#сюжетнедели
Сегодня в центре нашего разговора очень необычная картина Питера Брейгеля Старшего — «Успение Богородицы» (1563–1565). Она любопытна сразу в нескольких отношениях.
Первое: то, как изображен сам сюжет — Успение. Он известный и вглубь иконографии мы сейчас погружаться не будем — посмотрим на более близкую Брейгелю традицию.
Как Успение писали Шонгауэр, Дюрер, Гуго ван дер Гус? Очень похоже: Богородицу в ложе обступили 12 апостолов и один из них — обычно Иоанн или Пётр — вкладывает ей в руку свечу (символ перехода в вечность). Часто встречается подвязанный балдахин этой кровати грушевидной формы.
На первый взгляд Брейгель следует этой привычной схеме. Но на самом деле он тут верен своему правилу «беру чужое и делаю свое», вот, что отличает его «Успение»:
→ Вместо 12 апостолов — толпа людей, среди которых, возможно, и простые верующие.
→ В левом углу появляется спящий человек и сразу вносит смятение в трактовку: одни считают, что это апостол Иоанн запечатлен в миг, сошедшего на него видения; другие считывают этот ход прозаичнее — мол, это тот, кто ухаживал за Девой Марией, измучился и наконец заснул, а в этот момент как раз происходит Успение.
→ В картине нет привычного золотого сияния или Христа, забирающего душу Богоматери.
И второе: Брейгель в этой работе становится визионером. Он пишет ее в нехарактерном для себя колорите — монохроме, гризайле.
Использует резкие контрасты света и тени, погружает пространство во тьму, оставив лишь тусклые островки освещения, размывает силуэты фигур — всё это для его времени было очень дерзко. Фактически, он предвосхищает приемы караваджизма, которые станут главной чертой живописи следующего столетия, особенно в работах Рембрандта.
Удивительно, да? Совсем не мейнстримная маленькая работа, а внутри — столько новаторства. Работая над ней, Брейгель сам того не сознавая (а может и наоборот) заложил идеи, которые определят развитие искусства на десятилетия вперёд.
❤️?)
Сегодня в центре нашего разговора очень необычная картина Питера Брейгеля Старшего — «Успение Богородицы» (1563–1565). Она любопытна сразу в нескольких отношениях.
Первое: то, как изображен сам сюжет — Успение. Он известный и вглубь иконографии мы сейчас погружаться не будем — посмотрим на более близкую Брейгелю традицию.
Как Успение писали Шонгауэр, Дюрер, Гуго ван дер Гус? Очень похоже: Богородицу в ложе обступили 12 апостолов и один из них — обычно Иоанн или Пётр — вкладывает ей в руку свечу (символ перехода в вечность). Часто встречается подвязанный балдахин этой кровати грушевидной формы.
На первый взгляд Брейгель следует этой привычной схеме. Но на самом деле он тут верен своему правилу «беру чужое и делаю свое», вот, что отличает его «Успение»:
→ Вместо 12 апостолов — толпа людей, среди которых, возможно, и простые верующие.
→ В левом углу появляется спящий человек и сразу вносит смятение в трактовку: одни считают, что это апостол Иоанн запечатлен в миг, сошедшего на него видения; другие считывают этот ход прозаичнее — мол, это тот, кто ухаживал за Девой Марией, измучился и наконец заснул, а в этот момент как раз происходит Успение.
→ В картине нет привычного золотого сияния или Христа, забирающего душу Богоматери.
И второе: Брейгель в этой работе становится визионером. Он пишет ее в нехарактерном для себя колорите — монохроме, гризайле.
Использует резкие контрасты света и тени, погружает пространство во тьму, оставив лишь тусклые островки освещения, размывает силуэты фигур — всё это для его времени было очень дерзко. Фактически, он предвосхищает приемы караваджизма, которые станут главной чертой живописи следующего столетия, особенно в работах Рембрандта.
Удивительно, да? Совсем не мейнстримная маленькая работа, а внутри — столько новаторства. Работая над ней, Брейгель сам того не сознавая (а может и наоборот) заложил идеи, которые определят развитие искусства на десятилетия вперёд.
❤️?)
❤124👍43👏10
#сюжетнедели
1930-е, Европа. Воздух искусствоведческого мира пропитан азартом — обнаружена картина раннего Вермеера!
Больше всего ладонями потирает Абрахам Бредиус, главный эксперт по Вермееру. Он чувствовал, он подозревал — в своей теории писал, что до того как обосноваться в семейном гнезде и обрести свой голос, дельфтский мастер мог быть другим.
Искусствовед считал, что на заре пути Вермеер бывал в Италии и там писал больше библейского и в духе Караваджо — так силен был тренд. Но подтверждений не было. И, о чудо, не успел Бердиус исчерпать свой век: в 83 года перед его подслеповатым «знаточеским» взглядом предстал «Христос в Эммаусе».
Разумеется, он кивнул: да-да, это Вермеер «итальянского» периода! И на страницах «Барлингтон Магазин» торжественно объявил о новом шедевре.
Что потом было. Голландцы испугались, что картину продадут, подняли шум о растранжиривании национального достояния, объявили сбор денег на выкуп. Спонсоры, меценаты и просто любители красивых жестов тут же открыли кошельки, и вот — за 174 000 гульденов шедевр был «спасен» для отечества.
Его торжественно водрузили в Boymans Museum, где он мгновенно стал главной звездой сезона, must-see для всех ценителей искусства. Никто тогда даже не заподозрил, что этот «гвоздь коллекции» — всего лишь искусная подделка))
Многие годы за всем, что делает Бердиус, в тени следил один голландец. Он читал его статьи, упорно копировал в мастерской Вермеера, освоил высокое искусство состаривания живописной поверхности с помощью пропекания в печи, использования жестких барсучьих кистей, кислот и проч.
Бердиус однажды «вскрыл» его первую подделку (но не его имя). Во второй раз счет сравнялся. Этим человеком был Хан ван Меегерен. На деньги с «Христоса в Эммаусе» он купил себе виллу в Ницце. А следующие «вермееры» принесли ему 50 доходных домов и отелей.
Но счастья внутри всего этого не было: он бросил двух жен, сидел на морфии, чем дальше, тем хуже писал. Его так и не разоблачали. Признаться пришлось самому: Меегерена обвинили в связи с нацистами и продаже Герингу «Христа и грешницы». На суде он так перепугался, что рассказал о подделках.
И для всех, кому подобных историй всегда мало, напоминаю: завтра искусствовед Екатерина Вершинина прочтет бесплатную онлайн-лекцию «Между мифом и реальностью: история авантюристов в искусстве и кино». Забегайте)
1930-е, Европа. Воздух искусствоведческого мира пропитан азартом — обнаружена картина раннего Вермеера!
Больше всего ладонями потирает Абрахам Бредиус, главный эксперт по Вермееру. Он чувствовал, он подозревал — в своей теории писал, что до того как обосноваться в семейном гнезде и обрести свой голос, дельфтский мастер мог быть другим.
Искусствовед считал, что на заре пути Вермеер бывал в Италии и там писал больше библейского и в духе Караваджо — так силен был тренд. Но подтверждений не было. И, о чудо, не успел Бердиус исчерпать свой век: в 83 года перед его подслеповатым «знаточеским» взглядом предстал «Христос в Эммаусе».
Разумеется, он кивнул: да-да, это Вермеер «итальянского» периода! И на страницах «Барлингтон Магазин» торжественно объявил о новом шедевре.
Что потом было. Голландцы испугались, что картину продадут, подняли шум о растранжиривании национального достояния, объявили сбор денег на выкуп. Спонсоры, меценаты и просто любители красивых жестов тут же открыли кошельки, и вот — за 174 000 гульденов шедевр был «спасен» для отечества.
Его торжественно водрузили в Boymans Museum, где он мгновенно стал главной звездой сезона, must-see для всех ценителей искусства. Никто тогда даже не заподозрил, что этот «гвоздь коллекции» — всего лишь искусная подделка))
Многие годы за всем, что делает Бердиус, в тени следил один голландец. Он читал его статьи, упорно копировал в мастерской Вермеера, освоил высокое искусство состаривания живописной поверхности с помощью пропекания в печи, использования жестких барсучьих кистей, кислот и проч.
Бердиус однажды «вскрыл» его первую подделку (но не его имя). Во второй раз счет сравнялся. Этим человеком был Хан ван Меегерен. На деньги с «Христоса в Эммаусе» он купил себе виллу в Ницце. А следующие «вермееры» принесли ему 50 доходных домов и отелей.
Но счастья внутри всего этого не было: он бросил двух жен, сидел на морфии, чем дальше, тем хуже писал. Его так и не разоблачали. Признаться пришлось самому: Меегерена обвинили в связи с нацистами и продаже Герингу «Христа и грешницы». На суде он так перепугался, что рассказал о подделках.
И для всех, кому подобных историй всегда мало, напоминаю: завтра искусствовед Екатерина Вершинина прочтет бесплатную онлайн-лекцию «Между мифом и реальностью: история авантюристов в искусстве и кино». Забегайте)
❤91🔥41👍33👏3😁1
#сюжетнедели
Несение креста
Разберем не классическую иконографию сюжета, а наоборот — работу Босха, которая из канона выбивается. Гентское «Несение креста», между 1500-1516 гг.
Что здесь не так, как обычно?
🌟 Крупный план и нет пейзажа. Художник словно добавил зум.
🌟 Христос закрывает глаза. На этом взгляд фокусируется сразу, но если дальше скользить по всей мозаике из лиц, то мы понимаем: тут в целом через глаза рассказана история.
Еще три персонажа здесь видят не вполне. По часовой стрелке:
→ Глаза закрыты у героини в левом нижнем углу — по плату с ликом Спасителя, понимаем, что это святая Вероника (апокрифического персонажа, не упомянутого в Евангелиях).
→ Не видны глаза у персонажа выше от Христа. Он двумя руками ухватился за брус креста и зачем — не понятно: повис, чтобы утяжелить путь, или толкает его вверх, чтобы помочь? Если второе, тогда это Симон из Кирены.
Там же, чуть выше, седовласый старец опустил взгляд. Предполагают, что это Иосиф Аримафейский.
→ Верхний правый угол: мужчина закатывает глаза. Это разбойник, который будет распят с Иисусом, но придет к раскаянию.
→ Лицо в тени на переднем плане. Возможно, тоже принадлежит к числу тайных учеников Христа. Кроме сомкнутых век, на то указывает его остроконечная шапочка и полуулыбка.
У других глаза вытаращены, из орбит выскакивают. В общем, на лицо две противоположные группы: одни смотрят и не видят, другие — не смотрят и как раз видят. Знание и зрение противопоставлены.
🌟 Люди Христа композиционно образуют крест. Обратили внимание? Художник тонко усиливает присутствие добра, акцентирует здесь «Божье стадо», хотя поначалу картина пугает своей тотальной темнотой, уродливыми личинами.
Ни до Босха, ни после него такое решение сюжета никто не предлагал. Поэтому, когда авторство картины поставили под сомнение, директор Музея изящных искусств в Генте сказал: создать подобную вещь мог только гений, еще более крупный, нежели Босх.
Несение креста
Разберем не классическую иконографию сюжета, а наоборот — работу Босха, которая из канона выбивается. Гентское «Несение креста», между 1500-1516 гг.
Что здесь не так, как обычно?
Еще три персонажа здесь видят не вполне. По часовой стрелке:
→ Глаза закрыты у героини в левом нижнем углу — по плату с ликом Спасителя, понимаем, что это святая Вероника (апокрифического персонажа, не упомянутого в Евангелиях).
→ Не видны глаза у персонажа выше от Христа. Он двумя руками ухватился за брус креста и зачем — не понятно: повис, чтобы утяжелить путь, или толкает его вверх, чтобы помочь? Если второе, тогда это Симон из Кирены.
Там же, чуть выше, седовласый старец опустил взгляд. Предполагают, что это Иосиф Аримафейский.
→ Верхний правый угол: мужчина закатывает глаза. Это разбойник, который будет распят с Иисусом, но придет к раскаянию.
→ Лицо в тени на переднем плане. Возможно, тоже принадлежит к числу тайных учеников Христа. Кроме сомкнутых век, на то указывает его остроконечная шапочка и полуулыбка.
У других глаза вытаращены, из орбит выскакивают. В общем, на лицо две противоположные группы: одни смотрят и не видят, другие — не смотрят и как раз видят. Знание и зрение противопоставлены.
Ни до Босха, ни после него такое решение сюжета никто не предлагал. Поэтому, когда авторство картины поставили под сомнение, директор Музея изящных искусств в Генте сказал: создать подобную вещь мог только гений, еще более крупный, нежели Босх.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤97👍48🔥21😁5🎉2🤩2
#сюжетнедели сегодня плавно перетекает из поста со вчера
Посмотрим на Франциска Ассизского — святого, в честь которого Папа Франциск и взял свое тронное имя. Он называл его «любимым менестрелем Бога».
Франциск — один из самых часто изображаемых святых. Что точно: он был реальным человеком по имени Джованни ди Пьетро ди Бернардоне. Родился в Ассизи в 1181 году в семье торговца тканями. До нас дошли его рукописи.
Юность Франциска была бурной, но после мистического переживания он отказался от богатства, облачился в рубище и посвятил жизнь проповеди Евангелия. Его призыв к простоте и бедности оказался настолько вирусным, что вокруг него быстро собрались последователи — так родился орден францисканцев, существующий до сих пор.
Уже через два года после смерти Франциска канонизировали, почти сразу его образ распространился по Европе. А в искусстве сложился узнаваемый канон:
* Коричневый или серый хабит, подпоясанный веревкой — символ бедности.
* Стигматы на руках и ногах — знак мистического единства с Христом.
* Латинский крест — отсылка к его проповедям.
* Птицы и волк — напоминание о его легендарной проповеди животным.
Цикл фресок кисти Джотто в огромной базилике Святого Франциска в Ассизи называют первым произведением эпохи Возрождения. Причем по-настоящему революционным: Франциска художник написал как живого человека — с эмоциями, жестами, почти портретной индивидуальностью. Джотто отошел от условности и это удивляло.
С тех пор прошло много веков, но заряженность образа Франциска никуда не делась. Представьте: проповедь, которую нес святой, послужила источником вдохновения для комикса Marvel (выпуск 1980-го). Франциск Ассизский остается героем времени🥀
И для тех, кто хочет больше искусства и Италии в этом дне, напоминаю, что сегодня (как и каждую среду) в 12:00 мск состоится бесплатный эфир-лекция от искусствоведа Миланы Арсанукаевой «Россия-Италия: параллели ХХ века». Вы можете зарегистрироваться сейчас и посмотреть в записи — она будет доступна еще 24 часа🙌
Плюс регистрации: пройти ее нужно единожды — следующие лекции вы уже не пропустите, мы заранее будем высылать анонсы.
И жду от вас впечатления от апрельских эфиров — смотрели? Полезно?)
Посмотрим на Франциска Ассизского — святого, в честь которого Папа Франциск и взял свое тронное имя. Он называл его «любимым менестрелем Бога».
Франциск — один из самых часто изображаемых святых. Что точно: он был реальным человеком по имени Джованни ди Пьетро ди Бернардоне. Родился в Ассизи в 1181 году в семье торговца тканями. До нас дошли его рукописи.
Юность Франциска была бурной, но после мистического переживания он отказался от богатства, облачился в рубище и посвятил жизнь проповеди Евангелия. Его призыв к простоте и бедности оказался настолько вирусным, что вокруг него быстро собрались последователи — так родился орден францисканцев, существующий до сих пор.
Уже через два года после смерти Франциска канонизировали, почти сразу его образ распространился по Европе. А в искусстве сложился узнаваемый канон:
* Коричневый или серый хабит, подпоясанный веревкой — символ бедности.
* Стигматы на руках и ногах — знак мистического единства с Христом.
* Латинский крест — отсылка к его проповедям.
* Птицы и волк — напоминание о его легендарной проповеди животным.
Цикл фресок кисти Джотто в огромной базилике Святого Франциска в Ассизи называют первым произведением эпохи Возрождения. Причем по-настоящему революционным: Франциска художник написал как живого человека — с эмоциями, жестами, почти портретной индивидуальностью. Джотто отошел от условности и это удивляло.
С тех пор прошло много веков, но заряженность образа Франциска никуда не делась. Представьте: проповедь, которую нес святой, послужила источником вдохновения для комикса Marvel (выпуск 1980-го). Франциск Ассизский остается героем времени
И для тех, кто хочет больше искусства и Италии в этом дне, напоминаю, что сегодня (как и каждую среду) в 12:00 мск состоится бесплатный эфир-лекция от искусствоведа Миланы Арсанукаевой «Россия-Италия: параллели ХХ века». Вы можете зарегистрироваться сейчас и посмотреть в записи — она будет доступна еще 24 часа🙌
Плюс регистрации: пройти ее нужно единожды — следующие лекции вы уже не пропустите, мы заранее будем высылать анонсы.
И жду от вас впечатления от апрельских эфиров — смотрели? Полезно?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤80👍26🔥18🤩1
#сюжетнедели
🕊️ Белый голубь с ветвью в клюве уже давно стал символом чего-то хорошего
В культуре он часто противопоставлен орлу или ворону: как добро — злу, а кротость — силе.
В легендах Древней Греции голуби считались птицами Афродиты, и впрягались в ее колесницу. Уже тогда «голубками» ласково называли возлюбленных. А в мифах Древнего Рима голубка нежно свила гнездо в шлеме бога Марса — увидев это, он отказался от битвы.
В Священном писании голубь тоже герой исключительно положительный и полезный. После потопа, когда прекратился дождь и Ноев ковчег оказался на суше, на горе Арарат, Ной выпустил голубя и ворона, чтобы понять, осталась ли где-то еще земля. Ворон не возвратился, а голубь вернулся, неся в клюве веточку.
Но чаще всего в христианской иконографии образ голубя связывается с изображениями Троицы: голубь — символ и воплощение Святого Духа. В эпоху Возрождения этот сюжет стал очень распространенным.
Так голубь летел и летел сквозь века как архетип, пока особенно ярко не выпорхнул из-под кисти Пикассо. Пабло эти птицы окружали всю жизнь. В детстве отец-художник просил его дорисовывать голубям лапки на своих картинах. Повзрослев, Пикассо сам стал заводить птиц.
И, удивительно: как-то раз даже сам Матисс подарил ему четыре крупных миланских голубя! Один из них попал на литографию, которую вскоре у Пабло позаимствовал Луи Арагон. Образ птицы так впечатлил поэта, что он создал множество афиш с этой работой и расклеил их по всему Парижу, аккурат к Конгрессу мира.
С тех пор голубь окончательно стал символом надежды, спокойной жизни и светлых помыслов🙏
🕊️ Белый голубь с ветвью в клюве уже давно стал символом чего-то хорошего
В культуре он часто противопоставлен орлу или ворону: как добро — злу, а кротость — силе.
В легендах Древней Греции голуби считались птицами Афродиты, и впрягались в ее колесницу. Уже тогда «голубками» ласково называли возлюбленных. А в мифах Древнего Рима голубка нежно свила гнездо в шлеме бога Марса — увидев это, он отказался от битвы.
В Священном писании голубь тоже герой исключительно положительный и полезный. После потопа, когда прекратился дождь и Ноев ковчег оказался на суше, на горе Арарат, Ной выпустил голубя и ворона, чтобы понять, осталась ли где-то еще земля. Ворон не возвратился, а голубь вернулся, неся в клюве веточку.
Но чаще всего в христианской иконографии образ голубя связывается с изображениями Троицы: голубь — символ и воплощение Святого Духа. В эпоху Возрождения этот сюжет стал очень распространенным.
Так голубь летел и летел сквозь века как архетип, пока особенно ярко не выпорхнул из-под кисти Пикассо. Пабло эти птицы окружали всю жизнь. В детстве отец-художник просил его дорисовывать голубям лапки на своих картинах. Повзрослев, Пикассо сам стал заводить птиц.
И, удивительно: как-то раз даже сам Матисс подарил ему четыре крупных миланских голубя! Один из них попал на литографию, которую вскоре у Пабло позаимствовал Луи Арагон. Образ птицы так впечатлил поэта, что он создал множество афиш с этой работой и расклеил их по всему Парижу, аккурат к Конгрессу мира.
С тех пор голубь окончательно стал символом надежды, спокойной жизни и светлых помыслов🙏
❤182👍45👏14🤩1
#сюжетнедели
🌌Ноктюрн
Так во второй половине XIX века начал называть свои ночный пейзажи Джеймс Уистлер. Он в целом любил называть свои работы музыкально — симфониями, гармониями — чтобы увести фокус с повествовательности на настроение, которое передает работа.
Именно Уистлера считают зачинателем тонализма, направления в живописи, которое часто относят к ответвлению импрессионизма. Суть его в том, что за основу произведения берут один цвет или оттенок.
Да и сам американец Уистлер фигурой был прелюбопытнейшей. В 9 лет вместе с отцом он оказался в Петербурге и пробыл тут до своих 14-ти, учился у студента Академии художеств Корицкого, потом сам как юный гений поступил туда же. Общался с Брюлловым.
Позже, после нескольких крюков судьбы в Америке, перебрался в Европу и строил карьеру бок о бок с Дега, Моне и Ренуаром. Но не повторял за ними, а топтал свою тропинку в искусстве: например, культ пленэра не одобрял и говорил, что «писать с натуры лучше всего дома».
Современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью. Да и сам по себе он, как человек, изматывал нервы чопорных лондонцев: то носки пурпурные наденет, то вместо трости разгуливает по улице с ядовито-лимонным зонтом. Неудобное своевольное создание)
Впрочем, гнев все же сменился милостью. Еще при жизни Уистлера признали по обе стороны Атлантики💙
Как вам работы?
🌌Ноктюрн
Так во второй половине XIX века начал называть свои ночный пейзажи Джеймс Уистлер. Он в целом любил называть свои работы музыкально — симфониями, гармониями — чтобы увести фокус с повествовательности на настроение, которое передает работа.
Именно Уистлера считают зачинателем тонализма, направления в живописи, которое часто относят к ответвлению импрессионизма. Суть его в том, что за основу произведения берут один цвет или оттенок.
Да и сам американец Уистлер фигурой был прелюбопытнейшей. В 9 лет вместе с отцом он оказался в Петербурге и пробыл тут до своих 14-ти, учился у студента Академии художеств Корицкого, потом сам как юный гений поступил туда же. Общался с Брюлловым.
Позже, после нескольких крюков судьбы в Америке, перебрался в Европу и строил карьеру бок о бок с Дега, Моне и Ренуаром. Но не повторял за ними, а топтал свою тропинку в искусстве: например, культ пленэра не одобрял и говорил, что «писать с натуры лучше всего дома».
Современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью. Да и сам по себе он, как человек, изматывал нервы чопорных лондонцев: то носки пурпурные наденет, то вместо трости разгуливает по улице с ядовито-лимонным зонтом. Неудобное своевольное создание)
Впрочем, гнев все же сменился милостью. Еще при жизни Уистлера признали по обе стороны Атлантики💙
Как вам работы?
❤136👍52🔥16🤩12👏2
#сюжетнедели
Иконы до иконописи
В мастерской художницы Нино Кипшидзе нас встретили десятки распечаток фаюмских портретов (есть фото) — они вдохновляют ее мужа. В этих изображениях, правда, есть что-то особенно притягательное. Это чудо античной живописи.
Фаюмские портреты создавались в I—III веках н.э. На нас смотрят люди, жившие 2000 лет назад, невероятно реалистично изображенные, красивые. И это до изобретения масляной живописи!
Самые лучшие и проработанные примеры фаюмских образов исполнены восковыми красками. В невероятно сложной технике энкаустики: в ней вместо кисти художники применяли горячий металлический стержень, вроде тонкого ножа. Плавясь при высокой температуре, восковые краски застывали, создавая неровности и эффект объема.
Иногда мастер собственными пальцами «моделировал» форму лица — так впоследствии будут делать некоторые импрессионисты.
Яркий атрибут фаюмских портретов — сусальное золото. Золотился либо фон, либо только венки, драгоценности или детали одежды. На одном из фото, смотрите, чистый Климт (о его любви к золоту мы с вами уже говорили).
Локация феномена: Египет. Да-да, не очевидно, здесь нет привычной египетской эстетики с фараонами и иероглифами. Потому что появились фаюмские портреты тогда, когда Египет уже был под Римом.
Эти изображения вобрали в себя традиции трех культур:
👁️От греков — идеализация. Проще говоря, портреты слегка приукрашены. Это как мы сейчас фильтры и маски для фото используем)
👁️От римлян пришло портретное сходство.
👁️От египтян — ритуальная принадлежность. Портреты создавали для загробного мира, их запеленывали в мумии. Египтяне были уверены: душа покидает тело через рот, а возвращается через глаза. Поэтому в гробнице делались изображения усопшего — своеобразные «паспорта», — с открытыми, подчеркнутыми глазами.
И вот эти глаза — та часть-магнит, которая особенно действует на нас. Взгляд портретируемых направлен на нас, но проходит как будто сквозь.
Дальнейшее влияние фаюмских портретов на искусство огромно: они стали прообразом византийских икон.
Они о смерти, но такие живые.
Простые люди в достоинстве святых.
В их взгляде — вневременная вечность.
Иконы до иконописи
В мастерской художницы Нино Кипшидзе нас встретили десятки распечаток фаюмских портретов (есть фото) — они вдохновляют ее мужа. В этих изображениях, правда, есть что-то особенно притягательное. Это чудо античной живописи.
Фаюмские портреты создавались в I—III веках н.э. На нас смотрят люди, жившие 2000 лет назад, невероятно реалистично изображенные, красивые. И это до изобретения масляной живописи!
Самые лучшие и проработанные примеры фаюмских образов исполнены восковыми красками. В невероятно сложной технике энкаустики: в ней вместо кисти художники применяли горячий металлический стержень, вроде тонкого ножа. Плавясь при высокой температуре, восковые краски застывали, создавая неровности и эффект объема.
Иногда мастер собственными пальцами «моделировал» форму лица — так впоследствии будут делать некоторые импрессионисты.
Яркий атрибут фаюмских портретов — сусальное золото. Золотился либо фон, либо только венки, драгоценности или детали одежды. На одном из фото, смотрите, чистый Климт (о его любви к золоту мы с вами уже говорили).
Локация феномена: Египет. Да-да, не очевидно, здесь нет привычной египетской эстетики с фараонами и иероглифами. Потому что появились фаюмские портреты тогда, когда Египет уже был под Римом.
Эти изображения вобрали в себя традиции трех культур:
👁️От греков — идеализация. Проще говоря, портреты слегка приукрашены. Это как мы сейчас фильтры и маски для фото используем)
👁️От римлян пришло портретное сходство.
👁️От египтян — ритуальная принадлежность. Портреты создавали для загробного мира, их запеленывали в мумии. Египтяне были уверены: душа покидает тело через рот, а возвращается через глаза. Поэтому в гробнице делались изображения усопшего — своеобразные «паспорта», — с открытыми, подчеркнутыми глазами.
И вот эти глаза — та часть-магнит, которая особенно действует на нас. Взгляд портретируемых направлен на нас, но проходит как будто сквозь.
Дальнейшее влияние фаюмских портретов на искусство огромно: они стали прообразом византийских икон.
Они о смерти, но такие живые.
Простые люди в достоинстве святых.
В их взгляде — вневременная вечность.
❤172🔥61👍32🤩3👏1
#сюжетнедели
Джунгли Анри Руссо 🐯🌿
Анри Руссо после армии работал на таможне, за что получил прозвище Le Douanier – Таможенник.
К искусству Руссо пришел почти в 40, в первой выставке поучаствовал в 42. В 49 Руссо ушел на пенсию и посвятил себя картинам, хотя подрабатывал на временных работах, а еще занимался уличной игрой на скрипке. Путешествовать он не мог, но часто писал экзотических животных и растения.
У самого Руссо была легенда, мол, однажды он служил в далекой Мексике. Но на самом неделе художник никогда не покидал Францию. А внимательные критики отмечают, что джунгли Руссо состоят в основном комнатных растений, и из тех, что можно встретить в местном ботсаду 🥲
Как будто дальние страны Руссо видел во снах, а потом изображал их с налетом нереальности.
Его работы повлияли на многих авангардных художников. Например, Матисс ценил Анри Руссо за умение видеть мир, как ребенок. Но критики этого восторга не разделяли и насмехались над художником всю его жизнь.
На картине «Нападение в джунглях» (1891, Лондонская национальная галерея) тигр будто окружен ливнем. Непогода не мешает ему готовиться к нападению.
Посмотрите, как интересно автор подсвечивает морду животного – как будто на нее направлен софит. «Мечта» – последняя работа мастера (1910, Музей современного искусства в Нью-Йорке). Дикие кошки здесь не нападают, а прячутся в кустах.
Больше всего в картинах Анри Руссо мне нравится волшебный зеленый цвет. А вам?
Джунгли Анри Руссо 🐯🌿
Анри Руссо после армии работал на таможне, за что получил прозвище Le Douanier – Таможенник.
К искусству Руссо пришел почти в 40, в первой выставке поучаствовал в 42. В 49 Руссо ушел на пенсию и посвятил себя картинам, хотя подрабатывал на временных работах, а еще занимался уличной игрой на скрипке. Путешествовать он не мог, но часто писал экзотических животных и растения.
У самого Руссо была легенда, мол, однажды он служил в далекой Мексике. Но на самом неделе художник никогда не покидал Францию. А внимательные критики отмечают, что джунгли Руссо состоят в основном комнатных растений, и из тех, что можно встретить в местном ботсаду 🥲
Как будто дальние страны Руссо видел во снах, а потом изображал их с налетом нереальности.
Его работы повлияли на многих авангардных художников. Например, Матисс ценил Анри Руссо за умение видеть мир, как ребенок. Но критики этого восторга не разделяли и насмехались над художником всю его жизнь.
На картине «Нападение в джунглях» (1891, Лондонская национальная галерея) тигр будто окружен ливнем. Непогода не мешает ему готовиться к нападению.
Посмотрите, как интересно автор подсвечивает морду животного – как будто на нее направлен софит. «Мечта» – последняя работа мастера (1910, Музей современного искусства в Нью-Йорке). Дикие кошки здесь не нападают, а прячутся в кустах.
Больше всего в картинах Анри Руссо мне нравится волшебный зеленый цвет. А вам?
❤171👍40👏18🤩4🔥1💔1
#сюжетнедели
Как украшали дома в Помпеях
Помпеи, Стабии и Геркуланум — настоящие археологические консервы. И больше всего поражает то, насколько хорошо сохранились в них античные росписи.
Еще в XIX веке историк искусства Август Мау выделил четыре основных «стиля» (точнее — системы декорирования), характерных для фресок этих городов. Познакомимся с ней:
I «стиль» — «инкрустационный» (II век до н.э. — I век до н.э.).
Самый ранний вариант — простой и строгий. Стены в домах делали рельефными, как будто под мрамор.
Ключевое слово тут — «как будто», было много имитаций. Нередко архитектурные детали лепили из штукатурки и уже сверху расписывали под нужную фактуру. Но в результате получалось дорого-богато✨
II «стиль» — «архитектурно-перспективный» (80 год до н.э. — 30 год н.э.).
Здесь художники начали рисовать на стенах колонны, арки. Без иллюзий тут тоже не обошлось — в фресках стали часто использовать тромплей («обман зрения»).
Чтобы увеличить пространство, писали окно. А за ним — сад или улицу. Причем с перспективными искажениями и эффектами световоздушной среды. Так что не Джотто изобрел глубину в живописи, совсем не он🙈
III «стиль» — «орнаментальный» или «канделябрный» (1 половина I века н.э.).
Вместо сложных архитектурных сцен появились тонкие узоры: гирлянды, канделябры, цветы. Центр стены часто занимала небольшая картина — пейзаж или сценка из мифов. После завоевания Египта в моду вошли экзотические мотивы: сфинксы, лотосы, жуки-скарабеи.
IV «стиль» — «фантастический» или «иллюзорный» (63 год — начало II века н.э.).
На самом деле за 17 лет до дня Х вулкан уже давал намеки на желание извергнуть свои силы: было мощное землетрясение. Но жители наших городов решили, что надо не переезжать, а с удвоенной силой все восстанавливать.
Последний «стиль» появился как раз в этот период. В моду вошли яркие, динамичные фрески. Мифологические герои изображались на фоне фантастических пейзажей, как будто на сцене театра. Чаще стали встречаться натюрморты.
Под каждый «стиль» прикрепляю два примера.
Как украшали дома в Помпеях
Помпеи, Стабии и Геркуланум — настоящие археологические консервы. И больше всего поражает то, насколько хорошо сохранились в них античные росписи.
Еще в XIX веке историк искусства Август Мау выделил четыре основных «стиля» (точнее — системы декорирования), характерных для фресок этих городов. Познакомимся с ней:
I «стиль» — «инкрустационный» (II век до н.э. — I век до н.э.).
Самый ранний вариант — простой и строгий. Стены в домах делали рельефными, как будто под мрамор.
Ключевое слово тут — «как будто», было много имитаций. Нередко архитектурные детали лепили из штукатурки и уже сверху расписывали под нужную фактуру. Но в результате получалось дорого-богато✨
II «стиль» — «архитектурно-перспективный» (80 год до н.э. — 30 год н.э.).
Здесь художники начали рисовать на стенах колонны, арки. Без иллюзий тут тоже не обошлось — в фресках стали часто использовать тромплей («обман зрения»).
Чтобы увеличить пространство, писали окно. А за ним — сад или улицу. Причем с перспективными искажениями и эффектами световоздушной среды. Так что не Джотто изобрел глубину в живописи, совсем не он🙈
III «стиль» — «орнаментальный» или «канделябрный» (1 половина I века н.э.).
Вместо сложных архитектурных сцен появились тонкие узоры: гирлянды, канделябры, цветы. Центр стены часто занимала небольшая картина — пейзаж или сценка из мифов. После завоевания Египта в моду вошли экзотические мотивы: сфинксы, лотосы, жуки-скарабеи.
IV «стиль» — «фантастический» или «иллюзорный» (63 год — начало II века н.э.).
На самом деле за 17 лет до дня Х вулкан уже давал намеки на желание извергнуть свои силы: было мощное землетрясение. Но жители наших городов решили, что надо не переезжать, а с удвоенной силой все восстанавливать.
Последний «стиль» появился как раз в этот период. В моду вошли яркие, динамичные фрески. Мифологические герои изображались на фоне фантастических пейзажей, как будто на сцене театра. Чаще стали встречаться натюрморты.
Под каждый «стиль» прикрепляю два примера.
❤122👍33🔥13🤩2
#сюжетнедели — «Притча о слепых»
1568 год. Последний год творчества Питера Брейгеля.
Слепота человечества — сквозной мотив в творчестве Брейгеля. Художник из картины в картины показывал страшный и нелепый мир, подчеркивая, что делают его таковым — именно люди. Они исходятся желчью, видя страдания ближнего. Не видят трагедию другого за пеленой мелочных забот. Носят воду в решето. Толкают камни в гору.
В работе выше художник эту идею обнажает максимально.
Брейгель разворачивает библейскую метафору в целую процессию: перед нами не двое, а шестеро. Первый в цепи уже упал, еще секунда и мы знаем — рухнут все, подобно костяшкам домино.
Интересно и то, что эта картина — энциклопедия слепоты. Если присмотреться внимательно к лицам, то у каждого из них некий свой, особый глазной недуг или повод ослепнуть.
👁 Третий слева — бельмо (лейкома роговицы).
👁 У идущего перед ним — врождённая слепота (глаза запали, веки сомкнуты).
👁 У слепца внизу, который вот-вот упадет, глаза выбиты — возможно, в наказание за воровство.
Все эти диагнозы угадывают врачи — например, свой экспертный обзор писал французский офтальмолог Антуан Торрильон. В нем же он очень ехидно рассказывает, как воспринимали ухудшение зрения нидерландские медики в 16 веке: считалось, что человек начинал хуже видеть из-за «ядовитых паров, подымавшихся из желудка больного и оседавших в мозгу», поэтому рекомендовалось, «освежив дыхание гвоздикой или сладким укропом, подуть в глаз страждущему»😅
То есть Брейгель современных диагнозов знать-не знал. Представляете, какой наблюдательностью он обладал?
Ну и еще немного исторического контекста для понимания. Последние годы жизни художника прошли в атмосфере религиозного террора. Кровавый совет испанских правителей казнит протестантов, протестанты крушат церкви. И те, и другие уверены: враги — слепцы, а мы видим истину.
Мы не знаем, чью сторону занимал Брейгель. Да и то, что работа имела политическую подоплеку — лишь предположение.
Как и любое гениальное произведение, эта картина — больше самой себя. Больше, чем просто иллюстрация к библейской притче или острая зарисовка о современниках.
Что думаете?
1568 год. Последний год творчества Питера Брейгеля.
Сюжет основан на библейской притче (Матф. 15:14): «Оставьте их: они — слепые вожди слепых; а если слепой ведёт слепого, то оба упадут в яму».
Слепота человечества — сквозной мотив в творчестве Брейгеля. Художник из картины в картины показывал страшный и нелепый мир, подчеркивая, что делают его таковым — именно люди. Они исходятся желчью, видя страдания ближнего. Не видят трагедию другого за пеленой мелочных забот. Носят воду в решето. Толкают камни в гору.
В работе выше художник эту идею обнажает максимально.
Брейгель разворачивает библейскую метафору в целую процессию: перед нами не двое, а шестеро. Первый в цепи уже упал, еще секунда и мы знаем — рухнут все, подобно костяшкам домино.
Интересно и то, что эта картина — энциклопедия слепоты. Если присмотреться внимательно к лицам, то у каждого из них некий свой, особый глазной недуг или повод ослепнуть.
Все эти диагнозы угадывают врачи — например, свой экспертный обзор писал французский офтальмолог Антуан Торрильон. В нем же он очень ехидно рассказывает, как воспринимали ухудшение зрения нидерландские медики в 16 веке: считалось, что человек начинал хуже видеть из-за «ядовитых паров, подымавшихся из желудка больного и оседавших в мозгу», поэтому рекомендовалось,
То есть Брейгель современных диагнозов знать-не знал. Представляете, какой наблюдательностью он обладал?
Ну и еще немного исторического контекста для понимания. Последние годы жизни художника прошли в атмосфере религиозного террора. Кровавый совет испанских правителей казнит протестантов, протестанты крушат церкви. И те, и другие уверены: враги — слепцы, а мы видим истину.
Мы не знаем, чью сторону занимал Брейгель. Да и то, что работа имела политическую подоплеку — лишь предположение.
Как и любое гениальное произведение, эта картина — больше самой себя. Больше, чем просто иллюстрация к библейской притче или острая зарисовка о современниках.
Что думаете?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤138👍50🔥21👏4
#сюжетнедели
Вспомнила, что мы с вами еще не говорили о «Борисе Кустодиеве» — еще одной моно-выставке, которая идет сейчас в Третьяковке в Лаврушинском. Сама собираюсь на днях туда сходить, поделюсь впечатлениями)
Ни одному другому художнику не выпало столько физического страдания, как Кустодиеву — опухоль канала позвоночника, несколько операций, в том числе на местном наркозе. С 16-го года он не встает с инвалидного кресла. И ровно в это время создает самые чувственные картины. Одного этого факта достаточно, чтобы воспринимать его искусство совсем иначе.
Но мы с вами откроем еще один уровень — переклички с другими авторами в истории искусства, мое любимое) Кустодиев очень органично сплавляет находки других в свой собственный стиль:
🟡 У Боттичелли берет детали из «Рождения Венеры». Стоящая нагая девушка, пряди волос, прикрывающийся жест. Только все полнокровно и пышет жизнью. Это, кстати, дочь Кустодиева)
🟡 У Тициана берет жест. Мы знаем по воспоминаниям, что он был сам не свой от «Венеры перед зеркалом», она тогда принадлежала Императорскому Эрмитажу.
🟡 С Ренуарам их роднит любовь к одну типажу. Не только я вижу в русской купчихе Жанну Самари) К тому же, обеих их печатают на плакатах.
Ну и принцип «писать так, чтобы хотелось ущипнуть» тоже невольно в голове всплывает — можете сами сравнить их купальщиц и почувствовать родство)
🟡 У Андерса Цорна подглядывает манеру писать портреты — широко, плотно, но одновременно легко — мазок льется. Живописью этого шведского художника он, как и другие коллеги, напитался в 1897 году — благодаря выставке, привезенной Дягилевым.
Вот так. А на первый взгляд кажется, что Кустодиев очень герметичный автор. Сходите на выставку и сыграйте в игру — «найди отсылку»)
*фото идут парами ‘Кустодиев-другой автор’
❤️?
Вспомнила, что мы с вами еще не говорили о «Борисе Кустодиеве» — еще одной моно-выставке, которая идет сейчас в Третьяковке в Лаврушинском. Сама собираюсь на днях туда сходить, поделюсь впечатлениями)
Ни одному другому художнику не выпало столько физического страдания, как Кустодиеву — опухоль канала позвоночника, несколько операций, в том числе на местном наркозе. С 16-го года он не встает с инвалидного кресла. И ровно в это время создает самые чувственные картины. Одного этого факта достаточно, чтобы воспринимать его искусство совсем иначе.
Но мы с вами откроем еще один уровень — переклички с другими авторами в истории искусства, мое любимое) Кустодиев очень органично сплавляет находки других в свой собственный стиль:
Ну и принцип «писать так, чтобы хотелось ущипнуть» тоже невольно в голове всплывает — можете сами сравнить их купальщиц и почувствовать родство)
Вот так. А на первый взгляд кажется, что Кустодиев очень герметичный автор. Сходите на выставку и сыграйте в игру — «найди отсылку»)
*фото идут парами ‘Кустодиев-другой автор’
❤️?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤199👏27👍23🤩11😁2💔1
#сюжетнедели
Лев и его ветка вместо зарплаты🌿
Наверняка вы этот мем знаете?) Сегодня еще и историю самой картины расскажу, она тоже интересная👌
Итак, перед нами «Сцены из жизни Святого Иеронима» Сано ди Пьетро (1444 год), которая уже почти 200 лет хранится в Лувре.
Иероним Стридонский — один из самых почитаемых святых Средневековья. Именно он перевел Библию на латынь (этот перевод, Вульгата, стал каноническим для католиков). В искусстве его легко узнать по типичному набору символов:
📚книгам
💀черепу — знак бренности бытия
🪨 камню — знак покаяния
🦁и льву, конечно)
Откуда взялся лев? Из красивой легенды, впервые записанной в IX веке.
Сано ди Пьетро изобразил всю ее в одном холсте. В Средневековье это был популярный композиционный прием: неграмотным людям нужно было рассказать легенду в картинках. Как в комиксе: «читаем» слева направо:
Эпизод 1: прием у ветеринара (левая часть)
Хромой лев приходит в монастырь. Все в ужасе разбегаются — кроме Иеронима. Тот осматривает лапу, вытаскивает из лапы бедняги занозу. Шерстяной ошарашен (вот вам и мимика). И в знак благодарности он остается со своим спасителем.
Эпизод 2: заснул на дежурстве (верхняя часть)
Раз уж лев остался, ему нашли применение — поручили пасти осла. Но кошачья сонная природа взяла верх: как-то раз на посту он закемарил, и воришки осла увели. Монахи, конечно, решили, что лев его съел, и заставили хищника таскать грузы вместо пропавшего вьючного.
Эпизод 3: реванш льва (правая часть)
Однажды лев встречает тех же воров с караваном, отбирает своего осла и заодно пригоняет в монастырь верблюдов с товарами. Воры в панике бегут и в знак извинения с тех пор монахам слали дары: масло.
Так что лев оказался очень деятельным и полезным персонажем)) И испуг его вполне понятен: мало кто приходит к ветеринару в приподнятом настроении😄
Лев и его ветка вместо зарплаты🌿
Наверняка вы этот мем знаете?) Сегодня еще и историю самой картины расскажу, она тоже интересная👌
Итак, перед нами «Сцены из жизни Святого Иеронима» Сано ди Пьетро (1444 год), которая уже почти 200 лет хранится в Лувре.
Иероним Стридонский — один из самых почитаемых святых Средневековья. Именно он перевел Библию на латынь (этот перевод, Вульгата, стал каноническим для католиков). В искусстве его легко узнать по типичному набору символов:
📚книгам
💀черепу — знак бренности бытия
🪨 камню — знак покаяния
🦁и льву, конечно)
Откуда взялся лев? Из красивой легенды, впервые записанной в IX веке.
Сано ди Пьетро изобразил всю ее в одном холсте. В Средневековье это был популярный композиционный прием: неграмотным людям нужно было рассказать легенду в картинках. Как в комиксе: «читаем» слева направо:
Эпизод 1: прием у ветеринара (левая часть)
Хромой лев приходит в монастырь. Все в ужасе разбегаются — кроме Иеронима. Тот осматривает лапу, вытаскивает из лапы бедняги занозу. Шерстяной ошарашен (вот вам и мимика). И в знак благодарности он остается со своим спасителем.
Эпизод 2: заснул на дежурстве (верхняя часть)
Раз уж лев остался, ему нашли применение — поручили пасти осла. Но кошачья сонная природа взяла верх: как-то раз на посту он закемарил, и воришки осла увели. Монахи, конечно, решили, что лев его съел, и заставили хищника таскать грузы вместо пропавшего вьючного.
Эпизод 3: реванш льва (правая часть)
Однажды лев встречает тех же воров с караваном, отбирает своего осла и заодно пригоняет в монастырь верблюдов с товарами. Воры в панике бегут и в знак извинения с тех пор монахам слали дары: масло.
Так что лев оказался очень деятельным и полезным персонажем)) И испуг его вполне понятен: мало кто приходит к ветеринару в приподнятом настроении😄
❤170🔥58😁45👍17👏6
#сюжетнедели
«Мертвый Христос»
Главное произведение Андреа Мантеньи, ~1490 г.
И раз его увидев, уже не забыть: так сюжет Оплакивания Христа не изображал никто.
Самое шокирующее — ракурс.
Христос лежит пятками к нам, представьте смелость? При этом смотрите: Его тело перпендикулярно плоскости картины, пятки почти касаются нижнего края холста, а голова — верхнего.
Мантенья намеренно искажает перспективу — она здесь обратная (в реальности голова была бы значительно меньше). Так он усиливает эмоциональный удар и заключает инобытие в саму композицию.
Другой вызов — в том, как изображено тело.
Мантенья, знаток античного искусства, мог бы изобразить Его как идеального героя. Но вместо этого он пишет простого человека — с грубыми, натруженными ступнями, широкой грудью, угловатым лицом.
Тем самым Андреа, сын падуанского дровосека, приближает Иисуса, сына вифлеемского плотника, к сирым и убогим – к кому, собственно, Христос и пришел. В то время это было дерзко.
И…обратите внимание: в самом теле Христа нет и намека на жизнь. Перед нами абсолютный конец. Тело холодное, раны сухие, кровь не льётся. Никакого намека на воскресение — только пустота.
Мантенья первым делает смерть не символом, а фактом. И тем самым испытывает веру зрителя. Драматургия уровня гения.
Дальше в истории искусства приемы Мантеньи находят много отражений — как в калейдоскопе:
>> Карраччи в «Мёртвом Христе с орудиями страстей» повторит ракурс, но добавит крови, движения — в Нем ещё есть жизнь.
>> Гольбейн пойдёт дальше: его «Мёртвый Христос» (тот самый, что потряс Достоевского) написан с реального трупа.
>> Брюллов тоже пишет «Христоса во гробе»
И ещё киноцитата. В фильме Андрея Звягинцева «Возвращение» есть отсылка к Мантенье: отец, внезапно появившийся в жизни сыновей, лежит в той же позе, что и Христос.
Есть мысли, как трактовать эту отсылку?
«Мертвый Христос»
Главное произведение Андреа Мантеньи, ~1490 г.
И раз его увидев, уже не забыть: так сюжет Оплакивания Христа не изображал никто.
Самое шокирующее — ракурс.
Христос лежит пятками к нам, представьте смелость? При этом смотрите: Его тело перпендикулярно плоскости картины, пятки почти касаются нижнего края холста, а голова — верхнего.
Мантенья намеренно искажает перспективу — она здесь обратная (в реальности голова была бы значительно меньше). Так он усиливает эмоциональный удар и заключает инобытие в саму композицию.
Другой вызов — в том, как изображено тело.
Мантенья, знаток античного искусства, мог бы изобразить Его как идеального героя. Но вместо этого он пишет простого человека — с грубыми, натруженными ступнями, широкой грудью, угловатым лицом.
Тем самым Андреа, сын падуанского дровосека, приближает Иисуса, сына вифлеемского плотника, к сирым и убогим – к кому, собственно, Христос и пришел. В то время это было дерзко.
И…обратите внимание: в самом теле Христа нет и намека на жизнь. Перед нами абсолютный конец. Тело холодное, раны сухие, кровь не льётся. Никакого намека на воскресение — только пустота.
Мантенья первым делает смерть не символом, а фактом. И тем самым испытывает веру зрителя. Драматургия уровня гения.
Дальше в истории искусства приемы Мантеньи находят много отражений — как в калейдоскопе:
>> Карраччи в «Мёртвом Христе с орудиями страстей» повторит ракурс, но добавит крови, движения — в Нем ещё есть жизнь.
>> Гольбейн пойдёт дальше: его «Мёртвый Христос» (тот самый, что потряс Достоевского) написан с реального трупа.
>> Брюллов тоже пишет «Христоса во гробе»
И ещё киноцитата. В фильме Андрея Звягинцева «Возвращение» есть отсылка к Мантенье: отец, внезапно появившийся в жизни сыновей, лежит в той же позе, что и Христос.
Есть мысли, как трактовать эту отсылку?
❤125🔥35👍27😱4🤩1
#сюжетнедели
Черный Пикассо
Прямо сейчас и прямо с порога единственная картина Баския в России встречает зрителей выставки «Русские дикие». И ошарашивает своим присутствием:
🗿 Зачем она здесь?
Кураторы к такому эффекту и шли: нас хотели вывести в легкий шок — прямо как гостей первой выставки фовизма. Полотна Матисса и Дерена современное восприятие уже не пробивают, а Баския еще способен. Сегодня — пост о нем.
Баския тоже дикий, он лепит агрессию на холст, сеет хаос. Но это только внешнее, внутри — сложная система отсылок.
Баския начал с граффити под псевдонимом SAMO (расшифровку оставлю для самостоятельного поиска😅). Отсюда текстуальность как отличительная черта. Первыми вещами для выставок в галереях были рисунки с часто повторяющейся фразой —
«famous negro athletes» («знаменитые негритянские атлеты»).
Она указывает на простой факт: чернокожие знаменитости в Америке существуют только в спорте, но не в культуре и искусстве.
Стиль Баския в живописи схож с со сложной джазовой импровизацией. Нет четких форм, зато есть ритм: обрывки слов, схематичные портреты, черепа. Последний — частый гость в холстах, связанный со скоротечностью жизни, в первую очередь афроамериканской.
К слову, картина, о которой я говорю в начале, написана совместно с Уорхолом. И дуэт их напоминал джем-сейшн: Энди делал контуры, а Жан-Мишель — яростно их заполнял.
Главное. Искусство Баския — продукт двух противоречивых процессов в Америке 1980-х: борьбы за гражданские права чернокожих и экономического бума 1980-х («рейганомики» ). Когда Уолл-стрит зарабатывала миллионы, черные кварталы Нью-Йорка тонули в нищете. Баския, выходец из этой среды, стал звездой арт-мира, но так и не принял его правил. Зависимость погубила его в 27.
А нам остались шум и ярость его работ, которые «дано почувствовать всем, кто чувствует себя в клетке рутины».
Черный Пикассо
Прямо сейчас и прямо с порога единственная картина Баския в России встречает зрителей выставки «Русские дикие». И ошарашивает своим присутствием:
🗿 Зачем она здесь?
Кураторы к такому эффекту и шли: нас хотели вывести в легкий шок — прямо как гостей первой выставки фовизма. Полотна Матисса и Дерена современное восприятие уже не пробивают, а Баския еще способен. Сегодня — пост о нем.
Баския тоже дикий, он лепит агрессию на холст, сеет хаос. Но это только внешнее, внутри — сложная система отсылок.
Баския начал с граффити под псевдонимом SAMO (расшифровку оставлю для самостоятельного поиска😅). Отсюда текстуальность как отличительная черта. Первыми вещами для выставок в галереях были рисунки с часто повторяющейся фразой —
«famous negro athletes» («знаменитые негритянские атлеты»).
Она указывает на простой факт: чернокожие знаменитости в Америке существуют только в спорте, но не в культуре и искусстве.
Стиль Баския в живописи схож с со сложной джазовой импровизацией. Нет четких форм, зато есть ритм: обрывки слов, схематичные портреты, черепа. Последний — частый гость в холстах, связанный со скоротечностью жизни, в первую очередь афроамериканской.
К слову, картина, о которой я говорю в начале, написана совместно с Уорхолом. И дуэт их напоминал джем-сейшн: Энди делал контуры, а Жан-Мишель — яростно их заполнял.
Главное. Искусство Баския — продукт двух противоречивых процессов в Америке 1980-х: борьбы за гражданские права чернокожих и экономического бума 1980-х («рейганомики» ). Когда Уолл-стрит зарабатывала миллионы, черные кварталы Нью-Йорка тонули в нищете. Баския, выходец из этой среды, стал звездой арт-мира, но так и не принял его правил. Зависимость погубила его в 27.
А нам остались шум и ярость его работ, которые «дано почувствовать всем, кто чувствует себя в клетке рутины».
❤87👍33🔥21👏1
#сюжетнедели
На первый взгляд — реализм, но если вглядеться…
Порассматриваем сегодня неспешно Венецианова. Одного из первых русских реалистов.
На заре карьеры путь его был обычен: учился у Боровиковского, копировал старых мастеров в Эрмитаже. В общем, академизм и работа в устоявшихся правилах.
Но потом случилась встреча. С картиной французского художника Гране «Внутренний вид хоров в церкви капуцинского монастыря». Венецианова это полотно так коснулось, что он простаивал перед ним часами — пытался постичь его силу. Размышления привели к решению:
«…ничего не изображать иначе, чем в натуре является, и повиноваться одной ей одной».
Тут то и начался его крестьянский цикл — очень кстати. После наполеоновских войн Европа искала национальное. И если немцам в красках их дух передавал Каспар Давид Фридрих, то у русских за задачу взялся наш герой.
Итак, «На пашне. Весна»🔍
При беглом взгляде, нас здесь ничего не смущает. Но если начать вглядываться:
— Крестьянка на две головы выше лошадей. Великанша)
— Ни селянка, ни кони, ни борона не оставляют следов на вспаханном поле.
— Весной еще холодно. Но малыш сидит в распашонке, с голыми ножками.
— И плетет веночек из васильков, которые…расцветают в конце августа вместе с урожаем ржи или пшеницы.
— Слегка приспущенные края линии горизонта на дальнем плане картины создают впечатление, что поверхность земли сферична.
Вопрос: почему так?
Конечно, Венецианов делал это намеренно. Из своих натурных наблюдений он конструирует идеальный мир, картину-аллегорию про «наше».
Здесь нет истории в привычном смысле. Только вечный покой, слияние человека и природы. Такой «остров счастья» в русской живописи больше почти не повторится — уже к 1860-м реализм станет жестче и критичнее.
На первый взгляд — реализм, но если вглядеться…
Порассматриваем сегодня неспешно Венецианова. Одного из первых русских реалистов.
На заре карьеры путь его был обычен: учился у Боровиковского, копировал старых мастеров в Эрмитаже. В общем, академизм и работа в устоявшихся правилах.
Но потом случилась встреча. С картиной французского художника Гране «Внутренний вид хоров в церкви капуцинского монастыря». Венецианова это полотно так коснулось, что он простаивал перед ним часами — пытался постичь его силу. Размышления привели к решению:
«…ничего не изображать иначе, чем в натуре является, и повиноваться одной ей одной».
Тут то и начался его крестьянский цикл — очень кстати. После наполеоновских войн Европа искала национальное. И если немцам в красках их дух передавал Каспар Давид Фридрих, то у русских за задачу взялся наш герой.
Итак, «На пашне. Весна»🔍
При беглом взгляде, нас здесь ничего не смущает. Но если начать вглядываться:
— Крестьянка на две головы выше лошадей. Великанша)
— Ни селянка, ни кони, ни борона не оставляют следов на вспаханном поле.
— Весной еще холодно. Но малыш сидит в распашонке, с голыми ножками.
— И плетет веночек из васильков, которые…расцветают в конце августа вместе с урожаем ржи или пшеницы.
— Слегка приспущенные края линии горизонта на дальнем плане картины создают впечатление, что поверхность земли сферична.
Вопрос: почему так?
Конечно, Венецианов делал это намеренно. Из своих натурных наблюдений он конструирует идеальный мир, картину-аллегорию про «наше».
Здесь нет истории в привычном смысле. Только вечный покой, слияние человека и природы. Такой «остров счастья» в русской живописи больше почти не повторится — уже к 1860-м реализм станет жестче и критичнее.
❤108👍35🔥21🤩3
#сюжетнедели
20 лет сотрудничества с Harper's Bazaar, 240 обложек и более 2500 иллюстраций. Его авторитет был так высок, что журнал доверил ему право анализировать модные тенденции и выделил под статьи отдельную колонку.
Он закрывал эпоху: был последним, кто создавал художественные обложки, прежде чем им на смену пришли фотографии. Его работы изменили fashion-иллюстрацию.
Всё это — об Эрте (Романе Тыртове).
Плодотворности его можно завидовать. Он гениально выражал себя в графике, моде, графическом и театральном дизайне, даже в скульптуре.
Стиль Эрте узнаваем:
В центре — прекрасная фантазийная девушка. Метафорическое отражение эпохи.
Театральность. Фантасмагорические образы, где каждое движение, каждый изгиб — будто многократно отрепетированная кульминация спектакля.
Безупречная композиция. Уравновешенность невероятная — даже самые смелые формы художник подчиняет гармонии.
Диалог эпох. Искусство Эрте вырастало из широкой насмотренности и эрудиции. Античная пластика, восточная орнаментальность, русский авангард и дерзость Ар Деко — все это сплавлено в его почерке.
Роскошь. Эрте любил перья, блеск, драпировки. Даже в тиражной графике искал эффекты: именно благодаря ему появились рельефная печать и тиснение фольгой!
Тело как совершенная кривая. Всю жизнь он восхищался человеческой пластикой — началось все с фигур древнегреческой вазописи.
Работы Эрте демонстрировались в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и Токио. В 1967 году с его выставки в одной из нью-йоркских галерей Музей Метрополитен купил все 170 работ.
Об Эрте снимали фильмы, писали книги. И понятно почему: биография его сверкает не меньше работ. Он работал вместе с Пуаре, а потом с ним же судился. Сам учился танцу у дочери великого хореографа Петипа. А потом сотрудничал с Анной Павловой и Мата Хари. Оформил свой последний спектакль в 97 лет.
Смотрю на работы Эрте и в памяти прямо лентами-лентами воспоминания обо всех наших тематических вечеринках в стиле ар-деко — на ИБД, командном выезде. Ррроскошь, роскошь!
А еще прямо сейчас открыта выставка «Эрте.Человек-эпоха» (в Екатеринбурге)
20 лет сотрудничества с Harper's Bazaar, 240 обложек и более 2500 иллюстраций. Его авторитет был так высок, что журнал доверил ему право анализировать модные тенденции и выделил под статьи отдельную колонку.
Он закрывал эпоху: был последним, кто создавал художественные обложки, прежде чем им на смену пришли фотографии. Его работы изменили fashion-иллюстрацию.
Всё это — об Эрте (Романе Тыртове).
Плодотворности его можно завидовать. Он гениально выражал себя в графике, моде, графическом и театральном дизайне, даже в скульптуре.
Стиль Эрте узнаваем:
В центре — прекрасная фантазийная девушка. Метафорическое отражение эпохи.
Театральность. Фантасмагорические образы, где каждое движение, каждый изгиб — будто многократно отрепетированная кульминация спектакля.
Безупречная композиция. Уравновешенность невероятная — даже самые смелые формы художник подчиняет гармонии.
Диалог эпох. Искусство Эрте вырастало из широкой насмотренности и эрудиции. Античная пластика, восточная орнаментальность, русский авангард и дерзость Ар Деко — все это сплавлено в его почерке.
Роскошь. Эрте любил перья, блеск, драпировки. Даже в тиражной графике искал эффекты: именно благодаря ему появились рельефная печать и тиснение фольгой!
Тело как совершенная кривая. Всю жизнь он восхищался человеческой пластикой — началось все с фигур древнегреческой вазописи.
Работы Эрте демонстрировались в Париже, Лондоне, Нью-Йорке и Токио. В 1967 году с его выставки в одной из нью-йоркских галерей Музей Метрополитен купил все 170 работ.
Об Эрте снимали фильмы, писали книги. И понятно почему: биография его сверкает не меньше работ. Он работал вместе с Пуаре, а потом с ним же судился. Сам учился танцу у дочери великого хореографа Петипа. А потом сотрудничал с Анной Павловой и Мата Хари. Оформил свой последний спектакль в 97 лет.
Смотрю на работы Эрте и в памяти прямо лентами-лентами воспоминания обо всех наших тематических вечеринках в стиле ар-деко — на ИБД, командном выезде. Ррроскошь, роскошь!
А еще прямо сейчас открыта выставка «Эрте.Человек-эпоха» (в Екатеринбурге)
❤127🔥50👍25🤩5👏2
#сюжетнедели
в этот раз землянично-клубничный🍓
Зайду сразу с ботанического факта: современная крупная клубника — продукт гастрономического эксперимента XVIII века, гибрид американской и чилийской земляники.
Но её дикая родственница известна с античности: по легенде, ягоды возникли из слез Афродиты🍓 , оплакивающей погибшего возлюбленного. Неудивительно, что в живописи земляника быстро обросла двойственными смыслами — от невинных аллегорий любви до намеков на греховные удовольствия.
Художники эпохи Возрождения охотно вплетали землянику в религиозные сюжеты, наделяя её почти ботанической святостью:
три листа отсылали к Троице,
пять лепестков цветка — к ранам Христа,
а алые ягоды — к Его крови.
Ван Эйк в «Мадонне каноника ван дер Пале» (1436) пишет ее цветы как символ чистоты и добродетели🌿
Но есть и зеркальные по смыслам примеры — достаточно взглянуть на «Сад земных наслаждений» Босха. Земляника у него мгновенно меняет регистр, становясь символом чувственности и греховного наслаждения.
Еще одно значение ягод появляется в XVII веке. Сочные ягоды рядом с увядающими цветами или насекомыми превращались в memento mori — намёк на то, что даже самые сладкие удовольствия мимолетны...Помним-помним)
Успели насладиться ягодным сезоном? Собирали землянику в этом году?🍓
Авторы работ по порядку: Ван Эйк, Босх, Шарден, Ренуар, Хаанен, Хаммер, Мане, Шагал, Фрейд
в этот раз землянично-клубничный
Зайду сразу с ботанического факта: современная крупная клубника — продукт гастрономического эксперимента XVIII века, гибрид американской и чилийской земляники.
Но её дикая родственница известна с античности: по легенде, ягоды возникли из слез Афродиты
Художники эпохи Возрождения охотно вплетали землянику в религиозные сюжеты, наделяя её почти ботанической святостью:
три листа отсылали к Троице,
пять лепестков цветка — к ранам Христа,
а алые ягоды — к Его крови.
Ван Эйк в «Мадонне каноника ван дер Пале» (1436) пишет ее цветы как символ чистоты и добродетели
Но есть и зеркальные по смыслам примеры — достаточно взглянуть на «Сад земных наслаждений» Босха. Земляника у него мгновенно меняет регистр, становясь символом чувственности и греховного наслаждения.
Еще одно значение ягод появляется в XVII веке. Сочные ягоды рядом с увядающими цветами или насекомыми превращались в memento mori — намёк на то, что даже самые сладкие удовольствия мимолетны...Помним-помним)
Успели насладиться ягодным сезоном? Собирали землянику в этом году?
Авторы работ по порядку: Ван Эйк, Босх, Шарден, Ренуар, Хаанен, Хаммер, Мане, Шагал, Фрейд
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤116👍36🔥15🤩3
#сюжетнедели
Знаете притчу о добром самаритянине?
Она рассказана в 10-й главе Евангелия от Луки:
По дороге из Иерусалима в Иерихон на путника напали разбойники, избили его и ограбили, оставив полумертвым. Мимо проходят священник и левит — уважаемые в иудейском обществе люди, — но они не помогают пострадавшему. Затем появляется самарянин — представитель народа, презираемого иудеями. Он останавливается, перевязывает раны путника, отвозит его в гостиницу и оплачивает его лечение.
В конце Иисус задает вопрос: «Кто из этих троих был ближним тому, кто попал в беду?» Ответ очевиден.
Иисус показывает, что истинная праведность — не в статусе или происхождении, а в делах милосердия.
Художники быстро подхватывают сюжет: мы встречаем его уже…
В раннехристианском искусстве. В Россанском кодексе (VI век), в Евангелии XII века из Константинополя, в Оттоновских рукописях (X–XI века). Уже на этом этапе изображения воспринимают не только как прямую иллюстрацию истории, но и аллегорически: путь человека от греха к спасению.
В Средние века богословы тоже видели в притче глубокий символический смысл, но иной:
○ Иерусалим — рай.
○ Путник — грешное человечество.
○ Разбойники — дьявол и его искушения.
○ Священник и левит — Ветхий Израиль, который нет-нет да и отступает от Моисеева учения.
○ Самарянин — Христос, приносящий спасение.
В Новое время сюжет стали трактовать более реалистично и жанрово:
Нидерландские мастера (XVI век) изображали раненого в позе Адама Микеланджело, добавляя ироничные детали (например, огромный рулон бинтов, который самаритянин видимо всегда носит с собой😅).
Рембрандт (1638) создал «Пейзаж с добрым самарянином», где сцена стала частью повседневности.
В романтизме (XIX век) внимание сместилось на страдания путника. Например, у Теодюля Рибо сцена напоминает оплакивание Христа — сострадание здесь стало главной темой.
Как бы трактовка со временем не менялась, главный смысл остался неизменным: истинное милосердие выше любых границ♥️
Знаете притчу о добром самаритянине?
Она рассказана в 10-й главе Евангелия от Луки:
По дороге из Иерусалима в Иерихон на путника напали разбойники, избили его и ограбили, оставив полумертвым. Мимо проходят священник и левит — уважаемые в иудейском обществе люди, — но они не помогают пострадавшему. Затем появляется самарянин — представитель народа, презираемого иудеями. Он останавливается, перевязывает раны путника, отвозит его в гостиницу и оплачивает его лечение.
В конце Иисус задает вопрос: «Кто из этих троих был ближним тому, кто попал в беду?» Ответ очевиден.
Иисус показывает, что истинная праведность — не в статусе или происхождении, а в делах милосердия.
Художники быстро подхватывают сюжет: мы встречаем его уже…
В раннехристианском искусстве. В Россанском кодексе (VI век), в Евангелии XII века из Константинополя, в Оттоновских рукописях (X–XI века). Уже на этом этапе изображения воспринимают не только как прямую иллюстрацию истории, но и аллегорически: путь человека от греха к спасению.
В Средние века богословы тоже видели в притче глубокий символический смысл, но иной:
○ Иерусалим — рай.
○ Путник — грешное человечество.
○ Разбойники — дьявол и его искушения.
○ Священник и левит — Ветхий Израиль, который нет-нет да и отступает от Моисеева учения.
○ Самарянин — Христос, приносящий спасение.
В Новое время сюжет стали трактовать более реалистично и жанрово:
Нидерландские мастера (XVI век) изображали раненого в позе Адама Микеланджело, добавляя ироничные детали (например, огромный рулон бинтов, который самаритянин видимо всегда носит с собой😅).
Рембрандт (1638) создал «Пейзаж с добрым самарянином», где сцена стала частью повседневности.
В романтизме (XIX век) внимание сместилось на страдания путника. Например, у Теодюля Рибо сцена напоминает оплакивание Христа — сострадание здесь стало главной темой.
Как бы трактовка со временем не менялась, главный смысл остался неизменным: истинное милосердие выше любых границ♥️
❤129👍31🔥7🤩5
#сюжетнедели
«Золотая молодежь», — сказали бы мы сейчас об этих девушках ⭐
Речь идет о «Смолянках» Левицкого. Обаятельные барышни смотрят на нас с картин. Кому не хотелось бы оказаться в этой нежной, украшенной лентами и припудренной сказке? Мне — очень))
Правда, сказка эта похожа на «Гензеля и Гретель». Помните, там был пряничный домик, на поверку оказавшийся жилищем злой колдуньи?
Смольный императрица Екатерина Вторая задумывала как первое в России женское учебное заведение для дворянок и мещанок. Это было вдвойне прогрессивно — как если бы сейчас у нас открылся институт для покорительниц космоса 😮
Уже в 1765 году в Смольный поступили 50 воспитанниц, которые на протяжении 12 лет должны были изучать гуманитарные и точные науки, заниматься рисованием, музыкой, танцами и рукоделием. В свободное время барышни выезжали на балы и прогулки, бывали на званых обедах и ставили спектакли.
Звучит идеально? Но «подводных камней» в институте было много. За все время обучения девочки не могли ни разу съездить домой. Многие предметы давались поверхностно, а к реальной жизни смолянки были не приспособлены. И даже самые успешные выпускницы могли рассчитывать лишь на два жизненных пути: карьеру фрейлины или семейный очаг.
Какое счастье, что сейчас нам не нужно расставаться с детьми на 12 лет, чтобы дать им хорошее образование! Вместо этого мы можем подавать им личный пример и приобщать к тому, что любим сами. Если по приезде в новый город мы мчимся в бутик, а не в музей — ребенок станет поступать так же. А если мы увлекаемся искусством — то можем разделить свое увлечение с детьми, и вскоре увидеть результат.
Расскажите: вы приобщаете своих детей к искусству? Если да, то как?
«Золотая молодежь», — сказали бы мы сейчас об этих девушках ⭐
Речь идет о «Смолянках» Левицкого. Обаятельные барышни смотрят на нас с картин. Кому не хотелось бы оказаться в этой нежной, украшенной лентами и припудренной сказке? Мне — очень))
Правда, сказка эта похожа на «Гензеля и Гретель». Помните, там был пряничный домик, на поверку оказавшийся жилищем злой колдуньи?
Смольный императрица Екатерина Вторая задумывала как первое в России женское учебное заведение для дворянок и мещанок. Это было вдвойне прогрессивно — как если бы сейчас у нас открылся институт для покорительниц космоса 😮
Уже в 1765 году в Смольный поступили 50 воспитанниц, которые на протяжении 12 лет должны были изучать гуманитарные и точные науки, заниматься рисованием, музыкой, танцами и рукоделием. В свободное время барышни выезжали на балы и прогулки, бывали на званых обедах и ставили спектакли.
Звучит идеально? Но «подводных камней» в институте было много. За все время обучения девочки не могли ни разу съездить домой. Многие предметы давались поверхностно, а к реальной жизни смолянки были не приспособлены. И даже самые успешные выпускницы могли рассчитывать лишь на два жизненных пути: карьеру фрейлины или семейный очаг.
Какое счастье, что сейчас нам не нужно расставаться с детьми на 12 лет, чтобы дать им хорошее образование! Вместо этого мы можем подавать им личный пример и приобщать к тому, что любим сами. Если по приезде в новый город мы мчимся в бутик, а не в музей — ребенок станет поступать так же. А если мы увлекаемся искусством — то можем разделить свое увлечение с детьми, и вскоре увидеть результат.
Расскажите: вы приобщаете своих детей к искусству? Если да, то как?
❤88🔥28👍4🤩1
#сюжетнедели
Восток как лекарство от выгорания😅
Помните, я вам рассказывала про «гогенидов»?) Так называли русских художников одержимых Гогеном. Причем не только его живописью, но и жизненным треком. В 1910 году вышли переводы дневников «Ноа Ноа», и хлынула волна отъездов — у каждого было свое «Таити».
В число «гогенидов» включают и знаменитого голуборозовца Павла Кузнецова. Причем вдохновился он Полем еще до перевода мемуаров.
Хроника такая:
🔶 В 1906 году в Париже художник посетил выставку работ Гогена.
🔶 В 1908 у Кузнецова случается тотальное творческое выгорание. В огонь самосомнений подкидывали дровишки хейтеры, постоянно твердя ему о повторах-повторах-повторах. Ища выход, Кузнецов вспомнил сценарий Поля и умчал в киргизские и калмыцкие степи.
🔶 Уже в 1912 году он отправляется в Бухару и Самарканд. Именно тут создает свои знаменитые вау-серии «Туркестан» и «Горная Бухара», вновь обретает уверенный голос.
Посмотрите, сколько уравновешенности и гармонии в этих работах. Какой тонкий цвет. Какая тихая, спокойная тональность. В пейзажах ветки деревьев похожи на оперенье птиц, а весь мир пронизан тихим дробным ритмом крыльев.
Хейтеры утихли, а искусствоведы окончательно внесли Кузнецова в ряд художников мирового уровня.
Сам он вот, что писал:
«Туркестан – страна неуспокоительного блаженства. Его степное небо как гигантское зеркало отражает и чудесно преломляет в своих странных миражах громадные города с минаретами, мечетями, верблюдами, птицами и людьми. Кто достиг увидеть это фантастическое степное небо, тот опередил жизнь на десятки тысяч лет»🧡
И как сладко осознавать, что уже скоро мы сможем разделить его эмоции — в путешествии в Бухару (места еще есть).
Восток как лекарство от выгорания😅
Помните, я вам рассказывала про «гогенидов»?) Так называли русских художников одержимых Гогеном. Причем не только его живописью, но и жизненным треком. В 1910 году вышли переводы дневников «Ноа Ноа», и хлынула волна отъездов — у каждого было свое «Таити».
В число «гогенидов» включают и знаменитого голуборозовца Павла Кузнецова. Причем вдохновился он Полем еще до перевода мемуаров.
Хроника такая:
Посмотрите, сколько уравновешенности и гармонии в этих работах. Какой тонкий цвет. Какая тихая, спокойная тональность. В пейзажах ветки деревьев похожи на оперенье птиц, а весь мир пронизан тихим дробным ритмом крыльев.
Хейтеры утихли, а искусствоведы окончательно внесли Кузнецова в ряд художников мирового уровня.
Сам он вот, что писал:
«Туркестан – страна неуспокоительного блаженства. Его степное небо как гигантское зеркало отражает и чудесно преломляет в своих странных миражах громадные города с минаретами, мечетями, верблюдами, птицами и людьми. Кто достиг увидеть это фантастическое степное небо, тот опередил жизнь на десятки тысяч лет»
И как сладко осознавать, что уже скоро мы сможем разделить его эмоции — в путешествии в Бухару (места еще есть).
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤80🔥42👍15🤩4😱2