Пара (хотя кого я обманываю, на самом деле пара сотен) слов о двух фильмах из вчерашней подборки. Один текст написан почти десять лет назад, второй - в этом году
Корчак
«Не хочу быть евреем!», в отчаянии крикнет Юзек, безнадёжно влюблённый в девушку, которая только что попросила его больше не подходить к ней «чтобы не было неприятностей». И на эти слова у Януша Корчака не найдётся ответа.
Он расскажет своему воспитаннику о любви и ненависти, отговорит от самоубийства и отыщет лучик надежды даже в тёмном, мрачном мире гетто. Но наедине с собой он, конечно, не может не признавать: быть евреем всегда было непросто, а на данном отрезке истории просто невыносимо. Особенно если ты старый еврей. Тем более, если ты старый больной еврей. Не говоря уже о старом больном еврее, на попечении которого двести детей.
К сожалению или к счастью, Юзек, в силу молодости, юношеского романтизма и воспитания, данного Старым Доктором, не осознаёт всего безумия происходящего, а взрослые сделают всё возможное, чтобы их воспитанники, от мала до велика, как можно позже пришли к этому пониманию, создавая свой маленький мирок. Место, где существуют справедливость и демократия в истинном, гуманистическом смысле слова. Островок покоя, где есть забота, участие и настоящая любовь. Надёжный тыл, который дети будут чувствовать до самого конца. Даже в газовой камере.
Говоря о «Корчаке» Анджея Вайды легко отвлечься от фильма в угоду главному герою, и это неудивительно. Чёрно-белая плёнка, умелый монтаж, вплетающий в игровое кино кадры кинохроники, удивительное сходство Войцеха Пшоняка со Старым Доктором делают своё дело, в результате чего лента выглядит практически документальной.
А рассказываемая история, начинающаяся для многих зрителей с конца, со знания о поступке директора сиротского приюта, отказавшегося бросить своих детей и пошедшего вместе с ними на смерть, кажется, не оставляет возможности не восхищаться героизмом пана Корчака, урождённого Хенрика Гольдшмидта. Между тем, несмотря на очевидный финал, фильм сосредоточивается не на Корчаке-герое, а на Корчаке-индивидуальности, выдающейся личности, лишённой, однако, какого-либо ореола святости.
С первых слов главного героя становится понятно, что режиссёр далёк от вознесения и возвеличивания Старого Доктора. Подобно тому, как когда-то Корчак организовал в сиротском приюте самоуправление, предложив детям самостоятельно судить тех, кто оступился или сознательно совершил что-то противоречащее законам совести, Анджей Вайда сознательно отстраняется от декларирования собственного мнения.
Если учитель — худший тиран для ребёнка, то режиссёр является таковым для зрителя, так что достаточно лишь максимально честно, без выведения какой-либо морали, рассказать историю, предоставив смотрящему возможность сделать выводы самому. Поэтому рассказ о жизни Корчака начинается не с сентября 1939 года. Ведь до этого было несколько десятилетий работы с детьми, и не все они были довольны полученным воспитанием, обвиняя своего наставника в том, что идеализм и вера в лучшее делают выпускников беззащитными и неприспособленными к настоящей жизни, полной войн и революций. Однако не его вина, что зерно, брошенное Гитлером, упало на благодатную почву мелкого бытового антисемитизма, господствующего в Польше практически повсеместно, и отнюдь не война сделала существование евреев невыносимым.
#архивное@ochenraznoekino
#польша@ochenraznoekino
👇 👇 👇
«Не хочу быть евреем!», в отчаянии крикнет Юзек, безнадёжно влюблённый в девушку, которая только что попросила его больше не подходить к ней «чтобы не было неприятностей». И на эти слова у Януша Корчака не найдётся ответа.
Он расскажет своему воспитаннику о любви и ненависти, отговорит от самоубийства и отыщет лучик надежды даже в тёмном, мрачном мире гетто. Но наедине с собой он, конечно, не может не признавать: быть евреем всегда было непросто, а на данном отрезке истории просто невыносимо. Особенно если ты старый еврей. Тем более, если ты старый больной еврей. Не говоря уже о старом больном еврее, на попечении которого двести детей.
К сожалению или к счастью, Юзек, в силу молодости, юношеского романтизма и воспитания, данного Старым Доктором, не осознаёт всего безумия происходящего, а взрослые сделают всё возможное, чтобы их воспитанники, от мала до велика, как можно позже пришли к этому пониманию, создавая свой маленький мирок. Место, где существуют справедливость и демократия в истинном, гуманистическом смысле слова. Островок покоя, где есть забота, участие и настоящая любовь. Надёжный тыл, который дети будут чувствовать до самого конца. Даже в газовой камере.
Говоря о «Корчаке» Анджея Вайды легко отвлечься от фильма в угоду главному герою, и это неудивительно. Чёрно-белая плёнка, умелый монтаж, вплетающий в игровое кино кадры кинохроники, удивительное сходство Войцеха Пшоняка со Старым Доктором делают своё дело, в результате чего лента выглядит практически документальной.
А рассказываемая история, начинающаяся для многих зрителей с конца, со знания о поступке директора сиротского приюта, отказавшегося бросить своих детей и пошедшего вместе с ними на смерть, кажется, не оставляет возможности не восхищаться героизмом пана Корчака, урождённого Хенрика Гольдшмидта. Между тем, несмотря на очевидный финал, фильм сосредоточивается не на Корчаке-герое, а на Корчаке-индивидуальности, выдающейся личности, лишённой, однако, какого-либо ореола святости.
«Я люблю детей, но я не жертвую собой ради них. Я делаю это для себя. Не верьте речам о самопожертвовании. Они лживы и лицемерны».
С первых слов главного героя становится понятно, что режиссёр далёк от вознесения и возвеличивания Старого Доктора. Подобно тому, как когда-то Корчак организовал в сиротском приюте самоуправление, предложив детям самостоятельно судить тех, кто оступился или сознательно совершил что-то противоречащее законам совести, Анджей Вайда сознательно отстраняется от декларирования собственного мнения.
Если учитель — худший тиран для ребёнка, то режиссёр является таковым для зрителя, так что достаточно лишь максимально честно, без выведения какой-либо морали, рассказать историю, предоставив смотрящему возможность сделать выводы самому. Поэтому рассказ о жизни Корчака начинается не с сентября 1939 года. Ведь до этого было несколько десятилетий работы с детьми, и не все они были довольны полученным воспитанием, обвиняя своего наставника в том, что идеализм и вера в лучшее делают выпускников беззащитными и неприспособленными к настоящей жизни, полной войн и революций. Однако не его вина, что зерно, брошенное Гитлером, упало на благодатную почву мелкого бытового антисемитизма, господствующего в Польше практически повсеместно, и отнюдь не война сделала существование евреев невыносимым.
#архивное@ochenraznoekino
#польша@ochenraznoekino
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥2😢2💔1
Обозначив предпосылки появления принципов Старого Доктора, которыми тот не поступился до самого конца, Вайда, однако, старается описать его характер максимально объективно, отдавая себе отчёт в том, что далеко не все поступки пана директора могут вызвать полное приятие и понимание.
«Человек без чести», по его собственному выражению, пошедший на поклон к предателям, в надежде любой ценой раздобыть деньги на еду для воспитанников, наотрез отказывается от того, чтобы отдать хотя бы некоторых детей в семьи, где они с большей вероятностью выживут. Переживший несколько войн и повидавший всякое, он наивно верит в лживые лицемерные обещания «сильных мира сего», сулящие неприкосновенность приютов.
Умеющий находить нужные слова в любой ситуации, способный, кажется, развести руками любую беду, он сознательно готовит детей к принятию неизбежного конца, настаивая на праве ребёнка не только на полноценную, человеческую, жизнь, но и в равной степени на человеческую смерть.
Неоднозначность образа Корчака в сочетании с метафоричным финалом не могла не сказаться на судьбе картины. Несмотря на тёплый зрительский приём в Каннах, фильм никогда не был в широком прокате из-за обвинений режиссёра в антисемитизме — по мнению критиков, Вайда целенаправленно избегал упоминания участия поляков в геноциде евреев, а смерть детей в Треблинке представил как своеобразное спасение.
Однако обличители предпочли не заметить того, что антагонистом главного героя является не война как таковая, а жизнь, в которой несправедливости, жестокости и предательства становится слишком много. При этом совсем неважно, на каком языке разговаривают люди-носители нового порядка.
Немецкий язык звучит только в разговорах Корчака с гестаповцами. Молча, но с видимым удовольствием, человек снимает на камеру горы трупов на улицах. Молчит солдат, охраняющий стену, окружающую гетто. Молчат санитары, раздевающие мёртвую женщину и бросающие её в груду точно таких же голых и беззащитных покойников, не дав маленькому сыну попрощаться с матерью.
Именно от нарастающего безумия этого мира и пытается укрыть Корчак своих воспитанников. В своём мини-государстве, в доме с заколоченными окнами и строгим запретом выходить на улицу. В иллюзии увеселительной прогулки во время последнего шествия по городу из гетто на вокзал. В тёмном страшном вагоне поезда. Порядочность по Корчаку — защита тех, кто тебе доверяет, до самого конца. И в этом нет никакого героизма. Он сделал это для себя. Просто потому что не смог иначе
(2017 год)
#архивное@ochenraznoekino #польша@ochenraznoekino
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥2😢2👍1💔1
24/200 Летят журавли
Сюжет этого фильма часто описывают одной фразой: «невеста не дождалась своего жениха после того, как он ушёл на фронт во время войны». Просто, банально, и идеально вписывается в привычку делить мир на чёрное и белое, упрощая сложное и пытаясь одним движением распутать клубок противоречивых чувств.
В «Летят журавли» случилось удивительное совпадение видения сценариста, оператора и режиссёра, тройственный союз которых смог создать то самое настоящее кино, которое мгновенно погружает в историю, позволяя вынырнуть спустя полтора часа, и совершенно другим человеком. Виктор Розов, Сергей Урусевский и Михаил Колатозов предлагают зрителю историю ярком опьянении юностью и влюблённостью, в мгновение сменяющуюся горьким похмельем разрушенных надежд и вечного ожидания.
Война здесь оказывается беспощадной силой, разрушающей жизнь до основания, предлагая взамен лишь воспоминания и мечты, которым никогда не суждено сбыться, боль утраты и яд разочарования, в том числе и в себе.
Любопытно, что неоднозначность всех трёх ключевых персонажей особенно ярко, кажется, раскрывается именно в контексте современной истории. Не получается разложить происходящее на хорошее и плохое, правильное и неправильное, как бы ни хотелось раз и навсегда отделить условных героев от не менее условных злодеев.
Самое неуютное, забирающееся под кожу ощущение, от которого хочется немедленно избавиться – понимание поступков каждого из них. И тем больнее видится заключительная сцена встречи вернувшихся с войны, где радостные крики и бравурные речи глушит бьющееся в висках «никогда»
#ссср@ochenraznoekino
Сюжет этого фильма часто описывают одной фразой: «невеста не дождалась своего жениха после того, как он ушёл на фронт во время войны». Просто, банально, и идеально вписывается в привычку делить мир на чёрное и белое, упрощая сложное и пытаясь одним движением распутать клубок противоречивых чувств.
В «Летят журавли» случилось удивительное совпадение видения сценариста, оператора и режиссёра, тройственный союз которых смог создать то самое настоящее кино, которое мгновенно погружает в историю, позволяя вынырнуть спустя полтора часа, и совершенно другим человеком. Виктор Розов, Сергей Урусевский и Михаил Колатозов предлагают зрителю историю ярком опьянении юностью и влюблённостью, в мгновение сменяющуюся горьким похмельем разрушенных надежд и вечного ожидания.
Война здесь оказывается беспощадной силой, разрушающей жизнь до основания, предлагая взамен лишь воспоминания и мечты, которым никогда не суждено сбыться, боль утраты и яд разочарования, в том числе и в себе.
Любопытно, что неоднозначность всех трёх ключевых персонажей особенно ярко, кажется, раскрывается именно в контексте современной истории. Не получается разложить происходящее на хорошее и плохое, правильное и неправильное, как бы ни хотелось раз и навсегда отделить условных героев от не менее условных злодеев.
Самое неуютное, забирающееся под кожу ощущение, от которого хочется немедленно избавиться – понимание поступков каждого из них. И тем больнее видится заключительная сцена встречи вернувшихся с войны, где радостные крики и бравурные речи глушит бьющееся в висках «никогда»
#ссср@ochenraznoekino
❤2👍1🔥1💔1
25/200 Вечность
После смерти Джоан попадает туда, где в итоге оказываются все умершие – на перевалочный пункт для душ. Ей даётся неделя, чтобы определиться, где и с кем она проведёт свою вечность, однако проблема в том, что есть два кандидата: недавно почивший муж, с которым она прожила больше 60 лет, и первый муж, трагически погибший во время войны
Что же выбрать, проверенного человека, с которым уже есть своё счастливое прошлое, или несбывшуюся мечту и непрожитую жизнь, которая, возможно, окажется ещё счастливее?
Синопис звучит весьма притягательно, однако фантазия Дэвида Фрейна (сценариста и режиссёра в одном лице) не пошла дальше любопытной идеи. Фильм просто удивительно уныл, все персонажи на редкость плоские и на протяжение двух часов зритель не узнает о них ничего, кроме того, что главная героиня красива, её первый муж идеален, а второй…тоже почти идеален
Конфликт, априори существенный, здесь видится совершенно высосанным из пальца – оба претендента на вечность вяло переругиваются друг с другом, так же вяло надираются в местном баре, вяло бьют друг другу морду и вяло повторяют одни и те же слова, которые по какой-то неведомой причине должны убедить жену отдать предпочтение конкретному кандидату
Джоан, в свою очередь, вяло истерит, мечется от одного красавчика к другому и постоянно охает, чтобы выразить всю сложность судьбоносного выбора. При этом всё трио ключевых персонажей выглядит на редкость невыразительно, и остаётся только изумляться, насколько бездарно, можно использовать актёрские способности Майлза Теллера и Элизабет Олсен
Мир, потенциально богатый и сложносочинённый, оказывается буквально нарисован на холсте – варианты вечностей, в которые в итоге попадают герои, мало чем отличаются от намалёванных на куске брезента розовых облаков за окном гостиничного номера в перевалочном пункте. Два второплановых персонажа выглядят максимально карикатурными, безбожно переигрывают и отлично бы смотрелись в каком-нибудь дешёвом немом фильме начала двадцатого века, когда все эмоции надо было изображать максимально нарочито, чтобы дошло даже до самого циничного зрителя на самом дальнем ряду. На этом фоне интрига, кого же выберет Джоан, теряется уже на вязком старте, а псевдострадания и терзания выглядят особенно манипулятивными по отношению к зрителю
Мне откровенно повезло, что я не пошла на это в кино, представляю, как бы я страдала в кинотеатре. Ну а на ту же тему лучше уж посмотреть «Прошлые жизни» Селин Сон – там тоже история о выборе между успешным настоящим и любовной истории, которой не случилось, вот только снято на порядок тоньше и глубже
#сша@ochenraznoekino
После смерти Джоан попадает туда, где в итоге оказываются все умершие – на перевалочный пункт для душ. Ей даётся неделя, чтобы определиться, где и с кем она проведёт свою вечность, однако проблема в том, что есть два кандидата: недавно почивший муж, с которым она прожила больше 60 лет, и первый муж, трагически погибший во время войны
Что же выбрать, проверенного человека, с которым уже есть своё счастливое прошлое, или несбывшуюся мечту и непрожитую жизнь, которая, возможно, окажется ещё счастливее?
Синопис звучит весьма притягательно, однако фантазия Дэвида Фрейна (сценариста и режиссёра в одном лице) не пошла дальше любопытной идеи. Фильм просто удивительно уныл, все персонажи на редкость плоские и на протяжение двух часов зритель не узнает о них ничего, кроме того, что главная героиня красива, её первый муж идеален, а второй…тоже почти идеален
Конфликт, априори существенный, здесь видится совершенно высосанным из пальца – оба претендента на вечность вяло переругиваются друг с другом, так же вяло надираются в местном баре, вяло бьют друг другу морду и вяло повторяют одни и те же слова, которые по какой-то неведомой причине должны убедить жену отдать предпочтение конкретному кандидату
Джоан, в свою очередь, вяло истерит, мечется от одного красавчика к другому и постоянно охает, чтобы выразить всю сложность судьбоносного выбора. При этом всё трио ключевых персонажей выглядит на редкость невыразительно, и остаётся только изумляться, насколько бездарно, можно использовать актёрские способности Майлза Теллера и Элизабет Олсен
Мир, потенциально богатый и сложносочинённый, оказывается буквально нарисован на холсте – варианты вечностей, в которые в итоге попадают герои, мало чем отличаются от намалёванных на куске брезента розовых облаков за окном гостиничного номера в перевалочном пункте. Два второплановых персонажа выглядят максимально карикатурными, безбожно переигрывают и отлично бы смотрелись в каком-нибудь дешёвом немом фильме начала двадцатого века, когда все эмоции надо было изображать максимально нарочито, чтобы дошло даже до самого циничного зрителя на самом дальнем ряду. На этом фоне интрига, кого же выберет Джоан, теряется уже на вязком старте, а псевдострадания и терзания выглядят особенно манипулятивными по отношению к зрителю
Мне откровенно повезло, что я не пошла на это в кино, представляю, как бы я страдала в кинотеатре. Ну а на ту же тему лучше уж посмотреть «Прошлые жизни» Селин Сон – там тоже история о выборе между успешным настоящим и любовной истории, которой не случилось, вот только снято на порядок тоньше и глубже
#сша@ochenraznoekino
26/200 Мать Мария
Поп-звезда готовится к своему возвращению на сцену после десятилетнего перерыва. Чтобы исполнить ключевую песню шоу, ей нужно платье, которое может создать только Сэм – дизайнер и подруга, общение с которой было прервано много лет назад
Дэвид Лоури выкручивает возможности кинематографа на максимум, смешивая несколько жанров воедино. Подобно сложной театральной декорации «Мать Мария» из минималистичной постановки перетекает в яркое концертное шоу, из хоррора – в драму и обратно, как ртуть постоянно меняя свою форму, оставаясь в постоянном движении, ни на секунду не позволяя зрителю отвлечься
Вроде бы простая с виду история стремительно обрастает всё новыми и новыми деталями и подробностями, при этом постоянно балансируя где-то на грани пафосного кринжа и сложносочинённого глубокого визионерского перформанса. Философские монологи превращаются в нечто, похожее на хиты начала нулевых, банальные метафоры моментально высмеиваются самими персонажами, очевидность переплетается с нарочитой недосказанностью, и всё это держится на безусловном режиссёрском таланте Лоури и актёрском – Энн Хэтэуэй, для которой фильм становится совершенным бенефисом, и Микейлы Коул, которая просто обязана сыграть в каком-нибудь следующем фильме Джордана Пила
«Мать Мария» построена на контрастах – чёрное и белое (в том числе в буквальном смысле слова), демонстрируемая сила и тщательно скрываемая ранимость, Дарио Ардженто и Питер Стрикленд в качестве источников вдохновения, возможное несуществование одной из героинь (вот только какой?)
Несмотря на то, что периодически Лоури грешит излишней прямолинейностью, он максимально сдержан, как только речь заходит о главной идее его фильма. Это может быть история о созависимости и о том, что для окончательного разрыва нужны двое. Или рассказ о попытке отделить свою индивидуальность от образа, пока маска не приросла навсегда и не стало слишком поздно. Или способ прожить горевание, ведь любимый человек ушёл так внезапно и так нелепо. Режиссёр ловко сплетает возможные смыслы, до самого конца оставляя зрителю вариативность трактовок
Разве не так должно выглядеть настоящее кино?
#великобритания@ochenraznoekino
Поп-звезда готовится к своему возвращению на сцену после десятилетнего перерыва. Чтобы исполнить ключевую песню шоу, ей нужно платье, которое может создать только Сэм – дизайнер и подруга, общение с которой было прервано много лет назад
Дэвид Лоури выкручивает возможности кинематографа на максимум, смешивая несколько жанров воедино. Подобно сложной театральной декорации «Мать Мария» из минималистичной постановки перетекает в яркое концертное шоу, из хоррора – в драму и обратно, как ртуть постоянно меняя свою форму, оставаясь в постоянном движении, ни на секунду не позволяя зрителю отвлечься
Вроде бы простая с виду история стремительно обрастает всё новыми и новыми деталями и подробностями, при этом постоянно балансируя где-то на грани пафосного кринжа и сложносочинённого глубокого визионерского перформанса. Философские монологи превращаются в нечто, похожее на хиты начала нулевых, банальные метафоры моментально высмеиваются самими персонажами, очевидность переплетается с нарочитой недосказанностью, и всё это держится на безусловном режиссёрском таланте Лоури и актёрском – Энн Хэтэуэй, для которой фильм становится совершенным бенефисом, и Микейлы Коул, которая просто обязана сыграть в каком-нибудь следующем фильме Джордана Пила
«Мать Мария» построена на контрастах – чёрное и белое (в том числе в буквальном смысле слова), демонстрируемая сила и тщательно скрываемая ранимость, Дарио Ардженто и Питер Стрикленд в качестве источников вдохновения, возможное несуществование одной из героинь (вот только какой?)
Несмотря на то, что периодически Лоури грешит излишней прямолинейностью, он максимально сдержан, как только речь заходит о главной идее его фильма. Это может быть история о созависимости и о том, что для окончательного разрыва нужны двое. Или рассказ о попытке отделить свою индивидуальность от образа, пока маска не приросла навсегда и не стало слишком поздно. Или способ прожить горевание, ведь любимый человек ушёл так внезапно и так нелепо. Режиссёр ловко сплетает возможные смыслы, до самого конца оставляя зрителю вариативность трактовок
Разве не так должно выглядеть настоящее кино?
#великобритания@ochenraznoekino
👍3🔥2
27/200 Дьявол носит Prada 2
Прошло двадцать лет с тех пор, как Энди Сакс демонстративно уволилась из «Подиума», выбросив мобильник в фонтан на площади Согласия. Тогда она выбрала серьёзную, в её понимании, журналистику, и теперь пожинает плоды своих трудов, получая премию за лучшую статью.
Однако триумф омрачается внезапным увольнением, и миз Сакс придётся делать нелёгкий выбор – либо продать душу (да, снова), и написать скандальную книгу о своей работе с Мирандой Пристли, либо пойти копирайтером в галерею лучшей подруги. Впрочем, есть и третий вариант. Главный редактор «Подиума» оказалась втянута в репутационный скандал, и с этим срочно надо что-то делать. Неожиданно Энди получает предложение помочь Миранде выпутаться из неприятной ситуации, а заодно и снова поработать там, где всё когда-то начиналось.
Дэвид Френкел действительно делает ставку на ностальгию, но его стремление насытить сиквел максимальным количеством отсылок на предыдущий фильм очень скоро начинает казаться откровенно избыточным. Безусловно, все эти одинаковые, но не одинаковые пояса, супчик в столовой, сумки в подарок, Очень Важный Показ в очередной столице моды, вызывают понятную радость узнавания, однако соблюсти баланс между самоиронией и самоповтором становится всё сложнее с каждым новым эпизодом.
Мир за двадцать лет очевидно изменился, и авторы это отлично понимают, но прописать адекватную трансформацию персонажей словно не представляется возможным, так что поначалу главные героини будут вызывать скорее жалость, чем искреннее сопереживание. Семидесятилетняя Миранда, которая не помнит ни одну из своих самых ярких ассистенток, ни куда положила очки, и сорокалетняя Энди, всё так же суетливо пытающаяся заслужить одобрение бывшей начальницы – время их не пощадило, так что попытка спасти «Подиум» похожа скорее на комический акт отчаяния, чем на слаженный тандем двух умных и самодостаточных женщин.
Впрочем, и сама по себе идея вернуть журналу интерес аудитории выглядит довольно спорно. Непререкаемый авторитет в сочетании с чувством стиля и времени остался только в по-прежнему безупречных образах миз Пристли, и сколько бы ассистентки не произносили её имя с придыханием, образ жёсткого и токсичного босса, уверенно ведущего компанию к процветанию, неизбежно подменяется гораздо более человечной и упрощённой Мирандой, которую хочется с почестями отправить на пенсию, чтобы она наконец-то расслабилась и начала получать удовольствие от жизни.
Две трети фильма Френкел активно подменяет дела словами, постоянно озвучивая то, что мало совпадает с предлагаемой картинкой. В какой-то момент кажется, что «Дьявол носит Prada 2» – это такая ленивая попытка подзаработать на сентиментальных фанатах, ведь сюжет буквально повторяет предыдущий фильм во всех ключевых моментах, и предсказуемость не идёт ему на пользу. Вместо рукописи нового «Гарри Поттера» – интервью с суперзвездой, вместо Парижа – Милан, но какая разница, если в итоге главная героиня снова ничего не поймёт в закулисных интригах и будет рваться спасать того, кто видит ситуацию на несколько шагов вперёд
👇 👇 👇
Прошло двадцать лет с тех пор, как Энди Сакс демонстративно уволилась из «Подиума», выбросив мобильник в фонтан на площади Согласия. Тогда она выбрала серьёзную, в её понимании, журналистику, и теперь пожинает плоды своих трудов, получая премию за лучшую статью.
Однако триумф омрачается внезапным увольнением, и миз Сакс придётся делать нелёгкий выбор – либо продать душу (да, снова), и написать скандальную книгу о своей работе с Мирандой Пристли, либо пойти копирайтером в галерею лучшей подруги. Впрочем, есть и третий вариант. Главный редактор «Подиума» оказалась втянута в репутационный скандал, и с этим срочно надо что-то делать. Неожиданно Энди получает предложение помочь Миранде выпутаться из неприятной ситуации, а заодно и снова поработать там, где всё когда-то начиналось.
Дэвид Френкел действительно делает ставку на ностальгию, но его стремление насытить сиквел максимальным количеством отсылок на предыдущий фильм очень скоро начинает казаться откровенно избыточным. Безусловно, все эти одинаковые, но не одинаковые пояса, супчик в столовой, сумки в подарок, Очень Важный Показ в очередной столице моды, вызывают понятную радость узнавания, однако соблюсти баланс между самоиронией и самоповтором становится всё сложнее с каждым новым эпизодом.
Мир за двадцать лет очевидно изменился, и авторы это отлично понимают, но прописать адекватную трансформацию персонажей словно не представляется возможным, так что поначалу главные героини будут вызывать скорее жалость, чем искреннее сопереживание. Семидесятилетняя Миранда, которая не помнит ни одну из своих самых ярких ассистенток, ни куда положила очки, и сорокалетняя Энди, всё так же суетливо пытающаяся заслужить одобрение бывшей начальницы – время их не пощадило, так что попытка спасти «Подиум» похожа скорее на комический акт отчаяния, чем на слаженный тандем двух умных и самодостаточных женщин.
Впрочем, и сама по себе идея вернуть журналу интерес аудитории выглядит довольно спорно. Непререкаемый авторитет в сочетании с чувством стиля и времени остался только в по-прежнему безупречных образах миз Пристли, и сколько бы ассистентки не произносили её имя с придыханием, образ жёсткого и токсичного босса, уверенно ведущего компанию к процветанию, неизбежно подменяется гораздо более человечной и упрощённой Мирандой, которую хочется с почестями отправить на пенсию, чтобы она наконец-то расслабилась и начала получать удовольствие от жизни.
Две трети фильма Френкел активно подменяет дела словами, постоянно озвучивая то, что мало совпадает с предлагаемой картинкой. В какой-то момент кажется, что «Дьявол носит Prada 2» – это такая ленивая попытка подзаработать на сентиментальных фанатах, ведь сюжет буквально повторяет предыдущий фильм во всех ключевых моментах, и предсказуемость не идёт ему на пользу. Вместо рукописи нового «Гарри Поттера» – интервью с суперзвездой, вместо Парижа – Милан, но какая разница, если в итоге главная героиня снова ничего не поймёт в закулисных интригах и будет рваться спасать того, кто видит ситуацию на несколько шагов вперёд
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥2
На этом фоне постоянное наличие оттенков голубого почти в любом образе Энди выглядит ещё более чрезмерным, ведь все мы помним культовый монолог Миранды о том, как лазурный путешествует из коллекций haute couture через prêt-à-porter прямиком в какой-нибудь H&M, где какая-нибудь юная и независимая купит пуловер такого цвета, чтобы продемонстрировать социуму, насколько ей наплевать на моду.
Однако всё это наносное, ведь мир действительно изменился. Кажущаяся свобода обернулась необходимостью постоянно понижать голос и тщательно выбирать выражения, так что все действительно актуальные вопросы – от засилья ИИ до тренда на боди-позитив – останутся парой неловких шуток, вложенных в уста нужных персонажей. Тем не менее, Френкел всё же находит способ пообщаться со зрителем и показать своё видение добра и зла, пусть и делает это шёпотом.
Достаточно одного брошенного вскользь намёка – в реплике Найджела о Ричарде Аведоне и Африке – чтобы концовка, такая карамельно-счастливая, воспринималась гораздо менее однозначно. Отсылка на культовое фото «Довима и слоны», до сих пор смущающее своей дихотомичностью архетипа Чудовища, идеально накладывается на финальный эпизод, в котором Энди щеголяет в жилетке, недвусмысленно напоминающей тот самый лазурный свитер.
С одной стороны, всё получилось, и главная героиня вернулась в «Подиум» на своих условиях. Вот только своей работой она обязана не только и не столько уму, навыкам, профессиональному опыту, сколько решению человека, имеющего гораздо больше власти и влияния. Так рассказ про торжество справедливости в декорациях модных показов оборачивается историей маленького человека, даже не осознающего ограниченность своих возможностей в системе. Это всё.
#сша@ochenraznoekino
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍2🔥2😍2❤1
Я не договорила😅 Про "Дьявол носит Prada 2", а конкретно про Аведона.
В фильме Найджел вскользь упоминает, что ездил с Аведоном в Африку.
Ричард Аведон – один из самых популярных модных фотографов. Африка – отсылка на его самое известное фото.
Иногда его ещё называют «Красавица и чудовище», причём чудовище здесь – человек за кадром, тот, кто заковал слонов в цепи. Точно так же в фильме настоящий дьявол остаётся за кадром
Есть версия, что чудовище на фото Аведона ещё и сам фотограф, который использует и модель, и слонов в своих интересах, просто ради красивого кадра.
В «Дьявол носит Prada 2» прослеживается похожая идея: настоящий дьявол уж конечно не Миранда, а тот, кто выстроил систему, которой подчиняется и она, и Энди. Свобода воли здесь – только красивая иллюзия. Либо ты играешь по правилам, либо система тебя пережёвывает
#сша@ochenraznoekino
В фильме Найджел вскользь упоминает, что ездил с Аведоном в Африку.
Ричард Аведон – один из самых популярных модных фотографов. Африка – отсылка на его самое известное фото.
Иногда его ещё называют «Красавица и чудовище», причём чудовище здесь – человек за кадром, тот, кто заковал слонов в цепи. Точно так же в фильме настоящий дьявол остаётся за кадром
Есть версия, что чудовище на фото Аведона ещё и сам фотограф, который использует и модель, и слонов в своих интересах, просто ради красивого кадра.
В «Дьявол носит Prada 2» прослеживается похожая идея: настоящий дьявол уж конечно не Миранда, а тот, кто выстроил систему, которой подчиняется и она, и Энди. Свобода воли здесь – только красивая иллюзия. Либо ты играешь по правилам, либо система тебя пережёвывает
#сша@ochenraznoekino
🔥3👍2😍1
28,29/200 Убить Билла: Кровавое дело целиком
Откровенно говоря, я сомневалась, насколько хорошей идеей окажется идти в кино на четыре с половиной часа Тарантино, даже с небольшим антрактом. Но в результате это пока одно из самых ярких киновпечатлений года.
Когда я смотрела впервые, лет десять назад, мне явно не хватало насмотренности и понимания кино. Тогда я сосредоточилась на сюжете, а на другие детали обращала преступно мало внимания. Помню, что все японские главы показались мне тогда неоправданно кровавыми. Что ж, прошло время, и сейчас я именно в эту часть фильма просто влюбилась, причём с неожиданной стороны.
Оказалось, там совершенно потрясающие музыкальные решения, которые тогда, в первый раз, совершенно от меня ускользнули. А сейчас я сидела в кинотеатре и поражалась, как можно было сначала придумать, а потом так органично внедрить какой-то совершенно безумный микс «Одинокого пастуха» с типичным звучанием семидесятых, джазовой аранжировки Римского-Корсакова, вайбов Shocking Blue шестидесятых), испанских мотивов и в финале японской песни. При этом ни один эпизод, ни одна мелодия не выбивается из визуального ряда, и определённая ирония чувствуется, и всё как будто так и надо. Потрясающе, просто незабываемо
#сша@ochenraznoekino
Откровенно говоря, я сомневалась, насколько хорошей идеей окажется идти в кино на четыре с половиной часа Тарантино, даже с небольшим антрактом. Но в результате это пока одно из самых ярких киновпечатлений года.
Когда я смотрела впервые, лет десять назад, мне явно не хватало насмотренности и понимания кино. Тогда я сосредоточилась на сюжете, а на другие детали обращала преступно мало внимания. Помню, что все японские главы показались мне тогда неоправданно кровавыми. Что ж, прошло время, и сейчас я именно в эту часть фильма просто влюбилась, причём с неожиданной стороны.
Оказалось, там совершенно потрясающие музыкальные решения, которые тогда, в первый раз, совершенно от меня ускользнули. А сейчас я сидела в кинотеатре и поражалась, как можно было сначала придумать, а потом так органично внедрить какой-то совершенно безумный микс «Одинокого пастуха» с типичным звучанием семидесятых, джазовой аранжировки Римского-Корсакова, вайбов Shocking Blue шестидесятых), испанских мотивов и в финале японской песни. При этом ни один эпизод, ни одна мелодия не выбивается из визуального ряда, и определённая ирония чувствуется, и всё как будто так и надо. Потрясающе, просто незабываемо
#сша@ochenraznoekino
❤3👍2
Ну что, финал «Эйфории» получился таким же беззубым и невнятным, как и весь третий сезон. Те персонажи, которых оставили хоть в каком-то виде, никак не развиваются, они стали плоскими и практически одноплановыми. Большая часть из них появляются в третьем сезоне просто чтобы чем-то забить экранное время. Взять ту же линию Джулс, например, которая возникает только для мучительных длинных планов и рисование картин сомнительной художественной ценности.
Пара неплохих сцен принципиально сути не меняют.
Ру могла спокойно умереть и, допустим, в конце второго сезона, несколько дополнительных неправильных выборов не развивает её как персонажа, и даже тема религии не выстреливает. Да и фразу о том, что зависимым не поможет сострадание точно так же можно было сказать в конце второго сезона и пришлось бы к месту.
Интересные идеи спрятались в разбросанных по всему сезону отсылках, и не реализовались, зато на первый план вышла драма ради драмы и шок ради шока. Сериал полностью лишился своей ДНК и мутировал в невнятную и необязательную смесь спагетти-вестерна, плохих клипов нулевых и рекламы достоинств вебкама, да ещё под пенсионерские скрипочки Ханса Циммера, который саундтрек как будто на сдачу писал. Впрочем, надо признать, его музыка здесь полностью соответствует общему вайбу сезона – такая безвкусная, прилипающая к зубам жвачка.
Левинсон как будто уже окончательно растерял свой стиль, а может, просто решил срубить бабла не заморачиваясь. Зрители ведь всё равно поведутся на темы секса, насилия, денег и религии, так что качественный сценарий писать совсем необязательно
#сериал@ochenraznoekino
Пара неплохих сцен принципиально сути не меняют.
Ру могла спокойно умереть и, допустим, в конце второго сезона, несколько дополнительных неправильных выборов не развивает её как персонажа, и даже тема религии не выстреливает. Да и фразу о том, что зависимым не поможет сострадание точно так же можно было сказать в конце второго сезона и пришлось бы к месту.
Интересные идеи спрятались в разбросанных по всему сезону отсылках, и не реализовались, зато на первый план вышла драма ради драмы и шок ради шока. Сериал полностью лишился своей ДНК и мутировал в невнятную и необязательную смесь спагетти-вестерна, плохих клипов нулевых и рекламы достоинств вебкама, да ещё под пенсионерские скрипочки Ханса Циммера, который саундтрек как будто на сдачу писал. Впрочем, надо признать, его музыка здесь полностью соответствует общему вайбу сезона – такая безвкусная, прилипающая к зубам жвачка.
Левинсон как будто уже окончательно растерял свой стиль, а может, просто решил срубить бабла не заморачиваясь. Зрители ведь всё равно поведутся на темы секса, насилия, денег и религии, так что качественный сценарий писать совсем необязательно
#сериал@ochenraznoekino
👍3
30/200 Обсессия
Парень по имени Беар давно и безнадёжно влюблён в свою подругу детства Никки. Сейчас они выросли, вместе работают в музыкальном магазине, ходят на квизы, в общем, проводят время как и должны его проводить старые добрые друзья. В один далеко не прекрасный день Беар в случайно оказывается в магазине эзотерических сувениров и покупает волшебную палочку – стоит её сломать, загадав желание, и оно мгновенно исполнится. В отчаянии он загадывает, чтобы Никки любила его больше всего на свете… но результат довольно скоро начинает его по-настоящему пугать, ведь девушка становится одержима и явно не испытывает от этого удовольствия.
«Обсессия» бьёт все рекорды проката, умудряясь с каждой неделе только увеличивать сборы, и это вроде бы должно стать мерилом успеха, когда срабатывает сарафанное радио и люди искренне рекомендуют друг другу фильм.
Но мне вообще не понравилось
Идея занятная, и подобного рода хоррор может оказаться удачным способом в лёгкой форме поговорить на серьёзные темы. Но режиссёр такой задачи не ставил, и то, за что хвалят это кино, кажется в большей степени зрительской интерпретацией собственных ожиданий и жизненного опыта, чем тем, чем фильм является на самом деле.
Начинается всё неплохо, но довольно скоро выясняется, что Карри Баркер (сценарист и режиссёр в одном лице) предпочитает напрямую экранизировать самые популярные стереотипы о созависимости, выдавая это за абсурдистский юмор. Работает через раз, и кринжа в подобном насаждении нелепостей гораздо больше, чем комизма.
Самую интересную мысль автор затронул по касательной, буквально одним предложением и кажется, что вообще случайно, однако именно она могла бы сделать фильм глубже и многограннее, чем получилось в итоге. В одном из диалогов с Никки, когда Беар понимает, что её чувство противоречит её естеству, он в отчаянии спрашивает, неужели его нельзя любить по собственной воле. В этом сквозит и вполне понятная по-человечески обида, и уязвлённое эго, которое в конечном счёте и толкает героя на поступки, доводящие до точки невозврата. Однако Баркеру интереснее не сущность проблемы, а её обёртка, так что в детали он предпочитает не углубляться, а жаль.
В итоге фильм производит странное впечатление – там, где нет откровенного натурализма и мерзостей, он становится просто скучен, и даже прошлогоднее «Одно целое» выглядит, иронично, более цельным. Впрочем, для исполнителей главных ролей такой старт можно счесть настоящей удачей, они действительно стараются, а из Инде Наваррет может получиться новая королева крика
#сша@ochenraznoekino
Парень по имени Беар давно и безнадёжно влюблён в свою подругу детства Никки. Сейчас они выросли, вместе работают в музыкальном магазине, ходят на квизы, в общем, проводят время как и должны его проводить старые добрые друзья. В один далеко не прекрасный день Беар в случайно оказывается в магазине эзотерических сувениров и покупает волшебную палочку – стоит её сломать, загадав желание, и оно мгновенно исполнится. В отчаянии он загадывает, чтобы Никки любила его больше всего на свете… но результат довольно скоро начинает его по-настоящему пугать, ведь девушка становится одержима и явно не испытывает от этого удовольствия.
«Обсессия» бьёт все рекорды проката, умудряясь с каждой неделе только увеличивать сборы, и это вроде бы должно стать мерилом успеха, когда срабатывает сарафанное радио и люди искренне рекомендуют друг другу фильм.
Но мне вообще не понравилось
Идея занятная, и подобного рода хоррор может оказаться удачным способом в лёгкой форме поговорить на серьёзные темы. Но режиссёр такой задачи не ставил, и то, за что хвалят это кино, кажется в большей степени зрительской интерпретацией собственных ожиданий и жизненного опыта, чем тем, чем фильм является на самом деле.
Начинается всё неплохо, но довольно скоро выясняется, что Карри Баркер (сценарист и режиссёр в одном лице) предпочитает напрямую экранизировать самые популярные стереотипы о созависимости, выдавая это за абсурдистский юмор. Работает через раз, и кринжа в подобном насаждении нелепостей гораздо больше, чем комизма.
Самую интересную мысль автор затронул по касательной, буквально одним предложением и кажется, что вообще случайно, однако именно она могла бы сделать фильм глубже и многограннее, чем получилось в итоге. В одном из диалогов с Никки, когда Беар понимает, что её чувство противоречит её естеству, он в отчаянии спрашивает, неужели его нельзя любить по собственной воле. В этом сквозит и вполне понятная по-человечески обида, и уязвлённое эго, которое в конечном счёте и толкает героя на поступки, доводящие до точки невозврата. Однако Баркеру интереснее не сущность проблемы, а её обёртка, так что в детали он предпочитает не углубляться, а жаль.
В итоге фильм производит странное впечатление – там, где нет откровенного натурализма и мерзостей, он становится просто скучен, и даже прошлогоднее «Одно целое» выглядит, иронично, более цельным. Впрочем, для исполнителей главных ролей такой старт можно счесть настоящей удачей, они действительно стараются, а из Инде Наваррет может получиться новая королева крика
#сша@ochenraznoekino
👍2
31/200 Закулисье реальности
Несостоявшийся архитектор и не слишком удачливый продавец мебели по имени Кларк ходит к психологу, в надежде, что регулярные сеансы смогут хоть как-то подремонтировать его жизнь. Одновременно с этим он пытается решить проблему с электричеством, возникшую в его магазине. Однажды ночью он замечает свет, пробивающийся сквозь стену, решает проверить, в чём дело, и неожиданно оказывается в помещении, о котором раньше не знал.
Одна комната плавно перетекает в другу, коридоры и дверные проёмы располагаются в самых невероятных местах, повсюду расставлены странные предметы. Но что самое жуткое, в этом пространстве явно есть ещё кто-то. Разумеется, когда Кларк рассказывает знакомым о своей находке, ему никто не верит. В итоге он решается на эксперимент.
Как и «Обсессия», «Закулисье реальности» снято блогером, но если для Карри Баркера хорроры – лишь одна из областей применения своих способностей (наряду с комическим жанром), то для Кейна Парсонса его фильм – результат нескольких лет работы и глубокого погружения в материал.
Всё началось со случайно увиденной фотографии, вдохновившей шестнадцатилетнего подростка на создание видеоролика, который мгновенно стал вирусным. Потом вышло ещё 24 эпизода, каждый из которых расширял вселенную Backrooms, однако ни в одном из них не было показано жителей «Закулисья» - Парсонс, по заветам Стивена Кинга, предпочитал пугать зрителя неизвестностью.
Однако в кино такой приём не сработает – рано или поздно злу придётся придать какую-либо форму. С одной стороны, рифмовка лиминального пространства с человеческим разумом кажется довольно очевидной – где ещё можно так легко потеряться, как не в лабиринте воспоминаний и фантазий. Но в исполнении Парсонса этот ход не лишён определённого изящества.
Место, обнаруженное главным героем, становится своеобразным лимбом, одновременно напоминающим Чёрный вигвам Линча, концепцию миров Желязны в «Хрониках Амбера» и свалку забытых вещей из «Головоломки», пропущенные через призму современного психоанализа. Череда комнат, где так легко и, возможно, приятно заблудиться, оказывается простой и понятной метафорой сознания, хозяин которого может сделать не просто неправильный, но роковой выбор, влекущий за собой необратимые изменения. В этом смысле интерпретация абсолютного зла как тени человека, его тёмного начала, поглощающего индивидуальность целиком, кажется закономерной и привлекательной одновременно, ведь что может быть ближе каждому зрителю, чем боязнь собственных демонов.
С точки зрения классических популярных хорроров, «Закулисье реальности» - не самый яркий представитель жанра. Здесь нет скримеров и выпрыгивающих из-за каждого угла монстров, нет предыстории, объясняющей происходящее, нет и подчиняющегося внутренней логике истории ритуала, с помощью которого у героев появился бы шанс найти разгадку и вернуться в свою условную нормальность.
Но для зрителей, понимающих, что такое депрессия, для тех, кто склонен к рефлексии, для тех, кто знает, сколько лжи способен продуцировать наш мозг в попытке защитить психику, фильм вряд ли покажется скучным или предсказуемым. Парсонс предлагает путешествие по задворкам собственного подсознания, и финал этого приключения далёк от хэппи-энда, но тем любопытнее, тем интереснее, тем больше хочется убедиться в том, что в твоём-то лиминальном пространстве точно всё по-другому
#сша@ochenraznoekino
Несостоявшийся архитектор и не слишком удачливый продавец мебели по имени Кларк ходит к психологу, в надежде, что регулярные сеансы смогут хоть как-то подремонтировать его жизнь. Одновременно с этим он пытается решить проблему с электричеством, возникшую в его магазине. Однажды ночью он замечает свет, пробивающийся сквозь стену, решает проверить, в чём дело, и неожиданно оказывается в помещении, о котором раньше не знал.
Одна комната плавно перетекает в другу, коридоры и дверные проёмы располагаются в самых невероятных местах, повсюду расставлены странные предметы. Но что самое жуткое, в этом пространстве явно есть ещё кто-то. Разумеется, когда Кларк рассказывает знакомым о своей находке, ему никто не верит. В итоге он решается на эксперимент.
Как и «Обсессия», «Закулисье реальности» снято блогером, но если для Карри Баркера хорроры – лишь одна из областей применения своих способностей (наряду с комическим жанром), то для Кейна Парсонса его фильм – результат нескольких лет работы и глубокого погружения в материал.
Всё началось со случайно увиденной фотографии, вдохновившей шестнадцатилетнего подростка на создание видеоролика, который мгновенно стал вирусным. Потом вышло ещё 24 эпизода, каждый из которых расширял вселенную Backrooms, однако ни в одном из них не было показано жителей «Закулисья» - Парсонс, по заветам Стивена Кинга, предпочитал пугать зрителя неизвестностью.
Однако в кино такой приём не сработает – рано или поздно злу придётся придать какую-либо форму. С одной стороны, рифмовка лиминального пространства с человеческим разумом кажется довольно очевидной – где ещё можно так легко потеряться, как не в лабиринте воспоминаний и фантазий. Но в исполнении Парсонса этот ход не лишён определённого изящества.
Место, обнаруженное главным героем, становится своеобразным лимбом, одновременно напоминающим Чёрный вигвам Линча, концепцию миров Желязны в «Хрониках Амбера» и свалку забытых вещей из «Головоломки», пропущенные через призму современного психоанализа. Череда комнат, где так легко и, возможно, приятно заблудиться, оказывается простой и понятной метафорой сознания, хозяин которого может сделать не просто неправильный, но роковой выбор, влекущий за собой необратимые изменения. В этом смысле интерпретация абсолютного зла как тени человека, его тёмного начала, поглощающего индивидуальность целиком, кажется закономерной и привлекательной одновременно, ведь что может быть ближе каждому зрителю, чем боязнь собственных демонов.
С точки зрения классических популярных хорроров, «Закулисье реальности» - не самый яркий представитель жанра. Здесь нет скримеров и выпрыгивающих из-за каждого угла монстров, нет предыстории, объясняющей происходящее, нет и подчиняющегося внутренней логике истории ритуала, с помощью которого у героев появился бы шанс найти разгадку и вернуться в свою условную нормальность.
Но для зрителей, понимающих, что такое депрессия, для тех, кто склонен к рефлексии, для тех, кто знает, сколько лжи способен продуцировать наш мозг в попытке защитить психику, фильм вряд ли покажется скучным или предсказуемым. Парсонс предлагает путешествие по задворкам собственного подсознания, и финал этого приключения далёк от хэппи-энда, но тем любопытнее, тем интереснее, тем больше хочется убедиться в том, что в твоём-то лиминальном пространстве точно всё по-другому
#сша@ochenraznoekino
Решила разобрать «Закулисье реальности» с точки зрения структуры и визуала - как таинственное пространство превращается в модель мышления:
🔹 Лабиринт без центра
С первого момента попадания в лиминальное пространство персонаж (а вместе с ним и зритель) не понимает, где находится. Бесконечные коридоры
двери, за которыми не то, что ты ожидаешь, однообразный цвет, благодаря которому стены, пол и потолок сливаются в одно
Из-за этого мы не можем собрать в голове карту пространства, а значит, оно не подчиняется контролю
Похожий принцип использовал Кубрик в «Сиянии», но здесь он доведён до абсурда и физическое пространство настолько же непостижимо, как и лабиринты разума главных героев
🔹 Иллюзия движения
Пространство основано на постоянных повторах: похожие комнаты, один и тот же цвет, похожие детали, похожие ракурсы. Это создаёт ощущение движения, но по факту мир вокруг героев принципиально не меняется. Это очень точная модель мышления в состоянии депрессии: мысли могут быть разными, но они ходят по кругу
Немного похоже на «Вивариум», но там сводящие с ума паттерны были элементами внешнего мира, а здесь – внутреннего цикла персонажей
🔹 Свет, который не даёт информации
Освещение в фильме «плоское», офисное, создаёт эффект неестественности. Нет окон, непонятно, когда день сменяет ночь. Практически нет теней, и это ещё больше дезориентирует в пространстве
Чем-то похоже на принцип, использованный в «Разделении» - там нарочитая строгость пространства точно так же лишает персонажей опоры и точки отсчёта
🔹 Отсутствие правил: лишение иллюзии контроля
Классический хоррор даёт зрителю опору – правила или ритуалы, которым надо следовать, чтобы получить возможность выжить. Здесь этого нет. Принцип прост: как только появляются правила, возникает контроль. Но автору нужно обратное, так что он моделирует состояние, где контроль невозможен
🔹 Непривычный монстр
Идеальный способ напугать – как можно дольше не показывать «монстра», ведь больше всего мы боимся непознанного. Парсонс использует это для реализации своей метафоры. Если бы в пространстве появился какой-то «реальный» монстр, страх стал бы внешним. Но в фильме он постепенно становится внутренним, ведь ощущения в конце концов воплощаются в виде теневой стороны личности главного героя
В результате достигается главный эффект – узнавание состояния. Это хоррор про мышление, которое в итоге становится ловушкой, и из неё нет выхода. Весь конфликт находится внутри, и помощи ждать неоткуда. Если зритель это считывает, фильм оказывается очень точным, а если нет – кажется пустым и банальным
С первого момента попадания в лиминальное пространство персонаж (а вместе с ним и зритель) не понимает, где находится. Бесконечные коридоры
двери, за которыми не то, что ты ожидаешь, однообразный цвет, благодаря которому стены, пол и потолок сливаются в одно
Из-за этого мы не можем собрать в голове карту пространства, а значит, оно не подчиняется контролю
Похожий принцип использовал Кубрик в «Сиянии», но здесь он доведён до абсурда и физическое пространство настолько же непостижимо, как и лабиринты разума главных героев
Пространство основано на постоянных повторах: похожие комнаты, один и тот же цвет, похожие детали, похожие ракурсы. Это создаёт ощущение движения, но по факту мир вокруг героев принципиально не меняется. Это очень точная модель мышления в состоянии депрессии: мысли могут быть разными, но они ходят по кругу
Немного похоже на «Вивариум», но там сводящие с ума паттерны были элементами внешнего мира, а здесь – внутреннего цикла персонажей
Освещение в фильме «плоское», офисное, создаёт эффект неестественности. Нет окон, непонятно, когда день сменяет ночь. Практически нет теней, и это ещё больше дезориентирует в пространстве
Чем-то похоже на принцип, использованный в «Разделении» - там нарочитая строгость пространства точно так же лишает персонажей опоры и точки отсчёта
Классический хоррор даёт зрителю опору – правила или ритуалы, которым надо следовать, чтобы получить возможность выжить. Здесь этого нет. Принцип прост: как только появляются правила, возникает контроль. Но автору нужно обратное, так что он моделирует состояние, где контроль невозможен
Идеальный способ напугать – как можно дольше не показывать «монстра», ведь больше всего мы боимся непознанного. Парсонс использует это для реализации своей метафоры. Если бы в пространстве появился какой-то «реальный» монстр, страх стал бы внешним. Но в фильме он постепенно становится внутренним, ведь ощущения в конце концов воплощаются в виде теневой стороны личности главного героя
В результате достигается главный эффект – узнавание состояния. Это хоррор про мышление, которое в итоге становится ловушкой, и из неё нет выхода. Весь конфликт находится внутри, и помощи ждать неоткуда. Если зритель это считывает, фильм оказывается очень точным, а если нет – кажется пустым и банальным
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍3❤1🤯1😍1