Современная польская художница Юстина Копанья в своих работах создает удивительные по своей красоте пейзажи. Ее картины поражают своей глубиной и эффектом объемного рисунка, который достигается за счет непрерывных тягучих мазков художницы.
Как пишет о себе сама Юстина, в своих работах она пытается передать атмосферу, а не реалистичность пейзажа: «Искусство это мое убежище, жизнь, поэзия, музыка. Мои работы отражают мир, каким я его вижу, все мои чувства, люди которых я встречаю и люблю, природу, которой я восхищаюсь, и вещи, которые окружают и влияют на меня. Человек мое основное вдохновение, это главная тема моих работ. Особенно мне интересна психология отношений, манеры, движение как внутри человека, так и окружающего его мира. Предпочтение я отдаю живописи маслом на больших холстах, пишу в своей студии, иногда по несколько часов в день. Главное для меня, это передать атмосферу картины, мои кусочки из воспоминаний так, чтобы зритель тоже смог их прочувствовать и понять».
Личный сайт художницы: http://studiounderthemoon.zohosites.com/ #живопись
Как пишет о себе сама Юстина, в своих работах она пытается передать атмосферу, а не реалистичность пейзажа: «Искусство это мое убежище, жизнь, поэзия, музыка. Мои работы отражают мир, каким я его вижу, все мои чувства, люди которых я встречаю и люблю, природу, которой я восхищаюсь, и вещи, которые окружают и влияют на меня. Человек мое основное вдохновение, это главная тема моих работ. Особенно мне интересна психология отношений, манеры, движение как внутри человека, так и окружающего его мира. Предпочтение я отдаю живописи маслом на больших холстах, пишу в своей студии, иногда по несколько часов в день. Главное для меня, это передать атмосферу картины, мои кусочки из воспоминаний так, чтобы зритель тоже смог их прочувствовать и понять».
Личный сайт художницы: http://studiounderthemoon.zohosites.com/ #живопись
Кирилл Зданевич (1892-1969 гг) один из крупнейших мастеров советского художественного авангарда. Художник, оформитель спектаклей и книг своих друзей – поэтов-футуристов. В своем творчестве сочетал черты кубизма, футуризма, неопримитивизма, народного искусства. Был одним из основателей теоретической концепции «всёчества», провозглашающей в своём манифесте: «Все стили мы признаём годными для выражения нашего творчества, прежде и сейчас существующие».
Во французской столице получил признание самого Пабло Пикассо. Увидев работы молодого художника, великий испанец написал «5+ Пикассо» на стене ателье, где проходила выставка картин Зданевича.
Мир света, солнца и изобилия запечатлён на его натюрмортах, а всё творчество богато красками и чувством жизни.
В 1963 художнику присвоили звание заслуженного деятеля искусств Грузинской ССР. #живопись
Во французской столице получил признание самого Пабло Пикассо. Увидев работы молодого художника, великий испанец написал «5+ Пикассо» на стене ателье, где проходила выставка картин Зданевича.
Мир света, солнца и изобилия запечатлён на его натюрмортах, а всё творчество богато красками и чувством жизни.
В 1963 художнику присвоили звание заслуженного деятеля искусств Грузинской ССР. #живопись
Рассуждая на этой неделе на тему экспрессионизма в архитектуре и интерьерах, не могу не упомянуть одно из самых ярких произведений экспрессионистского искусства и фактически его символ - картину Эдварда Мунка "Крик". Вот несколько фактов об этой картине и о художнике Эдварде Мунке в целом:
- Главная эмоция на картине – страх, который читается в выбранной художником цветовой гамме и извилистых линиях.
- Художник рано потерял мать и старшую сестру и, по некоторым данным, испытывал маниакально-депрессивный психоз, что в какой-то степени объясняет тему страха, смерти и отчаяния во всём творчестве Эдварда Муке.
- Картина «Крик» была написана в четырех экземплярах в разных техниках: маслом, пастелью и в виде литографии.
- В своих дневниках художник сам описал случай, вдохновивший его на создание картины. Он шел с друзьями по тропинке вдоль забора и с наступлением заката небо окрасилось в кроваво-красный цвет. Художника охватило чувство изнеможения, он остановился, в то время как друзья продолжали идти. В этом пейзаже художник ощутил «бесконечный крик, пронзающий природу».
- Пейзаж на картинах – реальный пейзаж Осло. К перилам, которые выглядят совсем как на картине, часто приводят туристов и там до сих пор можно встретить художников за работой.
- Центральная фигура нарисована довольно примитивным художественным языком, поэтому некоторые видят в ней некое бесполое существо, скелет, мумию или даже эмбриона. С помощью волнообразных линий художник изобразил звук крика, но неясно, кричит ли это человек или же он в страхе от услышанного «крика природы», который разносится повсюду.
- Одна из четырех версий «Крика» была продана на аукционе «Sotheby’s» за рекордные 120 миллионов долларов - на тот момент это была самая дорогая из проданных на аукционе картин, за нее торговались целых 12 минут.
- В 1994 году «Крик» украли из Национальной галереи в Осло, оставив записку «спасибо за плохую работу службы безопасности». Позже в августе 2004 года, картина похищена в результат вооруженного ограбления уже из Музея Мунка. За возврат картины государство пообещало 2 миллиона крон, а компания MARS пообещала 2 миллиона M&M’s тому, кто сообщит о ее местонахождении. Картину вернули, а конфеты хотели вручить полиции, но та распорядилась передать их денежный эквивалент в музей Мунка.
В некоторых источниках «Крик» считают современной «Моной Лизой», картина смогла отразить огромный сдвиг в западной культуре, который случился на пороге XX века. #живопись
- Главная эмоция на картине – страх, который читается в выбранной художником цветовой гамме и извилистых линиях.
- Художник рано потерял мать и старшую сестру и, по некоторым данным, испытывал маниакально-депрессивный психоз, что в какой-то степени объясняет тему страха, смерти и отчаяния во всём творчестве Эдварда Муке.
- Картина «Крик» была написана в четырех экземплярах в разных техниках: маслом, пастелью и в виде литографии.
- В своих дневниках художник сам описал случай, вдохновивший его на создание картины. Он шел с друзьями по тропинке вдоль забора и с наступлением заката небо окрасилось в кроваво-красный цвет. Художника охватило чувство изнеможения, он остановился, в то время как друзья продолжали идти. В этом пейзаже художник ощутил «бесконечный крик, пронзающий природу».
- Пейзаж на картинах – реальный пейзаж Осло. К перилам, которые выглядят совсем как на картине, часто приводят туристов и там до сих пор можно встретить художников за работой.
- Центральная фигура нарисована довольно примитивным художественным языком, поэтому некоторые видят в ней некое бесполое существо, скелет, мумию или даже эмбриона. С помощью волнообразных линий художник изобразил звук крика, но неясно, кричит ли это человек или же он в страхе от услышанного «крика природы», который разносится повсюду.
- Одна из четырех версий «Крика» была продана на аукционе «Sotheby’s» за рекордные 120 миллионов долларов - на тот момент это была самая дорогая из проданных на аукционе картин, за нее торговались целых 12 минут.
- В 1994 году «Крик» украли из Национальной галереи в Осло, оставив записку «спасибо за плохую работу службы безопасности». Позже в августе 2004 года, картина похищена в результат вооруженного ограбления уже из Музея Мунка. За возврат картины государство пообещало 2 миллиона крон, а компания MARS пообещала 2 миллиона M&M’s тому, кто сообщит о ее местонахождении. Картину вернули, а конфеты хотели вручить полиции, но та распорядилась передать их денежный эквивалент в музей Мунка.
В некоторых источниках «Крик» считают современной «Моной Лизой», картина смогла отразить огромный сдвиг в западной культуре, который случился на пороге XX века. #живопись
В завершении темы кубизма, хочу посвятить пост великому художнику Пабло Пикассо, который признан основателем кубизма в искусстве и живописи.
К началу XX в. активно развивалась фотография, и перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным, когда изобразительные образы становятся все доступнее? Ответ Пикассо был ясен и прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства - плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе.
В период раннего кубизма (1906-1909 года) Пикассо стал огрублять и упрощать очертания фигур и предметов. Например, фигура в "Фермерше" (1908 год). (фото 1)
Далее следует период "аналитического" кубизма (1909-1912), где художник использует цвет в произведениях лишь для подчеркивания объемов и выявления пластической сути объекта изображения. О разложении цельных форм на мелкие разнородные детали Пикассо в этот период говорил так: "Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно". Пример этого периода - портрет Амбруаза Воллара (1910 год). (фото 2)
В произведениях синтетического кубизма (1912-1914 года) зачастую использовалась техника коллажа. Произведения превратились в некие арт-объекты, которые давали смотрящему на картину определенные ориентиры, но не показывали предмет в его первозданном виде. В качестве примера можно привести работу "Гитара" (1913 год) и "Композиция с гроздью винограда и разрезанной грушей" (1914 год). (фото 3,4)
С развитием кубизма зрители стали воспринимать кубистические работы как абстрактные, но Пикассо был категорически против такой интерпретации. Для него было важно, чтобы зритель, во-первых, эмоционально реагировал на полотно, во-вторых - улавливал авторский посыл, заложенный в произведении. По причине неверного, по его мнению, восприятия, кубизм постепенно перестал интересовать мастера, создавшего его. #живопись
К началу XX в. активно развивалась фотография, и перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным, когда изобразительные образы становятся все доступнее? Ответ Пикассо был ясен и прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства - плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе.
В период раннего кубизма (1906-1909 года) Пикассо стал огрублять и упрощать очертания фигур и предметов. Например, фигура в "Фермерше" (1908 год). (фото 1)
Далее следует период "аналитического" кубизма (1909-1912), где художник использует цвет в произведениях лишь для подчеркивания объемов и выявления пластической сути объекта изображения. О разложении цельных форм на мелкие разнородные детали Пикассо в этот период говорил так: "Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно". Пример этого периода - портрет Амбруаза Воллара (1910 год). (фото 2)
В произведениях синтетического кубизма (1912-1914 года) зачастую использовалась техника коллажа. Произведения превратились в некие арт-объекты, которые давали смотрящему на картину определенные ориентиры, но не показывали предмет в его первозданном виде. В качестве примера можно привести работу "Гитара" (1913 год) и "Композиция с гроздью винограда и разрезанной грушей" (1914 год). (фото 3,4)
С развитием кубизма зрители стали воспринимать кубистические работы как абстрактные, но Пикассо был категорически против такой интерпретации. Для него было важно, чтобы зритель, во-первых, эмоционально реагировал на полотно, во-вторых - улавливал авторский посыл, заложенный в произведении. По причине неверного, по его мнению, восприятия, кубизм постепенно перестал интересовать мастера, создавшего его. #живопись
Артур Радебо, художник и иллюстратор из Детройта, своими рисунками, опубликованными в еженедельной газетной колонке под названием "Ближе, чем мы думаем" с 1958 по 1962 год, вдохновлял архитекторов и дизайнеров гуги.
В своем творчестве Артур Радебо иллюстрировал свои представления о будущем, позже описывая это, как "на полпути между научной фантастикой и проектами для современной жизни". #живопись
В своем творчестве Артур Радебо иллюстрировал свои представления о будущем, позже описывая это, как "на полпути между научной фантастикой и проектами для современной жизни". #живопись
В завершение темы регионализма, стоит написать и про творчество художников-регионалистов.
Регионализм в живописи – это американское движение 1930-х годов, вдохновлённое образами и эпизодами из жизни американского Среднего Запада. Регионалисты стремились к формированию подлинного американского искусства, поэтому обратились к местным темам в противовес авангардным европейским течениям. В своем творчестве они отражали жизнь американской деревни и маленьких городков, что и стало основной причиной их популярности.
Помимо художественной ценности, регионализм выполнял ещё одну важную функцию. В период Великой депрессии (1929-1939), повлекшей глубокую национальную неуверенность из-за биржевого краха США и экономического кризиса в целом, регионалисты возрождали веру Америки в свои силы, развивая идею национальной исключительности и самобытности развития.
Главными представителями художественного регионализма были Томас Харт Бентон (фото 1 – «Жатва пшеницы», 1938 г.), Грант Вуд (фото 2 – «Американская готика», 1930 г.), Джон Стюарт Кэрри (фото 3 – «Торнадо в Канзасе», 1929 г.), Чарлз Берчфилд (фото 4 – «Дождливая ночь», 1930 г.).
Так, регионализм в любом своём проявлении, будь то архитектура, дизайн или живопись, призван хранить национальную историю и историю местности, помогая новым поколениям чувствовать поддержку своих предков и родной земли. #живопись
Регионализм в живописи – это американское движение 1930-х годов, вдохновлённое образами и эпизодами из жизни американского Среднего Запада. Регионалисты стремились к формированию подлинного американского искусства, поэтому обратились к местным темам в противовес авангардным европейским течениям. В своем творчестве они отражали жизнь американской деревни и маленьких городков, что и стало основной причиной их популярности.
Помимо художественной ценности, регионализм выполнял ещё одну важную функцию. В период Великой депрессии (1929-1939), повлекшей глубокую национальную неуверенность из-за биржевого краха США и экономического кризиса в целом, регионалисты возрождали веру Америки в свои силы, развивая идею национальной исключительности и самобытности развития.
Главными представителями художественного регионализма были Томас Харт Бентон (фото 1 – «Жатва пшеницы», 1938 г.), Грант Вуд (фото 2 – «Американская готика», 1930 г.), Джон Стюарт Кэрри (фото 3 – «Торнадо в Канзасе», 1929 г.), Чарлз Берчфилд (фото 4 – «Дождливая ночь», 1930 г.).
Так, регионализм в любом своём проявлении, будь то архитектура, дизайн или живопись, призван хранить национальную историю и историю местности, помогая новым поколениям чувствовать поддержку своих предков и родной земли. #живопись
Мы поговорили про отрицание границ и канонов в архитектуре и в дизайне, и предлагаю не обходить стороной тему нигилизма в живописи, а конкретно стиля дадаизм.
Этот стиль появился как реакция на ужасы войны, главными причинами которой дадаисты считали рационализм и логику, поэтому за основу стиля они взяли отсутствие эстетики, отрицание стандартов, иррациональность и отказ от принятия мира.
Например, картина Франсиса Пикабиа «Вот, это Стиглиц», 1915 год. В этой картине Ф.Пикабиа изображает фотографа Стиглица в виде сломанной фотокамеры, поставленной на нейтральную скорость коробки передач и тормозного рычага, а сверху готическим шрифтом написано слово «Идеал». Всё вместе это символизирует устаревшие ценности искусства прошлого и старомодность самого А.Стиглица. (фото 1)
«Без названия (Квадраты, расположенные по законам случая)», Жан Арп, 1917 год. Художник вырезал из бумаги разноцветные квадраты, а затем ронял их на большой лист и приклеивал туда, где они упали. (фото 2) Коллажи Ж.Арпа отвечают одной из главных целей дадаизма как «анти-искусства» — полагаться на волю случая.
В 1920-х годах Ман Рэй начал свои фото-эксперименты под названием «рэйографы». Он клал разные предметы на фотобумагу и подвергал их воздействию света. (фото 3) Первый из подобных снимков, как и положено в дадаизме, получился случайно.Благодаря М.Рэю, фотография перестала быть зеркальным отражением реальности.
При всём внешнем эпатаже дадаизма, это прежде всего форма протеста не только против живописных традиций, но и против общественного строя и неравенства. #живопись
Этот стиль появился как реакция на ужасы войны, главными причинами которой дадаисты считали рационализм и логику, поэтому за основу стиля они взяли отсутствие эстетики, отрицание стандартов, иррациональность и отказ от принятия мира.
Например, картина Франсиса Пикабиа «Вот, это Стиглиц», 1915 год. В этой картине Ф.Пикабиа изображает фотографа Стиглица в виде сломанной фотокамеры, поставленной на нейтральную скорость коробки передач и тормозного рычага, а сверху готическим шрифтом написано слово «Идеал». Всё вместе это символизирует устаревшие ценности искусства прошлого и старомодность самого А.Стиглица. (фото 1)
«Без названия (Квадраты, расположенные по законам случая)», Жан Арп, 1917 год. Художник вырезал из бумаги разноцветные квадраты, а затем ронял их на большой лист и приклеивал туда, где они упали. (фото 2) Коллажи Ж.Арпа отвечают одной из главных целей дадаизма как «анти-искусства» — полагаться на волю случая.
В 1920-х годах Ман Рэй начал свои фото-эксперименты под названием «рэйографы». Он клал разные предметы на фотобумагу и подвергал их воздействию света. (фото 3) Первый из подобных снимков, как и положено в дадаизме, получился случайно.Благодаря М.Рэю, фотография перестала быть зеркальным отражением реальности.
При всём внешнем эпатаже дадаизма, это прежде всего форма протеста не только против живописных традиций, но и против общественного строя и неравенства. #живопись
Швейцарский фотограф Фабиан Офнер создал серию работ «Фотографические картины». С расстояния полотна Ф.Офнера практически неотличимы от абстрактной живописи с мягкими градиентами, но на самом деле вместо красок выступает висмут - серебристый металл, который в расплавленном состоянии меняет оттенки из-за контакта с кислородом.
Фотограф помещал висмут в емкость, разогревал его до плавления (271 градус), снимал верхний слой шпателем и равномерно распределял материал по ровной поверхности. Как только металл соприкасался с воздухом, он на несколько секунд менял свой внешний вид, цвета и формы, и именно этот краткосрочный момент и запечатлел фотограф.
Повлиять на цвет расплава фотограф не мог, поскольку цвет зависел только от температуры в помещении. Фотографии, которые представлены в серии подвергались лишь минимальной обработке.
Картина из металла - это ли не то, что идеально впишется в интерьер hi-tech? #живопись
Фотограф помещал висмут в емкость, разогревал его до плавления (271 градус), снимал верхний слой шпателем и равномерно распределял материал по ровной поверхности. Как только металл соприкасался с воздухом, он на несколько секунд менял свой внешний вид, цвета и формы, и именно этот краткосрочный момент и запечатлел фотограф.
Повлиять на цвет расплава фотограф не мог, поскольку цвет зависел только от температуры в помещении. Фотографии, которые представлены в серии подвергались лишь минимальной обработке.
Картина из металла - это ли не то, что идеально впишется в интерьер hi-tech? #живопись
"Maison Matisse" - копания основанная одним из правнуков художника Анри Матисса. Бренд отметил 150-летие А.Матисса выпуском коллекции керамики по мотивам его произведения "Музыка", написанного в 1939 году. (Фото 1)
Предметы коллекции спроектировала и перевела в трехмерный формат Марта Буковски. В серию вошло четырнадцать предметов: две крупные и две глубокие тарелки, шесть десертных тарелок, три бутылки и один кувшин. Все они изготовлены вручную в семейной керамической мастерской в Тоскане. #живопись
Предметы коллекции спроектировала и перевела в трехмерный формат Марта Буковски. В серию вошло четырнадцать предметов: две крупные и две глубокие тарелки, шесть десертных тарелок, три бутылки и один кувшин. Все они изготовлены вручную в семейной керамической мастерской в Тоскане. #живопись
Впустить в свой дом свежесть и красоту природы, наслаждаться её пейзажами, можно и через живопись.
Например, живопись акварелью японского художника Абе Тошиюки нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета, тепла, чудесных цветочных ароматов и ласкового солнца.
«Живопись должна пробуждать живые эмоции из самой глубины сердца.., это зеркало души того, кто ею любуется"- говорит художник. По мнению Абе Тошиюке, если картина не тронула сердце человека, она не выполнила своего предназначения. #живопись
Например, живопись акварелью японского художника Абе Тошиюки нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета, тепла, чудесных цветочных ароматов и ласкового солнца.
«Живопись должна пробуждать живые эмоции из самой глубины сердца.., это зеркало души того, кто ею любуется"- говорит художник. По мнению Абе Тошиюке, если картина не тронула сердце человека, она не выполнила своего предназначения. #живопись
Американский бренд "Lee Jofa" представил новую коллекцию абстрактных принтов и орнаментов "Kelly Wearstler V", по рисункам дизайнера Келли Уирстлер.
Центральным элементом коллекции стала модель "District". Её рисунок повторяет приёмы и формы живописи кубистов, в сочетании с мягкими трендовыми цветами: охровый, коричневый, оттенки глубокого синего, розовый и зелёный.
*на втором фото картина Пабло Пикассо "Резервуар. Хорта де Эбро", 1909 год.
*на третьей фото картина Хуана Гриса "Скрипки и гитара", 1913 год.
#живопись
Центральным элементом коллекции стала модель "District". Её рисунок повторяет приёмы и формы живописи кубистов, в сочетании с мягкими трендовыми цветами: охровый, коричневый, оттенки глубокого синего, розовый и зелёный.
*на втором фото картина Пабло Пикассо "Резервуар. Хорта де Эбро", 1909 год.
*на третьей фото картина Хуана Гриса "Скрипки и гитара", 1913 год.
#живопись
Сегодня хочу добавить в наши изоляционные будни свежих, залитых солнцем природных пейзажей, созданных американским художником-пейзажистом и непревзойденным мастером панорамных сцен, Фредериком Эдвином Чёрчем.
Чёрч одинаково хорошо рисовал как экзотические иностранные ландшафты, так и родную природу. Одна из картин, написанных по материалам многочисленных путешествий художника - «Сердце Анд» (1859, сейчас находится в музее Метрополитен, Нью-Йорк), была продана за рекордные 10000 долларов, что на тот момент было самой крупной суммой, когда-либо отданной за картину американского художника. (фото 1)
#живопись
Чёрч одинаково хорошо рисовал как экзотические иностранные ландшафты, так и родную природу. Одна из картин, написанных по материалам многочисленных путешествий художника - «Сердце Анд» (1859, сейчас находится в музее Метрополитен, Нью-Йорк), была продана за рекордные 10000 долларов, что на тот момент было самой крупной суммой, когда-либо отданной за картину американского художника. (фото 1)
#живопись
Расскажу вам о художнице из Новосибирска Анастасии Белых, потому что её работы нашли отклик в моём сознании. Для себя я приобрела две её картины, и их цвета , и то, какие они вызывают эмоции и чувства – мне очень близко.
Анастасия профессиональная художница, занимается живописью маслом с 2013 года. Живость и рельеф её картинам придаёт авторская техника работы с мастихином.
Как пишет сама художница о своей работе: «Для меня картина - это энергия, и я закладываю в картину именно ту энергию, которая необходима человеку и будет раскрывать потенциал во благо».
#живопись
Анастасия профессиональная художница, занимается живописью маслом с 2013 года. Живость и рельеф её картинам придаёт авторская техника работы с мастихином.
Как пишет сама художница о своей работе: «Для меня картина - это энергия, и я закладываю в картину именно ту энергию, которая необходима человеку и будет раскрывать потенциал во благо».
#живопись
Сегодня ни одна беседа о современном искусстве в России не обходится без имени художника Кирилла Бородина. С 2015 года он является членом Союза художников России, его работы хранятся в частных и музейных коллекциях России, Европы, Азии и США. Бородин также является членом международной ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО.
Кажущаяся на первый взгляд лёгкой, позитивной и гламурной, его живопись полна сарказма и глубокой иронии. Например, своей популярной картиной с уточками, Бородин поднял проблему глобализации и захвата китайцами мира. «Для меня эти уточки - символ подделок», - так описал картину художник.
Чаще всего Бородин изображает животных и городские пейзажи. «На создание многих работ меня вдохновляет город. Особенно сейчас, когда со зданий убрали ненужную рекламу. Дома, мосты, бездомных собак Екатеринбурга, а еще «хрущевки» и «брежневки», квартиры в которых обычно снимают приезжие, можно увидеть на моих картинах» - К.Бородин в интервью 2015 года. Часто на картинах появляетя образ девушки, символизирующий стереотип молодой гламурной дивы.
«Я рисую то, что мне нравится, не подстраиваясь под чьи-то вкусы, а потом терпеливо жду, когда зрители оценят мое творчество» - это ли не залог прекрасных результатов творчества Кирилла Бородина?
#живопись
Кажущаяся на первый взгляд лёгкой, позитивной и гламурной, его живопись полна сарказма и глубокой иронии. Например, своей популярной картиной с уточками, Бородин поднял проблему глобализации и захвата китайцами мира. «Для меня эти уточки - символ подделок», - так описал картину художник.
Чаще всего Бородин изображает животных и городские пейзажи. «На создание многих работ меня вдохновляет город. Особенно сейчас, когда со зданий убрали ненужную рекламу. Дома, мосты, бездомных собак Екатеринбурга, а еще «хрущевки» и «брежневки», квартиры в которых обычно снимают приезжие, можно увидеть на моих картинах» - К.Бородин в интервью 2015 года. Часто на картинах появляетя образ девушки, символизирующий стереотип молодой гламурной дивы.
«Я рисую то, что мне нравится, не подстраиваясь под чьи-то вкусы, а потом терпеливо жду, когда зрители оценят мое творчество» - это ли не залог прекрасных результатов творчества Кирилла Бородина?
#живопись
Признанный во всём мире японской мастер цифровой живописи Юсуке Акамацу в качестве холста для своих произведений использует iPhone. Основой выступают фотографии, которые художник с помощью фантазии и яркого цвета превращает в глубокие абстрактные образы.
В интервью для moscultura.ru Акамацу объяснил свой особый художественный язык так: «Я выражаю посредством искаженных лиц и фигур такие чувства, как одиночество, опустошение, страх перед будущим. Это очень глубокий для меня процесс. Я вижу так людей – в их искажении».
#живопись
В интервью для moscultura.ru Акамацу объяснил свой особый художественный язык так: «Я выражаю посредством искаженных лиц и фигур такие чувства, как одиночество, опустошение, страх перед будущим. Это очень глубокий для меня процесс. Я вижу так людей – в их искажении».
#живопись
Британский художник Джейсон Андерсон (Jason Anderson) пишет абстрактные морские и городские пейзажи, используя “пиксельные” прямоугольные мазки масляной краски пастельных оттенков. У каждой его работы есть световой «фокус» жёлтого цвета или выделенный белилами - восходящее или заходящее солнце или, реже, освещение от какого-либо объекта.
Вся городская инфраструктура – корабли, машины, мосты, города, здания, пристани, благодаря «пиксельной» технике, тают в пастельной дымке и кажутся маленькими и отдалёнными
Такая картина будет постоянно меняться, подобно изображенным пейзажам, в зависимости от яркости и типа освещения, поэтому всегда можно найти в ней что-то новое.
#живопись
Вся городская инфраструктура – корабли, машины, мосты, города, здания, пристани, благодаря «пиксельной» технике, тают в пастельной дымке и кажутся маленькими и отдалёнными
Такая картина будет постоянно меняться, подобно изображенным пейзажам, в зависимости от яркости и типа освещения, поэтому всегда можно найти в ней что-то новое.
#живопись
Это серия изображений экспериментального художника Баграда Бадаляна, демонстрирующая творческое использование фотографии с большой выдержкой. Бадалян использовал технику захвата объектов, перемещающихся в кадре, в результате чего получились красиво размытые фотографии, которые выглядят почти как картины.
Бадалян пояснил: «Я создаю свои изображения, изучая взаимодействия, которые могут возникнуть между моими фотографическими объектами и различными источниками света, которые я решаю добавить в свои кадры. Подвергая эти элементы тщательно подготовленным экспериментам, я пробую понять их двусмысленный язык, спровоцировать дискурс и сделать его понятным, податливым, раскрывая формы и цвета, находящиеся только в невидимом поле, скрытой реальности, избегая череды мгновений, навязанных нашим восприятием времени».
#живопись
Бадалян пояснил: «Я создаю свои изображения, изучая взаимодействия, которые могут возникнуть между моими фотографическими объектами и различными источниками света, которые я решаю добавить в свои кадры. Подвергая эти элементы тщательно подготовленным экспериментам, я пробую понять их двусмысленный язык, спровоцировать дискурс и сделать его понятным, податливым, раскрывая формы и цвета, находящиеся только в невидимом поле, скрытой реальности, избегая череды мгновений, навязанных нашим восприятием времени».
#живопись
Предлагает отвлечься от угнетающих новостных лент - нью-йоркский художник и графический дизайнер Шо Сибуя и его красочные рисованные рассветы. То, что начиналось как способ запечатлеть дни, проведенные дома во время изоляции, превратилось в прекрасную серию картин, которую Сибуя назвал «восходами солнца из маленького окна».
От оттенков синего до вспышек яркого розового и теплого оранжевого, тона и цвета картин создают успокаивающий контраст с тревожными заголовками дня.
#живопись
От оттенков синего до вспышек яркого розового и теплого оранжевого, тона и цвета картин создают успокаивающий контраст с тревожными заголовками дня.
#живопись
Междисциплинарный проект WHO I AM запустил площадку I AM ARTIST, где художники со всего мира могут продавать свое искусство без комиссии, то есть вся сумма от продажи идет художнику.
Основатель проекта, Джейкоб Якубов, презентовал его так: “Арт-индустрия это такая большая, сложная и в каком-то смысле инертная система. Мы решили сделать все немного проще: зашел на сайт, пролистал каталог, выбрал, добавил в корзину, оформил заказ. Несколько кликов и искусство у тебя дома, наполняет пространство и радует. Разумеется, все, что попадает к нам проходит модерацию: и тут учитывается экспертиза не только представителей арт-индустрии, но и мастеров из других сфер, чтобы составить более полную картину”.
Стоимость работ начинается от 50 евро и доходит до 1000 евро. Цену назначает сам художник, а доставку оплачивает покупатель.
I AM ARTIST в Instagram.
#живопись
Основатель проекта, Джейкоб Якубов, презентовал его так: “Арт-индустрия это такая большая, сложная и в каком-то смысле инертная система. Мы решили сделать все немного проще: зашел на сайт, пролистал каталог, выбрал, добавил в корзину, оформил заказ. Несколько кликов и искусство у тебя дома, наполняет пространство и радует. Разумеется, все, что попадает к нам проходит модерацию: и тут учитывается экспертиза не только представителей арт-индустрии, но и мастеров из других сфер, чтобы составить более полную картину”.
Стоимость работ начинается от 50 евро и доходит до 1000 евро. Цену назначает сам художник, а доставку оплачивает покупатель.
I AM ARTIST в Instagram.
#живопись
Художник Амури Дюбуа перенёс уличное искусство в интерьер церкви Sainte-Madeleine на побережье на западе Франции. Сложно представить, но Амури смог вручную без чьей-либо помощи создать новый дизайн церкви всего за два месяца, и используя только пять кистей. Амури смог сохранить тонкую грань между уважительным отношением к религиозной значимости места и отсылке к индивидуальности морского курорта, на котором находится церковь.
Красочные формы в тёплых тонах, созданные Амури, создают впечатление движущегося потолка.
Изображённые волны, в которых поблескивает рыбная чешуя, являются напоминанием об океане, расположенному в нескольких метрах от церкви, и в то же время рыба является одним из символов первых христиан и жизни в изобилии.
#живопись
Красочные формы в тёплых тонах, созданные Амури, создают впечатление движущегося потолка.
Изображённые волны, в которых поблескивает рыбная чешуя, являются напоминанием об океане, расположенному в нескольких метрах от церкви, и в то же время рыба является одним из символов первых христиан и жизни в изобилии.
#живопись