го). Франциск Ассизский остается героем времени
И для тех, кто хочет больше искусства и Италии в этом дне, напоминаю, что сегодня (как и каждую среду) в 12:00 мск состоится бесплатный эфир-лекция от искусствоведа Миланы Арсанукаевой «Россия-Италия: параллели ХХ века». Вы можете зарегистрироваться сейчас и посмотреть в записи — она будет доступна еще 24 часа🙌
Плюс регистрации: пройти ее нужно единожды — следующие лекции вы уже не пропустите, мы заранее будем высылать анонсы.
И жду от вас впечатления от апрельских эфиров — смотрели? Полезно?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤79👍26🔥18🤩1
#сюжетнедели
🕊️ Белый голубь с ветвью в клюве уже давно стал символом чего-то хорошего
В культуре он часто противопоставлен орлу или ворону: как добро — злу, а кротость — силе.
В легендах Древней Греции голуби считались птицами Афродиты, и впрягались в ее колесницу. Уже тогда «голубками» ласково называли возлюбленных. А в мифах Древнего Рима голубка нежно свила гнездо в шлеме бога Марса — увидев это, он отказался от битвы.
В Священном писании голубь тоже герой исключительно положительный и полезный. После потопа, когда прекратился дождь и Ноев ковчег оказался на суше, на горе Арарат, Ной выпустил голубя и ворона, чтобы понять, осталась ли где-то еще земля. Ворон не возвратился, а голубь вернулся, неся в клюве веточку.
Но чаще всего в христианской иконографии образ голубя связывается с изображениями Троицы: голубь — символ и воплощение Святого Духа. В эпоху Возрождения этот сюжет стал очень распространенным.
Так голубь летел и летел сквозь века как архетип, пока особенно ярко не выпорхнул из-под кисти Пикассо. Пабло эти птицы окружали всю жизнь. В детстве отец-художник просил его дорисовывать голубям лапки на своих картинах. Повзрослев, Пикассо сам стал заводить птиц.
И, удивительно: как-то раз даже сам Матисс подарил ему четыре крупных миланских голубя! Один из них попал на литографию, которую вскоре у Пабло позаимствовал Луи Арагон. Образ птицы так впечатлил поэта, что он создал множество афиш с этой работой и расклеил их по всему Парижу, аккурат к Конгрессу мира.
С тех пор голубь окончательно стал символом надежды, спокойной жизни и светлых помыслов🙏
🕊️ Белый голубь с ветвью в клюве уже давно стал символом чего-то хорошего
В культуре он часто противопоставлен орлу или ворону: как добро — злу, а кротость — силе.
В легендах Древней Греции голуби считались птицами Афродиты, и впрягались в ее колесницу. Уже тогда «голубками» ласково называли возлюбленных. А в мифах Древнего Рима голубка нежно свила гнездо в шлеме бога Марса — увидев это, он отказался от битвы.
В Священном писании голубь тоже герой исключительно положительный и полезный. После потопа, когда прекратился дождь и Ноев ковчег оказался на суше, на горе Арарат, Ной выпустил голубя и ворона, чтобы понять, осталась ли где-то еще земля. Ворон не возвратился, а голубь вернулся, неся в клюве веточку.
Но чаще всего в христианской иконографии образ голубя связывается с изображениями Троицы: голубь — символ и воплощение Святого Духа. В эпоху Возрождения этот сюжет стал очень распространенным.
Так голубь летел и летел сквозь века как архетип, пока особенно ярко не выпорхнул из-под кисти Пикассо. Пабло эти птицы окружали всю жизнь. В детстве отец-художник просил его дорисовывать голубям лапки на своих картинах. Повзрослев, Пикассо сам стал заводить птиц.
И, удивительно: как-то раз даже сам Матисс подарил ему четыре крупных миланских голубя! Один из них попал на литографию, которую вскоре у Пабло позаимствовал Луи Арагон. Образ птицы так впечатлил поэта, что он создал множество афиш с этой работой и расклеил их по всему Парижу, аккурат к Конгрессу мира.
С тех пор голубь окончательно стал символом надежды, спокойной жизни и светлых помыслов🙏
❤181👍44👏14🤩1
#сюжетнедели
🌌Ноктюрн
Так во второй половине XIX века начал называть свои ночный пейзажи Джеймс Уистлер. Он в целом любил называть свои работы музыкально — симфониями, гармониями — чтобы увести фокус с повествовательности на настроение, которое передает работа.
Именно Уистлера считают зачинателем тонализма, направления в живописи, которое часто относят к ответвлению импрессионизма. Суть его в том, что за основу произведения берут один цвет или оттенок.
Да и сам американец Уистлер фигурой был прелюбопытнейшей. В 9 лет вместе с отцом он оказался в Петербурге и пробыл тут до своих 14-ти, учился у студента Академии художеств Корицкого, потом сам как юный гений поступил туда же. Общался с Брюлловым.
Позже, после нескольких крюков судьбы в Америке, перебрался в Европу и строил карьеру бок о бок с Дега, Моне и Ренуаром. Но не повторял за ними, а топтал свою тропинку в искусстве: например, культ пленэра не одобрял и говорил, что «писать с натуры лучше всего дома».
Современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью. Да и сам по себе он, как человек, изматывал нервы чопорных лондонцев: то носки пурпурные наденет, то вместо трости разгуливает по улице с ядовито-лимонным зонтом. Неудобное своевольное создание)
Впрочем, гнев все же сменился милостью. Еще при жизни Уистлера признали по обе стороны Атлантики💙
Как вам работы?
🌌Ноктюрн
Так во второй половине XIX века начал называть свои ночный пейзажи Джеймс Уистлер. Он в целом любил называть свои работы музыкально — симфониями, гармониями — чтобы увести фокус с повествовательности на настроение, которое передает работа.
Именно Уистлера считают зачинателем тонализма, направления в живописи, которое часто относят к ответвлению импрессионизма. Суть его в том, что за основу произведения берут один цвет или оттенок.
Да и сам американец Уистлер фигурой был прелюбопытнейшей. В 9 лет вместе с отцом он оказался в Петербурге и пробыл тут до своих 14-ти, учился у студента Академии художеств Корицкого, потом сам как юный гений поступил туда же. Общался с Брюлловым.
Позже, после нескольких крюков судьбы в Америке, перебрался в Европу и строил карьеру бок о бок с Дега, Моне и Ренуаром. Но не повторял за ними, а топтал свою тропинку в искусстве: например, культ пленэра не одобрял и говорил, что «писать с натуры лучше всего дома».
Современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью. Да и сам по себе он, как человек, изматывал нервы чопорных лондонцев: то носки пурпурные наденет, то вместо трости разгуливает по улице с ядовито-лимонным зонтом. Неудобное своевольное создание)
Впрочем, гнев все же сменился милостью. Еще при жизни Уистлера признали по обе стороны Атлантики💙
Как вам работы?
❤134👍52🔥16🤩12👏2
#сюжетнедели
Иконы до иконописи
В мастерской художницы Нино Кипшидзе нас встретили десятки распечаток фаюмских портретов (есть фото) — они вдохновляют ее мужа. В этих изображениях, правда, есть что-то особенно притягательное. Это чудо античной живописи.
Фаюмские портреты создавались в I—III веках н.э. На нас смотрят люди, жившие 2000 лет назад, невероятно реалистично изображенные, красивые. И это до изобретения масляной живописи!
Самые лучшие и проработанные примеры фаюмских образов исполнены восковыми красками. В невероятно сложной технике энкаустики: в ней вместо кисти художники применяли горячий металлический стержень, вроде тонкого ножа. Плавясь при высокой температуре, восковые краски застывали, создавая неровности и эффект объема.
Иногда мастер собственными пальцами «моделировал» форму лица — так впоследствии будут делать некоторые импрессионисты.
Яркий атрибут фаюмских портретов — сусальное золото. Золотился либо фон, либо только венки, драгоценности или детали одежды. На одном из фото, смотрите, чистый Климт (о его любви к золоту мы с вами уже говорили).
Локация феномена: Египет. Да-да, не очевидно, здесь нет привычной египетской эстетики с фараонами и иероглифами. Потому что появились фаюмские портреты тогда, когда Египет уже был под Римом.
Эти изображения вобрали в себя традиции трех культур:
👁️От греков — идеализация. Проще говоря, портреты слегка приукрашены. Это как мы сейчас фильтры и маски для фото используем)
👁️От римлян пришло портретное сходство.
👁️От египтян — ритуальная принадлежность. Портреты создавали для загробного мира, их запеленывали в мумии. Египтяне были уверены: душа покидает тело через рот, а возвращается через глаза. Поэтому в гробнице делались изображения усопшего — своеобразные «паспорта», — с открытыми, подчеркнутыми глазами.
И вот эти глаза — та часть-магнит, которая особенно действует на нас. Взгляд портретируемых направлен на нас, но проходит как будто сквозь.
Дальнейшее влияние фаюмских портретов на искусство огромно: они стали прообразом византийских икон.
Они о смерти, но такие живые.
Простые люди в достоинстве святых.
В их взгляде — вневременная вечность.
Иконы до иконописи
В мастерской художницы Нино Кипшидзе нас встретили десятки распечаток фаюмских портретов (есть фото) — они вдохновляют ее мужа. В этих изображениях, правда, есть что-то особенно притягательное. Это чудо античной живописи.
Фаюмские портреты создавались в I—III веках н.э. На нас смотрят люди, жившие 2000 лет назад, невероятно реалистично изображенные, красивые. И это до изобретения масляной живописи!
Самые лучшие и проработанные примеры фаюмских образов исполнены восковыми красками. В невероятно сложной технике энкаустики: в ней вместо кисти художники применяли горячий металлический стержень, вроде тонкого ножа. Плавясь при высокой температуре, восковые краски застывали, создавая неровности и эффект объема.
Иногда мастер собственными пальцами «моделировал» форму лица — так впоследствии будут делать некоторые импрессионисты.
Яркий атрибут фаюмских портретов — сусальное золото. Золотился либо фон, либо только венки, драгоценности или детали одежды. На одном из фото, смотрите, чистый Климт (о его любви к золоту мы с вами уже говорили).
Локация феномена: Египет. Да-да, не очевидно, здесь нет привычной египетской эстетики с фараонами и иероглифами. Потому что появились фаюмские портреты тогда, когда Египет уже был под Римом.
Эти изображения вобрали в себя традиции трех культур:
👁️От греков — идеализация. Проще говоря, портреты слегка приукрашены. Это как мы сейчас фильтры и маски для фото используем)
👁️От римлян пришло портретное сходство.
👁️От египтян — ритуальная принадлежность. Портреты создавали для загробного мира, их запеленывали в мумии. Египтяне были уверены: душа покидает тело через рот, а возвращается через глаза. Поэтому в гробнице делались изображения усопшего — своеобразные «паспорта», — с открытыми, подчеркнутыми глазами.
И вот эти глаза — та часть-магнит, которая особенно действует на нас. Взгляд портретируемых направлен на нас, но проходит как будто сквозь.
Дальнейшее влияние фаюмских портретов на искусство огромно: они стали прообразом византийских икон.
Они о смерти, но такие живые.
Простые люди в достоинстве святых.
В их взгляде — вневременная вечность.
❤169🔥60👍32🤩3👏1
#сюжетнедели
Джунгли Анри Руссо 🐯🌿
Анри Руссо после армии работал на таможне, за что получил прозвище Le Douanier – Таможенник.
К искусству Руссо пришел почти в 40, в первой выставке поучаствовал в 42. В 49 Руссо ушел на пенсию и посвятил себя картинам, хотя подрабатывал на временных работах, а еще занимался уличной игрой на скрипке. Путешествовать он не мог, но часто писал экзотических животных и растения.
У самого Руссо была легенда, мол, однажды он служил в далекой Мексике. Но на самом неделе художник никогда не покидал Францию. А внимательные критики отмечают, что джунгли Руссо состоят в основном комнатных растений, и из тех, что можно встретить в местном ботсаду 🥲
Как будто дальние страны Руссо видел во снах, а потом изображал их с налетом нереальности.
Его работы повлияли на многих авангардных художников. Например, Матисс ценил Анри Руссо за умение видеть мир, как ребенок. Но критики этого восторга не разделяли и насмехались над художником всю его жизнь.
На картине «Нападение в джунглях» (1891, Лондонская национальная галерея) тигр будто окружен ливнем. Непогода не мешает ему готовиться к нападению.
Посмотрите, как интересно автор подсвечивает морду животного – как будто на нее направлен софит. «Мечта» – последняя работа мастера (1910, Музей современного искусства в Нью-Йорке). Дикие кошки здесь не нападают, а прячутся в кустах.
Больше всего в картинах Анри Руссо мне нравится волшебный зеленый цвет. А вам?
Джунгли Анри Руссо 🐯🌿
Анри Руссо после армии работал на таможне, за что получил прозвище Le Douanier – Таможенник.
К искусству Руссо пришел почти в 40, в первой выставке поучаствовал в 42. В 49 Руссо ушел на пенсию и посвятил себя картинам, хотя подрабатывал на временных работах, а еще занимался уличной игрой на скрипке. Путешествовать он не мог, но часто писал экзотических животных и растения.
У самого Руссо была легенда, мол, однажды он служил в далекой Мексике. Но на самом неделе художник никогда не покидал Францию. А внимательные критики отмечают, что джунгли Руссо состоят в основном комнатных растений, и из тех, что можно встретить в местном ботсаду 🥲
Как будто дальние страны Руссо видел во снах, а потом изображал их с налетом нереальности.
Его работы повлияли на многих авангардных художников. Например, Матисс ценил Анри Руссо за умение видеть мир, как ребенок. Но критики этого восторга не разделяли и насмехались над художником всю его жизнь.
На картине «Нападение в джунглях» (1891, Лондонская национальная галерея) тигр будто окружен ливнем. Непогода не мешает ему готовиться к нападению.
Посмотрите, как интересно автор подсвечивает морду животного – как будто на нее направлен софит. «Мечта» – последняя работа мастера (1910, Музей современного искусства в Нью-Йорке). Дикие кошки здесь не нападают, а прячутся в кустах.
Больше всего в картинах Анри Руссо мне нравится волшебный зеленый цвет. А вам?
❤169👍37👏18🤩4💔1
#сюжетнедели
Как украшали дома в Помпеях
Помпеи, Стабии и Геркуланум — настоящие археологические консервы. И больше всего поражает то, насколько хорошо сохранились в них античные росписи.
Еще в XIX веке историк искусства Август Мау выделил четыре основных «стиля» (точнее — системы декорирования), характерных для фресок этих городов. Познакомимся с ней:
I «стиль» — «инкрустационный» (II век до н.э. — I век до н.э.).
Самый ранний вариант — простой и строгий. Стены в домах делали рельефными, как будто под мрамор.
Ключевое слово тут — «как будто», было много имитаций. Нередко архитектурные детали лепили из штукатурки и уже сверху расписывали под нужную фактуру. Но в результате получалось дорого-богато✨
II «стиль» — «архитектурно-перспективный» (80 год до н.э. — 30 год н.э.).
Здесь художники начали рисовать на стенах колонны, арки. Без иллюзий тут тоже не обошлось — в фресках стали часто использовать тромплей («обман зрения»).
Чтобы увеличить пространство, писали окно. А за ним — сад или улицу. Причем с перспективными искажениями и эффектами световоздушной среды. Так что не Джотто изобрел глубину в живописи, совсем не он🙈
III «стиль» — «орнаментальный» или «канделябрный» (1 половина I века н.э.).
Вместо сложных архитектурных сцен появились тонкие узоры: гирлянды, канделябры, цветы. Центр стены часто занимала небольшая картина — пейзаж или сценка из мифов. После завоевания Египта в моду вошли экзотические мотивы: сфинксы, лотосы, жуки-скарабеи.
IV «стиль» — «фантастический» или «иллюзорный» (63 год — начало II века н.э.).
На самом деле за 17 лет до дня Х вулкан уже давал намеки на желание извергнуть свои силы: было мощное землетрясение. Но жители наших городов решили, что надо не переезжать, а с удвоенной силой все восстанавливать.
Последний «стиль» появился как раз в этот период. В моду вошли яркие, динамичные фрески. Мифологические герои изображались на фоне фантастических пейзажей, как будто на сцене театра. Чаще стали встречаться натюрморты.
Под каждый «стиль» прикрепляю два примера.
Как украшали дома в Помпеях
Помпеи, Стабии и Геркуланум — настоящие археологические консервы. И больше всего поражает то, насколько хорошо сохранились в них античные росписи.
Еще в XIX веке историк искусства Август Мау выделил четыре основных «стиля» (точнее — системы декорирования), характерных для фресок этих городов. Познакомимся с ней:
I «стиль» — «инкрустационный» (II век до н.э. — I век до н.э.).
Самый ранний вариант — простой и строгий. Стены в домах делали рельефными, как будто под мрамор.
Ключевое слово тут — «как будто», было много имитаций. Нередко архитектурные детали лепили из штукатурки и уже сверху расписывали под нужную фактуру. Но в результате получалось дорого-богато✨
II «стиль» — «архитектурно-перспективный» (80 год до н.э. — 30 год н.э.).
Здесь художники начали рисовать на стенах колонны, арки. Без иллюзий тут тоже не обошлось — в фресках стали часто использовать тромплей («обман зрения»).
Чтобы увеличить пространство, писали окно. А за ним — сад или улицу. Причем с перспективными искажениями и эффектами световоздушной среды. Так что не Джотто изобрел глубину в живописи, совсем не он🙈
III «стиль» — «орнаментальный» или «канделябрный» (1 половина I века н.э.).
Вместо сложных архитектурных сцен появились тонкие узоры: гирлянды, канделябры, цветы. Центр стены часто занимала небольшая картина — пейзаж или сценка из мифов. После завоевания Египта в моду вошли экзотические мотивы: сфинксы, лотосы, жуки-скарабеи.
IV «стиль» — «фантастический» или «иллюзорный» (63 год — начало II века н.э.).
На самом деле за 17 лет до дня Х вулкан уже давал намеки на желание извергнуть свои силы: было мощное землетрясение. Но жители наших городов решили, что надо не переезжать, а с удвоенной силой все восстанавливать.
Последний «стиль» появился как раз в этот период. В моду вошли яркие, динамичные фрески. Мифологические герои изображались на фоне фантастических пейзажей, как будто на сцене театра. Чаще стали встречаться натюрморты.
Под каждый «стиль» прикрепляю два примера.
❤120👍31🔥12🤩2
#сюжетнедели — «Притча о слепых»
1568 год. Последний год творчества Питера Брейгеля.
Слепота человечества — сквозной мотив в творчестве Брейгеля. Художник из картины в картины показывал страшный и нелепый мир, подчеркивая, что делают его таковым — именно люди. Они исходятся желчью, видя страдания ближнего. Не видят трагедию другого за пеленой мелочных забот. Носят воду в решето. Толкают камни в гору.
В работе выше художник эту идею обнажает максимально.
Брейгель разворачивает библейскую метафору в целую процессию: перед нами не двое, а шестеро. Первый в цепи уже упал, еще секунда и мы знаем — рухнут все, подобно костяшкам домино.
Интересно и то, что эта картина — энциклопедия слепоты. Если присмотреться внимательно к лицам, то у каждого из них некий свой, особый глазной недуг или повод ослепнуть.
👁 Третий слева — бельмо (лейкома роговицы).
👁 У идущего перед ним — врождённая слепота (глаза запали, веки сомкнуты).
👁 У слепца внизу, который вот-вот упадет, глаза выбиты — возможно, в наказание за воровство.
Все эти диагнозы угадывают врачи — например, свой экспертный обзор писал французский офтальмолог Антуан Торрильон. В нем же он очень ехидно рассказывает, как воспринимали ухудшение зрения нидерландские медики в 16 веке: считалось, что человек начинал хуже видеть из-за «ядовитых паров, подымавшихся из желудка больного и оседавших в мозгу», поэтому рекомендовалось, «освежив дыхание гвоздикой или сладким укропом, подуть в глаз страждущему»😅
То есть Брейгель современных диагнозов знать-не знал. Представляете, какой наблюдательностью он обладал?
Ну и еще немного исторического контекста для понимания. Последние годы жизни художника прошли в атмосфере религиозного террора. Кровавый совет испанских правителей казнит протестантов, протестанты крушат церкви. И те, и другие уверены: враги — слепцы, а мы видим истину.
Мы не знаем, чью сторону занимал Брейгель. Да и то, что работа имела политическую подоплеку — лишь предположение.
Как и любое гениальное произведение, эта картина — больше самой себя. Больше, чем просто иллюстрация к библейской притче или острая зарисовка о современниках.
Что думаете?
1568 год. Последний год творчества Питера Брейгеля.
Сюжет основан на библейской притче (Матф. 15:14): «Оставьте их: они — слепые вожди слепых; а если слепой ведёт слепого, то оба упадут в яму».
Слепота человечества — сквозной мотив в творчестве Брейгеля. Художник из картины в картины показывал страшный и нелепый мир, подчеркивая, что делают его таковым — именно люди. Они исходятся желчью, видя страдания ближнего. Не видят трагедию другого за пеленой мелочных забот. Носят воду в решето. Толкают камни в гору.
В работе выше художник эту идею обнажает максимально.
Брейгель разворачивает библейскую метафору в целую процессию: перед нами не двое, а шестеро. Первый в цепи уже упал, еще секунда и мы знаем — рухнут все, подобно костяшкам домино.
Интересно и то, что эта картина — энциклопедия слепоты. Если присмотреться внимательно к лицам, то у каждого из них некий свой, особый глазной недуг или повод ослепнуть.
Все эти диагнозы угадывают врачи — например, свой экспертный обзор писал французский офтальмолог Антуан Торрильон. В нем же он очень ехидно рассказывает, как воспринимали ухудшение зрения нидерландские медики в 16 веке: считалось, что человек начинал хуже видеть из-за «ядовитых паров, подымавшихся из желудка больного и оседавших в мозгу», поэтому рекомендовалось,
То есть Брейгель современных диагнозов знать-не знал. Представляете, какой наблюдательностью он обладал?
Ну и еще немного исторического контекста для понимания. Последние годы жизни художника прошли в атмосфере религиозного террора. Кровавый совет испанских правителей казнит протестантов, протестанты крушат церкви. И те, и другие уверены: враги — слепцы, а мы видим истину.
Мы не знаем, чью сторону занимал Брейгель. Да и то, что работа имела политическую подоплеку — лишь предположение.
Как и любое гениальное произведение, эта картина — больше самой себя. Больше, чем просто иллюстрация к библейской притче или острая зарисовка о современниках.
Что думаете?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤132👍49🔥19👏4
#сюжетнедели
Вспомнила, что мы с вами еще не говорили о «Борисе Кустодиеве» — еще одной моно-выставке, которая идет сейчас в Третьяковке в Лаврушинском. Сама собираюсь на днях туда сходить, поделюсь впечатлениями)
Ни одному другому художнику не выпало столько физического страдания, как Кустодиеву — опухоль канала позвоночника, несколько операций, в том числе на местном наркозе. С 16-го года он не встает с инвалидного кресла. И ровно в это время создает самые чувственные картины. Одного этого факта достаточно, чтобы воспринимать его искусство совсем иначе.
Но мы с вами откроем еще один уровень — переклички с другими авторами в истории искусства, мое любимое) Кустодиев очень органично сплавляет находки других в свой собственный стиль:
🟡 У Боттичелли берет детали из «Рождения Венеры». Стоящая нагая девушка, пряди волос, прикрывающийся жест. Только все полнокровно и пышет жизнью. Это, кстати, дочь Кустодиева)
🟡 У Тициана берет жест. Мы знаем по воспоминаниям, что он был сам не свой от «Венеры перед зеркалом», она тогда принадлежала Императорскому Эрмитажу.
🟡 С Ренуарам их роднит любовь к одну типажу. Не только я вижу в русской купчихе Жанну Самари) К тому же, обеих их печатают на плакатах.
Ну и принцип «писать так, чтобы хотелось ущипнуть» тоже невольно в голове всплывает — можете сами сравнить их купальщиц и почувствовать родство)
🟡 У Андерса Цорна подглядывает манеру писать портреты — широко, плотно, но одновременно легко — мазок льется. Живописью этого шведского художника он, как и другие коллеги, напитался в 1897 году — благодаря выставке, привезенной Дягилевым.
Вот так. А на первый взгляд кажется, что Кустодиев очень герметичный автор. Сходите на выставку и сыграйте в игру — «найди отсылку»)
*фото идут парами ‘Кустодиев-другой автор’
❤️?
Вспомнила, что мы с вами еще не говорили о «Борисе Кустодиеве» — еще одной моно-выставке, которая идет сейчас в Третьяковке в Лаврушинском. Сама собираюсь на днях туда сходить, поделюсь впечатлениями)
Ни одному другому художнику не выпало столько физического страдания, как Кустодиеву — опухоль канала позвоночника, несколько операций, в том числе на местном наркозе. С 16-го года он не встает с инвалидного кресла. И ровно в это время создает самые чувственные картины. Одного этого факта достаточно, чтобы воспринимать его искусство совсем иначе.
Но мы с вами откроем еще один уровень — переклички с другими авторами в истории искусства, мое любимое) Кустодиев очень органично сплавляет находки других в свой собственный стиль:
Ну и принцип «писать так, чтобы хотелось ущипнуть» тоже невольно в голове всплывает — можете сами сравнить их купальщиц и почувствовать родство)
Вот так. А на первый взгляд кажется, что Кустодиев очень герметичный автор. Сходите на выставку и сыграйте в игру — «найди отсылку»)
*фото идут парами ‘Кустодиев-другой автор’
❤️?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤183👏26👍20🤩11😁2💔1
#сюжетнедели
Лев и его ветка вместо зарплаты🌿
Наверняка вы этот мем знаете?) Сегодня еще и историю самой картины расскажу, она тоже интересная👌
Итак, перед нами «Сцены из жизни Святого Иеронима» Сано ди Пьетро (1444 год), которая уже почти 200 лет хранится в Лувре.
Иероним Стридонский — один из самых почитаемых святых Средневековья. Именно он перевел Библию на латынь (этот перевод, Вульгата, стал каноническим для католиков). В искусстве его легко узнать по типичному набору символов:
📚книгам
💀черепу — знак бренности бытия
🪨 камню — знак покаяния
🦁и льву, конечно)
Откуда взялся лев? Из красивой легенды, впервые записанной в IX веке.
Сано ди Пьетро изобразил всю ее в одном холсте. В Средневековье это был популярный композиционный прием: неграмотным людям нужно было рассказать легенду в картинках. Как в комиксе: «читаем» слева направо:
Эпизод 1: прием у ветеринара (левая часть)
Хромой лев приходит в монастырь. Все в ужасе разбегаются — кроме Иеронима. Тот осматривает лапу, вытаскивает из лапы бедняги занозу. Шерстяной ошарашен (вот вам и мимика). И в знак благодарности он остается со своим спасителем.
Эпизод 2: заснул на дежурстве (верхняя часть)
Раз уж лев остался, ему нашли применение — поручили пасти осла. Но кошачья сонная природа взяла верх: как-то раз на посту он закемарил, и воришки осла увели. Монахи, конечно, решили, что лев его съел, и заставили хищника таскать грузы вместо пропавшего вьючного.
Эпизод 3: реванш льва (правая часть)
Однажды лев встречает тех же воров с караваном, отбирает своего осла и заодно пригоняет в монастырь верблюдов с товарами. Воры в панике бегут и в знак извинения с тех пор монахам слали дары: масло.
Так что лев оказался очень деятельным и полезным персонажем)) И испуг его вполне понятен: мало кто приходит к ветеринару в приподнятом настроении😄
Лев и его ветка вместо зарплаты🌿
Наверняка вы этот мем знаете?) Сегодня еще и историю самой картины расскажу, она тоже интересная👌
Итак, перед нами «Сцены из жизни Святого Иеронима» Сано ди Пьетро (1444 год), которая уже почти 200 лет хранится в Лувре.
Иероним Стридонский — один из самых почитаемых святых Средневековья. Именно он перевел Библию на латынь (этот перевод, Вульгата, стал каноническим для католиков). В искусстве его легко узнать по типичному набору символов:
📚книгам
💀черепу — знак бренности бытия
🪨 камню — знак покаяния
🦁и льву, конечно)
Откуда взялся лев? Из красивой легенды, впервые записанной в IX веке.
Сано ди Пьетро изобразил всю ее в одном холсте. В Средневековье это был популярный композиционный прием: неграмотным людям нужно было рассказать легенду в картинках. Как в комиксе: «читаем» слева направо:
Эпизод 1: прием у ветеринара (левая часть)
Хромой лев приходит в монастырь. Все в ужасе разбегаются — кроме Иеронима. Тот осматривает лапу, вытаскивает из лапы бедняги занозу. Шерстяной ошарашен (вот вам и мимика). И в знак благодарности он остается со своим спасителем.
Эпизод 2: заснул на дежурстве (верхняя часть)
Раз уж лев остался, ему нашли применение — поручили пасти осла. Но кошачья сонная природа взяла верх: как-то раз на посту он закемарил, и воришки осла увели. Монахи, конечно, решили, что лев его съел, и заставили хищника таскать грузы вместо пропавшего вьючного.
Эпизод 3: реванш льва (правая часть)
Однажды лев встречает тех же воров с караваном, отбирает своего осла и заодно пригоняет в монастырь верблюдов с товарами. Воры в панике бегут и в знак извинения с тех пор монахам слали дары: масло.
Так что лев оказался очень деятельным и полезным персонажем)) И испуг его вполне понятен: мало кто приходит к ветеринару в приподнятом настроении😄
❤152🔥53😁41👍16👏5