Ох давненько я ничего не выкладывал. Пора исправляться!

У сегодняшнего нашего гостя, норвежца Кристоффера Боргли, который сейчас активно выступает со своей "Драмой" в прокате, в портфолио можно найти множество короткометражек. Но больше всего мне по душе пришлось его "интервью" порталу Letterboxed, в котором Крис рассказывает от своем переезде в Штаты и о съемках фильма "Тошнит от себя", но вскоре его диалог прерывает случайный выстрел, постепенно превращающий спокойную беседу в настоящее кино. В общем в этом его "интервью" как мне кажется и заключается весь киноязык Боргли, за который он мне так сильно и полюбился.

Также у Боргли есть свой канал на YouTube, где можно посмотрет несколько его короткометражных работ. А еще у него есть канал на Vimeo, в общем самая мякотка лежит там.

41 год назад в Голливуде случилась настоящая сказка. Рискованный проект популярного в то время музыканта Принса Роджерса Нельсона, под названием «Пурпурный дождь», не просто стал успешным, отбив затраченный бюджет, но и принес артисту мировую славу. Альбом с саундтреком к фильму продержался в чарте Billboard 24 недели, а по всему миру было продано более 25 миллионов пластинок. В 1985 американская киноакадемия присудила фильму приз за «лучший саундтрек» фильму, сделав Принса настоящей суперзвездой. Впервые в истории Голливуда музыкант получил полный творческий контроль над фильмом. Позднее Принс даже снимет свой собственный фильм «Под вишневой луной» (1986), который получит абсолютно разгромные оценки критиков и прессы, но его это не остановит. В 1987 год Принс снимет один из величайших фильмов-концертов в истории «Sign o' the Times», ставший началом подобной практики для многих музыкантов по всему миру.

Надо сказать что Принс не был первым музыкантом, снимавшем свое кино в «Долине грез». Еще в 50-х года у Френка Синатры был своя продюсерская студия Essex Productions, а сам он снялся в более чем 60-ти фильмах, среди которых был например «Маньчжурский кандидат» Джона Франкенхаймера.
Но Принс стал первым коммерчески успешным музыкантом, задавшим настоящий тренд. Однако путь к славе был тернист и ветвист. Первоначальный сценарий, написанный Уильямом Блинном («Старски и Хатч») был основан на биографии самого артиста и предлагал куда более мрачный тон, который не понравился ни Принсу, ни продюсерам, желавшим создать яркую сказку о настоящем принце из трущоб Миннеаполиса. Поэтому ранний сценарий под названием «Dreams» был переписан новым режиссером, Альбертом Маньоли. Маньоли попал на проект благодаря воле случая, молодой выпускник киношколы USC сходу заявил продюсерам что такой сценарий совершенно никуда не годится и потребовал личной встречи с музыкантом. Принс согласился, так за ужином в Миннеаполисе Маньоли фактически спас фильм от забвения.

Для создания нужной атмосферы Маньоли попросил Принса прокатить его по местам, где музыкант провел свое детство. После этого режиссер понял, что снимать нужно в Миннеаполисе и никакие павильоны Лос-Анджелеса не смогут передать настроение этого города. В итоге основным место действия был выбран клуб Клуб First Avenue, в котором съемочная группа провела несколько бессонных ночей. Работу клуба не остановили, а в качестве массовики пригласили реальных фанатов музыканта. Именно поэтому съемки получились по-настоящему живыми и выразительными.

Когда фильм вышел в американский прокат 27 июня 1984 года, Голливуд ахнул. За первый уикэнд фильм, при скромном бюджете в 7,2 млн долларов, собрал 7.7 млн, ну а дальше началось победоносное шествие, принесшее картине общемировые сборы в более чем 80 млн. Пресса тут же окрестила Принса «Его Пурпурным Высочеством». Успех фильма был колоссальный, Принс не только заработал кассу, но и совершил настоящую поп-культурную революцию в США. Молодежь стала одеваться во все фиолетовое и стирать границы между расами и субкультурами. «Пурпурный дождь» стал настоящим мостиком, объединяющим разные социальные слои и породившем абсолютно новое «поколение бунтарей». Из-за чего в США даже появилась цензура, маркировка Parental Advisory, за которой молодежь устроила настоящую охоту, посчитав этот знак знаком взрослой музыки. Наряду с другими поп-звездами того времени, Принс стал настоящей иконой стиля и вестником нового времени, сулившего американской культуре радикальные изменения.

21 апреля в Каро 7 Атриум (Москва) состоится фанатский показ фильма, на который еще остались места. Приобщиться к легенде на большом экране можно по ссылке.

А вот и повод вспомнить ММКФ 2026, самая лучшая программа фестиваля только что лишилась хэдлайнера и это очень грустно.

Знаете, в этом году даже как-то неинтересно ММКФ обсуждать. Сокуров получит награду, но в то же время его отменяют в родном Петербурге. Покажут его 5-ти часовой фильм (солд-аут) и в общем-то все. Германик уже привезла свой новый народный слоп, "Машенька", а Роман Михайлов затыкает все дыры пустого расписания. Опять сотня фильмов со всего света на 1-2 балла из пяти и редкие проблески света в лице традиционной ретроспективы. Даже мои любимые "Дикие ночи" лишились хэдлайнера....еще где-то там затесался Хон Сан Су, но он как будто бы вообще никому не интересен. Ежегодная выставка тщеславия товарища Михалкова в очередной раз оказывается без какой-то либо информационной и рекламной поддержки, а это значит что и цены на билеты установлены максимально демократичные (до 500 рублей) но это не спасает фестиваль от репутационных потерь. Современному ММКФ попросто нечем крыть, кино, как соединяющий спасательный круг между народами, уже давно потрескалось и выпускает воздух. Из-за политических разногласий мы не может посмотреть фильмы из Канн, Венеции, Берлина или Америки. Все самое видно уже давно куплено в прокат, а ценность такого фестиваля для обычного зрителя стремится к нулю. Очень грустно и печально видеть, как ММКФ из фестиваля, который стал для меня настощим окном в мир, превратился в настоящую выставку достижений народного хозяйства. Но винить в этом как будто бы некого, просто мир сошел с умы и мы вместе с ним.

#ММКФ2026

Хорошие актрисы снимаются в плохом кино. База же! Вот и Ионна Кулиг, звезда «Холодной войны» Павла Павликовского, засветилась в очень плохом индийско-итальянском триллере «Остров».

Невыносимая тягомотина с легким привкусом ЛГБТ в сюжете (куда смотрели отборщики?). Пожилая гувернантка (Фанни Ардан) прибывает на остров к молодой героине, ухаживающей за тяжело больным мужем. Постепенно женщины сближаются, но на пути их запретной любви встает красавец-аферист, а дальше фильм пытается играться с разными жанрами, но постоянно спотыкается на ровном месте. Неопытность молодой режиссера Норы Янике подкрепляется ужасающим саундтреком, кричащим в сторону зрителя о своем драматизме. Финал и вовсе оставляет в полном недоумении, как говорится, «звенящая пошлость».

Похвалить можно лишь операторскую работу. Валентина Каниглия, постаралась придать картинке ощущение вневременности, используя особые винтажные линзы. Приглушенная цветовая палитра и общее художественное решение говорит о том, что авторы черпали вдохновение в европейском кинематографе 70-х годов, но для общей целостности картины этого оказалось мало. А жаль, ведь Кулиг очень красивая актриса, на которую просто приятно смотреть.

#ММКФ2026

Никогда бы не подумал, что в СССР сняли «Таксиста» за несколько лет до «Таксиста».

«Крылья» Ларисы Шепитько — какая-то абсолютно опустошающая драма при свете дня. И вот в чём парадокс: абсолютно всё происходящее на экране — это классический советский быт, но постепенно в жизнь героини начинает проникать тьма. Очень незаметно, но она накрывает тоской и депрессией. ПТСР, ощущение, что ты не на своём месте, отвернувшаяся дочь и неудачи на личном фронте — всё это вкупе в финале выливается в бескомпромиссный конец, оставляющий после себя небольшую дыру в сердце. Ты тут, ещё живая, а друзья уже музейные экспонаты, поэтому и любовный интерес — директор музея, которому, кажется, мамонты милее дамы сердца.

Удивительно, как в далёком 1966 году второй дебютный фильм молодой кинематографистки поднял актуальные в мужском кино вопросы, пропустив их через призму женской оптики.
Позднее Шепитько снимет свой главный магнум опус «Восхождение», говорящий уже о совсем других вещах другим языком. А «Крылья» позднее войдут в коллекцию Criterion, в числе лучших фильмов мира, наравне с другим гениальным советским режиссёром, Кирой Муратовой.

И каждый раз, когда кто-нибудь вновь поднимет вопрос о том, нужно ли равенство в режиссуре, просто вспомните хотя бы пять имён советских женщин-режиссёров. После такого невольно задумаешься о том, а был ли товарищ товарищу рознью.

#ММКФ2026

Современный японский хоррор уже давно переживает кризис самоидентификации. Ощущение, что после успеха «Звонка» и «Проклятия» японские режиссеры опустили руки и стали снимать один и тот же сюжет, но в разной манере. Эпидемия «постхоррора» и вовсе обошла стороной страну восходящего солнца: после Киеси Куросавы не появилось ни одного серьезного жанрового режиссера, зато развелось много «ноунеймов», которые постоянно снимают что-то безумное и трешовое, редко выходящее за пределы родины. С фильмом «Проклятие» Кэнъити Уганы не случилось успеха, сравнимого с «Выходом 8», но режиссер все-таки засветился со своей новой работой на международной сцене. К слову, прошлая работа Уганы, сборник короткометражек «Visitors», также была показана на фестивале Fantastic Fest и принесла ему долгожданный успех.

Но с «Проклятием» что-то явно пошло не так. Весь фильм меня не покидало ощущение, что подобный заезженный сюжет очень хорошо смотрелся бы в формате короткого метра, поскольку в полнометражном фильме Угана всячески раздувает и растягивает историю, из-за чего кино проседает как по темпу, так и по стилистике. Режиссеру не удается удержать необходимый баланс между серьезностью и угаром, из-за чего на выходе получается неразборчивая каша. Попытка подключить к классической истории о проклятии современные медиа приводит лишь к триггеру, который и запускает события в фильме. А ведь проклятие через посты в Instagram уже были у корейских авторов, так что ничего нового Угана тут не говорит; я уж молчу о том, что еще в начале нулевых на эту тему говорили Куросава («Пульс») и Такаси Миике («Клуб самоубийц»). Вот и остается после просмотра «Проклятия» такое неприятное послевкусие, когда каждый элемент фильма сделан по-японски плохо, а кринжометр в конце не зашкаливает, хотя это могло бы спасти картину, но увы.

Но все-таки прикольно, что такое кино еще снимают и привозят на фестивали, где в рамках тех же самых «Диких ночей» можно знатно поугорать над нелепостью происходящего, а кому-то, возможно, даже испугаться. Тут уж, как говорится, на вкус и цвет фломастеры разные.

А вот сборник «Visitors» я все-таки рекомендую посмотреть: там и шизы навалом, и хрон не тянет время. Очень удачная работа, как мне кажется.

#ММКФ2026

Добежал в этот холодный вечер до «Октября» и попал в ловушку (точнее мышеловку) Егора Москвитина.

#ММКФ2026

К сожалению, проклятие фильмов про оборотней не обошло стороной и «Кошку в мышеловке» (в девичестве HELLCAT, названную в честь одноименного коктейля). Начавшись как эффективный герметичный триллер, фильм постепенно, вслед за героиней, медленно трансформируется во что-то совершенно несуразное и не очень смешное.

Режиссеру-дебютанту Броку Беннелу мастерски удается передать атмосферу заточения и одиночества главной героини, похищенной каким-то мужчиной и помещенной в автофургон, движущийся в неизвестном направлении. Но когда в финале, несуразном и небрежном, появится Чебурашка, зал уже не сможет сдержать улыбки. Режиссеру отчаянно не хватает сдержанности в том, как он хочет подать свою историю. Рассыпаясь по ходу движения, фильм начинает стремительно терять свою привлекательность, стремясь угодить всем везде и сразу. Но, увы, финальная мысль, вынесенная еще Кэтрин Бигелоу в эффектной вампирской панк-драме «Почти стемнело», вяло ложится на общую тональность повествования «Кошки».

Возможно, в этом и есть своя прелесть, ведь в программах «Диких ночей» и «Хоррофеста» можно уже давно выявить некую закономерность в том, что «Совы не то, чем кажутся», и даже страшное кино всегда оказывается чем-то теплым и светлым. Но, если честно, хотелось бы увидеть что-то более цельное, без рваного повествования и внезапных перескоков из жанра в жанр. В данном случае Брок Беннел сам стал кошкой, попавшей в свою мышеловку.

Если же говорить о самой природе ликантропии, то еще с времен зарождения этого мифа главными героями всегда выступали мужчины. Как правило, в кинематографе при упоминании оборотней всегда всплывает какой-нибудь «Волчонок» или «Американский оборотень в Лондоне». А вот феминности в жанре всегда не хватало. Еще в далеком 1941 году Жак Турнер высказался на эту тему в своих «Людях-кошках», маскируя под сказкой нуарную драму о тяжелой женской ноше, а Пол Шредер переосмыслит эту историю в ремейке 1982 года в контексте новой «сексуальной свободы». В том же году Джо Данте обыграет финал «Воя» так, что оборотнем станет женщина, рискующая собой ради спасения человечества.

В начале 2000-х годов на свет появляются еще два знаковых произведения: канадский «Оборотень» Джона Фоусета и «Оборотни» Уэса Крейвена, где трансформация при свете полной луны станет метафорой подросткового бунта, взросления и раскрытия своей сексуальности. А фильм Фоусета и вовсе станет культовым феминистским манифестом. И в этом будет заслуга канадской сценаристки Карен Уолтон, принесшей в сценарий черный юмор и женскую психологию. Позднее эту идею подхватит Диабло Коуди в своем «Теле Дженнифер» (2009), завершив таким образом манифестацию женского тела в хорроре.

#ММКФ2026

Я специально брал паузу и старался не смотреть новые фильмы Романа Михайлова, так как в свое время «Отпуск в октябре» стал для меня настоящим откровением. Режиссер, чей творческий путь максимально отличается от большинства коллег по цеху, виделся в то время как путеводный маяк для всего российского кино. Но по прошествии времени все же стало понятно, что Роман Михайлов так и остался на уровне андеграундного кино «для своих».

«Песни джиннов» продолжают индийскую одиссею режиссера, начавшуюся еще в «Жар-птице» в 2024 году. В объективе Алексея Родионова и Максима Дроздова сказочное Гоа предстает перед зрителями во всей своей многообразной красе. Магический реализм, не иначе. Но если к аудиовизуальной составляющей фильма, создающей мощный вайб, вопросов нет, то к содержанию они, увы, есть, и их количество превышает все разумные пределы.

Понять, зачем людям, не знакомым с творческим стилем режиссера, смотреть этот фильм, чрезвычайно сложно. Пока в Варанаси Виктория Мирошниченко рассказывает своей подруге про смерть Эдуарда Лимонова (и это не случайно, ведь она играла у Кирилла Серебренникова в «Балладе об Эдичке»), на Гоа непутевые индусы пытаются срубить бабла на приезде бывшей «татушки», Юлии Волковой, и у них это, конечно же, не получается. После чего Дани, главный герой этой истории, отправляется в почти мифическое путешествие в Варанаси, где, по слухам, некий гуру лечит людей от всех болезней с помощью музыки…

Вот и получается в итоге такого хаотичного повествования не кино, а какой-то неловкий караван историй с выдранными страницами, между которыми Дани плачет то ли на техно, то ли на трансе. А впрочем, это не так уж и важно, ведь он сам не в силах пояснить разницу между этими музыкальными жанрами.

Режиссер сразу дал установку на ток как нужно воспринимать это фильм и почему он многим не понравится.
И если в прошлых работах Михайлова еще можно было уловить четкую мысль и какой-никакой посыл, то в «Песнях джиннов» за напускным мистицизмом скрывается лишь набор красивых отпускных открыток из Индии. Обидно, черт побери.

#ММКФ2026

Вернулся в 1960 год - очень важный год для становление жанрового кинематографа. Сегодня хотелось бы вспомнить замечательный фильм французского режиссера Роже Вадима «Умереть от наслаждения», снятый по мотивам классической готической новеллы «Кармилла» Джозефа Шеридана Ле Фаню, написанной за 25 лет до «Дракулы» Брэма Стокера. В свое время он наделал много шуму из-за довольно провокационных сцен. В начале 60-х годов кодекс Хейса практически утратил силу, но для выхода в американский прокат фильмам все еще было нужно пройти проверку Ассоциации кинокомпаний (MPAA), из-за чего многие европейские фильмы подвергались жесточайшей цензуре. В США фильм вышел под названием “Кровь и розы” и был сокращен на 13 минут. Оригинальная французская версия длится 88 минут, а та, которую можно найти в сети 74 минуты. Купированию подверглась сцена иллюзорного сна, которая длится в оригинале около 4-х минут, а в американской версии ее появление вызывает больше вопросов, чем ответов. Также была удалена вступительная сцена от лица психиатра, дающая рациональное объяснение всем событиям. Таким образом из-за цензуры пострадала общая целостность повествования и пропало множество важных сцен, в том числе эротического характера. К счастью в 2026 году издательство Mondo Macabre выпускает полную версию в роскошной 4К реставрации, так что я советую дождаться именно ее. На данный момент в сети можно найти лишь версию, выпущенную на DVD, качество которой (помимо цензуры) не позволяет в полной мере насладится просмотром.

Среди фильмов других фильмов 60-х годов, работу Роже отличает в первую очередь впечатляющая операторская работу Клода Ренуара (внук знаменитого художника Огюста Ренуара). Ренуар создал впечатляющие воздушные пейзажи в духе сюрреализма, используя знаменитую технику Technicolor, передавая через цвет в кадре душевное состояние героини. А в сцене сна главной героини, снятой в негативе, он использовал новаторские радикальные цветовые фильтры (специальные насадки на объектив), окрашивающие кадр в один неестественный доминирующий цвет, резко меняющий привычную палитру. Это был новаторский прием для 1960 года, который буквально визуализировал психический распад и вторжение «потустороннего» (или подсознательного) в реальную жизнь; позднее его возьмет на вооружение главный законодатель моды в мире «Джалло» — Дарио Ардженто.

В центре сюжета молодая девушка Кармилла (Аннет Вадим), которая проводит свои дни в родовом замке семейства Карнштейнов, в котором раньше жила графиня Милларка (анаграмма от имени Миркалла, именно так звали вампиршу из новеллы Шеридана Ле Фаню). Девушка тайно влюблена в своего кузена Леопольдо, который уже помолвлен с ее лучшей подругой детства, Джорджией. Влюбленные решают отметить свой союз пышным торжеством на территории замка, устраивая грандиозный фейерверк, после которого обрушивается часть древнего склепа, где покоятся останки графини. Ведомая ревностью и гневом, Кармилла отправляется ночью на кладбище, где становится... а дальше сюжет разветвляется.

Дело в том, что «Умереть от наслаждения» играет со зрителем в кошки-мышки, зачастую недоговаривая какие-то вещи, чтобы удивить своей развязкой в финале. В 1960 году выйдет еще несколько фильмов, играющих по тем же правилам — «Психо» Альфреда Хичкока и «Подглядывающий» Майкла Пауэлла. Но серьезное отличие фильма Вадима заключается в том, что это в первую очередь кино, описывающее женское сознание в состоянии делирия (психического расстройства) с поправкой на готический сеттинг. После того как Кармилла уверует в то, что она Милларка, она наденет белое платье и станет ходить по ночам, кошмаря местных жителей. Разум Кармиллы будет заперт в тесной коробочке, из-за которой у нее прячется раздвоение личности (ну чем не «Психо»?), а раскроется лишь в финальной сцене, оказавшись один на один рядом с Джорджией и проявив к ней настоящие чувства (именно эта сцена стала провокационной и была помещена на постер фильма). Надо понимать, что Вадим не просто так выбрал тему «Кармиллы» в качестве основы для своего фильма. Дело в том, что термин вампирши в фольклоре зачастую соседствовал с запретной женской любовью, таким образом с годами в образе вампирши стали закладывать и образ лесбиянки. Не случайно Хесус Франко назвал свой фильм «Vampiros Lesbos», а у студии Hammer в 70-е была даже целая трилогия фильмов, основанная на новелле «Кармилла» и теме подавленной женской сексуальности («Любовницы-вампирши», 1970). Так что не удивительно, какой изначальный подтекст закладывал Вадим Роже в свой фильм.

Уже позднее, в творчестве еще одного европейского режиссера, Романа Полански, мотивы Роже найдут отражение в “Отвращении” 1965 года, где главная героиня (Катрин Денев) будучи запертой в 4-х стенах своей квартиры, начинает медленно сходить с ума, галлюцинируя в коридоре. Да и в целом начало 60-х годов станет прорывным для хоррора, в Италии появятся целые жанры - “джалло” и “мондо”, а в Америке выйдут первые эксплотейшн хорроры, появится запрос на насилие, обнаженку и политические темы, что позднее приведет к появлениею “слэшера”. В том же 1960 году Ингмар Бергман снимет один из своих самых радикальных фильмов “Девичий источник”, по сути первый «Rape-Revenge» фильм.

Потенциально интересная конструкция, которая рушится, как только героиня снимает наушники. Этот фильм мог бы сработать, если бы всё время был подкастом, в котором авторы бы накидывали жути без кадрирования пустой тёмной комнаты, в которой мы ищем кошку, но увы. Попытка выпендриться, продавая фильм исключительно на одной ноте, приводит к тому, что он теряет абсолютно какой-либо смысл: диалоги между главными героями не ведут к раскрытию сюжета, а лишь вгоняют в уши страшные звуки, от которых зрители, видимо, должны забиться в угол от страха, но увы. Банальщина, на уровне проходных ужастиков на 2–3 балла про демонов, прячется за классным продакшеном A24. Аудиовизуальный ряд безупречен, к этому вообще не придраться, но всё-таки хотелось бы, чтобы кино существовало в рамках своего хронометража, а не как очередная растянутая на 1,5 часа короткометражка, настолько беспомощная, что авторы даже в финале специально затемняют экран и выводят на первое место звук, чтобы мол зритель сам догадался, что же там произошло. Вот и получается такая простенькая крипипаста с Reddit, не больше. А жаль, потенциально можно было бы раскрыть тему страшных детских песенок, но для этого нужна серьёзная работа, которая режиссёру явно не была интересна, ещё бы, ведь на носу новое «Паранормальное явление», ну а Undertone идеально подойдёт для того, чтобы продавать красивые надписи на постере.

НЕ СТРАШНО

Задумался о том, почему сейчас даже в независимой киноиндустрии бюджет в полмиллиона долларов считается мизерным. Дело, скорее всего, заключается в общей инфляции и дороговизне кинопроизводства в США. Если в начале 2000-х снимать на улицах НЙ или ЛА мог любой, то сейчас нужно отвалить кругленькую сумму, для получения прав на съемки. Можно, конечно, вспомнить, что Кубрик снимал Манхэттен в лондонских павильонах, но это скорее исключение из правил. После 2010-х снимать на городских локациях крупных американских городов стало невыгодно, поэтому многие режиссеры отправились снимать свою родину на улицах Европы или Канады.

В начале 2000-х годов молодое американское поколение режиссеров собрало на коленке целый жанр «маблкор», именно оттуда выйдут все самые громкие имена современного Голливуда: Грета Гервиг, братья Сэфди, Барри Дженкинс и многие другие. В те годы было достаточно взять в руки камеру и начать снимать. Так, например, одни из отцов-основателей жанра, братья Дюпласс, сняли свой бюджетный роуд-муви «Мягкое кресло» всего за 15 000 долларов, а дебют Сэфди «Удовольствие быть ограбленным» — за 20 000 долларов. Позднее Марк Дюпласс вместе с Патриком Брайсом снимут ультрабюджетный маблкор-хоррор «Ублюдок» за невозможные 500–1000 долларов, буквально имея на руках одну лишь камеру и театр одного актера. Фильм не выйдет в прокат, но выйдет на Netflix, где станет хитом. Позднее выйдет сиквел и сериал, на которые, по завериям авторов, ушло не так уж и много денег.

В 2026 году бюджет фильма «Undertone» в размере 500 000 долларов считается микробюджетом но, если задуматься, то это около 40 млн рублей, то есть примерный бюджет российского авторского фильма. Однако съемки «Undertone» проходили в одной локации — в доме самого режиссера, буквально в двух комнатах. В прошлом году IFC выпустили побратимый хоррор «Глазами пса», который был точно так же снят в доме режиссера, но с новаторской оптикой из глаз собаки. При этом на производство фильма ушло около 70 000 долларов, включая монтаж, что действительно соответствует понятию «микробюджет».

Так почему же фильм Иана Туасона стоил 500 000 $? Ответ на этот вопрос кроется в интервью самого Яна. Большая часть бюджета — это исключительно технические вопросы. Да, локация была бесплатной, но для создания качественного звука ему пришлось нанять команду специалистов, которые переделали дом под нужды звукорежиссеров. Также Ян метил на кинорынок, поэтому ему пришлось нанять профессиональную команду из Канады, которая привезла с собой дорогостоящее оборудование. Вдобавок ко всему к фильму привлекли профессиональных актеров, и всем нужно было платить.

Таким образом, большая часть бюджета фильма была из кармана самого Иана (треть суммы — это его наследство), а часть финансирования предоставили независимые инвесторы. A24 выкупили фильм уже на стадии постпродакшена, вложившись в его маркетинг (очень хороший) и доработку аудиовизуального ряда. Таким образом, общий бюджет фильма вырос до 500 000 долларов, что по меркам индустрии действительно очень маленькие деньги. В итоге фильм был куплен на фестивале Fantasia Film Festival в 2025 году за 3–4 млн долларов, что для независимого канадского фильма — просто огромные деньги.

Уже в январе 2026 года фильм попал в секцию Midnight на Sundance, наделав шума, и A24 начали потихоньку продвигать его как один из главных хорроров года. Можно сколько угодно спорить о том, удалось ли это кино или нет, но факт остается фактом. Иан Туасон смог доказать всему миру, что не имея особого опыта работы в киноиндустрии (за его плечами несколько VR короткометражек) и не имея огромных бюджетов, можно снять кино, которое громко выстрелит и заработает хорошие деньги (в мировом прокате «Полутон» собрал больше 20 млн долларов). Сейчас Иану 36 лет, он уже работает с Blumhouse над новой частью «Паранормального явления» и делится планами на будущее. Журнал Playback скромно окрестил его званием «режиссера года», ну а нам остается лишь тихо хихикать в углу, ведь «Undertone» — плохое кино.

"Полутон" можно застать в российском прокате, благодаря @provzglyad