#альбом_дня

Jimmy Heath | "Love Letter" | Verve Records | 2020

Когда в начале страшной ковидной зимы пришло известие о смерти 93-летнего Джимми Хита, джазовое сообщество мгновенно откликнулось - музыканты среднего и молодого поколения тепло вспоминали саксофониста, называли его учителем и легендой.

Легендарность Джимми Хита настолько очевидна, что подвергать ее ревизии глупо, куда любопытнее разобраться, в какой же момент к Хиту стали относиться как безусловному джазовому символу. Наверняка не в 50-е, когда средний из братьев Хит (старший Перси в то время уже феерил в MJQ, младший Альберт "Тути" - еще не начал карьеру) выпускал крепкие альбомы на "Риверсайде", и не в 70-е, когда он уместно решил добавить своему саунду R&B-флер, и даже не в 80-е и 90-е, когда вновь удачно вернулся к традиционалисткому звучанию.

Так вышло, что признание приходило к Джимми Хиту постепенно на протяжении 76-летней карьеры. Хит избежал стремительной и скоропостижной славы и не стал культовым представителем андеграунда, но обходясь без головокружительных взлетов и столь же стремительных спадов, сохранял стабильность и занимался джазом столько, сколько иные и не живут. Среди родных братьев и тех, кого Хит считал братьями по духу (Колтрейн, Роллинс, Ститт, Голсон), он не был лидером, но считался равным среди первых и доказал, что держаться середины - не значит быть посредственным: к величию может привести в том числе и сознательная умереннсть.

Свою автобиографию Хит назвал "I Walked With Giants" - согласитесь, что даже в этом чувствуется нетипичная для джазиста скромность. То, что Хит ощущал себя скорее подельником эпохи не умаляло его значимости, наоборот, по мере того как с каждым годом истончались нити, связывающие нас с великим прошлым, эта значимость становилась только больше.

В таком контексте альбом Хита "Love Letter", который он записал в прошлом году в 92 года, выглядит не его личным завещанием, а прощальным письмом золотого периода джаза. Вместе с последними из могикан - Тайнером, Коббом, Коницем - тот великий джаз уходит безвозвратно, но последний альбом Хита делает это прощание ненадрывным и спокойным. В окружении проверенной банды, молодых вокалистов Сесиль Маклорин Сальван и Грегори Портера и ради такого случая стряхнувшего с себя звездную пыль Уинтона Марсалиса, Хит звучит свежо и ясно. И, конечно, символично, что последнюю пластинку Хит записал о любви. Он жил этим чувством, никогда не забывал о нем и теперь оставляет его нам. Ведь кроме любви в этом мире нет ничего, что стоит любить по-настоящему.

Youtube | Odesli

Коротко о буднях российского джаза:

Джазовый концерт начинается в эти минуты на ВДНХ. Там празднуют день рождения центров "Мои Документы".

Между МФЦ и "Патриотом". The Shame Of Jazz To Come.

#премьера | #наше

Low Kick Collective | "Liver" | b4 rec | 2020

С каждым новым синглом питерский квартет Low Kick Collective звучит собраннее и статнее, выходя за пределы тесных дарк-джазовых границ. Отчасти "Liver" перекликается с недавним мрачняком "Let Me Out" москвичей The RIG, только у LKC больше цельности и фокуса на главной идее. Сохраняя первичные признаки нуарного стиля, LKC разворачивают вокруг смурного саунда сложную композиционную драматургию и попадают в необжитую область между условным мейнстримом и столь же условным андеграундом. Находящимся на разных полюсах упертым концептуалистам и закостенелым традиционщикам музыка LKC вряд ли сделает хорошо, но это только доказывает ее всамделишную непокорность.

Youtube | Odesli

#впроброс | #наше

​Кстати, изломанное чувство ритма лидера Low Kick Collective, саксофониста Антона Рязанова проявляется не только в музыке, но и в текстах. Когда читаешь посты Антона, поначалу спотыкаешься о вроде бы невпопад расставленные слова и вязнешь в, на первый взгляд, косноязычных фразах. Но потом понимаешь, что это как раз те "неправильные ошибки", на которых и строится импровизация, противопоставляющая себя тоталитарной правильности. Вот, к примеру, парадоксальная заметка Антона об интуитивном доверии к басистам и о вывихе, как способе мироощущения:

Так выходит, что больше чем к кому-либо проникаюсь я к басистам. Мне кажется, эти люди, оперируя низкочастотными звуками, общаются с землей. С темнотой. Зачастую мышление их шире, чем амбиции солиста. Однажды я с другом басистом Антоном рассуждал о том, как назвать свежесочиненную пьесу. Меня тянуло к образам шишкинских пейзажей, а он предложил - вывих. Казалось бы, слово с потолка. Но этот образ потрясает. Увечье, внешне может и не заметное, но внутри причиняющее боль. А вместе с тем, вывих мышления, например, может быть прекрасным узором сознания. Так и люди. Не могу воспринимать человека пока не нащупаю его внутренний вывих. Ну чтоб как-то на равных разговаривать.
В общем, прислущиваюсь к басистам. К барабанщикам тоже. Но эти люди нежнее мир воспринимают.

Такие неровные мысли, в которых точность - не закон, а внезапное провидение, хорошо читать ночью. Скоро у Антона выходит книга «Low Kick (записки саксофониста)» с собственными иллюстрациями, предисловие к которой написал Женя Галочкин (@tawpot). Так что имейте в виду и за постами Антона приглядывать не забывайте.

Вадим Неселовский // «Одесса»

Вадим Неселовский — один из самых интересных пианистов последнего времени. Его выступления с валторнистом Аркадием Шилклопером стали для меня главными концертами прошлого года. Дуэт почти незаметно переходит от академического музицирования к импровизации, от барочного контрапункта к джазовым септаккордам. Это напоминает внутрикадровый киномонтаж: склеек нет, а мизансцена постоянно меняется.

Завтра, 26 августа, Неселовский сыграет новое сочинение, посвященное его малой родине — Одессе. Вот что он пишет: «Я хочу поделиться с вами работой, которая уберегла мой рассудок во время локдауна… Новая пьеса — воображаемое путешествие по моему родному городу, наполненное воспоминаниями, историей, снами... Произведение до сих пор кажется мне незавершенным, и всё же пришло время впервые исполнить его вживую».

Концерт будет транслироваться в прямом эфире из Бремена. Начало в 21:00 по московскому времени. Билеты по ссылке.

#анонс

⏳ Мы продолжаем работать над опен-коллом и собирать ваши импровизации для сборника «ПОТОП». Мы послушали уже большое количество классных проектов со всей России — и хотим ещё. Поэтому хотим напомнить, что до окончания сбора заявок осталась неделя. Если вы занимаетесь импровизацией, играете фри-джаз, академическую музыку, нойз-рок, musique concrète или эмбиент, присылайте ваши композиции нам. Для этого заполните несложную анкету и приложите к ней свои треки.

А пока просто хотим поделиться крутейшим проектом из Удмуртии, который прислал свою музыку на опен-колл. Посмотрите, как круто! Хочется оставить это видео без комментариев.

#видео_дня | #наше

Новый выпуск джазового Youtube-шоу "Хот Культур в городе"

На контрасте со вчерашним московским анекдотом про джазовый фестиваль во славу МФЦ, хочется привести противоположный пример того, как уместно встраивать джаз в городскую среду. У проекта "Хот Культур в городе", в котором малогабаритные джазовые комбо обживают непрофильные пространства, вышло уже шесть серий. Каждая серия по-своему любопытна и заслуживает внимания. Я же, руководствуясь принципом last but not least, прикручу к посту последний шестой выпуск (вышел, между прочим, сегодня) с участием квартета Андрея Красильникова, снятый в музее "Полторы комнаты" Иосифа Бродского.

Делают проект ведущий и продюсер Александр Малич и команда лейбла Rainy Days (Женя Петрушанский и Саша Машин) своими силами, что называется, без бюджета, но при этом каждая серия сделана настолько профессионально, что придраться не к чему. Это как раз тот случай, когда вместе сошлись понимание задачи, творческий тонус и ремесленный навык.

За первый сезон у проекта помимо чисто музыкальной эстетики, появилось два сквозных сюжета. Первый - это преемственность питерских джазовых традиций. И в этом смысле "Хот Культур в городе", конечно, отсылает к старым ленинградским еще фильмам "Город.Осень.Ритм" и "Городская фантазия", в которых Санкт-Петербург был показан с точки зрения джазовой поэтики. Раздача стиля в исполнении Dizzy Dutch Duck или, например, эстетский перформанс трио Саши Машина не только наследуют давнему крышлетному киновыступлению бэнда Давида Голощекина, но и показывают, что в России джаз как адекватная городу музыка по-прежнему возможен. Тут, кстати, Питер на корпус впереди разобщенной и суетливой Москвы.

При всей стилистической разнородности выступивших в проекте групп, "Хот Культур" тем не менее оформляет нашу мейнстримовую сцену как осмысленное и эстетически законченное явление. Это, кстати, второй сюжет проекта, который как бы ненавязчиво показывает мающимся в смысловом хаосе и готовым браться за любую работу российским джазистам альтернативную реальность. Оказывается, можно играть мейнстрим-джаз и делать это, не скатываясь в маразм и пошлость и не идя на компромиссы с совестью.

И, кстати, по джазовым меркам, когда 1000 просмотров уже успех, проект неплохо собирает аудиторию на Youtube. То есть, если все делать правильно, то и зритель, на отстутствие которого так любят сетовать наши джазисты, тоже появится.

Короче говоря, команде проекта - респект. А теперь смотрим свежий сет квартета Красильникова. Красила - это сила, да и красавец, каких поискать:

https://youtu.be/wXart_XqyQs

#альбом_дня

No Base Trio | "No Base Trio" | Setola Di Maiale | 2020

До записи дебютного альбома пуэрториканские эль монстринос No Base Trio десять лет катали стандарты в барах Сан-Хуана, а потом вдруг сместились в сторону аскетичного фьюжна.

В процессе джемов саксофонист Джонатан Суазо (также отвечает за электронные эффекты), гитарист Габриэль Викенс и барабанщик Леонардо Осуна обходятся без басовой опоры, из-за чего звучание если и не теряет устойчивость, то становится неплотным и разреженным. На протяжении восьми безымянных композиций No Base Trio блуждают в психоделическом тумане, повторяя ритмические фигуры и закольцовывая сольные партии.

Вопреки стереотипным ожиданиям, темперамент альбома стремится к нулю, и складывается ощущение, что пластинку писали люди донельзя утомленные солнцем. No Base Trio, конечно, не впадают в летаргический сон, но пребывают в состоянии перманентной бессюжетной полудремы, изредка прерываясь на джаз-роковые всполохи. Но едва только композиции начинают приобретать четкие мелодические очертания или, не дай бог, драматический пафос, No Base Trio снова быстро возвращаются в состояние ленивой разморенности. Местами такое созерцательное безделье затягивает, но потом жажда жизни все-таки берет свое, и однообразные перекаты NBT начинают действовать на нервы.

Youtube | Bandcamp

#альбом_дня | #наше

Евгений Лебедев и Антон Ревнюк | "Duo Live In Japan" | 2020

Пианист Евгений Лебедев и контрабасист Антон Ревнюк перед последним концертом японского тура внезапно остались без барабанщика Игната Кравцова, которому понадобилось срочно вылететь в Москву, но решили не отменять выступление и отыграли под запись спонтанный акустический сет.

Те, кто внимательно следят за творчеством LRK Trio (Лебедев-Ревнюк-Кравцов), знают, насколько звучание это триединого состава завязано на сложные ритмические конструкции Кравцова. Да, LRK - это группа, в которой нет второстепенных ролей, но в то же время такое равенство как раз и означает незаменимость каждого. В конце концов, не зря же этот нерушимый союз был скреплен в названии группы первыми буквами фамилий участников.

Несмотря на то, что Лебедев и Ревнюк включили в сетлист исполняемые LRK композиции, искать пересечения, совпадения или отличия дуэта и трио не стоит. Взаимодействие Лебедева и Ревнюка устроено по другим, чем у группы, законам, к тому же мы помним их студийный альбом "Open Strings", вышедший еще до взлета LRK Trio. Таким образом, явление "Лебедев-Ревнюк" самостоятельно, обосновано и не требует оговорок и ненужных сравнений.

Возможно поэтому в записи чувствуется, что случившийся в Японии форс-мажор Лебедева и Ревнюка ничуть не смутил. Наоборот, играют в охотку, в полном контакте с друг другом и зрителями, получая удовольствие от внезапных поворотов и совпадений. Многие вещи на альбоме сыграны на тоненького, но в то же время без излишней боязливой интеллигентности. Веселья на "Duo Live In Japan" хватает с избытком, и тем, кто критиковал Лебедева и Ревнюка за излишнюю расчетливую холодность, хочется сразу поставить "неправильное" вступление стандарта "If I Should Lose You" или авторскую композицию Лебедева "Broken Tango", сыгранную с почти детским азартом.

"Duo Live In Japan" - запись легкая, и тот же Лебедев в анонсирующем посте как бы впроброс намекнул, что она спокойно может идти фоном к другим занятиям. Впрочем, легкость в данном случае - производная мимолетности момента, и интуитивно создавая понятную для слушателя музыку, Лебедев и Ревнюк не упускают случая поиграть с ним в кошки-мышки. Да, дуэт звучит по-джамаловски easy, позволяя получать удовольствие даже при скольжении по поверхности, но и не забывает оставлять тайники, которые будут заставлять возвращаться к этой пластинке снова и снова в надежде услышать упущенное и неразгаданное.

Youtube | Odesli

#альбом_дня

Stirrup + 6 | "The Avondale Addition" | Cuneiform Records | 2020

В июле вашингтонский лейбл Cuneiform выпустил две пластинки, которые так и хочется назвать мгновенной классикой. Об альбоме квартета Thumbscrew я уже писал, теперь настал черед "The Avondale Addition" великого чикагского выдумщика Фреда Лонберга-Холма.

Лонберг-Холм - виолончелист, импровизатор и композитор, ученик Мортона Фелдмана и Энтони Брэкстона - давно занимается изучением музыкальных неустойчивостей, и на этот раз соединил вместе два своих проекта: трио "Strrup", исполняющее заранее написанные композиции, и свободный импровизационный ансамбль "Lightbox Orchestra".

В основу сыгранной живьем программы легли композиции репертуара Stirrup, ритмической логике которых на протяжении записи следовали барабанщик Чарльз Румбак и басист Ник Макри, а шесть музыкантов "Lightbox Orchestra", наоборот, находясь в импровизационном поле, ориентировались только на "дирижерские" подсказки Лонберга-Холма.

В результате пластинка, то обретая выразительную мелодическую стать, то рассыпаясь осколками свободной импровизации, словно изучает законы взаимодействия противоположных систем. На "The Avondale Addition" порядок превращается в хаос, а потом снова обретает себя в новой форме. Композиционная структура здесь удерживается незыблемой логикой ритм-секции, но мелодические контуры размываются внезапными отрезками свободной импровизации. "Дирижерская" воля Лонберга-Холма ограничена им самим же выдуманной системой "подсказок", которую он использует скорее не для контроля над процессом, а для регулирования потоков энергии.

На "The Avondale Addition" Лонбергу-Холму, кажется, удается достичь музыкального абсолюта не только в смысле стилистического охвата (тут с авангардом и фри соседствуют вполне себе конвенциональные пост-боп и спиричуэл-джаз), но и в создании пространства, где процесс находится в (пусть и причудливой) гармонии с результатом, а коллективное взаимодействие не противоречит индивидуальной воле. Ну а о том, что исполнен "The Avondale Addition" на запредельном техническом уровне, даже и говорить не стоит.

Youtube | Bandcamp

​#дайджест | #новые_пластинки

Доделал наконец список свежих примечательных альбомов. Это преимущественно июльский сбор, о котором в сентябре писать, наверное, уже моветон. Но так уж повелось, что на этом канале работа ведется в режиме "месяц спустя", а скорость реакции вторична по отношению к качеству музыки.

Так или иначе, из тех, о ком писал последний месяц, в списке: блистательные Thumbscrew и Stirrup+6, резвые мат-джаз канадцы Animatist, разбитные москвичи The RIG, теплый и душевный Чарльз Толливер, захватывающий африканский дуэт гитаристов Алхуссейни Аниволла и Гирума Мезмура, а еще соло-перформанс Лоуренса Пайка, токийский лайв Евгения Лебедева и Антона Ревнюка, и расслабленные даб-вариации джазовых стандартов от екатеринбуржцев Lollypop Lorry. Из нового - спонтанный импровизационный сет томичей Strangelet Trio и британца Лео Абрахамса, аутентичный кейп-джаз Ашера Гамедзе, записанный по Zoom альбом саксофонистки и композиторки Анны Веббер и размашистая запись певицы Соми с биг-бэндом Франкфуртского радио.

По традиции описания, примеры и ссылки выложены в Телетайп. Инджой.

Teletype.in

#альбом_дня

Soojin Suh Coloris Trio | "Colorist" | Night Birds | 2020

Вот еще одно доказательство того, что Южная Корея живет не кей-попом единым, а Сеул по развитию джазовой сцены уже вовсю дышит в спину Токио.

Пока местные кроссовер-попсовики штурмуют главную сцену Seoul Jazz Festival, а авангардисты кучкуются вокруг сеульского коммьюнити Ghetto Alive, параллельным курсом набирает обороты новая плеяда музыкантов, объединенных желанием играть умный и извлистый пост-боп с тонким чувством национальных традиций.

В этом смысле новый альбом "Colorist" барабанщицы Суджин Со выглядит образцовой моделью зарождающегося локального движения. Несмотря на то, что в музыкальном устройстве пластинки чувствуется полученная Со в Нью-Йорке модерн-джазовая закваска, "Colorist" выделяется как раз нехарактерными для глобального американизированного мейнстрима деталями.

Сразу бросается в глаза насколько тщательно выведен на альбоме звук и продумана каждая композиционная деталь - это вам не самоуверенный подход нью-йоркских "котиков", которые в студии могут часами травить анекдоты, а потом записать нечто за один присест в духе "ну мы же гении". Трио Со, напротив, противопоставляет удалому нахрапу собранность и сыгранность, выдерживая сложые ритмические изгибы и переходы, и не рассыпаясь на бопнические рудименты.

По тому, как умело встроены в джазовую ритмическую ткань фольклорные темы, чувствуется, насколько серьезно Со увлечена южнокорейской традиционной музыкой (в этой связи, кстати, любопытно послушать еще один ее новый релиз - дуэт с народной певицей Баум Се). При этом нельзя сказать, что на "Colorist" акценты сильно смещены в сторону фолк-джаза, скорее Со грамотно использует элементы корневой музыки, чтобы увести саунд альбома подальше от набивших в мейнстриме оскомину мелодических паттернов.

При прослушивании "Colorist" чувствуется, что пластинка придумана и записана умными и просвещенными людьми, однако она сохраняет доступность и может служить отправной точкой для знакомства с хитроумно устроенным южнокорейским джазом. А при желании, избежав на старте ненужных встреч, стоит двинуться дальше, например, к саксофонному умнику Сунжаю Ли.

Youtube | Youtube

#альбом_дня

Tigran Hamasyan | "The Call Within" | Nonesuch | 2020

На обложке девятого по счету сольного альбома "The Call Within" пианист Тигран Амасян смотрит вдаль, раскинув руки, с зависшего в астральном полете ковра-космолета.

Такой китч на входе запросто похоронит кого угодно, но в случае с Амасяном подобные условности не действуют. К возрасту расцвета 33-летний Амасян превратился из подающего надежды пианиста, победившего в 2006-м на конкурсе Телониуса Монка, в признанную звезду и музыканта топ-уровня, которого Херби Хэнкок называет учителем.

Четырнадцать лет Амасян кропотливо выстраивал образ и собирал себя по частям, выдерживая строгий стиль и избегая крайностей. Теперь же настало время высказаться всерьез, и по такому случаю Амасян не намерен стесняться пафосных интонаций.

На "The Call Within" музыкальный почерк Амасяна узнаваем: фольклорные мотивы, прог-роковая патетика, сложные размеры и закрученные ритмы. Но если на предыдущих альбомах Амасяна всего было поровну, то новая пластинка, наоборот, скроена из одних чрезмерностей. Амасян словно включает режим no filter, и от этого "The Call Within" местами пухнет от пафоса, местами проваливается под грузом авторских идей, местами трещит по швам, не выдерживая эмоционального напора.

Вглядываясь внутрь себя, Амасян похоже приходит к выводу, что обнаружил Вселенную, и потому не видит смысла более заботиться о чувстве меры. Разжигая костры амбиций, Амасян при этом не вызывает отторжения. Наоборот, избыточность "The Call Within" делает альбом чуть ли не самым его честным высказыванием. А если это так, то стоит признать, что необжитое пространство китча как нельзя лучше подходит для разговора по душам.

Те, кто послушав пластинку, захлебнутся в поспешных восторгах, равно как и те, кто начнут по-снобски воротить от нее нос, окажутся верхоглядами и не поймут главного. Для Амасяна "The Call Within" - это рубежный альбом, в котором он, отказавшись от хороших манер, признается в своих любовях и страхах, талантах и слабостях, мечтах и привязанностях. В конце концов, проговаривается о том, что считает себя гением. И ровно в этот момент, когда объективность самооценки Амасяна начинает вызывать вопросы, нужно отложить сомнения в сторону, и восхититься смелостью его поступка.

Youtube | Odesli

​Умер Гэри Пикок. Великий музыкант, которого великим называли чуть реже, чем он того заслуживал. Контрабасистов с таким таймингом и ритмом как у Пикока - единицы. А главное, Пикок, сочетая в своей игре виртуозную технику и блюзовую горечь, улавливал недоступные другим волны и органично вписывался даже в экстремальные музыкальные обстоятельства.

Помимо магистральной линии со "стандартным трио" Кита Джарретта (20 альбомов на ECM), творчество Пикока щедро дарило сюжеты, о каждом из которых хочется написать отдельный текст. Это и пластинка Билла Эванса "Trio'64", которая страшно не нравилась Криду Тэйлору, хотя Пикок взаимодействовал с Эвансом ничуть не хуже Скотта ЛаФаро. И записанный в 63-м дуэт с Полом Блеем "Paul Bley with Gary Peacock" с композициями первой жены Пикока Аннетт, которая четырьмя годами позже вышла замуж за самого Блея. Кстати, сорок лет спустя Гэри вновь вернулся к музыке Аннетт, на этот раз записав вместе с Мэрилин Криспелл блистательную пластинку "Nothing Ever Was, Anyway: Music of Annette Peacock". Это период в середине 60-х, когда Пикок взрывал джаз вместе с Альбертом Эйлером на альбомах "Prophecy", "Spiritual Unity" и "Spirits Rejoice". Это побег из джаза в Японию в начале 70-х для постижения себя, который в итоге реализовался в блистательные записи с пианистом Масабуми Кикучи и барабанщиком Хироши Мураками. Наконец, это, конечно, его сольная дискография, в которой моим любимым стал альбом "December Poems" с участием Яна Гарбарека.

В прошлом году ECM неожиданно выпустил затерянный лайв Блея, Пикока, Мотяна и назвал его "When The Blues Live". На тот момент Пикок еще удерживал этот блюз с нами за себя и двух других ушедших гениев, а теперь вот и Пикока не стало, и блюз похоже ушел навсегда.

Земля пухом.

#альбом_дня

Nubya Garcia | "SOURCE" | Concord | 2020

Два с половиной года назад лондонская саксофонистка Нубайа Гарсия попала в первые ряды новой британской джазовой волны, поучаствовав в сборнике-манифесте We Out Here. К июлю 2020-го страсти и восторги вокруг UK Jazz Invasion слегка поутихли, но интерес к самой Гарсия, который она умеренно подогревала синглами и EP, сохранился.

К тому же, заматеревшей и нащупавшей идентичность через ритмы афробита, калипсо, дэнсхолла, даба и тауншип-джайва, мультикультурной лондонской сцене как раз не хватало столь же убедительной пластинки. Которая бы, не вызывая скоропалительных восторгов, систематизировала предыдущие разрозненные музыкальные изыскания и переосмыслила социальный феномен British jazz thing. Тут стоит сделать ремарку в сторону и сказать, что как минимум в вопросе гендерного равенства джазовый Лондон уж точно впереди планеты всей: пока нью-йоркский журнал Downbeat старательно выводит на обложку продюсерский проект Artemis, в британской столице одна за другой расцветают трубачки Язз Ахмед и Лора Джерд, саксофонисти Тамар Осборн (Collocutor), Касси Киноши (KOKOROKO) и Камилла Джордж, тромбонистка Рози Тертон, гитаристка Ширли Тете (Nerija), мультиинструменталиста Эмма-Джин Тэкрей и вокалистка Зара Макфарлейн, которая тоже делает музыку вне шаблонов об афро-джазовом вокале.

Наверное поэтому долгожданный альбом Гарсия "SOURCE" изначально оказался перегрет ожиданиями. Впрочем, с медийной точки зрения релиз себя оправдал: из новых британцев такую хорошую прессу собирал разве только Шабака Хатчингс.

Но как и в случае с Шабакой, альбом Гарсия при впечатляющем наборе показателей не вызывает ответных слушательских эмоций. Такие внешне безукоризненные пластинки парадоксальным образом более других нуждаются в конъюнктурных и тенденциозных подпорках. На примере "SOURCE" можно сколько угодно рассуждать о мультикультурности, гендерном равенстве и новом джазовом фем-движении (и здорово, что можно), но когда нужно завести разговор непосредственно о музыке, сразу повисает неловкая пауза. Сказать об этой технически совершенной, грамотно записанной, детально упакованной и композиционно выстроенной работе нечего кроме набора банальностей: вот тут даб, а тут - колумбийский фолк, а в песне N - сложный размер, а еще у Гарсия мягкий и теплый саунд (что правда).

Поэтому, кажется, что в моменте попав в Best New Music на "Пичфорке" (тоже, конечно, тот еще референс), на средней и большой дистанции этот гладкий альбом затеряется. Ведь людям по-прежнему свойственно помнить "неправильные ошибки", прорехи и пустоты, цепляться ухом за невысказанное и непонятное - за то, что оказывается скрыто в пространстве between the notes. А все хорошее, к чему несомненно относится альбом Гарсия "SOURCE", забывается быстро.

Youtube | Odesli

#альбом_дня

Anton Kotikov, Alexey Nadzharov, Petr Ivshin | "The Healing" | Fancymusic | 2020

К прослушиванию альбома "The Healing" Антона Котикова, Петра Ившина и Алексея Наджарова я подступался с осторожностью, опасаясь, что на длинной дистанции пластинка не выдержит уровень, заданный июльским синглом "Mountain Prayer". Страхи и сомнения оказались напрасны: на протяжении часа (а именно столько длится этот альбом) "The Healing" и впрямь оказывается музыкой труднодостижимых исполнительских и содержательных вершин.

Импровизационный характер пластинки и отсутствие прекомпозиционного материала не лишают "The Healing" цельности. Сюжет альбома ветвист, и даже запутан, но все же переплетающиеся нити музыкального повествования ведут слушателя по сюжетной канве и не дают затеряться в шумовом хаосе.

Несмотря на то, что "The Healing" бурлит идеями, внутри каждой из семи композиций альбома дышится легко и свободно. Ощущение воздушности и перманентной изменчивости музыки возникает еще и потому, что на альбоме отсутствует заземляющая басовая линия, а Петр Ившин на барабанах и перкуссии парит в свободном полете вместе с другими участниками трио. Антон Котиков помимо "традиционных" для джаза тенор-саксофона, флейты и кларнета использует индийскую флейту-бансури и армянский дудук, а Алексей Наджаров на фортепиано и вовсе творит чудеса - то расшатывает композиции атональными пассажами, то наоборот добавляет барабанно-духовым перекличкам мелодической драматургии, а в первые три минуты заглавной композиции устраивает трехминутное соло такой глубины и мощи, что, ей-богу, вся жизнь успевает пронестись перед глазами.

Впрочем, альбом хорош не только пронзительными моментами и спиритическими прозрениями а-ля Колтрейн или Сандерс ("Many Ways - One Descision", "Healing", "Mountain Prayer"), но и внезапным переходом в жизнелюбивую бразилиаду в "Brazilian In India" или почти фанковым качем в финальной части "Trial" или горькой пост-блюзовой прожаркой в "French Coffee". Как уже было сказано, смена тем и настроений дается музыкантам легко и в итоге складывается в законченное сильное высказывание. По уровню "The Healing" запросто можно поставить в один ряд с топовой продукцией любимых мной европейский лейблов "Intakt" или "Clean Feed". Но чтобы избежать спорных сравнений, скажем еще проще: "The Healing" один из лучших альбомов этого года. И точка.

Youtube | Odesli

#альбом_дня

JD Allen | "Toys / Die Dreaming" | Savant | 2020

Саксофонист Джей Ди Аллен, что называется, человек с биографией: родился в трущобах Восточного Детройта в неблагополучной семье (отец промышлял уличными кражами, а потом сел за ограбление банка; мать срывалась и била детей ), не смог получить начальное музыкальное образование, потому что пришлось заложить кларнет и доставать деньги на еду, а в джаз попал благодаря родной тете, которая решила вытащить маявшегося 13-летнего подростка из опасной уличной среды и отправила его в музыкальный колледж.

В молодости Аллен, по собственным словам выбирал между саксофоном и пистолетом, в итоге выбрал джаз и перебрался из Детройта в Нью-Йорк. Там он быстро сделался завсегдатаем клубов и баров, приобретя вместе с полезными знакомствами и локальной известностью алкогольную и наркотическую зависимости, победить которые сумел лишь много сложных и маятных лет спустя.

К 47 годам у Джей Ди Аллена сложились 14 сольных альбомов и репутация убежденного олдскульщика по звуку и по духу. При том что Аллен, конечно, сделал себя сам и реализовался скорее вопреки, чем благодаря, он остался последовательным аутсайдером и волком-одиночкой, который живет по неписанным самурайским законам, играет в малых комбо, выступает в тесных клубах и делает джаз не ради денег и славы. В союзниках у Аллена только чувство ритма и импровизационные инстинкты - гармонию и мелодию Джей Ди считает рудиментами и поэтому предпочитает выступать в формате pianoless-трио.

На альбоме "Toys / Die Dreaming" Аллен играет с контрабасистом Яном Кенселааром и барабанщиком Ником Качиоппо, которых называет "плохими парнями поколения двадцатилетних". В прошлом году в том же составе Аллен выпустил неистовую пластинку "Barracoon", по сравнению с которым "Toys / Die Dreaming" звучит хоть и несколько покладистее, но точно не хуже. Рассказывая истории с отсылками к собственной непростой судьбе Аллен чередует авторские композиции и стандарты (например, пластинка начинается с "You're My Thrill" Билли Холидей) и, сохраняя спокойный и веский тон, методично разыгрывает аскетичный пост-боп.

По обыкновению скупо обрисовывая темы, Аллен стремится побыстрее уйти в пространство импровизации и разыграть могучие саксофонные соло. На этот раз Джей Ди накручивает скорости только в двух номерах (прифанкованной композиции "Die Dreaming" и сбивчивом бопе "Elegua (The trickster)"), в оставшихся же пяти пьесах Аллен пребывает в состоянии горькой блюзовой печали. Такой сюжет в джазе, мягко говоря, не нов, но ведь и не сюжеты красят человека. Джей Ди Аллен свои блюзы прожил и выстрадал, а значит вправе играть их за себя и за тех, кто до сих пор испытывает тяготы расовой и социальной несправедливости.

Ведь как показало это лето, несмотря на полувековую борьбу за гражданские права, изменения в жизни black american community если и происходят, то не больше чем на полшага. А значит и старая школа Джей Ди Аллена по-прежнему созвучна этому времени.

Youtube | Odesli

#альбом_дня

Finity | "Jazz Pa Engelsk, Finity's Destiny" | Jazzland Recordings | 2020

Нордические чародейки Хейда Йохансдоттир (туба) и Аня Лаувдаль (клавишные) с подельниками из группировки Finity сообразили остроумное увеселение, переиграв хиты великой поп-группы Destiny's Child.

Плутовство начинается с названия альбома "Jazz Pa Engelsk", которое обыгрывает старинный бестселлер "Jazz Pa Svenska" шведского пианиста Яна Юханссона. Но если Юханссон 60 лет назад взял за основу скандинавские народные песни 17-18 вв. и превратил их в конформный "прохладный" джаз, то Finity действуют как бы в обратном направлении, трансформируя поп-шлягеры в замороченные джазовые композиции.

Подобные трюки с поп-музыкой джазисты проделывали уже не раз, поэтому на первый план в такого рода проектах выходит качество исполнения, и у Finity с этим полный порядок. Чувствуется, что Йохансдоттир и Лаудаль знают толк в аранжировках и пересобирают нетленки Destiny's Child смело, но с чувством меры: открывающая альбом песня "Bootylicious" превращается в сосредоточенный фьюжн; стремительная "Independent Women" оборачивается ледяным электро-джазом мольверовского толка; в трепетную "Say My Name" внедряются экспериментальные саксофонные техники, а сама мелодия едва проступает из-под импровизационной дымки; мажорная "Jumpin' Jumpin'" начинается с бодрой брассовой переклички, но затем срывается в развинченный фри-джаз; "Survivor" неожиданно подается в форме тревожного политонального пост-бопа; закрывает же пластинку "Stand Up For Love", в которой оставленная без видимых изменений мелодия бесщадно саднит душу.

Продукт у Finity получился самостоятельный и даже не требующий обязательной сверки с оригиналом, но в то же время он исподволь рождает душевный порыв переслушать все альбомы Destiny's Child разом. И в этом, если хотите, еще одно достоинство "Jazz Pa Engelsk". Песни Destiny's и впрямь на все времена, и никакой фри-джаз им не помеха, а только способ по-новому взглянуть на навсегда проникшие в сознание нетленки.

К слову, тот самый Юханссон, продав только в Швеции 200 тысяч копий "Jazz Pa Svenska", впоследствии превратил разовую вылазку в долгоиграющий проект и прошелся джазом по русскому и венгерскому фольклору. Вот и Finity хочется пожелать не останавливаться и в следующий заход поработать, например, над творческим наследием Билли Айлиш.

Youtube | Odesli

Analog Players Society // "Tilted" (Ropeadope, 2020)

Analog Players Society — группа без постоянного состава, круговерть музыкантов, которых продюсер и перкуссионист Эймон собирает у себя в студии для дестабилизации жанровой обстановки. С легкой руки Эймона нежный рождественский вальс Винса Гуаралди "Christmas Time Is Here" может, например, обернуться ямайским танцевальным хитом с бэкбитом и дудками.

На сей раз за расшатывание основ взялись продвинутые джазмены: Донни Маккаслин (саксофон), Оррин Эванс (фортепиано), Дезрон Дуглас (контрабас) и Эрик Макферсон (ударные). Этот состав «Общества аналоговых музыкантов» открывает свой альбом звуковым миражом, в котором постепенно, как будто сопротивляясь, начинают угадываться контуры классической босса-новы "One Note Samba" Антониу Карлуша Жобина. Ее незамысловатая мелодия то проявляется в полиритмическом мираже, то вязнет в тягучем дабе, пока соло Маккаслина и Макферсона вскрывают гармонию, уводя ансамбль далеко от той самой «одной ноты», на которой строится оригинал. Похожим образом APS поступают с "Epistrophy" Телониуса Монка. Музыка лавирует между обманчиво простым риффом Эванса на игрушечном пианино и колючими диссонансами, а под конец группа буквально переламывает ритм через колено. И угловатой музыке Монка это очень идет.

В итоге квартет так изобретательно смещает точку сборки, что джазовые стандарты, из которых давно выжаты все соки, вновь обретают необыкновенный магнетизм.

#альбомы #свежак

#забытые_пластинки

Admas | "Sons Of Ethiopia | Frederiksberg Records | 1984 - 2020

Здорово, когда хотя бы раз в году объявляется такая эфио-джазовая пластинка, что и утешит, и душу отогреет и принесет мимолетной межсезонной радости.

И если в 2020-м вышло так, что отцы жанра Хайлу Мергиа и Мулату Астатке записали что-то невразумительное, то почему бы не обратиться к архивным находкам.

В 1984-м году эмигрировавшие в Вашингтон из Аддис-Абеба Тедди Аклилу, Хенок Темесген и Абегасу Шиота играли в заштатном ресторане, слушали пиратское радио с эфиопской музыкой и спонтанно сочиняли песни. Когда песен набралось восемь штук, решили, что пора записать альбом: заняли денег у родственников, засели в студии и выпустили полноформатник тиражом 1000 копий. Решили, что продолжат играть вместе только в том случае, если пластинка будет хорошо продаваться. Но толком не пошла даже эта пробная первая партия, приятели забросили выступления и разлетелись кто куда (Темесген и Шиота поступили в Беркли, Аклилу выучился на эколога), не сохранив себе даже авторских копий. Когда в конце 2010-х датский коллекционер и владелец инди-лейбла Frederiksberg Records выторговал раритетный винил на Ebay, ему с трудом удалось найти контакты для начала работы над переизданием. Выяснилось, что все трое вернулись на родину, живут частной жизнью, а о записи даже не помнят.

Наверное, поэтому появившийся из ниоткуда альбом "Sons Of Ethiopa" оставляет ощущение всамделишного непридуманного счастья. Записанный будто бы без причины и забытый из-за ненужности, "Sons Of Ethopia" наполнен незамутненной и ясной красотой, на которой отсутствует налет лишних образов и мыслительных конструкций. Эта музыка одновременно побуждает верить в чудеса, радоваться сиюминутному и негромко тосковать по безвозвратно ушедшему - тому, что точно будет где-то, но не здесь.

Youtube | Odesli

#анонсы

Завтра на «‎Флаконе» пройдет «‎Рихтерфест», за шесть лет превратившийся из авантюрного лесного рейва для своих в первейшее московское событие в области авангардной музыки. Лайн-ап в этом году бодрит: ударный импров-квартет «‎Драмажур», черкесский блэк-метал Zafaq, даб-джаз трио «‎д.у.б.», ядреные Speedball Trio, а еще ночная рейв-сессия и открытое джем-пространство.

Любопытно, что оглядываясь назад, заметно как «‎Рихтерфест» развивался будто бы вопреки логике и внешним обстоятельствам: идея возникла с похмелья после вечеринки на «‎Милюте», второй фестиваль прошел на фоне запрета Outline и массового фечтивалепада, перед четвертым «‎Рихтером» продюсер фестиваля Женя Галочкин сломал ногу и занимался организацией чуть ли не из больницы, в прошлом году фестиваль хотели закрывать из-за нехватки средств, а в этом - будут проводить на фоне коронавируса и накатывающей второй волны.

Но несмотря на это, фестиваль каждый раз проходит весело, остроумно и с бесшабашной удалью. Наверное, тут дело в характере идеолога и продюсера «‎Рихтера», а заодно и сооснователа лейбла «‎ТОПОТ» Жени Галочкина, для которого хаос кажется родной стихией. Что бы не случилось, Женя сохраняет кураж, драйв и правильный нервный импульс, и некичливо прячась за коллективным «‎мы», проворачивает серьезный объем работы.

Любопытно и то, как выросло движение, сложившееся вокруг «‎Рихтера», в котором каждый из музыкантов, будь то Константин Сухан или, например, Сергей Храмцевич (примеров на самом деле гораздо больше), по сути сам себе и группа, и медиа и лейбл. Такое кажущееся обособление продиктовано субъективным характером музыки, но все-таки находясь друг от друга на дистанции, участники авангардной сцены причудливым образом пересекаются. «Рихтерфест», который видится мне созвездием одиночек, как раз точка такого пересечения.

А теперь слово Жене Галочкину (@tawpot), которого я попросил вспомнить, как фестиваль начинался, потравить байки о «Милюте» и нетрезвом перформансе Тони Бака и Мазена Кербаджа, а еще сделать краткий гид по программе 2020-го.

Почитайте, а если захотите завтра зайти на «Флакон», то вот вам промокод ONTHERICHTER.