Начиная с ковидных времен, музеи вместе с ВОЗ стали больше думать о том, какой эффект искусство оказывает на наше состояние. А упоминания о healing art, исцеляющем искусстве, в инфополе взлетели кратно.
К слову, этот термин признан медицинским сообществом — даже врачи стали выписывать походы в музей в качестве дополнения к терапии. Все потому что ученые доказали: нам полезно смотреть на прекрасное. Но как это работает? Вот, что говорит нейропсихолог Тара Суорт:
Все, что мы воспринимаем как эстетически приятное, дает мозгу сигнал о том, что мы в безопасности.
Раз у нас есть возможность рассматривать картины — значит, мы находимся не в режиме выживания. А когда мы намеренно делаем паузы, чтобы окружить себя красотой, насладиться ей, мы приучаем себя к более радостной и спокойной жизни.
Свое исследование на эту же тему делали в МоМА в Нью-Йорке. Они записывали подкасты, где люди описывали, как терапевтично на них повлияло искусство. Трогает история Кристофера Бейли, главы отдела искусства и здравоохранения в ВОЗ. Он поделился, что из-за глаукомы теряет зрение, но когда смотрит на «Кувшинки» Моне, то «не чувствует тревоги или страха, а просто наслаждается радостью цвета».
Со мной все эти смыслы очень созвучны. В 2022 году открытие Postrigay Gallery стало для меня способом справиться со стрессом. А термин healing art хорошо описывает то искусство, которое я подбираю для наших выставок. Я ищу художников, чье творчество передает радость, душевное тепло, спокойствие. Которое обнимает.
Вы можете прочувствовать это на себе. До 11 февраля в моей Галерее в Москве еще открыта выставка «Safe place» — это то место, куда вы можете прийти и выдохнуть. Варя Выборова пишет дом, множество деталей интерьера теплыми и яркими красками. Глядя на ее работы, можно найти что-то близкое для себя, погрузиться в комфортное и безопасное место.
А к какому искусству идете вы, чтобы на время забыть все тревоги? Поделитесь в комментариях🤍
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
OP-POP-ART
На какую тему мне сделать эфир?
Больше всего голосов набрала: «Чем отличаются художники разных стран мира» 🔥
Отличный выбор, соглашаюсь с ним и возвращаюсь к вам с датой и временем эфира — вся информация ПО ССЫЛКЕ 👈👈
Мне захотелось сделать этот эфир таким, чтобы мы не просто классно пообщались об искусстве. Но также я могла передать вам конкретный навык — научить самостоятельно понимать и различать живопись разных стран и эпох.
Представьте: вы идете по Эрмитажу и встречаете в Зале голландской живописи картину:
— Какие детали расскажут об исторических и социальных явлениях места, где она была написана?
— Что считывали в этом сюжете современники художника, и чему он хотел их научить?
— Как на этот сюжет могло повлиять окружение мастера: заказчики, политики, религия и церковь?
Уже собираю для вас материалы готовлю много интересного: рассмотрим символику французского и голландского натюрморта, различия между пейзажами наших и американских художников, живопись разных регионов Италии.
Если вас интересуют какие-то конкретные примеры в рамках нашего разговора, напишите их в комментариях, я постараюсь учесть🙏
И скажите: довольны ли вы, что победила именно эта тема?)) Мне уже не терпится снова лично увидеться с вами
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Вчера я написала, что на моем эфире вы научитесь самостоятельно понимать и различать живопись разных стран и эпох 🧐
Если еще не зарегистрировались — эфир тут 👈
Как этот навык работает на практике? Давайте на время выключимся из вечерних забот, потренируемся в ожидании нашей встречи и вглядимся в полотна Эль Греко 👆
Он соединил в своем творчестве несколько живописных традиций. Каких? Давайте совершим короткий трип по его биографии и ответим на этот вопрос.
Локация 1: Крит. Здесь художник родился и обучился иконописи у византийских мастеров. Это умение оставило след — он всю жизнь пишет различных святых, их даже выделили в отдельный цикл «Апостоладес».
Родина навсегда осталась с ним в еще одной детали. Подписи на греческом: «Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, Κρής», Доменикос Теотокопулос, критянин сделал.
Локация 2: Италия. Он переезжает сюда, чтобы учиться у лучших. Сначала перенимает черты позднего Ренессанса у Тициана: начинает писать людей с опорой на анатомию, выбирает яркие и контрастные краски. А потом знакомится с Тинторетто и, наконец, находит свой стиль.
Маньеризм! Но как его вычислить, спросите? А вот прямые черты: раз — непропорциональные фигуры; два — слишком много эмоций и манерности; три — позы у героев неудобные.
Локация 3: Испания. В Италии художник не смог прославиться, а тут получилось. Испанский след можно обнаружить в сюжетах его полотен: он пишет собор из Галисии на фоне Апостола Иакова и похороны Графа Оргаса, уроженца Толедо.
Кстати, именно испанцы не могли выговорить зубодробительное Доменикос Теотокопулос😬 И назвали художника коротко и ясно: Эль Греко!
Итог: один художник, три страны и живописных манеры.
К эфиру я готовлю много таких примеров. Когда пойдете в музей, сможете также по одному полотну рассказать своим спутникам: мол, это черта чисто итальянской школы, а воот это…))
Как думаете, почему у Эль Греко не пошли дела в Италии? Если не догадаетесь, напишу ответ завтра в комментариях к этому посту 😉
Если еще не зарегистрировались — эфир тут 👈
Как этот навык работает на практике? Давайте на время выключимся из вечерних забот, потренируемся в ожидании нашей встречи и вглядимся в полотна Эль Греко 👆
Он соединил в своем творчестве несколько живописных традиций. Каких? Давайте совершим короткий трип по его биографии и ответим на этот вопрос.
Локация 1: Крит. Здесь художник родился и обучился иконописи у византийских мастеров. Это умение оставило след — он всю жизнь пишет различных святых, их даже выделили в отдельный цикл «Апостоладес».
Родина навсегда осталась с ним в еще одной детали. Подписи на греческом: «Δομήνικος Θεοτοκόπουλος, Κρής», Доменикос Теотокопулос, критянин сделал.
Локация 2: Италия. Он переезжает сюда, чтобы учиться у лучших. Сначала перенимает черты позднего Ренессанса у Тициана: начинает писать людей с опорой на анатомию, выбирает яркие и контрастные краски. А потом знакомится с Тинторетто и, наконец, находит свой стиль.
Маньеризм! Но как его вычислить, спросите? А вот прямые черты: раз — непропорциональные фигуры; два — слишком много эмоций и манерности; три — позы у героев неудобные.
Локация 3: Испания. В Италии художник не смог прославиться, а тут получилось. Испанский след можно обнаружить в сюжетах его полотен: он пишет собор из Галисии на фоне Апостола Иакова и похороны Графа Оргаса, уроженца Толедо.
Кстати, именно испанцы не могли выговорить зубодробительное Доменикос Теотокопулос😬 И назвали художника коротко и ясно: Эль Греко!
Итог: один художник, три страны и живописных манеры.
К эфиру я готовлю много таких примеров. Когда пойдете в музей, сможете также по одному полотну рассказать своим спутникам: мол, это черта чисто итальянской школы, а воот это…))
Как думаете, почему у Эль Греко не пошли дела в Италии? Если не догадаетесь, напишу ответ завтра в комментариях к этому посту 😉
В комментариях под постом о Jacquemus вы написали, что читать про ⚔️ пересечения моды и искусства, особенно интересно, этот же запрос был популярен в моем опросе. Поэтому я решила вам сегодня рассказать про фотографа Энни Лейбовиц.
В ее фэшн-фотографии можно найти много отсылок к живописи, причем классической — с 17 по 19 века. Она очень хорошо знает искусство этого периода: перенимает принципы построения композиции и сочетания цветов.
В глянцевых фото Лейбовиц рубежа 90-х-начала нулевых можно найти барочные принципы. Первый — избыточность. Всего слишком много: тел, блестящей одежды, контрастов. Второй — динамика. Одежда падает и извивается, люди двигаются. При этом фотограф никакие полотна напрямую не повторяет, только следует законам жанра этого периода.
Позже она стала буквально цитировать картины 19-20 веков. Можно сказать: нет фантазии — просто взяла и скопировала! Но в случае с Энни это обвинение не работает. Мы с вами уже говорили, что вся история искусства построена на диалоге художников друг с другом.
Так и Лейбовиц — она не копирует полотна в лоб, а на основе чужих идей собирает собственные фотошедевры. К тому же, материалы для них роскошные — платья от Alexander McQueen, Vera Wang, Olivier Theyskens и Alexander Wang.
Сможете угадать, кого из художников цитирует Лейбовиц?☝️
1. Фредерик Лейтон, «Пылающий июнь»
2. Густав Климт, «Портрет Рии Мунк»
3. Андерс Цорн, «Портрет Френсис Кливленд Престон»
4. Винсент Ван Гог, «Молодая Японка»
5. Феликс Валлоттон, «Возвращение c моря»
6. Рене Магритт, «Вечернее платье»
Наша героиня — пример того, как много дает насмотренность. База знаний в истории искусства помогает стилистам, дизайнерам, фотографам увереннее чувствовать себя в профессии: находить новые идеи, фактуру, цветовые решения. И выходить из творческих кризисов, потому что под рукой всегда есть источник идей от гениев)
Делитесь, скольких художников угадали в фотографиях Энни?
В ее фэшн-фотографии можно найти много отсылок к живописи, причем классической — с 17 по 19 века. Она очень хорошо знает искусство этого периода: перенимает принципы построения композиции и сочетания цветов.
В глянцевых фото Лейбовиц рубежа 90-х-начала нулевых можно найти барочные принципы. Первый — избыточность. Всего слишком много: тел, блестящей одежды, контрастов. Второй — динамика. Одежда падает и извивается, люди двигаются. При этом фотограф никакие полотна напрямую не повторяет, только следует законам жанра этого периода.
Позже она стала буквально цитировать картины 19-20 веков. Можно сказать: нет фантазии — просто взяла и скопировала! Но в случае с Энни это обвинение не работает. Мы с вами уже говорили, что вся история искусства построена на диалоге художников друг с другом.
Так и Лейбовиц — она не копирует полотна в лоб, а на основе чужих идей собирает собственные фотошедевры. К тому же, материалы для них роскошные — платья от Alexander McQueen, Vera Wang, Olivier Theyskens и Alexander Wang.
Сможете угадать, кого из художников цитирует Лейбовиц?☝️
2. Густав Климт, «Портрет Рии Мунк»
3. Андерс Цорн, «Портрет Френсис Кливленд Престон»
4. Винсент Ван Гог, «Молодая Японка»
5. Феликс Валлоттон, «Возвращение c моря»
6. Рене Магритт, «Вечернее платье»
Наша героиня — пример того, как много дает насмотренность. База знаний в истории искусства помогает стилистам, дизайнерам, фотографам увереннее чувствовать себя в профессии: находить новые идеи, фактуру, цветовые решения. И выходить из творческих кризисов, потому что под рукой всегда есть источник идей от гениев)
Делитесь, скольких художников угадали в фотографиях Энни?
Вчера в Музее русского импрессионизма открылась выставка «Группа "13". В переулках эпохи». Тема не избитая и крайне интересная.
«13» — московская группа раннесоветских художников, которая существовала всего три года (1929–1931) и провела две выставки. Название закрепилось после первой — по числу участников. Но затем состав круга менялся, так что суммарно к нему относят 21 автора.
Собственных манифестов или теорий они не разрабатывали, во главу угла противостояние идеологии не ставили, так что называть их «авангардистами» будет не совсем верно. Это просто были свободные, образованные эстеты. Они хотели и писали все живо, не сковывали себя принципами академизма.
Их зовут лириками живописи. Художники группы, что мне близко, подчеркивали тонкую красоту повседневности: в их работах много воздуха, света, легкости. Да и сами они так описывали главную черту своего творчества: «здоровое и радостное восприятие жизни, чуждое готических изломов и душевной неуравновешенности». Кажется, это идеальный призыв сходить на выставку))
О тринадцати вспомнили и много писали в перестройку, потом подзабыли. Так что проект музея под кураторством Надежды Плунгян можно назвать новым этапом осмысления искусства этой группы. Здесь проследили, как художники развивались уже после войны и какую живопись писали в стол — всего в экспозиции 10 разделов.
Напрямую участники группы «13» никому не подражали, но на выставке здорово подсветили влияние на них французов. Например, полотна Даниила Дарана соотнесли с Дега и Тулуз-Лотреком. Хочешь-не хочешь, но параллель там отчетливая: виртуозный рисунок, оборванная композиция, балерины! Про других спойлерить не буду, но подобных сопоставлений там немало)
Многие мне писали, что импрессионизм — то искусство, в которое хочется спрятаться от тревог. Так что эта выставка — мой рекомендасьон для вас. Cозерцаем светлое искусство и ждем весны)
Как сходите, делитесь впечатлениями в комментариях
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM