#сюжетнедели
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!
Пигмалион и его творение
В предыдущем посте мы с вами поняли, что Афродита со своей ролью свекрови справлялась так себе. Да и в целом управление гневом, видимо, было делом небогоугодным)) Поэтому вы не удивитесь, что «самая древняя женская профессия» — тоже ее рук дело.
История начинается с того, что критский скульптор Пигмалион видит как его согражданки пропоитиды ведут аморальный образ жизни. До этого они отказывались Афродиту богиней признавать, так и поплатились. Молодой человек разочаровывается, идет в мастерскую и из слоновой кости создает свою идеальную женщину.
А потом становится ей одержим: иногда ему мерещится, что скульптура жива, он её целует, притаскивает ей дорогие подарки. В общем, дело гиблое — надо было просить богов о помощи.
Пигмалион пришел на алтарь плакаться Афродите: «молюсь, чтобы жена моя была такой же, как моя статуя». Какое ТЗ, такой и результат: богиня прямо в изваяние жизнь и вдохнула. Все остались счастливы♥️
Что интересно: в античных источниках у скульптуры нет имени. Впервые Галатея в этой истории появляется только в 18 веке у Жан-Жака Руссо.
Сам же сюжет отражает важный древнегреческий принцип эстетики: мимесис — подражание природе, действительности. Эта погоня за правдоподобностью в искусстве даже стала навязчивой идеей. Например, Зевксис написал виноград настолько реалистично, что птицы пытались его клюнуть.
В целом историю можно интерпретировать широко: и как зеркало особой привязанности художника к своим работам, и как образ отношений ‘художник-муза’. Поэтому к ней так часто обращались. Особенно сюжет привлекал Жана-Леона Жерома: по теме он создал скульптуру и три живописных полотна.
И Дали. Думаю, ему нравилась здесь игра имен и смыслов — ведь для него Гала тоже была единственной, идеальной женщиной. Перед вами «Галатея со сферами» — работа относится к периоду, когда художник увлекался наукой и теорией атомного распада.
А о чем для вас эта история? Мне всегда так нравится читать ваши ответы🥰 Спасибо, что делитесь!
#сюжетнедели
Как Афродиту впервые раздели🤫
Сегодня мы совершим с вами мини-трип в Элладу, но для начала вспомним, что у древнегреческих женщин было два пути. Первый — стать порядочной дамой, то есть рано выйти замуж, родить детей, жить под опекой супруга. И не иметь при этом ни имущественных, ни политических прав.
Путь второй — стать гетерой. Вопреки распространенному заблуждению, это не синоним куртизанки (ладно, меценаты у них были, но они их сами выбирали). Это образованная женщина, которая живет независимо и занимается в основном искусством. Их часто приглашали на разные мероприятия.
Например, раз в год проходил праздник Афродиты, где гетеры активно участвовали: обнаженными стояли между колонн в портале святилища. Мимо в процессии часто проходили художники и скульпторы. Прокачивали насмотренность😄
По сути это был такой конкурс красоты, потому что в результате выбирали самую красивую гетеру, с которой устраивали перформанс. Ей нужно было эффектно выйти из воды — а-ля Афродита только что рожденная из пены.
И вот при таких обстоятельствах скульптор Пракситель потерял голову от гетеры Фрины. Она стала первой известной нам натурщицей. А благодаря ее красоте появились две мраморные статуи Афродиты: одетая и раздетая.
Изначально Праксителю заказали только одну для острова Кос, но он сделал на выбор. Раньше богиню никто обнаженной не изображал, так что заказчики решили Афродиту не гневать (это понятно, мы помним, какая она свекровь) — выбрали приличную версию (до нас не сохранилась).
А вот жители города Книд рискнули и купили вторую (до нас дошли копии). Ее поставили в открытой беседке с искусственным водоемом. Выглядело все так, будто Афродита сбрасывает одежды, чтобы вступить в свою стихию. Статуя имела грандиозный успех, город стал местом паломничества, резко разбогател. У ног обнаженной оставляли дощечки с признаниями в любви.
Правда, провокация не прошла незамеченной — поплатилась Фрина. Но об этом — в следующем посте👌
Устраиваем голосование: ♥️ — обнаженная версия Афродиты, 😱 — одетая!
Как Афродиту впервые раздели🤫
Сегодня мы совершим с вами мини-трип в Элладу, но для начала вспомним, что у древнегреческих женщин было два пути. Первый — стать порядочной дамой, то есть рано выйти замуж, родить детей, жить под опекой супруга. И не иметь при этом ни имущественных, ни политических прав.
Путь второй — стать гетерой. Вопреки распространенному заблуждению, это не синоним куртизанки (ладно, меценаты у них были, но они их сами выбирали). Это образованная женщина, которая живет независимо и занимается в основном искусством. Их часто приглашали на разные мероприятия.
Например, раз в год проходил праздник Афродиты, где гетеры активно участвовали: обнаженными стояли между колонн в портале святилища. Мимо в процессии часто проходили художники и скульпторы. Прокачивали насмотренность😄
По сути это был такой конкурс красоты, потому что в результате выбирали самую красивую гетеру, с которой устраивали перформанс. Ей нужно было эффектно выйти из воды — а-ля Афродита только что рожденная из пены.
И вот при таких обстоятельствах скульптор Пракситель потерял голову от гетеры Фрины. Она стала первой известной нам натурщицей. А благодаря ее красоте появились две мраморные статуи Афродиты: одетая и раздетая.
Изначально Праксителю заказали только одну для острова Кос, но он сделал на выбор. Раньше богиню никто обнаженной не изображал, так что заказчики решили Афродиту не гневать (это понятно, мы помним, какая она свекровь) — выбрали приличную версию (до нас не сохранилась).
А вот жители города Книд рискнули и купили вторую (до нас дошли копии). Ее поставили в открытой беседке с искусственным водоемом. Выглядело все так, будто Афродита сбрасывает одежды, чтобы вступить в свою стихию. Статуя имела грандиозный успех, город стал местом паломничества, резко разбогател. У ног обнаженной оставляли дощечки с признаниями в любви.
Правда, провокация не прошла незамеченной — поплатилась Фрина. Но об этом — в следующем посте👌
Устраиваем голосование: ♥️ — обнаженная версия Афродиты, 😱 — одетая!
#сюжетнедели
❤️🔥 Пока в Париже все замерли перед церемонией открытия Олимпийских игр, мы с вами вспомним, как много значила Олимпиада для древних греков
Учреждена она была в ≈776 году до н. э. и проводилась раз в четыре года в местечке Олимпия. Для игр там создали всю инфраструктуру. Даже нерукотворный огонь научились зажигать (Зевс просил помочь😉): линзами направляли солнечные лучи на сухую траву, вспыхивало пламя, молодые мальчики его факелами подхватывали и разносили по полисам.
➜ Олимпиадами греки исчисляли время. «Он родился в семьдесят первую Олимпиаду, на втором ее году…» – так описывается дата рождения Софокла.
➜ Олимпиада определяла, какие города входят в Элладу. Те, что участвовали в играх — составляли Древнюю Грецию, остальные — считались варварами. Только люди из Олимпийского круга могли называть себя эллинами.
➜ Олимпиада ставила остальную жизнь на паузу. Само слово Эллада расшифровывается как «остановка течения». Все откладывали привычные бытовые дела и шли соревноваться или смотреть на зрелища игр!
➜ Главным соревнованием на Олимпиаде считалась квадрига. То есть гонки на колесницах. Их учредители – мифологические герои Пелопс и Эномай – изображены на фронтоне храма Зевса Олимпийского.
В этом году в программу добавили брейк-данс — интересно посмотреть, как бы греки отреагировали на эту новость😄
➜ Победители олимпиад в награду получали бессмертие. Их изображали в статуе! К слову, всю античную скульптуру можно поделить на две категории. Увидите ее в музее, знайте: перед вами или Бог, или олимпийский чемпион)
И еще…Приготовьтесь улыбнуться. В древнегреческой скульптуре есть особый тип изображения — апоксиомен. Это когда изображают спортсмена, который соскребает со своего тела пот и пыль специальным инструментом))
Центром жизни Олимпиада перестала быть при македонских царях — Греция истощилась Пелопоннесской войной и все изменилось. К счастью, мы с вами можем наслаждаться прекрасными отголосками той удивительной эпохи в искусстве🧑
Узнали какие-нибудь скульптуры? Помните их авторов?)
Учреждена она была в ≈776 году до н. э. и проводилась раз в четыре года в местечке Олимпия. Для игр там создали всю инфраструктуру. Даже нерукотворный огонь научились зажигать (Зевс просил помочь😉): линзами направляли солнечные лучи на сухую траву, вспыхивало пламя, молодые мальчики его факелами подхватывали и разносили по полисам.
➜ Олимпиадами греки исчисляли время. «Он родился в семьдесят первую Олимпиаду, на втором ее году…» – так описывается дата рождения Софокла.
➜ Олимпиада определяла, какие города входят в Элладу. Те, что участвовали в играх — составляли Древнюю Грецию, остальные — считались варварами. Только люди из Олимпийского круга могли называть себя эллинами.
➜ Олимпиада ставила остальную жизнь на паузу. Само слово Эллада расшифровывается как «остановка течения». Все откладывали привычные бытовые дела и шли соревноваться или смотреть на зрелища игр!
➜ Главным соревнованием на Олимпиаде считалась квадрига. То есть гонки на колесницах. Их учредители – мифологические герои Пелопс и Эномай – изображены на фронтоне храма Зевса Олимпийского.
В этом году в программу добавили брейк-данс — интересно посмотреть, как бы греки отреагировали на эту новость😄
➜ Победители олимпиад в награду получали бессмертие. Их изображали в статуе! К слову, всю античную скульптуру можно поделить на две категории. Увидите ее в музее, знайте: перед вами или Бог, или олимпийский чемпион)
И еще…Приготовьтесь улыбнуться. В древнегреческой скульптуре есть особый тип изображения — апоксиомен. Это когда изображают спортсмена, который соскребает со своего тела пот и пыль специальным инструментом))
Центром жизни Олимпиада перестала быть при македонских царях — Греция истощилась Пелопоннесской войной и все изменилось. К счастью, мы с вами можем наслаждаться прекрасными отголосками той удивительной эпохи в искусстве
Узнали какие-нибудь скульптуры? Помните их авторов?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
Голодным не смотреть!😄
Весной в Пушкинском нам всем по-новому открыли итальянский натюрморт и подчеркнули, что «в конце 16 века итальянцы были зачинателями всего и вся». А еще напомнили, что сам натюрморт свое название получил только в 19 веке! То есть вместо него до этого был пестрый список из самых разных поджанров.
И вот на один из таких — бодегон — я предлагаю посмотреть сегодня.
Он развился в Испании в 17 веке на основе итальянских образцов и изначально изображал трактиры (бодегон в переводе с испанского — трактир, харчевня). Но потом под термином стали объединять изображения бедняков за трапезой и просто скромные натюрморты.
А еще, и это самое интересное, с бодегонов начал свою карьеру Веласкес!
Их сохранилось около десятка и каждый фуд-блогеры могут брать за референс. В одном кухарка жарит яичницу, в другом — молодой человек ставит лайк лопнувшему гранату)) Обратите внимание как грамотно поставлен фокус: главные в этих картинках не люди, а еда и всякие штучки — глиняные кувшины, обливные чашки, латунные ступки.
То есть Веласкес брал жанровую сцену только как повод, чтобы написать натюрморт, который в то время все еще было стыдно писать. А на упреки за выбор низменных сюжетов красиво парировал: «Предпочитаю быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном!» 😎
Как думаете, откуда юный Веласкес понабрался такой дерзости? От бунтаря Караваджо, конечно! В то время его влияние распространялось по Европе, как лесной пожар. Испания тоже оказалась в «зоне поражения».
В бодегонах узнается двойное эхо Караваджо: во-первых, выбор подчеркнуто приземленного сюжета; во-вторых, его фирменный «подвальный свет» — эффект, когда луч выхватывает предметы и лица людей в темном помещении.
Сейчас в испанском bodegón = натюрморт👌
А вы любите этот жанр? Сможете отличить итальянский натюрморт от голландского?))
Голодным не смотреть!😄
Весной в Пушкинском нам всем по-новому открыли итальянский натюрморт и подчеркнули, что «в конце 16 века итальянцы были зачинателями всего и вся». А еще напомнили, что сам натюрморт свое название получил только в 19 веке! То есть вместо него до этого был пестрый список из самых разных поджанров.
И вот на один из таких — бодегон — я предлагаю посмотреть сегодня.
Он развился в Испании в 17 веке на основе итальянских образцов и изначально изображал трактиры (бодегон в переводе с испанского — трактир, харчевня). Но потом под термином стали объединять изображения бедняков за трапезой и просто скромные натюрморты.
А еще, и это самое интересное, с бодегонов начал свою карьеру Веласкес!
Их сохранилось около десятка и каждый фуд-блогеры могут брать за референс. В одном кухарка жарит яичницу, в другом — молодой человек ставит лайк лопнувшему гранату)) Обратите внимание как грамотно поставлен фокус: главные в этих картинках не люди, а еда и всякие штучки — глиняные кувшины, обливные чашки, латунные ступки.
То есть Веласкес брал жанровую сцену только как повод, чтобы написать натюрморт, который в то время все еще было стыдно писать. А на упреки за выбор низменных сюжетов красиво парировал: «Предпочитаю быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном!» 😎
Как думаете, откуда юный Веласкес понабрался такой дерзости? От бунтаря Караваджо, конечно! В то время его влияние распространялось по Европе, как лесной пожар. Испания тоже оказалась в «зоне поражения».
В бодегонах узнается двойное эхо Караваджо: во-первых, выбор подчеркнуто приземленного сюжета; во-вторых, его фирменный «подвальный свет» — эффект, когда луч выхватывает предметы и лица людей в темном помещении.
Сейчас в испанском bodegón = натюрморт👌
А вы любите этот жанр? Сможете отличить итальянский натюрморт от голландского?))
#сюжетнедели
Хотите найти мемы в истории искусства — набирайте «трони»🌚
Вот признайтесь: бывало у вас такое ощущение, что после 10-20 парадного портрета в музее тянет зевнуть и пробурчать «чего они все одинаковые такие?»)) Это нормально! Предлагаю понять, простить (косметологии и фотошопа не было — призывали художников) и мысленно переместиться в зал с работами, которые нас развеселят.
В 16 веке в Нидерландах зародился особый жанр — трони, что в переводе ‘голова, лицо, рожа’)) Знакомимся:
→ Часто трони относят к портрету или карикатуре, но это не совсем так. Скорее это этюды или самостоятельные работы, в которых художник пытался передать необычную мимику или костюм модели. То есть в образе заключить какой-то характерный тип: старика, пьяницы, цыганки. Этакие протоэмоджи)
→ Чаще всего модели для трони — анонимы, которые не заказывали свое изображение и не стремились его сохранить (поэтому и морщины разглаживать не надо было). Исключение: поздние примеры жанра в исполнение Рембрандта — его автопортреты с кривляниями.
→ На появление трони вдохновил Леонардо да Винчи. Точнее его «гротескные головы», где он то подбородок человеку чересчур выдвинет, то лоб похожий на рог изобразит.
→ В 17 веке трони очень хорошо продавались на свободном рынке. Цена на них была ниже, чем у других типов изображений, так что «веселые картинки» были доступны многим обычным горожанам.
→ Три картины Вермеера были описаны как «трони» на аукционе в 1696 году. Искусствоведы считают, что в их числе всем нам известная «Девушка с жемчужной сережкой». Да!🙂
Купили бы себе трони в дом?) Если да, какой типаж выбрали бы и куда повесили?)
Хотите найти мемы в истории искусства — набирайте «трони»
Вот признайтесь: бывало у вас такое ощущение, что после 10-20 парадного портрета в музее тянет зевнуть и пробурчать «чего они все одинаковые такие?»)) Это нормально! Предлагаю понять, простить (косметологии и фотошопа не было — призывали художников) и мысленно переместиться в зал с работами, которые нас развеселят.
В 16 веке в Нидерландах зародился особый жанр — трони, что в переводе ‘голова, лицо, рожа’)) Знакомимся:
→ Часто трони относят к портрету или карикатуре, но это не совсем так. Скорее это этюды или самостоятельные работы, в которых художник пытался передать необычную мимику или костюм модели. То есть в образе заключить какой-то характерный тип: старика, пьяницы, цыганки. Этакие протоэмоджи)
→ Чаще всего модели для трони — анонимы, которые не заказывали свое изображение и не стремились его сохранить (поэтому и морщины разглаживать не надо было). Исключение: поздние примеры жанра в исполнение Рембрандта — его автопортреты с кривляниями.
→ На появление трони вдохновил Леонардо да Винчи. Точнее его «гротескные головы», где он то подбородок человеку чересчур выдвинет, то лоб похожий на рог изобразит.
→ В 17 веке трони очень хорошо продавались на свободном рынке. Цена на них была ниже, чем у других типов изображений, так что «веселые картинки» были доступны многим обычным горожанам.
→ Три картины Вермеера были описаны как «трони» на аукционе в 1696 году. Искусствоведы считают, что в их числе всем нам известная «Девушка с жемчужной сережкой». Да!
Купили бы себе трони в дом?) Если да, какой типаж выбрали бы и куда повесили?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
🦏Сегодня поговорим о самом популярном носороге в истории искусства
Он родился в результате «глухого телефона». Дело было так: 1515 год, к порту Португалии подплыл корабль из Гоа, на борту которого находился необычный презент для короля Мануэла І. Живой Носорог!
У европейцев отпала челюсть: носорога они не встречали тысячи лет и знали об их существовании только из античных источников. Конечно, те, кто зверя увидел, сразу стали всем рассказывать: одни зарисовали, другие — словами описали и разослали новость по континенту.
Как и бывает с людьми, чем дальше информация о носороге распространялась, тем больше его образ искажался)
До Нюрнберга, где в то время работал уже знаменитый Альбрехт Дюрер, дошло письмо от переводчика и составителя географических карт Валентина Фердинанда. И вот по его описанию, и возможно зарисовке, наш мастер и создал ‘того самого носорога’!
С панцирем вместо толстых складок кожи и чешуей на голове, хвосте и ногах. А также со странным витым рогом на загривке, которого у реального носорога никогда не было. Возможно, какие-то детали Дюрер додумал по ходу)
Эта гравюра завирусилась: была отпечатана больше 5000 раз. И стала единственным примером в истории, когда произведение искусства так сильно повлияло на традицию изображения животного вида!
«Носорог» понравился современникам, никто и не думал проводить фактчекинг. Ганс Бургкмайер копирует его в графике, Алессандро Медичи берет на свою эмблему, Якоб Бутта помещает на своем пейзаже с экзотическими животными.
Популярность спала только к концу 18 века, когда в Европу снова завезли несколько живых носорогов. Однако это не помешало авторам немецких учебников, которые до конца 30-х годов XX века помещали изображение Дюрера в качестве достоверного изображения животного))
Как думаете, что случилось с тем носорогом-подарком для португальского короля?) Пишите версии в комментариях. Я чуть позже вернусь и расскажу, как все было👌
🦏Сегодня поговорим о самом популярном носороге в истории искусства
Он родился в результате «глухого телефона». Дело было так: 1515 год, к порту Португалии подплыл корабль из Гоа, на борту которого находился необычный презент для короля Мануэла І. Живой Носорог!
У европейцев отпала челюсть: носорога они не встречали тысячи лет и знали об их существовании только из античных источников. Конечно, те, кто зверя увидел, сразу стали всем рассказывать: одни зарисовали, другие — словами описали и разослали новость по континенту.
Как и бывает с людьми, чем дальше информация о носороге распространялась, тем больше его образ искажался)
До Нюрнберга, где в то время работал уже знаменитый Альбрехт Дюрер, дошло письмо от переводчика и составителя географических карт Валентина Фердинанда. И вот по его описанию, и возможно зарисовке, наш мастер и создал ‘того самого носорога’!
С панцирем вместо толстых складок кожи и чешуей на голове, хвосте и ногах. А также со странным витым рогом на загривке, которого у реального носорога никогда не было. Возможно, какие-то детали Дюрер додумал по ходу)
Эта гравюра завирусилась: была отпечатана больше 5000 раз. И стала единственным примером в истории, когда произведение искусства так сильно повлияло на традицию изображения животного вида!
«Носорог» понравился современникам, никто и не думал проводить фактчекинг. Ганс Бургкмайер копирует его в графике, Алессандро Медичи берет на свою эмблему, Якоб Бутта помещает на своем пейзаже с экзотическими животными.
Популярность спала только к концу 18 века, когда в Европу снова завезли несколько живых носорогов. Однако это не помешало авторам немецких учебников, которые до конца 30-х годов XX века помещали изображение Дюрера в качестве достоверного изображения животного))
Как думаете, что случилось с тем носорогом-подарком для португальского короля?) Пишите версии в комментариях. Я чуть позже вернусь и расскажу, как все было👌
Соскучились уже по постам об искусстве? 😁 Значит самое время для рубрики #сюжетнедели ✨
Джакометти-Египтянин
За последние 10 лет скульптуры Альберто Джакометти трижды били рекорд цены в истории аукционов. К своим узнаваемым формам он пришел путем долгих экспериментов: много изучал историю искусства, что-то заимствовал, что-то отсекал.
Согласитесь: несмотря на хрупкость и лаконизм, от его фигур исходит ощущение уверенного характера и присутствия. Во многом добиться этого эффекта Джакометти помог Египет!
Всю свою карьеру он создавал зарисовки грозных фараонов Рахотепа и Аменофиса. В письмах родителям писал: «египетские скульптуры грандиозны, их линии и формы так хорошо пропорциональны, их техника совершенна».
Альберто впитывал это совершенство и как за старшим учителем повторял приёмы: использовал прямые формы, руки распологал вдоль тела, а ноги вместе или одну выставлял вперёд. Влияние особенно угадывается в «Шагающей женщине» 1936 года и серии «Шагающий человек» 1960-х.
Интересно, что в египетском искусстве шаг имел особое символическое значение. В такой позе изображали только фараонов, чтобы отделить их от простых людей, ведь лишь наследник богов считался обитателем обоих миров – вечного и повседневного.
Так что можем предложить: цель, к которой шагают скульптуры Джакометти — вечность💫 Они словно тени, которые одновременно здесь и там.
Как у вас — находят скульптуры Джакометти внутренний отклик?) Если ещё не знакомы с этим автором, очень рекомендую посмотреть фильм «Последний портрет» с Джеффри Раш в главной роли👌
Джакометти-Египтянин
За последние 10 лет скульптуры Альберто Джакометти трижды били рекорд цены в истории аукционов. К своим узнаваемым формам он пришел путем долгих экспериментов: много изучал историю искусства, что-то заимствовал, что-то отсекал.
Согласитесь: несмотря на хрупкость и лаконизм, от его фигур исходит ощущение уверенного характера и присутствия. Во многом добиться этого эффекта Джакометти помог Египет!
Всю свою карьеру он создавал зарисовки грозных фараонов Рахотепа и Аменофиса. В письмах родителям писал: «египетские скульптуры грандиозны, их линии и формы так хорошо пропорциональны, их техника совершенна».
Альберто впитывал это совершенство и как за старшим учителем повторял приёмы: использовал прямые формы, руки распологал вдоль тела, а ноги вместе или одну выставлял вперёд. Влияние особенно угадывается в «Шагающей женщине» 1936 года и серии «Шагающий человек» 1960-х.
Интересно, что в египетском искусстве шаг имел особое символическое значение. В такой позе изображали только фараонов, чтобы отделить их от простых людей, ведь лишь наследник богов считался обитателем обоих миров – вечного и повседневного.
Так что можем предложить: цель, к которой шагают скульптуры Джакометти — вечность
Как у вас — находят скульптуры Джакометти внутренний отклик?) Если ещё не знакомы с этим автором, очень рекомендую посмотреть фильм «Последний портрет» с Джеффри Раш в главной роли👌
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
Лютый зверь, которого может поймать только Дева👌
Про носорога мы с вами поговорили, но было в европейской истории ещё одно рогатое животное, которое в реальности так никто и не увидел. Любой ребенок его угадает по этой наводке: розовый и прыгает по радуге))
Единорог, да!
Правда, в самом начале «милотой» он явно не обладал. Где-то в V веке до н.э. единорога описывают как осла +- размером с коня из неведомой Индии. В него верит Аристотель и Плиний Старший, который впервые разделил носорога и единорога. И если первый у него всего лишь главный враг слона, то единорог — самое свиреповое животное ever🔥
В Библии, Ветхом Завете, это суровое существо тоже упоминается. Как символ неукротимости. На древнееврейском его имя звучало как «лютый зверь». Греки при переводе под такое описание смогли подобрать только единорога)) Итог: однорогие перекочевали в следующие латинские и национальные тексты.
К II-III веку н.э. в греческом «Физиологе» единорог вдруг становится «очень горячим, но похожим на козленка». А ещё теперь его можно поймать на единственную приманку — чистую нетронутую Деву 🫣 То есть он только к ней пойдет и за пазуху прыгнет.
Звучит странновато, но в этой «священной охоте» видели большую метафору обретения Бога. Так единорог становится символом Христа (и непорочности). В том числе в искусстве.
Особенно часто мы можем увидеть его в Возрождение — у Рафаэля, Дюрера, Босха. Впоследствии к единорогам вернулись романтики и символисты: полумифические миры Средневековья стали для них своего рода противоядием от наступающей индустриализации.
И под конец оставила вам смешное. Марк Поло приезжает на Суматру, видит «единорога» и недоумевает: «Водятся тут они, ничуть не менее слонов. С виду зверь безобразный. Непохожи единороги на то, как у нас их описывают; не станут они поддаваться невинной девице»😄
Как думаете, единороги на самом деле жили, но вымерли?) Или это ошибка, которая переросла в миф?
Лютый зверь, которого может поймать только Дева👌
Про носорога мы с вами поговорили, но было в европейской истории ещё одно рогатое животное, которое в реальности так никто и не увидел. Любой ребенок его угадает по этой наводке: розовый и прыгает по радуге))
Единорог, да!
Правда, в самом начале «милотой» он явно не обладал. Где-то в V веке до н.э. единорога описывают как осла +- размером с коня из неведомой Индии. В него верит Аристотель и Плиний Старший, который впервые разделил носорога и единорога. И если первый у него всего лишь главный враг слона, то единорог — самое свиреповое животное ever🔥
В Библии, Ветхом Завете, это суровое существо тоже упоминается. Как символ неукротимости. На древнееврейском его имя звучало как «лютый зверь». Греки при переводе под такое описание смогли подобрать только единорога)) Итог: однорогие перекочевали в следующие латинские и национальные тексты.
К II-III веку н.э. в греческом «Физиологе» единорог вдруг становится «очень горячим, но похожим на козленка». А ещё теперь его можно поймать на единственную приманку — чистую нетронутую Деву 🫣 То есть он только к ней пойдет и за пазуху прыгнет.
Звучит странновато, но в этой «священной охоте» видели большую метафору обретения Бога. Так единорог становится символом Христа (и непорочности). В том числе в искусстве.
Особенно часто мы можем увидеть его в Возрождение — у Рафаэля, Дюрера, Босха. Впоследствии к единорогам вернулись романтики и символисты: полумифические миры Средневековья стали для них своего рода противоядием от наступающей индустриализации.
И под конец оставила вам смешное. Марк Поло приезжает на Суматру, видит «единорога» и недоумевает: «Водятся тут они, ничуть не менее слонов. С виду зверь безобразный. Непохожи единороги на то, как у нас их описывают; не станут они поддаваться невинной девице»😄
Как думаете, единороги на самом деле жили, но вымерли?) Или это ошибка, которая переросла в миф?
#сюжетнедели
🔎Что тут происходит?
Нет, это не очередная скучная батальная сцена и не подражание Брейгелю) На картине мы видим реальную локацию Венеции с мостом Понте-деи-Пуньи. И вот перевод его названия и есть ключик к ответу🔑
Мост кулаков!
Итак, 16-17 век. Наступает осень, просыпаетсямафия два района Венеции, где живут люто враждующие кланы Кастеллани и Николотти. Они закатывают рукава и каждое воскресенье до Рождества идут к каналу дубасить друг друга))
Но не стихийно, по правилам, все-таки цивилизованные люди😄 Главная задача: как можно больше противников столкнуть с моста в воду.
На первый взгляд — гуманно. Но: во-первых, это унизительно — ныряли прямо в отходы, канализации то нет; во-вторых, больно — сначала в бою орудовали заостренными палками. К счастью, в 17 веке их запретили, остались только кулаки👊
Пока одни показывали, кто тут «хозяин», другие с энтузиазмом футбольных болельщиков поддерживали любимчиков: кидали в соперников камни, горшки и осколки черепицы с балконов и крыш.
Отменили это диковатое развлечение одним днем — осенью 1705 года. После того, как гнев участников перелился через край: в бой пошли не только кулаки, но ножи и кинжалы. В ходе беспорядков даже храм Сан-Джироламо сожгли.
До нас дошло эхо тех дней. Картина Йозефа Хайнца-младшего и тот самый мост Понте-деи-Пуньи. Сегодня на нем есть перила, чтобы никто никого по старой памяти в канал не столкнул) Но отметки, где должны были стоять бойцы, остались — отпечатки ступней прямо по центру.
Находите параллели с другими схожими культурными традициями в истории? Что вспомнили?)
🔎Что тут происходит?
Нет, это не очередная скучная батальная сцена и не подражание Брейгелю) На картине мы видим реальную локацию Венеции с мостом Понте-деи-Пуньи. И вот перевод его названия и есть ключик к ответу🔑
Мост кулаков!
Итак, 16-17 век. Наступает осень, просыпается
Но не стихийно, по правилам, все-таки цивилизованные люди😄 Главная задача: как можно больше противников столкнуть с моста в воду.
На первый взгляд — гуманно. Но: во-первых, это унизительно — ныряли прямо в отходы, канализации то нет; во-вторых, больно — сначала в бою орудовали заостренными палками. К счастью, в 17 веке их запретили, остались только кулаки👊
Пока одни показывали, кто тут «хозяин», другие с энтузиазмом футбольных болельщиков поддерживали любимчиков: кидали в соперников камни, горшки и осколки черепицы с балконов и крыш.
Отменили это диковатое развлечение одним днем — осенью 1705 года. После того, как гнев участников перелился через край: в бой пошли не только кулаки, но ножи и кинжалы. В ходе беспорядков даже храм Сан-Джироламо сожгли.
До нас дошло эхо тех дней. Картина Йозефа Хайнца-младшего и тот самый мост Понте-деи-Пуньи. Сегодня на нем есть перила, чтобы никто никого по старой памяти в канал не столкнул) Но отметки, где должны были стоять бойцы, остались — отпечатки ступней прямо по центру.
Находите параллели с другими схожими культурными традициями в истории? Что вспомнили?)
#сюжетнедели вы наверняка узнали
Вот краткая история его героя:
Себастьян был начальником личной охраны римского императора Диоклетиана и тайно исповедовал христианство. Когда об этом стало известно, он отказался предать веру, за что и был расстрелян из луков. Но это его не убило.
По одной из версий, Себастьян сам выбрался из оков; по другой — его спасла Святая Ирина. Впрочем, Диоклетиан снова отдал приказ казнить неверного. Нашего героя забили палками, убили, сбросили в клоаку.
Если вы посмотрите на первые изображения святого VII века, на мозаиках в Равенне и Палермо, то удивитесь: на них немолодой (30 лет все-таки), бородатый, одетый мужчина. И никакого намека на стрелы.
Но совсем скоро его образ стал меняться в сторону молодости и драмы. Сначала Себастьян теряет бороду, затем одежду. А изображать его стали преимущественно в момент первой казни.
По-настоящему популярным святой становится в Италии XV века. С тех пор, как ему стали поклоняться с утроенным рвением: верили, что покровительство Себастьяна может спасти от чумы.
В то же время художники совсем увлекаются: стрел становится меньше, тела больше — причем очень чувственного, порой с женственными чертами. Из-за этой особенности в XVI-XVII веках изображения Себастьяна даже стали убирать из храмов. Потому что все чаще благочестивые прихожанки на исповеди сообщали: от лицезрения святого появляются грешные мысли🤭
В 1915 году сюжет интересно обыгрывает Эгон Шиле: он пишет свой автопортрет в образе Себастьяна для афиши персональной выставки. А в 2009 году Дэмиен Херст вновь шокирует публику своей инсталляцией: помещает в формальдегид пронзенного стрелами теленка. Отсылка считывается быстро.
А у вас есть любимая версия сюжета? Помните, чей вариант представлен в Эрмитаже?)
Вот краткая история его героя:
Себастьян был начальником личной охраны римского императора Диоклетиана и тайно исповедовал христианство. Когда об этом стало известно, он отказался предать веру, за что и был расстрелян из луков. Но это его не убило.
По одной из версий, Себастьян сам выбрался из оков; по другой — его спасла Святая Ирина. Впрочем, Диоклетиан снова отдал приказ казнить неверного. Нашего героя забили палками, убили, сбросили в клоаку.
Если вы посмотрите на первые изображения святого VII века, на мозаиках в Равенне и Палермо, то удивитесь: на них немолодой (30 лет все-таки), бородатый, одетый мужчина. И никакого намека на стрелы.
Но совсем скоро его образ стал меняться в сторону молодости и драмы. Сначала Себастьян теряет бороду, затем одежду. А изображать его стали преимущественно в момент первой казни.
По-настоящему популярным святой становится в Италии XV века. С тех пор, как ему стали поклоняться с утроенным рвением: верили, что покровительство Себастьяна может спасти от чумы.
В то же время художники совсем увлекаются: стрел становится меньше, тела больше — причем очень чувственного, порой с женственными чертами. Из-за этой особенности в XVI-XVII веках изображения Себастьяна даже стали убирать из храмов. Потому что все чаще благочестивые прихожанки на исповеди сообщали: от лицезрения святого появляются грешные мысли🤭
В 1915 году сюжет интересно обыгрывает Эгон Шиле: он пишет свой автопортрет в образе Себастьяна для афиши персональной выставки. А в 2009 году Дэмиен Херст вновь шокирует публику своей инсталляцией: помещает в формальдегид пронзенного стрелами теленка. Отсылка считывается быстро.
А у вас есть любимая версия сюжета? Помните, чей вариант представлен в Эрмитаже?)
#сюжетнедели
Вы — ребенок. Какое первое, самое теплое воспоминание всплывает в памяти? Что вас в тот момент окружало, какие там были запахи, цвета?)
В прошлом посте я упоминала тренд на осмысление детства в современном искусстве. Сегодня хочу подробнее рассказать о мире Вари Щуки, художницы, которая привлекла к себе особенное внимание на нашем стенде blazar.
К искусству Вари можно обращаться в минуты, когда нужно взять паузу от взрослой жизни — смотреть на них, черпать силы, любовь. Дело в том, что в своих работах она передает образы, которые каждый из нас впитал, когда был маленьким.
Помните коробочки с секретиками, горки в виде ракет, бадминтон, подорожник на разбитой коленке, автомобили с полными багажниками урожая? Все они тут, все наши воспоминания Варя бережно вернула, воплотила в виртуальном пространстве. В них хочется погрузиться, внутри от них екает)
Художница создает 3D-объекты, работает в области видеоарта и преобразует диджитал-искусство в осязаемые объекты. Посмотрите в прикрепленном видео, как рождаются скульптуры, это так залипательно!
И своим детям покажите, уверена, они оценят 🫶
У меня суббота в сентябре стала особенно детской)) Потому что в осеннем канале в этот день я выхожу с рубрикой «искусство для всей семьи»: делюсь главами из книги «Большое искусство детям», которую мы написали вместе с детским психологом Татьяна Григорьян, рассказываю разные упражнения оттуда)
Если у вас есть запрос на то, как вовлечь детей к искусству, заходите к нам в соседний tg-канал: ТУТ👈
Это бесплатно)
Вы — ребенок. Какое первое, самое теплое воспоминание всплывает в памяти? Что вас в тот момент окружало, какие там были запахи, цвета?)
В прошлом посте я упоминала тренд на осмысление детства в современном искусстве. Сегодня хочу подробнее рассказать о мире Вари Щуки, художницы, которая привлекла к себе особенное внимание на нашем стенде blazar.
К искусству Вари можно обращаться в минуты, когда нужно взять паузу от взрослой жизни — смотреть на них, черпать силы, любовь. Дело в том, что в своих работах она передает образы, которые каждый из нас впитал, когда был маленьким.
Помните коробочки с секретиками, горки в виде ракет, бадминтон, подорожник на разбитой коленке, автомобили с полными багажниками урожая? Все они тут, все наши воспоминания Варя бережно вернула, воплотила в виртуальном пространстве. В них хочется погрузиться, внутри от них екает)
Художница создает 3D-объекты, работает в области видеоарта и преобразует диджитал-искусство в осязаемые объекты. Посмотрите в прикрепленном видео, как рождаются скульптуры, это так залипательно!
И своим детям покажите, уверена, они оценят 🫶
У меня суббота в сентябре стала особенно детской)) Потому что в осеннем канале в этот день я выхожу с рубрикой «искусство для всей семьи»: делюсь главами из книги «Большое искусство детям», которую мы написали вместе с детским психологом Татьяна Григорьян, рассказываю разные упражнения оттуда)
Если у вас есть запрос на то, как вовлечь детей к искусству, заходите к нам в соседний tg-канал: ТУТ👈
Это бесплатно)
#сюжетнедели сегодня синий!🙂
Собрала для вас несколько поразительных фактов об одном из трех основных цветов)
🤩 Синий — цвет Богоматери. Ассоциируется с чистотой, целомудрием. Его любили Андрей Рублёв и Дионисий. А светлый сине-голубой даже известен как «рублёвский голубец».
🤩 Джотто первым взял его для фона. Его фрески в капелле Скровеньи в Падуе стали поворотной точкой для истории европейского искусства: с них начался итальянский Ренессанс. Художник первым уходит от плоскостной живописи средневековья, применяет светотеневую моделировку. Он же впервые отказался от традиционного золотого фона, заменив его глубоким синим.
🤩 Краска стоила дороже золота. Очень долго синий цвет получали растиранием в порошок полудрагоценного камня ляпис-лазурь. Его добывали в месторождениях Афганистана. В Европу лазурит для приготовления красок и поделок привозили венецианские купцы.
Иногда художникам и заказчикам приходилось экономить. Правда, это оборачивалось неприятным эффектом: краска попросту осыпалась.
🤩 Ультрамарин — фишка Вермеера. Вот он на лазурите не экономил: не просто работал чистым цветом, но и смешивал его с другими пигментами. Добавлял к красному, чтобы добиться пурпурного оттенка, или к белилам. Во многом поэтому колорит картин нидерландца насколько гармоничен.
Искусствоведы до сих пор думают, как Вермеер умудрялся достать эту краску: он был небогат, искусством особо не зарабатывал и все время был озабочен тем, как прокормить 11 детей. Есть версии?)
🤩 Ив Кляйн отдал цвету свое имя😄 Вдохновившись фресками Джотто, французский художник-шестидесятник провозгласил синий самым главным цветом в палитре художника. А потом создал с учеными аналог джоттовской лазури и запатентовал цвет под своим именем — IKB (International Klein Blue).
Какими еще работами/художниками вы бы дополнили подборку?)
Собрала для вас несколько поразительных фактов об одном из трех основных цветов)
Иногда художникам и заказчикам приходилось экономить. Правда, это оборачивалось неприятным эффектом: краска попросту осыпалась.
Искусствоведы до сих пор думают, как Вермеер умудрялся достать эту краску: он был небогат, искусством особо не зарабатывал и все время был озабочен тем, как прокормить 11 детей. Есть версии?)
Какими еще работами/художниками вы бы дополнили подборку?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
«Когда…все достало!»🙄
Наша сегодняшняя героиня разошлась на мемы и стала символом всех раздраженных)
Но начну я не с нее, а с истории Ван Дейка — он писал картину выше в состоянии глубокого кризиса.
В 1624 году художник приехал в Палермо выполнить заказ: написать портрет вице-короля. Но попал в ловушку — на город обрушилась эпидемия чумы. Локдаун, самоизоляция, мы все это с вами прожили…
В это же время, по легенде, случается чудо: больной женщине привиделась святая Розалия, которая указала, где лежат ее останки. Их действительно нашли и перенесли в город в надежде на спасение.
Ван Дейк лично наблюдал, как напуганные люди поклонялись костям Розалии. И написал пять картин на тему ее явления и заступничества за Палермо🙏
Мем-версия — одна из первых европейских картин, купленных Метрополитен-музеем. В ней путти (маленькие ангелочки, амурчики) вертятся вокруг святой, отсылая нас к невинным жертвам болезни, а сама героиня самозабвенно умоляет Бога о милосердии. Здесь нет места раздражению. Только вот мы это понимаем умом)
А наша эмпатия подсказывает, что эмоции Розалии не так однозначны: кажется, утомилась она всех спасать)) Почему так? Похоже, Ван Дейк, сам того не осознавая, наделил героиню собственным гневом от вынужденной итальянской изоляции.
У больших художников всегда так: через отдельные детали картин мы можем почувствовать их присутствие. Иногда можно ощутить сочувствие автора к героям, а иногда — его настроение на момент написания. Получается, и искусство изучаем, и эмоциональный интеллект попутно прокачиваем 👌
Предлагаю в комментариях придумать собственную подпись к картине. У вас такое выражение лица, когда…?)
«Когда…все достало!»🙄
Наша сегодняшняя героиня разошлась на мемы и стала символом всех раздраженных)
Но начну я не с нее, а с истории Ван Дейка — он писал картину выше в состоянии глубокого кризиса.
В 1624 году художник приехал в Палермо выполнить заказ: написать портрет вице-короля. Но попал в ловушку — на город обрушилась эпидемия чумы. Локдаун, самоизоляция, мы все это с вами прожили…
В это же время, по легенде, случается чудо: больной женщине привиделась святая Розалия, которая указала, где лежат ее останки. Их действительно нашли и перенесли в город в надежде на спасение.
Ван Дейк лично наблюдал, как напуганные люди поклонялись костям Розалии. И написал пять картин на тему ее явления и заступничества за Палермо🙏
Мем-версия — одна из первых европейских картин, купленных Метрополитен-музеем. В ней путти (маленькие ангелочки, амурчики) вертятся вокруг святой, отсылая нас к невинным жертвам болезни, а сама героиня самозабвенно умоляет Бога о милосердии. Здесь нет места раздражению. Только вот мы это понимаем умом)
А наша эмпатия подсказывает, что эмоции Розалии не так однозначны: кажется, утомилась она всех спасать)) Почему так? Похоже, Ван Дейк, сам того не осознавая, наделил героиню собственным гневом от вынужденной итальянской изоляции.
У больших художников всегда так: через отдельные детали картин мы можем почувствовать их присутствие. Иногда можно ощутить сочувствие автора к героям, а иногда — его настроение на момент написания. Получается, и искусство изучаем, и эмоциональный интеллект попутно прокачиваем 👌
Предлагаю в комментариях придумать собственную подпись к картине. У вас такое выражение лица, когда…?)
#сюжетнедели
😘 Почему Климт так любил золото?
У художника было десятилетие (с 1898 по 1909 год), когда он активно использовал листовое золото в своих работах. Сначала скромничал — наносил только на доспехи, а потом перешел к total gold — заполнял желтым блеском весь фон.
Казалось бы, просто цвет, но нет. Если копнуть в биографию, то можно понять, что художник к нему обращался не просто так:
✨ Ювелирное дело — семейный бизнес. Отец Климта был ювелиром и подпитывал любовью к декоративности и цветным металлам сыновей. Надо сказать, успешно: Густав стал художником, а его братья Эрнст и Георг — декоратором и гравером.
✨ Вдохновили византийские мозаики. За что я люблю Климта, так это за его диалектичность: у японской гравюры он берет плоскостность, перенимает мотивы из египетской мифологии и принципы импрессионистов.
Известно, что страсть к золоту у Климта усилилась после поездок в Италию. Особенное впечатление на него произвели сверкающие мозаики Равенны. «Невероятно ошеломляющие», — так он описывал их в письме.
И особенно выделял изображение императора и императрицы Юстиниана и Феодоры. Сравните «Портрет Адели Блох-Бауэр» и образ Феодоры. Историки искусства видят в них композиционную схожесть.
✨ Пытался переосмыслить символику цвета. В византийских мозаиках и иконах золото символизировало вечное царство, существующее вне времени, пропитанное божественным светом.
Климт использует его, чтобы создать похожее чувство вневременной бесконечности — только не от небесных удовольствий, а от земных..)
Видели когда-нибудь «золотые» работы Климта вживую? Поделитесь впечатлениями)
У художника было десятилетие (с 1898 по 1909 год), когда он активно использовал листовое золото в своих работах. Сначала скромничал — наносил только на доспехи, а потом перешел к total gold — заполнял желтым блеском весь фон.
Казалось бы, просто цвет, но нет. Если копнуть в биографию, то можно понять, что художник к нему обращался не просто так:
Известно, что страсть к золоту у Климта усилилась после поездок в Италию. Особенное впечатление на него произвели сверкающие мозаики Равенны. «Невероятно ошеломляющие», — так он описывал их в письме.
И особенно выделял изображение императора и императрицы Юстиниана и Феодоры. Сравните «Портрет Адели Блох-Бауэр» и образ Феодоры. Историки искусства видят в них композиционную схожесть.
Климт использует его, чтобы создать похожее чувство вневременной бесконечности — только не от небесных удовольствий, а от земных..)
Видели когда-нибудь «золотые» работы Климта вживую? Поделитесь впечатлениями)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
👚 Богатство — в сути
Я сейчас в Париже на Art Basel (вернусь с обзором). К ярмарке в городе открыли много важных выставок — среди них выделяется «Arte Povera» в Торговой бирже. Благодаря этому проекту у галеристов сейчас популярны художники «пост-Arte Povera». И я вам хочу сегодня рассказать об этом движении.
Зародилось «бедное искусство» в 1960-е годы в Италии. Просуществовав всего несколько лет, оно стало самым заметным художественным течением послевоенной Европы. Что делали его представители?
Бунтовали против массовости. У художников арте повера зубы скрипели от американского поп-арта и минимализма, от штампованного искусства, рынка, коммерческих товаров. Они не собирались становиться авторами-конвейерами.
Тут символично вспомнить самое известное произведение движения — статую Венеры Микеланджело Пистолетто, которая стоит спиной к нам перед кучей белья) Смотришь на нее и автоматически хочется сделать какой-нибудь мем про WB😄
Предпочитали простые материалы. Песок и землю, дерево, тряпки и веревки...Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами.
Всегда думали о физическом присутствии зрителя. Если сейчас работы арте повера размещают в музейных залах с ограждениями и сигнализацией, то в 60-е они буквально путались у людей под ногами)
Художники течения большое внимание уделяли чувственному опыту, стирали границу между субъектом и объектом. В их соприкосновении они и видели суть.
Воспевали процесс, а не результат. Во многих работах «бедняков» зашита изменчивость. В «Без названия» Кальцолари выразительным средством становится иней, производимый на поверхности свинца охладительными элементами.
Или «Автопортрет» Боэтти с «дымящейся» головой. Художник создал скульптуру после того, как врачи обнаружили у него опухоль мозга. Согласитесь, сильная работа? С одной стороны — дым, исчезающая на глазах жизнь; с другой — кипучая жизнь идей и мыслей, которые пока не исчезли💔
Как думаете, почему сейчас вернулся интерес к «пост-Arte Povera»?
Я сейчас в Париже на Art Basel (вернусь с обзором). К ярмарке в городе открыли много важных выставок — среди них выделяется «Arte Povera» в Торговой бирже. Благодаря этому проекту у галеристов сейчас популярны художники «пост-Arte Povera». И я вам хочу сегодня рассказать об этом движении.
Зародилось «бедное искусство» в 1960-е годы в Италии. Просуществовав всего несколько лет, оно стало самым заметным художественным течением послевоенной Европы. Что делали его представители?
Бунтовали против массовости. У художников арте повера зубы скрипели от американского поп-арта и минимализма, от штампованного искусства, рынка, коммерческих товаров. Они не собирались становиться авторами-конвейерами.
Тут символично вспомнить самое известное произведение движения — статую Венеры Микеланджело Пистолетто, которая стоит спиной к нам перед кучей белья) Смотришь на нее и автоматически хочется сделать какой-нибудь мем про WB😄
Предпочитали простые материалы. Песок и землю, дерево, тряпки и веревки...Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами.
Всегда думали о физическом присутствии зрителя. Если сейчас работы арте повера размещают в музейных залах с ограждениями и сигнализацией, то в 60-е они буквально путались у людей под ногами)
Художники течения большое внимание уделяли чувственному опыту, стирали границу между субъектом и объектом. В их соприкосновении они и видели суть.
Воспевали процесс, а не результат. Во многих работах «бедняков» зашита изменчивость. В «Без названия» Кальцолари выразительным средством становится иней, производимый на поверхности свинца охладительными элементами.
Или «Автопортрет» Боэтти с «дымящейся» головой. Художник создал скульптуру после того, как врачи обнаружили у него опухоль мозга. Согласитесь, сильная работа? С одной стороны — дым, исчезающая на глазах жизнь; с другой — кипучая жизнь идей и мыслей, которые пока не исчезли
Как думаете, почему сейчас вернулся интерес к «пост-Arte Povera»?
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Недавно получила такой комментарий «здесь теперь только про выставки и коллекционирование»?🤷
Хочу внести ясность: именно в этом канале я делюсь тем, что зажигает меня больше всего 🔥 чем живу и в чем развиваюсь прямо сейчас. По сути, читая этот канал, вы вместе со мной находитесь на гребне актуальной обстановки арт-мира. Мы вместе обсуждаем тренды, события, новые выставки. В общем, держим пульс.
При этом для меня важно сохранять еженедельную рубрику #сюжетнедели, где я традиционно раскрываю абсолютно разные темы из истории искусства. Это та классика OP-POP-ART, с которой многие начинали со мной знакомство❤️ Я меняюсь, но что-то остается неизменным)
Новость в тему. Если вам не хватает контента с разборами картин и биографий художников — приглашаю в мой канал на Дзене. Недавно с командой решили его реанимировать, так что если вы пользуетесь Дзеном, теперь сможете и там читать статьи об искусстве. Присоединяйтесь!
Хочу внести ясность: именно в этом канале я делюсь тем, что зажигает меня больше всего 🔥 чем живу и в чем развиваюсь прямо сейчас. По сути, читая этот канал, вы вместе со мной находитесь на гребне актуальной обстановки арт-мира. Мы вместе обсуждаем тренды, события, новые выставки. В общем, держим пульс.
При этом для меня важно сохранять еженедельную рубрику #сюжетнедели, где я традиционно раскрываю абсолютно разные темы из истории искусства. Это та классика OP-POP-ART, с которой многие начинали со мной знакомство❤️ Я меняюсь, но что-то остается неизменным)
Новость в тему. Если вам не хватает контента с разборами картин и биографий художников — приглашаю в мой канал на Дзене. Недавно с командой решили его реанимировать, так что если вы пользуетесь Дзеном, теперь сможете и там читать статьи об искусстве. Присоединяйтесь!
Вы в детстве подкладывали монетку под листочек и заштриховывали ее карандашом? Почему спрашиваю — поймете чуть позже)
На Базеле мне очень запомнилось искусство американской художницы Кэтлин Джейкобс. На первый взгляд ее работы — минималистичные абстракции, на деле — чистая метафизика.
Джейкоб создаёт их в лесах Колорадо и Массачусетса: буквально идет к деревьям и оборачивает их стволы сырым льном или холстом. Где-то его поверхность больше грунтует, где-то протирает.
Потом оставляет их впитывать влияние погодных условий и эволюции самих деревьев. Природу художница не торопит — на одно произведение уходит порой от трёх лет(!)
Созревшие холсты она забирает в студию, вносит финальные штрихи. В результате получается то, что вы видите на фото (кроме последних двух).
Художественный процесс у Джейкобс становится таинством, а произведение носит в себе лёгкое дыхание Творца
Кто-то ещё так делал в истории искусства? Я насмотрелась на сюрреалистов в Помпиду и поняла, что у Кэйтлин с ними есть перекличка.
Точнее — с Максом Эрнстом. Лес в его творчестве всегда занимал особое место. А в 1925 году художник изобрел технику фроттажа: переносил на лист бумаги структуры дерева под ним)
Теперь можете вспомнить про монетки — вы занимались frottage🤌
Эта техника стала для Эрнста тем самым «автоматическим письмом» сюрреалистов. Освобожденным от логики автора.
Как вам искусство Джейкобс? Хотели бы себе что-то подобное в коллекцию?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
#сюжетнедели
Малявинский красный
Сейчас в Инженерном корпусе Третьяковки открыта выставка «Адепты красного». В ней кураторы нам довольно доходчиво показывают, что на первый взгляд схожие Архипов и Малявин — очень даже различимые авторы.
Свели их по пристрастию к красному цвету, но по мне — Малявин куда больше его адепт. До него в истории русского искусства вспоминается не так уж много примеров такого открытого огненного красного. Предлагаю разобраться, откуда растут корни:
🔴Крестьянские наряды. Сам Малявин — выходец из бедной крестьянской семьи. Еще в детстве он впитал цвета нарядных деревенских баб — с красными (красна девица=красива девица) сарафанами и платками.
Интересно, что завелась эта мода благодаря рискованному решению одного купца из Владимирской губернии Федора Баранова — в 1830-е годы он принялся красить ситцы в красный цвет импортным «французским краппом».
🔴Иконописная традиция. Юношей Малявин добрался до Афона, принял там послушничество и служил в иконописной мастерской.
🔴Наследство Абрамцевского кружка. В среде молодых художников времен обучения Малявина уже проросли те семена, что закладывали в Абрамцево — любви к жизни и живописи.
Говоря современным языком: в искусстве можно было теперь не только страдать и обличать горести. А какой цвет доходчивее всего выразит предельную радость?)
🔴Влияние Андерса Цорна. Этот шведский живописец бешено гремел в конце XIX— нач XX века, поражал всех своей раскрепощенной манерой письма. Дягилев привозил его в Россию — шлейф от увиденного еще десятилетие угадывается в работах Серова, Кустодиева, Грабаря. В Дягилевском красном угадывается цорновская чувственность.
🔴Интуитивное понимание психологического эффекта. Тут мы уже переходим к допущению, но научно доказано, что красный — цвет, на который мы наиболее активно реагируем физически: учащается сердцебиение и дыхание. А если он преобладает на полотне размером 2х4 метра — равнодушно мимо не пройдешь никак))
Поделитесь вашей интерпретацией: все-таки что хотел донести до нас Малявин своим красным?
Малявинский красный
Сейчас в Инженерном корпусе Третьяковки открыта выставка «Адепты красного». В ней кураторы нам довольно доходчиво показывают, что на первый взгляд схожие Архипов и Малявин — очень даже различимые авторы.
Свели их по пристрастию к красному цвету, но по мне — Малявин куда больше его адепт. До него в истории русского искусства вспоминается не так уж много примеров такого открытого огненного красного. Предлагаю разобраться, откуда растут корни:
🔴Крестьянские наряды. Сам Малявин — выходец из бедной крестьянской семьи. Еще в детстве он впитал цвета нарядных деревенских баб — с красными (красна девица=красива девица) сарафанами и платками.
Интересно, что завелась эта мода благодаря рискованному решению одного купца из Владимирской губернии Федора Баранова — в 1830-е годы он принялся красить ситцы в красный цвет импортным «французским краппом».
🔴Иконописная традиция. Юношей Малявин добрался до Афона, принял там послушничество и служил в иконописной мастерской.
🔴Наследство Абрамцевского кружка. В среде молодых художников времен обучения Малявина уже проросли те семена, что закладывали в Абрамцево — любви к жизни и живописи.
Говоря современным языком: в искусстве можно было теперь не только страдать и обличать горести. А какой цвет доходчивее всего выразит предельную радость?)
🔴Влияние Андерса Цорна. Этот шведский живописец бешено гремел в конце XIX— нач XX века, поражал всех своей раскрепощенной манерой письма. Дягилев привозил его в Россию — шлейф от увиденного еще десятилетие угадывается в работах Серова, Кустодиева, Грабаря. В Дягилевском красном угадывается цорновская чувственность.
🔴Интуитивное понимание психологического эффекта. Тут мы уже переходим к допущению, но научно доказано, что красный — цвет, на который мы наиболее активно реагируем физически: учащается сердцебиение и дыхание. А если он преобладает на полотне размером 2х4 метра — равнодушно мимо не пройдешь никак))
Поделитесь вашей интерпретацией: все-таки что хотел донести до нас Малявин своим красным?
Сентиментальный #сюжетнедели о ходе времени и обновлении🕐
В 1991 году кубинско-американский художник Феликс Гонзалес-Торрес взял пару самых обычных часов и повесил их рядом, создав работу «Без названия (Совершенные любовники)».
Как автор очертил замысел? Часы нужно выставить синхронно, батареи вставить одновременно. А если вдруг одна из них села или случился рассинхрон — музейным сотрудникам нужно это тут же исправить.
Для Торреса часы — символ двух людей, которые встречаются, любят друг друга, и их «часы» идут по одному времени. Ему хотелось создать пространство, где эта эфемерная связь, один стук сердца на двоих будет жить вечно.
С одной стороны — красиво, с другой — отрезвляет❤️🩹 Художник конструирует уловку: ложь в обнадеживающей упаковке. На деле время ускользает, в паре темпы могут разойтись и, мы знаем, однажды часы остановятся.
Ценность этой работы в том, что она работает на тонком эмоциональном уровне, заставляет задуматься о нематериальном, но очень-очень значимом.
Со мной сейчас она особенно резонирует — проживаю переход на новый этап в OP-POP-ART, учусь отпускать те проекты, ход которых сильно отстал от меня сегодняшней.
А ваша душа как откликнулась?)
В 1991 году кубинско-американский художник Феликс Гонзалес-Торрес взял пару самых обычных часов и повесил их рядом, создав работу «Без названия (Совершенные любовники)».
Как автор очертил замысел? Часы нужно выставить синхронно, батареи вставить одновременно. А если вдруг одна из них села или случился рассинхрон — музейным сотрудникам нужно это тут же исправить.
Для Торреса часы — символ двух людей, которые встречаются, любят друг друга, и их «часы» идут по одному времени. Ему хотелось создать пространство, где эта эфемерная связь, один стук сердца на двоих будет жить вечно.
С одной стороны — красиво, с другой — отрезвляет
Ценность этой работы в том, что она работает на тонком эмоциональном уровне, заставляет задуматься о нематериальном, но очень-очень значимом.
Со мной сейчас она особенно резонирует — проживаю переход на новый этап в OP-POP-ART, учусь отпускать те проекты, ход которых сильно отстал от меня сегодняшней.
А ваша душа как откликнулась?)
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM