Уэйн Тибо «Меренги»,1999 год
🍮 «Меренги» – работа американского художника, одного из крупнейших представителей поп-арта, Уэйна Тибо.
Одна из многочисленных картин, на которых он изображал кондитерские изделия, торты, леденцы, мороженое, молочные коктейли.
🍦 Кстати, когда-то в детстве он работал продавцом мороженого и хот-догов.
В шутку Тибо называл себя «защитником униженных эклеров»: «Банальность этих десертов настолько безусловна, что художники забывают, насколько еда бывает живописна!»
Художник не рисовал с натуры, а только по памяти или опираясь на собственное воображение.
🎨 Работы Тибо, чаще всего, относят в поп-арту, но сам художник всегда это отрицал. Он говорил, что рисует предметы, потому что они напоминают ему о детстве и любимых американских вещах. Он не хочет менять отношение зрителя к предмету или делать акцент на критике потребительского общества.
По мнению художника, если чётко сконцентрироваться на предмете при его создании, «вы сможете постигать новое бесконечно».
🍰 Любопытный факт: Кондитер кофейни при музее Современного искусства в Сан-Франциско Кэтлин Фриман создаёт десерты по мотивам работ художников, которые выставляются в музее. В том числе, в кофейне есть несколько тортов Тибо.
#moodgoodinspiration
🍮 «Меренги» – работа американского художника, одного из крупнейших представителей поп-арта, Уэйна Тибо.
Одна из многочисленных картин, на которых он изображал кондитерские изделия, торты, леденцы, мороженое, молочные коктейли.
🍦 Кстати, когда-то в детстве он работал продавцом мороженого и хот-догов.
В шутку Тибо называл себя «защитником униженных эклеров»: «Банальность этих десертов настолько безусловна, что художники забывают, насколько еда бывает живописна!»
Художник не рисовал с натуры, а только по памяти или опираясь на собственное воображение.
🎨 Работы Тибо, чаще всего, относят в поп-арту, но сам художник всегда это отрицал. Он говорил, что рисует предметы, потому что они напоминают ему о детстве и любимых американских вещах. Он не хочет менять отношение зрителя к предмету или делать акцент на критике потребительского общества.
По мнению художника, если чётко сконцентрироваться на предмете при его создании, «вы сможете постигать новое бесконечно».
🍰 Любопытный факт: Кондитер кофейни при музее Современного искусства в Сан-Франциско Кэтлин Фриман создаёт десерты по мотивам работ художников, которые выставляются в музее. В том числе, в кофейне есть несколько тортов Тибо.
#moodgoodinspiration
Хельмут Ньютон «Автопортрет с женой и моделью», 1981 год
📸 На знаменитом снимке немецко-австрийского фотографа Хельмута Ньютона изображен сам фотограф во время работы, его жена Джун Браун, сидящая с равнодушным видом, и обнажённая модель. Фотография была сделана в Париже в 1981 году.
Ньютон всегда ценил вклад своей супруги, которая нередко помогала ему в организации съёмок: «Джон – движущая сила моей работы. Она всегда заставляет меня начинать новые предприятия, пробовать новые вещи».
💗 Джун была для него и музой, и партнёром.
Когда её спросили, как она относится к молодым моделям, которые предстают перед объективом мужа, она ответила, что «Хельмут говорил, что с моделями можно или работать, или заниматься сексом – и то, и другое невозможно».
💰В 2012 году на аукционе Christie’s этот снимок был продан за 140000 долларов.
#moodgoodinspiration
📸 На знаменитом снимке немецко-австрийского фотографа Хельмута Ньютона изображен сам фотограф во время работы, его жена Джун Браун, сидящая с равнодушным видом, и обнажённая модель. Фотография была сделана в Париже в 1981 году.
Ньютон всегда ценил вклад своей супруги, которая нередко помогала ему в организации съёмок: «Джон – движущая сила моей работы. Она всегда заставляет меня начинать новые предприятия, пробовать новые вещи».
💗 Джун была для него и музой, и партнёром.
Когда её спросили, как она относится к молодым моделям, которые предстают перед объективом мужа, она ответила, что «Хельмут говорил, что с моделями можно или работать, или заниматься сексом – и то, и другое невозможно».
💰В 2012 году на аукционе Christie’s этот снимок был продан за 140000 долларов.
#moodgoodinspiration
Казимир Малевич «Белое на белом» 1918 год.
◻️Картина «Белое на белом», написанная художником-авангардистом и основателем супрематизма Казимиром Малевичем, является вершиной беспредметной живописи, потому что считается, что нет ничего более бессюжетного, чем белый квадрат на белом фоне.
Малевич нарисовал три супрематистских квадрата: черный, белый и красный.
Художник признавался, что белый цвет привлекает его своей свободой и безграничностью.
⬜️ Есть данные, что в начале работы художник, изобразив квадрат, потерял его из виду на холсте. Поэтому решил четче обозначить границы и выделить основной фон, сделав его более теплым оттенком. Квадрат находится не по центру картины, а прижат к верхнему правому углу, и немного повернут, что создает иллюзию движения.
📍Картина «Белое на белом» находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
#moodgoodinspiration
◻️Картина «Белое на белом», написанная художником-авангардистом и основателем супрематизма Казимиром Малевичем, является вершиной беспредметной живописи, потому что считается, что нет ничего более бессюжетного, чем белый квадрат на белом фоне.
Малевич нарисовал три супрематистских квадрата: черный, белый и красный.
Художник признавался, что белый цвет привлекает его своей свободой и безграничностью.
⬜️ Есть данные, что в начале работы художник, изобразив квадрат, потерял его из виду на холсте. Поэтому решил четче обозначить границы и выделить основной фон, сделав его более теплым оттенком. Квадрат находится не по центру картины, а прижат к верхнему правому углу, и немного повернут, что создает иллюзию движения.
📍Картина «Белое на белом» находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
#moodgoodinspiration
Анри Матисс «Улитка», 1953 год
🐌 Французский художник Анри Матисс создал эту работу в возрасте 84 лет, когда был прикован к постели из-за тяжёлой болезни. Это одно из последних крупных произведений художника – 287 на 288 см. Он выполнял работу с помощью ассистентов. Нарисовал улитку, затем использовал бумагу для ее интерпретации. Смешал гуашь и поручил ассистентам раскрасить и вырезать фрагменты бумаги. После чего разложил их на большом листе бумаги.
Художник называл такой метод «живописью ножницами» и считал, что «Улитка» демонстрирует «большую завершённость и абстракцию».
🎨 Улитка в исполнении Матисса призвана передать его счастье и воодушевление. За несколько лет до создания картины художник говорил, что желал создавать искусство, которое будет «успокаивать, утешать сознание».
📍Картина находится в Галерее Тейт в Лондоне.
#moodgoodinspiration
🐌 Французский художник Анри Матисс создал эту работу в возрасте 84 лет, когда был прикован к постели из-за тяжёлой болезни. Это одно из последних крупных произведений художника – 287 на 288 см. Он выполнял работу с помощью ассистентов. Нарисовал улитку, затем использовал бумагу для ее интерпретации. Смешал гуашь и поручил ассистентам раскрасить и вырезать фрагменты бумаги. После чего разложил их на большом листе бумаги.
Художник называл такой метод «живописью ножницами» и считал, что «Улитка» демонстрирует «большую завершённость и абстракцию».
🎨 Улитка в исполнении Матисса призвана передать его счастье и воодушевление. За несколько лет до создания картины художник говорил, что желал создавать искусство, которое будет «успокаивать, утешать сознание».
📍Картина находится в Галерее Тейт в Лондоне.
#moodgoodinspiration
Сальвадор Дали «Великий мастурбатор», 1929 год
🎨 Картина испанского живописца Сальвадора Дали написана в стиле сюрреализм. Это работа, навеянная подсознанием художника, рассказывает много личного о нём, тут ярко выражены его страхи и комплексы.
Большая голова, повернутая лицо вниз и упирающаяся носом в землю, является прототипом скалы на побережье Кадакеса в Каталонии. Позже Дали иногда вновь использовал этот символ в своих работах.
🦗Снизу на лице сидит саранча, символ страха художника перед этим насекомым. По брюху саранчи и в месте, где на лице должен быть рот, ползает рой муравьев, символ разложения. В районе шеи поднимается обнаженная женская фигура, похожая на его возлюбленную музу Галу, которая тянется к гениталиям мужчины.
В этой картине отразилось противоречивое отношение Дали к сексу. Будучи ребенком, он увидел книгу своего отца о венерических заболеваниях, что в последствии надолго отвратило мальчика от половых отношений.
📍Картина «Великий мастурбатор» находится в Центре искусств королевы Софии в Мадриде.
#moodgoodinspiration
🎨 Картина испанского живописца Сальвадора Дали написана в стиле сюрреализм. Это работа, навеянная подсознанием художника, рассказывает много личного о нём, тут ярко выражены его страхи и комплексы.
Большая голова, повернутая лицо вниз и упирающаяся носом в землю, является прототипом скалы на побережье Кадакеса в Каталонии. Позже Дали иногда вновь использовал этот символ в своих работах.
🦗Снизу на лице сидит саранча, символ страха художника перед этим насекомым. По брюху саранчи и в месте, где на лице должен быть рот, ползает рой муравьев, символ разложения. В районе шеи поднимается обнаженная женская фигура, похожая на его возлюбленную музу Галу, которая тянется к гениталиям мужчины.
В этой картине отразилось противоречивое отношение Дали к сексу. Будучи ребенком, он увидел книгу своего отца о венерических заболеваниях, что в последствии надолго отвратило мальчика от половых отношений.
📍Картина «Великий мастурбатор» находится в Центре искусств королевы Софии в Мадриде.
#moodgoodinspiration
Сальвадор Дали «Телефон-омар», 1936 год
У меня тут снова Дали. Пару дней назад посетила музей Tate Modern. Там много всего классного! В том числе есть известный гипсовый телефон-омар Сальвадора Дали.
🦐 Эта сюрреалистическая скульптура была создана для Эдуарда Джеймса, коллекционера сюрреалистического искусства.
Есть 5 цветных и 6 белых телефонов.
Как и все работы художника, этот телефон наполнен символизмом и сексуальным подтекстом. Он спроектирован таким образом, что половые органы омара соприкасаются с губами говорящего во время телефонного разговора.
Скульптура является пародией и шуткой, выражающей протест художника против поклонения технике, средствам аудиокоммуникаций, которые отдаляют людей друг от друга.
☎️ Художник видел многие формы взаимозаменяемыми. В своей книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали» он пишет: «Не понимаю, почему, когда я заказываю в ресторане жареного лангуста, мне никогда не подают отварной телефон.»
🔺Впервые работа была представлена на первой Лондонской выставке сюрреалистического искусства в 1936 году. Во время рекламной акции выставки Дали выступил с лекцией о влиянии подсознания в водолазном костюме.
#moodgoodinspiration
У меня тут снова Дали. Пару дней назад посетила музей Tate Modern. Там много всего классного! В том числе есть известный гипсовый телефон-омар Сальвадора Дали.
🦐 Эта сюрреалистическая скульптура была создана для Эдуарда Джеймса, коллекционера сюрреалистического искусства.
Есть 5 цветных и 6 белых телефонов.
Как и все работы художника, этот телефон наполнен символизмом и сексуальным подтекстом. Он спроектирован таким образом, что половые органы омара соприкасаются с губами говорящего во время телефонного разговора.
Скульптура является пародией и шуткой, выражающей протест художника против поклонения технике, средствам аудиокоммуникаций, которые отдаляют людей друг от друга.
☎️ Художник видел многие формы взаимозаменяемыми. В своей книге «Тайная жизнь Сальвадора Дали» он пишет: «Не понимаю, почему, когда я заказываю в ресторане жареного лангуста, мне никогда не подают отварной телефон.»
🔺Впервые работа была представлена на первой Лондонской выставке сюрреалистического искусства в 1936 году. Во время рекламной акции выставки Дали выступил с лекцией о влиянии подсознания в водолазном костюме.
#moodgoodinspiration
По следам моего похода в Tate Modern в Лондоне.
В музее мы наткнулись на зал, где была представлена работа «Time Clock Piece» художника тайваньского происхождения Техчина Се (Tehching Hsieh). Беглым взглядом кажется, что на четырёх стенах зала висят одинаковые фотографии. Но это не так.
📸 Суть перфоманса была в том, что в течение года (с 1980 по 1981 год) он фотографировал себя каждый час. В начале проекта он побрился налысо, а под конец у него уже приличная шевелюра. В каждом столбце по 24 снимка (я считала!). Каждый час, днём и ночью, 365 дней.
По словам Техчина, этот перформанс – попытка «взглянуть на человеческое существование через призму времени».
На мой взгляд, эта работа и сам художник очень крутые! Он показывает, насколько сильными, терпеливыми и принимающими можем мы быть. Это выход за рамки, выход из зоны комфорта и создание себе иной реальности. Это работа с своим сознанием и умом. Представляете, как бы сопротивлялся ум, если бы вам пришлось такое сделать. Особенно ночью, когда вам надо каждый час вставать и делать снимок.
👍🏼 Вообще, у этого художника все проекты масштабные и длительные. Есть, например, проект «Outdoor Piece», когда он в течение года находился на улицах Нью-Йорка без крова над головой. Его задачей было не ходить ни в какие здания, машины, поезда, никуда.
Ещё был годовой проект «Cage Piece», когда он запер себя в деревянной клетке, где была только кровать и пару необходимых вещей. И запретил себе говорить, читать, писать, слушать радио, смотреть телевизор. Наверное, он целыми днями медитировал. Тут уж ничего больше и не остаётся. Он ни разу не покинул свою клетку. Перфоманс можно было увидеть лишь 1-2 раза в месяц.
#moodgoodinspiration
В музее мы наткнулись на зал, где была представлена работа «Time Clock Piece» художника тайваньского происхождения Техчина Се (Tehching Hsieh). Беглым взглядом кажется, что на четырёх стенах зала висят одинаковые фотографии. Но это не так.
📸 Суть перфоманса была в том, что в течение года (с 1980 по 1981 год) он фотографировал себя каждый час. В начале проекта он побрился налысо, а под конец у него уже приличная шевелюра. В каждом столбце по 24 снимка (я считала!). Каждый час, днём и ночью, 365 дней.
По словам Техчина, этот перформанс – попытка «взглянуть на человеческое существование через призму времени».
На мой взгляд, эта работа и сам художник очень крутые! Он показывает, насколько сильными, терпеливыми и принимающими можем мы быть. Это выход за рамки, выход из зоны комфорта и создание себе иной реальности. Это работа с своим сознанием и умом. Представляете, как бы сопротивлялся ум, если бы вам пришлось такое сделать. Особенно ночью, когда вам надо каждый час вставать и делать снимок.
👍🏼 Вообще, у этого художника все проекты масштабные и длительные. Есть, например, проект «Outdoor Piece», когда он в течение года находился на улицах Нью-Йорка без крова над головой. Его задачей было не ходить ни в какие здания, машины, поезда, никуда.
Ещё был годовой проект «Cage Piece», когда он запер себя в деревянной клетке, где была только кровать и пару необходимых вещей. И запретил себе говорить, читать, писать, слушать радио, смотреть телевизор. Наверное, он целыми днями медитировал. Тут уж ничего больше и не остаётся. Он ни разу не покинул свою клетку. Перфоманс можно было увидеть лишь 1-2 раза в месяц.
#moodgoodinspiration
Тони Крэгг «Новые камни, в цветах Ньютона», 1978 год
🗿Тони Крэгг – известный британский скульптор. Больше известен своими необычной формы скульптурами из бронзы, мрамора и дерева.
📌 Ранние работы он часто создавал из подручных средств.
Эта работа была частью серии, в которой художник объединял в цельные композиции различные предметы, которые он находил, например, на помойке. «Новые камни» состоят из кусков пластика, найденного им возле своего дома в Вуппертале, Германия.
«Так получилось, что чёрные, серебристые, печатные и повторяющиеся фрагменты были отбракованы. Зато оставшиеся я разложил равномерно на прямоугольном пространстве… по своей последовательности они повторяют спектр Ньютона: тёмно-красные, красные, оранжевые, жёлтые, зелёные, голубые, синие, фиолетовые.»
💭 Эта работа отражает поиски автором новых метафорических форм в скульптуре. Навевает мысли о том, что городской мусор для мегаполисов – всё равно, что опавшие листья для природы. Издалека работа похожа на радугу, но при близком рассмотрении видна бесполезность каждого элемента. Художник призывает зрителя обратить внимание на расточительность общества. Также провести параллель между повседневной жизнью и экологией.
#moodgoodinspiration
🗿Тони Крэгг – известный британский скульптор. Больше известен своими необычной формы скульптурами из бронзы, мрамора и дерева.
📌 Ранние работы он часто создавал из подручных средств.
Эта работа была частью серии, в которой художник объединял в цельные композиции различные предметы, которые он находил, например, на помойке. «Новые камни» состоят из кусков пластика, найденного им возле своего дома в Вуппертале, Германия.
«Так получилось, что чёрные, серебристые, печатные и повторяющиеся фрагменты были отбракованы. Зато оставшиеся я разложил равномерно на прямоугольном пространстве… по своей последовательности они повторяют спектр Ньютона: тёмно-красные, красные, оранжевые, жёлтые, зелёные, голубые, синие, фиолетовые.»
💭 Эта работа отражает поиски автором новых метафорических форм в скульптуре. Навевает мысли о том, что городской мусор для мегаполисов – всё равно, что опавшие листья для природы. Издалека работа похожа на радугу, но при близком рассмотрении видна бесполезность каждого элемента. Художник призывает зрителя обратить внимание на расточительность общества. Также провести параллель между повседневной жизнью и экологией.
#moodgoodinspiration
Жан-Мишель Баския «Две головы», 1982 год.
В октябре 1982 года в Нью-Йорке Жан-Мишель Баския был официально представлен Энди Уорхолу. Их встречу организовал арт-дилер Бруно Бишофбергер. Жану-Мишелю даже удалось продать Уорхолу несколько своих открыток. Они пообщались, Уорхол сделал несколько снимков Жана-Мишеля на свой «Полароид», и Баския попросил, чтобы их сняли вместе, после чего ушёл со встречи.
🎨 Спустя пару часов помощник Баскии доставил на «Фабрику» Уорхола (так называлась студия художника) полотно «Две головы», изображавшее обоих художников. Себя Баския написал в свойственном ему примитивистском стиле (улыбка и волосы словно излучают счастье от встречи с королем поп-арта). А Уорхол изображен в иной технике, более натурально.
Картина была доставлена Уорхолу полностью сырой, краски не успели просохнуть. Но для Баскии это было неважно. Помощнику пришлось идти несколько кварталов с картиной в руках, так как она не влезала в такси (а размером она 152.5×152.5 см).
✨ Жан-Мишель сумел произвести впечатление на Энди Уорхола. В тот день Уорхол, рассматривая подарок, сказал: «Он работает быстрее, чем я. Я по-настоящему завидую».
С этого дня началась их дружба.
#moodgoodinspiration
В октябре 1982 года в Нью-Йорке Жан-Мишель Баския был официально представлен Энди Уорхолу. Их встречу организовал арт-дилер Бруно Бишофбергер. Жану-Мишелю даже удалось продать Уорхолу несколько своих открыток. Они пообщались, Уорхол сделал несколько снимков Жана-Мишеля на свой «Полароид», и Баския попросил, чтобы их сняли вместе, после чего ушёл со встречи.
🎨 Спустя пару часов помощник Баскии доставил на «Фабрику» Уорхола (так называлась студия художника) полотно «Две головы», изображавшее обоих художников. Себя Баския написал в свойственном ему примитивистском стиле (улыбка и волосы словно излучают счастье от встречи с королем поп-арта). А Уорхол изображен в иной технике, более натурально.
Картина была доставлена Уорхолу полностью сырой, краски не успели просохнуть. Но для Баскии это было неважно. Помощнику пришлось идти несколько кварталов с картиной в руках, так как она не влезала в такси (а размером она 152.5×152.5 см).
✨ Жан-Мишель сумел произвести впечатление на Энди Уорхола. В тот день Уорхол, рассматривая подарок, сказал: «Он работает быстрее, чем я. Я по-настоящему завидую».
С этого дня началась их дружба.
#moodgoodinspiration
Я очень люблю Эллиотта Эрвитта. Он мастер поймать камерой уникальный момент. У него отличное чувство юмора. И он любит собак. Среди его работ много фотографий собак и хозяев со своими питомцами. У него есть даже несколько книг с собачьими портретами («Son of Bitch», «To the Dogs», «Dog Dogs», «Dogs»).
🐶 Как говорил Эллиотт: «Собаки это тоже люди, только более волосатые».
🐾 Первый снимок собаки фотограф сделал в середине 1940-х годов – маленький чихуахуа в свитере на асфальте.
Какие бы сюжеты ни снимал Эллиотт, во всём есть ирония и юмор. Он мог заметить абсурдные моменты даже в самых обычных жизненных ситуациях. О своих работах он писал: «Я хочу, чтобы изображения были эмоциональными. Мало что другое меня интересует в фотографии».
📸 Сейчас фотографу 86 лет, он живет в Нью-Йорке и продолжает работать, путешествуя по миру.
#moodgoodinspiration
🐶 Как говорил Эллиотт: «Собаки это тоже люди, только более волосатые».
🐾 Первый снимок собаки фотограф сделал в середине 1940-х годов – маленький чихуахуа в свитере на асфальте.
Какие бы сюжеты ни снимал Эллиотт, во всём есть ирония и юмор. Он мог заметить абсурдные моменты даже в самых обычных жизненных ситуациях. О своих работах он писал: «Я хочу, чтобы изображения были эмоциональными. Мало что другое меня интересует в фотографии».
📸 Сейчас фотографу 86 лет, он живет в Нью-Йорке и продолжает работать, путешествуя по миру.
#moodgoodinspiration
Швейцарский художник Фердинанд Ходлер писал невероятные пейзажи. Особенно, гор.
🎨 Известен художник тем, что разработал стиль, который назвал «параллелизм». Это симметричное расположение фигур в танцевальных или ритуальных позах. Ещё он часто изображал людей во время работы. Крутые картины, посмотрите в интернете.
Но сегодня хочу показать именно пейзажи. Они успокаивают и вдохновляют.
🏔 Ходлер видел в живописи средство выражения сильных чувств и жизненной энергии. Рисуя природу, он старался отразить в картине естественную природную красоту. Для него пейзажная живопись была философской: он испытывал трепет перед красотой природы и стремился постичь её законы, изучая местность, которую писал.
#moodgoodinspiration
🎨 Известен художник тем, что разработал стиль, который назвал «параллелизм». Это симметричное расположение фигур в танцевальных или ритуальных позах. Ещё он часто изображал людей во время работы. Крутые картины, посмотрите в интернете.
Но сегодня хочу показать именно пейзажи. Они успокаивают и вдохновляют.
🏔 Ходлер видел в живописи средство выражения сильных чувств и жизненной энергии. Рисуя природу, он старался отразить в картине естественную природную красоту. Для него пейзажная живопись была философской: он испытывал трепет перед красотой природы и стремился постичь её законы, изучая местность, которую писал.
#moodgoodinspiration
Рене Магритт «Голконда», 1953 год.
Название картины «Голконда» бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта – это ребус, который заставляет зрителя задуматься о связи сюжета и названия.
💎 Голконда – древняя индийская крепость, легендарный центр добычи алмазов и символ богатства. То есть на полотне не просто «дождь из мужиков», как может показаться на первый взгляд. Хотя может и так.
🎩 Искусствоведы полагают, что расположение мужчин в котелках на полотне напоминает кристаллическую структуру алмаза.
Сначала мужчины кажутся безликой стеной, но если присмотреться, можно заметить, что каждый из героев отличается от других (у кого-то есть портфель, кто-то повёрнут справо, а у кого-то — рука в кармане). Строгий костюм, котелок, невзрачные цвета.
💭«Котелок — самый неоригинальный головной убор, удивления не вызывает. Человек в котелке — это господин Посредственность при всей своей анонимности. Я тоже ношу котелок, у меня нет особого желания выделяться из массы», — говорил Магритт.
Как среди изображенных мужчин нет идентичных, так и среди алмазов нет двух одинаковых.
Сам Магритт говорил, что картина олицетворяет одноликость толпы и одиночество индивидуума, который может прикоснуться к настоящей жизни лишь во сне.
📍Картина находится в частной коллекции «Menil Collection» в Хьюстоне.
#moodgoodinspiration
Название картины «Голконда» бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта – это ребус, который заставляет зрителя задуматься о связи сюжета и названия.
💎 Голконда – древняя индийская крепость, легендарный центр добычи алмазов и символ богатства. То есть на полотне не просто «дождь из мужиков», как может показаться на первый взгляд. Хотя может и так.
🎩 Искусствоведы полагают, что расположение мужчин в котелках на полотне напоминает кристаллическую структуру алмаза.
Сначала мужчины кажутся безликой стеной, но если присмотреться, можно заметить, что каждый из героев отличается от других (у кого-то есть портфель, кто-то повёрнут справо, а у кого-то — рука в кармане). Строгий костюм, котелок, невзрачные цвета.
💭«Котелок — самый неоригинальный головной убор, удивления не вызывает. Человек в котелке — это господин Посредственность при всей своей анонимности. Я тоже ношу котелок, у меня нет особого желания выделяться из массы», — говорил Магритт.
Как среди изображенных мужчин нет идентичных, так и среди алмазов нет двух одинаковых.
Сам Магритт говорил, что картина олицетворяет одноликость толпы и одиночество индивидуума, который может прикоснуться к настоящей жизни лишь во сне.
📍Картина находится в частной коллекции «Menil Collection» в Хьюстоне.
#moodgoodinspiration
Phillip K Smith III «Lucid Stead», 2013
Американский художник Phillip K Smith III преобразовал 70-летнюю лачугу в классную инсталляцию «Lucid Stead» («Прозрачный дом»).
🏚 Он вставил зеркальные панели между деревянными досками, чтоб создать иллюзию прозрачности дома. Двери и окна здания также отделаны зеркалами. Создаётся впечатление, что сквозь здание видишь спрятавшийся за ним пейзаж.
✨ С наступлением темноты окна и двери превращаются в яркие прямоугольники, которые меняют оттенки благодаря системе светодиодного освещения и компьютерной системы Arduino.
💭 По словам Филлипа, он хотел показать взаимодействие света, тени и отражений. «Когда вы замедляетесь и входите в единый ритм с пустыней, проект начинает раскрываться перед вами».
📍Инсталляция находится (или находилась) в пустынной местности Национального парка Joshua Tree в Калифорнии.
#moodgoodinspiration
Американский художник Phillip K Smith III преобразовал 70-летнюю лачугу в классную инсталляцию «Lucid Stead» («Прозрачный дом»).
🏚 Он вставил зеркальные панели между деревянными досками, чтоб создать иллюзию прозрачности дома. Двери и окна здания также отделаны зеркалами. Создаётся впечатление, что сквозь здание видишь спрятавшийся за ним пейзаж.
✨ С наступлением темноты окна и двери превращаются в яркие прямоугольники, которые меняют оттенки благодаря системе светодиодного освещения и компьютерной системы Arduino.
💭 По словам Филлипа, он хотел показать взаимодействие света, тени и отражений. «Когда вы замедляетесь и входите в единый ритм с пустыней, проект начинает раскрываться перед вами».
📍Инсталляция находится (или находилась) в пустынной местности Национального парка Joshua Tree в Калифорнии.
#moodgoodinspiration
Поль Сезанн «Игроки в карты», 1892-1893 год.
♠️ Работа французского живописца Поля Сезанна является одной из пяти картин в серии «Игроки в карты». Эти картины художник писал в период 1890-1895 годов. С каждой последующей картины он уменьшал количество изображенных на ней людей и удалял лишние детали интерьера.
♥️ За пять лет, что он писал «Игроков в карты», Сезанн создал множество эскизов и написал несколько портретов персонажей с картин. Автор писал: «Я люблю всех, кто живет и стареет, не стараясь изменить обычаи, кто спокойно позволяет себе жить в соответствии с законами времени». На его картинах главными героями становятся простые французские крестьяне из Прованса, его родного края, которые сидят за столом местного кафе и играют в карты. Он по много раз усаживал героев в разные позы и смотрел, как будет выглядеть полотно с разных ракурсов.
♣️ Во время выставки в Париже в 1961 году «Игроки в карты» были украдены из музея с другими картинами. Как их вернули неясно: одни источники говорят, что картины были возвращены несколько месяцев спустя после уплаты выкупа, а другие утверждают, что картины были найдены через год в Марселе в заброшенном автомобиле.
♦️Чтобы показать трагизм возможной утраты этой работы для Франции, была выпущена почтовая марка, посвященная воровству картин.
📍Сейчас картина находится в семейном собрании королевской династии Катара, которое в 2012 году купило её за 250 миллионов долларов.
#moodgoodinspiration
♠️ Работа французского живописца Поля Сезанна является одной из пяти картин в серии «Игроки в карты». Эти картины художник писал в период 1890-1895 годов. С каждой последующей картины он уменьшал количество изображенных на ней людей и удалял лишние детали интерьера.
♥️ За пять лет, что он писал «Игроков в карты», Сезанн создал множество эскизов и написал несколько портретов персонажей с картин. Автор писал: «Я люблю всех, кто живет и стареет, не стараясь изменить обычаи, кто спокойно позволяет себе жить в соответствии с законами времени». На его картинах главными героями становятся простые французские крестьяне из Прованса, его родного края, которые сидят за столом местного кафе и играют в карты. Он по много раз усаживал героев в разные позы и смотрел, как будет выглядеть полотно с разных ракурсов.
♣️ Во время выставки в Париже в 1961 году «Игроки в карты» были украдены из музея с другими картинами. Как их вернули неясно: одни источники говорят, что картины были возвращены несколько месяцев спустя после уплаты выкупа, а другие утверждают, что картины были найдены через год в Марселе в заброшенном автомобиле.
♦️Чтобы показать трагизм возможной утраты этой работы для Франции, была выпущена почтовая марка, посвященная воровству картин.
📍Сейчас картина находится в семейном собрании королевской династии Катара, которое в 2012 году купило её за 250 миллионов долларов.
#moodgoodinspiration
Lita Albuquerque, Stellar Axis: Antarctica, 2006
❄️ Безлюдная белая Антарктика. И синие шары. Художница из Калифорнии Лита Альбукерке в 2006 году создала необычную инсталляцию на Южном полюсе Земли. Назвала её «Звёздная ось». 99 сфер – это уменьшенные прототипы звёзд Солнечной системы.
💫 Инсталляция показывает положение звёзд над полюсом в период летнего солнцестояния. Пропорции и расстояния между шарами соответствуют размерам и расположению реальных звёзд. Получилась звёздная карта на арктическом льду.
🎒Экспедиция на полюс состоялась благодаря гранту Национального научного фонда (National Science Foundation). Помимо художницы в неё вошли фотограф Jean de Pomereu, астроном Simon Balm и режиссёры-документалисты Lionel Cousin и Sophie Pegrum. Эта инсталляция стала первой масштабной работой в этом месте.
Лита часто использует окружающую среду, как полотно для своих работ.
#moodgoodinspiration
❄️ Безлюдная белая Антарктика. И синие шары. Художница из Калифорнии Лита Альбукерке в 2006 году создала необычную инсталляцию на Южном полюсе Земли. Назвала её «Звёздная ось». 99 сфер – это уменьшенные прототипы звёзд Солнечной системы.
💫 Инсталляция показывает положение звёзд над полюсом в период летнего солнцестояния. Пропорции и расстояния между шарами соответствуют размерам и расположению реальных звёзд. Получилась звёздная карта на арктическом льду.
🎒Экспедиция на полюс состоялась благодаря гранту Национального научного фонда (National Science Foundation). Помимо художницы в неё вошли фотограф Jean de Pomereu, астроном Simon Balm и режиссёры-документалисты Lionel Cousin и Sophie Pegrum. Эта инсталляция стала первой масштабной работой в этом месте.
Лита часто использует окружающую среду, как полотно для своих работ.
#moodgoodinspiration
Эдвард Хоппер «Полуночники», 1942 год
Наверное, это самая известная работа американского художника Эдварда Хоппера.
👤 По признанию художника, она пронизана ощущением одиночества, которое порой чувствует человек в большом городе. Хоппер вообще мастер изображать одиночество.
Источником вдохновения для «Полуночников», по словам Хоппера, послужило «кафе на Гринвич Стрит, на углу, где встречаются две улицы». В настоящее время на его месте находится автостоянка.
🎨 Хоппер начал работу над картиной сразу же после нападения на Перл-Харбор, когда по всем Штатам распространилось чувство подавленности, переданное в картине. На полотне изображены ночные посетители закусочной, погружённые в собственные мысли. На картине нет ни одного видимого выхода наружу из этого заведения, что ещё больше нагнетает чувство ограниченности и замкнутости.
Создание картины заняло около шести недель.
✨ «Полуночники» стала культовым произведением искусства в США. Аллюзии и пародии на эту картинку встречаются в фильмах, книгах, песнях. Том Уэйтс назвал один из своих альбомов Nighthawks at the Diner («Полуночники в закусочной»). Работа повлияла на облик города в фильме «Бегущий по лезвию» Ридли Скотта. Это одно из любимых произведений Дэвида Линча. Сейчас на неё создано огромное количество пародий. Можно сказать, работа даже превратилась в мем. Симпсоны в кафе, Гриффины, космонавты, акулы, мотоциклы около закусочной, зомби, космические корабли, чего только нет.
📍Картина находится в Чикагском институте искусств.
#moodgoodinspiration
Наверное, это самая известная работа американского художника Эдварда Хоппера.
👤 По признанию художника, она пронизана ощущением одиночества, которое порой чувствует человек в большом городе. Хоппер вообще мастер изображать одиночество.
Источником вдохновения для «Полуночников», по словам Хоппера, послужило «кафе на Гринвич Стрит, на углу, где встречаются две улицы». В настоящее время на его месте находится автостоянка.
🎨 Хоппер начал работу над картиной сразу же после нападения на Перл-Харбор, когда по всем Штатам распространилось чувство подавленности, переданное в картине. На полотне изображены ночные посетители закусочной, погружённые в собственные мысли. На картине нет ни одного видимого выхода наружу из этого заведения, что ещё больше нагнетает чувство ограниченности и замкнутости.
Создание картины заняло около шести недель.
✨ «Полуночники» стала культовым произведением искусства в США. Аллюзии и пародии на эту картинку встречаются в фильмах, книгах, песнях. Том Уэйтс назвал один из своих альбомов Nighthawks at the Diner («Полуночники в закусочной»). Работа повлияла на облик города в фильме «Бегущий по лезвию» Ридли Скотта. Это одно из любимых произведений Дэвида Линча. Сейчас на неё создано огромное количество пародий. Можно сказать, работа даже превратилась в мем. Симпсоны в кафе, Гриффины, космонавты, акулы, мотоциклы около закусочной, зомби, космические корабли, чего только нет.
📍Картина находится в Чикагском институте искусств.
#moodgoodinspiration
Николай Рерих «Путь в Шамбалу»
Картина относится к зрелому периоду творчества русского художника Николая Рериха. Для Рериха горы были священными творениями природы. Он был уверен, что в них скрыта великая тайна, которая поможет всему человечеству. Рерих с женой провел много лет, путешествуя по Индии, Китаю, Тибету и восхищаясь горами.
🌄 Картина «Путь в Шамбалу» входит в серию работ, посвященных Гималаям. Он написал их немало.
Во время путешествия по Азии Рерих узнал о Шамбале. Этой страны нет на карте, никто не знает, где она находится. Все упоминания об этом месте Рерих узнал из книг и легенд. Считается, если найти Шамбалу, то человечество обретет великие знания. И что вход туда находится внутри горы в районе Тибета или близлежащих стран Азии. Вероятно, именно эту гору изобразил художник.
✨ На переднем плане изображены темные горы. А за туманом – та самая гора. Вершина освещена солнцем. Изображая солнечное свечение на горе, художник хотел показать, что именно эта гора и является ключом к разгадке тайн.
❕Кстати, до 15 октября на ВДНХ идёт выставка «Рерихи. Сохраняя культуру». Я пока не была, но планирую сходить.
http://vdnh.ru/events/vystavki/rerikhi-sokhranyaya-kulturu-na-vdnkh/
#moodgoodinspiration
Картина относится к зрелому периоду творчества русского художника Николая Рериха. Для Рериха горы были священными творениями природы. Он был уверен, что в них скрыта великая тайна, которая поможет всему человечеству. Рерих с женой провел много лет, путешествуя по Индии, Китаю, Тибету и восхищаясь горами.
🌄 Картина «Путь в Шамбалу» входит в серию работ, посвященных Гималаям. Он написал их немало.
Во время путешествия по Азии Рерих узнал о Шамбале. Этой страны нет на карте, никто не знает, где она находится. Все упоминания об этом месте Рерих узнал из книг и легенд. Считается, если найти Шамбалу, то человечество обретет великие знания. И что вход туда находится внутри горы в районе Тибета или близлежащих стран Азии. Вероятно, именно эту гору изобразил художник.
✨ На переднем плане изображены темные горы. А за туманом – та самая гора. Вершина освещена солнцем. Изображая солнечное свечение на горе, художник хотел показать, что именно эта гора и является ключом к разгадке тайн.
❕Кстати, до 15 октября на ВДНХ идёт выставка «Рерихи. Сохраняя культуру». Я пока не была, но планирую сходить.
http://vdnh.ru/events/vystavki/rerikhi-sokhranyaya-kulturu-na-vdnkh/
#moodgoodinspiration
vdnh.ru
«Рерихи. Сохраняя культуру» на ВДНХ
4 сентября 2018 года Государственный музей Востока и Музей Рерихов (филиал ГМВ) открывают в павильоне №13 «Здравоохранение» на ВДНХ масштабную художественную выставку «Рерихи. Сохраняя культуру», которая приурочена к большому юбилею — 100-летию со дня основания…
Зинаида Серебрякова «За завтраком»
Картина написана в 1914 году. За столом сидят трое старших детей художницы: 8-летний Женя, 7-летний Саша и 2-летняя Таня. Дочки Кати за столом нет, ей всего год. Отдельный персонаж – руки взрослого, разливающие суп. Возможно, это бабушка или няня.
🍵 В доме Серебряковых был принят европейский режим питания: утром подавался «маленький завтрак» (обычно булочка и молоко в районе 8 утра), а в полдень – плотный второй завтрак, похожий на обед. Поэтому иногда эту картину называют «За обедом».
💛 Эта работа – одно из самых интимных и трогательных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета.
📍Картина находится в Государственной Третьяковской галерее.
#moodgoodinspiration
Картина написана в 1914 году. За столом сидят трое старших детей художницы: 8-летний Женя, 7-летний Саша и 2-летняя Таня. Дочки Кати за столом нет, ей всего год. Отдельный персонаж – руки взрослого, разливающие суп. Возможно, это бабушка или няня.
🍵 В доме Серебряковых был принят европейский режим питания: утром подавался «маленький завтрак» (обычно булочка и молоко в районе 8 утра), а в полдень – плотный второй завтрак, похожий на обед. Поэтому иногда эту картину называют «За обедом».
💛 Эта работа – одно из самых интимных и трогательных произведений Серебряковой. Она на долгие годы стала образцом семейного и детского портрета.
📍Картина находится в Государственной Третьяковской галерее.
#moodgoodinspiration
Дэвид Хокни «Шоссе Пирблоссом, 11-18 апреля 1986»
🌴Монументальная работа «Шоссе Пирблоссом, 11-18 апреля 1986» английского художника Дэвида Хокни – с одной стороны картина, с другой фотография. Художник говорил о ней так: «Мои друзья-фотографы утверждают, что это картина, а я считаю, что это фотография».
Хокни рассказывал, что работа задумывалась как своего рода иллюстрация к одному из эпизодов романа «Лолита» Владимира Набокова, в котором Гумберт Гумберт ездит в поисках своей возлюбленной по американскому Юго-Западу.
📸 За время работы над коллажем Хокни сделал несколько тысяч фотоснимков. И около 750 из них были собраны в единое целое, превратившись в картину. Весь процесс занял девять дней. Художник признавался, что самая большая сложность возникла с небом – каждый день и в разное время суток оно меняет цвет и фактуру. А при этом небо должно было занимать треть пространства. Хокни проявил свои художественные способности по максимуму: «вырисовывал» небо чистого яркого голубого цвета из снимков, сделанных в разное время.
💛 Впервые работа была представлена публике в 1988 году в Музее искусств Лос-Анджелеса. С того самого дня за ней начал охоту куратор отдела фотографий Музея Гетти Уэстон Неф. Хокни не хотел продавать картину, но Нефу удалось переубедить художника в 1997 году, рассказав ему о новых технических возможностях музея, позволявших между экспозициями держать коллаж в холодном хранилище, чтобы сохранить цвета. Сумма, за которую музей приобрел это полотно, никогда не разглашалась.
📍Работа находится в Музее Гетти в Лос-Анжелесе.
#moodgoodinspiration
🌴Монументальная работа «Шоссе Пирблоссом, 11-18 апреля 1986» английского художника Дэвида Хокни – с одной стороны картина, с другой фотография. Художник говорил о ней так: «Мои друзья-фотографы утверждают, что это картина, а я считаю, что это фотография».
Хокни рассказывал, что работа задумывалась как своего рода иллюстрация к одному из эпизодов романа «Лолита» Владимира Набокова, в котором Гумберт Гумберт ездит в поисках своей возлюбленной по американскому Юго-Западу.
📸 За время работы над коллажем Хокни сделал несколько тысяч фотоснимков. И около 750 из них были собраны в единое целое, превратившись в картину. Весь процесс занял девять дней. Художник признавался, что самая большая сложность возникла с небом – каждый день и в разное время суток оно меняет цвет и фактуру. А при этом небо должно было занимать треть пространства. Хокни проявил свои художественные способности по максимуму: «вырисовывал» небо чистого яркого голубого цвета из снимков, сделанных в разное время.
💛 Впервые работа была представлена публике в 1988 году в Музее искусств Лос-Анджелеса. С того самого дня за ней начал охоту куратор отдела фотографий Музея Гетти Уэстон Неф. Хокни не хотел продавать картину, но Нефу удалось переубедить художника в 1997 году, рассказав ему о новых технических возможностях музея, позволявших между экспозициями держать коллаж в холодном хранилище, чтобы сохранить цвета. Сумма, за которую музей приобрел это полотно, никогда не разглашалась.
📍Работа находится в Музее Гетти в Лос-Анжелесе.
#moodgoodinspiration
Кацусика Хокусай «Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)», 1823—1831 гг.
Картина входит в известный цикл работ «36 видов Фудзи», которую художник начал в 70-летнем возрасте. Это цикл стал каноном его творчества и классической японской гравюры в целом.
🗻 На гравюре изображен вид горы Фудзияма, какой она может быть поздним летом либо ранней осенью при особых погодных условиях (ветер южного направления, безоблачное небо): будучи освещенной лучами восходящего солнца, гора начинает отсвечивать красным.
💙 Особенность всей серии «36 видов Фудзи» – при ее создании использовался особый оттенок синего цвета, который носил название «Берлинский индиго». В то время это был новый пигмент, завезенный в Японию голландскими купцами.
Несмотря на название цикла, самостоятельно священная гора появляется всего на двух гравюрах. На всех остальных ее заснеженный пик является декорацией, на фоне которой разыгрываются либо повседневные сценки из жизни разных сословий и бушуют стихии, либо разворачиваются живописные ландшафты с участием животных.
Это гравюра Хокусая самая лаконичная, квинтэссенция японского минимализма. Несколько цветов, одинокая гора и небо.
📍Метрополитен-музей, Нью-Йорк
#moodgoodinspiration
Картина входит в известный цикл работ «36 видов Фудзи», которую художник начал в 70-летнем возрасте. Это цикл стал каноном его творчества и классической японской гравюры в целом.
🗻 На гравюре изображен вид горы Фудзияма, какой она может быть поздним летом либо ранней осенью при особых погодных условиях (ветер южного направления, безоблачное небо): будучи освещенной лучами восходящего солнца, гора начинает отсвечивать красным.
💙 Особенность всей серии «36 видов Фудзи» – при ее создании использовался особый оттенок синего цвета, который носил название «Берлинский индиго». В то время это был новый пигмент, завезенный в Японию голландскими купцами.
Несмотря на название цикла, самостоятельно священная гора появляется всего на двух гравюрах. На всех остальных ее заснеженный пик является декорацией, на фоне которой разыгрываются либо повседневные сценки из жизни разных сословий и бушуют стихии, либо разворачиваются живописные ландшафты с участием животных.
Это гравюра Хокусая самая лаконичная, квинтэссенция японского минимализма. Несколько цветов, одинокая гора и небо.
📍Метрополитен-музей, Нью-Йорк
#moodgoodinspiration