👍12
«Омнибус II»
Андерс Цорн, 1892
Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон
У шведа Андерса Цорна большинство работ — светлые и жизнерадостные. Живые портреты первых лиц нескольких стран — королей, министров и президентов; пасторальные и естественные ню из шведской глубинки… И вдруг — такой пронзительно будничный социальный сюжет.
Сам художник считал написанную им сцену забавной. «Сюжет забавлял меня тем, что самые разные люди встречаются друг с другом во время поездки». В салоне омнибуса (общественной кареты на конной тяге — «маршрутки» XIX века) рядом сидят модистка, сонный рабочий… и сам художник с усами и в цилиндре.
Цорн множество раз прокатился в омнибусе с Монмартра, чтобы уловить атмосферу. Нам эта атмосфера знакома по вагону метро или трамвая в вечерний час пик. Все сидят, погружённые в себя, уставшие с работы. Невольно разделяют личное пространство с незнакомцами, чтобы через полчаса уже не помнить их лиц.
@ArtGallery | #разбор
Андерс Цорн, 1892
Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон
У шведа Андерса Цорна большинство работ — светлые и жизнерадостные. Живые портреты первых лиц нескольких стран — королей, министров и президентов; пасторальные и естественные ню из шведской глубинки… И вдруг — такой пронзительно будничный социальный сюжет.
Сам художник считал написанную им сцену забавной. «Сюжет забавлял меня тем, что самые разные люди встречаются друг с другом во время поездки». В салоне омнибуса (общественной кареты на конной тяге — «маршрутки» XIX века) рядом сидят модистка, сонный рабочий… и сам художник с усами и в цилиндре.
Цорн множество раз прокатился в омнибусе с Монмартра, чтобы уловить атмосферу. Нам эта атмосфера знакома по вагону метро или трамвая в вечерний час пик. Все сидят, погружённые в себя, уставшие с работы. Невольно разделяют личное пространство с незнакомцами, чтобы через полчаса уже не помнить их лиц.
@ArtGallery | #разбор
👍48
О порочности Обри Бёрдслея слухи в английском обществе ходили постоянно. А графика талантливого денди лишь подкрепляла эти слухи. Художник публиковал множество эротических работ с анатомическими подробностями, которые мы из-за ограничений Telegram опубликовать не можем. Такая слава в итоге сыграла с Бёрдслеем злую шутку.
Правда, некоторые исследователи сходятся на том, что автор этой картины «Венера между богами» (1895) сам не был благословлён богиней любви. С малых лет Обри был болезненным мальчиком, и здоровье не позволяло ему стать любовником.
Но и знанием анатомии художник был обязан своему здоровью. Ещё в детстве из-за болезненности Бёрдслея в его доме настольными книгами были медицинские справочники с анатомическими иллюстрациями. И любознательный юноша досконально их изучал, а затем — применил знания в художественной практике.
@ArtGallery | #факт
Правда, некоторые исследователи сходятся на том, что автор этой картины «Венера между богами» (1895) сам не был благословлён богиней любви. С малых лет Обри был болезненным мальчиком, и здоровье не позволяло ему стать любовником.
Но и знанием анатомии художник был обязан своему здоровью. Ещё в детстве из-за болезненности Бёрдслея в его доме настольными книгами были медицинские справочники с анатомическими иллюстрациями. И любознательный юноша досконально их изучал, а затем — применил знания в художественной практике.
@ArtGallery | #факт
👍27😢2😁1
Меня интересует искусство как средство прожить жизнь, а не как средство заработать на неё.
Роберт Генри. «Мальчик в зелёной кепке (Чико)» (1922)
@ArtGallery | #цитата
Роберт Генри. «Мальчик в зелёной кепке (Чико)» (1922)
@ArtGallery | #цитата
👍56💔3
👍15
«Аранжировка в сером и черном №1 (Мать художника)»
Джеймс Уистлер, 1871
Музей д’Орсе, Париж
Эту картину автор не считал портретом. Как и другим своим работам, Уистлер дал ей музыкальное название: аранжировка. Для него сюжет или модель не имели большого значения, важны были композиция и колористика.
Но публика нарекла полотно «Мать Уистлера». Действительно, позирует мать художника. В мягкой и «скучной» почти монохромной гамме Уистлер передал благородную старость, достоинство и силу. На контрастном белом паспарту висит гравюра Уистлера «Пристань «Черный лев» (1859) — видимая связь матери и сына.
В 1872-м художник представил работу Королевской академии искусств Британии. Картину раскритиковали за блёклые цвета и слабость сюжета — то есть именно за то, чего Уистлер старался добиться.
Во Франции картину приняли теплее. А в современном мире она стала одним из узнаваемых сюжетов: она «играла» в «Симпсонах» и «Мистере Бине», ей посвящали музыку Клод Дебюсси и Джон Леннон.
@ArtGallery | #разбор
Джеймс Уистлер, 1871
Музей д’Орсе, Париж
Эту картину автор не считал портретом. Как и другим своим работам, Уистлер дал ей музыкальное название: аранжировка. Для него сюжет или модель не имели большого значения, важны были композиция и колористика.
Но публика нарекла полотно «Мать Уистлера». Действительно, позирует мать художника. В мягкой и «скучной» почти монохромной гамме Уистлер передал благородную старость, достоинство и силу. На контрастном белом паспарту висит гравюра Уистлера «Пристань «Черный лев» (1859) — видимая связь матери и сына.
В 1872-м художник представил работу Королевской академии искусств Британии. Картину раскритиковали за блёклые цвета и слабость сюжета — то есть именно за то, чего Уистлер старался добиться.
Во Франции картину приняли теплее. А в современном мире она стала одним из узнаваемых сюжетов: она «играла» в «Симпсонах» и «Мистере Бине», ей посвящали музыку Клод Дебюсси и Джон Леннон.
@ArtGallery | #разбор
👍54😁1
В 1870-м началась франко-прусская война. У Камиля Писарро было только гражданство Датского королевства, и он не мог вступить во французскую армию и защищать дом. Потому он с семьёй уехал в Англию.
В 1872-м, по возвращении, его ожидал жестокий удар. Из полутора тысяч картин, которые Писарро оставил в своей мастерской, уцелело всего около 40!
Остальные были уничтожены или повреждены. В их доме квартировали немецкие солдаты. Они использовали работы Писарро как коврики для ботинок.
Картина: «Пасмурный день на берегу Уазы близ Понтуаза» (1878). Музей д’Орсе, Париж.
@ArtGallery | #факт
В 1872-м, по возвращении, его ожидал жестокий удар. Из полутора тысяч картин, которые Писарро оставил в своей мастерской, уцелело всего около 40!
Остальные были уничтожены или повреждены. В их доме квартировали немецкие солдаты. Они использовали работы Писарро как коврики для ботинок.
Картина: «Пасмурный день на берегу Уазы близ Понтуаза» (1878). Музей д’Орсе, Париж.
@ArtGallery | #факт
😢41💔14👍8
Сердце подобно большинству инструментов: его нужно хорошенько протирать и почаще им пользоваться, чтобы оно блестело и хорошо работало.
Эдгар Дега. «Мадемуазель Дихо за пианино» (1872).
@ArtGallery | #цитата
Эдгар Дега. «Мадемуазель Дихо за пианино» (1872).
@ArtGallery | #цитата
👍34💔5
👍11
«Христос в пустыне»
Иван Крамской, 1872
Третьяковская галерея, Москва
Новозаветная история о сорокадневном посте Иисуса и его искушении дьяволом заинтересовала Крамского ещё во время обучения в Академии. По словам автора, картина писалась слезами и кровью. 10 лет набросков и эскизов, 10 лет поиска образа и композиции. Но результат того стоил!
На измождённом лице Христа видна работа мысли. Уйдя после крещения в пустыню, Спаситель вёл диалог с сатаной — и не поддался искушению, показав нам пример противления злу.
Некоторые критики ворчали, что на картине Крамского не хватает действия. Но оно есть — внутреннее, скрытое. Стиснутые (в молитве? в сосредоточении?) руки показывают, что этот нравственный выбор не был лёгким.
Ноги Христа изранены об острые камни. Вокруг — безжизненная пустошь, и мы знаем, что дальнейший путь приведёт Иисуса на Голгофу. Но над этим мертвенным монотонным пейзажем занимается заря нового дня. Свет побеждает тьму.
@ArtGallery | #разбор
Иван Крамской, 1872
Третьяковская галерея, Москва
Новозаветная история о сорокадневном посте Иисуса и его искушении дьяволом заинтересовала Крамского ещё во время обучения в Академии. По словам автора, картина писалась слезами и кровью. 10 лет набросков и эскизов, 10 лет поиска образа и композиции. Но результат того стоил!
На измождённом лице Христа видна работа мысли. Уйдя после крещения в пустыню, Спаситель вёл диалог с сатаной — и не поддался искушению, показав нам пример противления злу.
Некоторые критики ворчали, что на картине Крамского не хватает действия. Но оно есть — внутреннее, скрытое. Стиснутые (в молитве? в сосредоточении?) руки показывают, что этот нравственный выбор не был лёгким.
Ноги Христа изранены об острые камни. Вокруг — безжизненная пустошь, и мы знаем, что дальнейший путь приведёт Иисуса на Голгофу. Но над этим мертвенным монотонным пейзажем занимается заря нового дня. Свет побеждает тьму.
@ArtGallery | #разбор
👍57💔15😢1
Цвет — моя каждодневная одержимость и мое мучение. До такой степени, что однажды, оказавшись у смертного одра женщины, которая была и остается очень дорогой для меня, я поймал себя на том, что присматриваюсь к ее вискам и автоматически анализирую сочетание красок, которые смерть наложила на ее неподвижное лицо.
Клод Моне. «Камилла на смертном одре» (1879)
@ArtGallery | #цитата
Клод Моне. «Камилла на смертном одре» (1879)
@ArtGallery | #цитата
😢24👍13💔3
👍10
«Орфей у гробницы Эвридики»
Гюстав Моро, 1890
Музей Гюстава Моро, Париж
Парижанин Гюстав Моро до самой смерти остался холостяком. Но женщин он всё же не сторонился. В 1859-м он познакомился с Аделаидой-Александрин Дюре. Художник называл Александрин своим единственным и лучшим другом.
Моро оплачивал жильё Дюре в нескольких кварталах от родительского дома, где жил сам. А мать художника упомянула девушку в своём завещании.
В 1890-м Александрин умерла. Так и не женившийся на ней Моро был раздавлен этой утратой. Он сжёг всю переписку с Дюре, сам спроектировал её надгробие на кладбище Монмартра. И в том же году написал сегодняшнюю картину.
Потеряв Эвридику во второй раз (и уже навсегда) безутешный Орфей дни и ночи тосковал у гробницы возлюбленной. Его горе (как и горе Моро) выражены в агрессивном, тёмном пейзаже, залитом мертвенным лунным светом. Синий хитон Орфея рифмуется с глубокой синевой ночного неба, словно сам певец теперь — лишь одна из печальных ночных теней.
@ArtGallery | #разбор
Гюстав Моро, 1890
Музей Гюстава Моро, Париж
Парижанин Гюстав Моро до самой смерти остался холостяком. Но женщин он всё же не сторонился. В 1859-м он познакомился с Аделаидой-Александрин Дюре. Художник называл Александрин своим единственным и лучшим другом.
Моро оплачивал жильё Дюре в нескольких кварталах от родительского дома, где жил сам. А мать художника упомянула девушку в своём завещании.
В 1890-м Александрин умерла. Так и не женившийся на ней Моро был раздавлен этой утратой. Он сжёг всю переписку с Дюре, сам спроектировал её надгробие на кладбище Монмартра. И в том же году написал сегодняшнюю картину.
Потеряв Эвридику во второй раз (и уже навсегда) безутешный Орфей дни и ночи тосковал у гробницы возлюбленной. Его горе (как и горе Моро) выражены в агрессивном, тёмном пейзаже, залитом мертвенным лунным светом. Синий хитон Орфея рифмуется с глубокой синевой ночного неба, словно сам певец теперь — лишь одна из печальных ночных теней.
@ArtGallery | #разбор
👍28💔8😢5
В начале 1930-х на Юрия Пименова свалилось сразу несколько бед. Правительственное постановление закрыло его объединение «Изобригада» (как и вообще все самостоятельные творческие объединения). Самого художника всё больше упрекали в формализме и не давали работы в журналах. Ко всему прочему его ещё и собака бешеная покусала!
В итоге Пименов капитально сменил свой стиль и вектор. Отныне он стал писать в технике «реалистического импрессионизма». Именно в ней созданы его самые известные картины.
Старые же работы художник уничтожил. Даже некоторые из тех, которые хранились в музеях — он их забрал под обещание взамен предоставить новые, лучшие картины. Из-за такой радикальной переоценки творчества сейчас произведений Пименова 1920-х годов осталось мало.
Одна из переживших эту «чистку» — картина «Футбол» (1926). Галерея им. Догадина, Астрахань.
@ArtGallery | #факт
В итоге Пименов капитально сменил свой стиль и вектор. Отныне он стал писать в технике «реалистического импрессионизма». Именно в ней созданы его самые известные картины.
Старые же работы художник уничтожил. Даже некоторые из тех, которые хранились в музеях — он их забрал под обещание взамен предоставить новые, лучшие картины. Из-за такой радикальной переоценки творчества сейчас произведений Пименова 1920-х годов осталось мало.
Одна из переживших эту «чистку» — картина «Футбол» (1926). Галерея им. Догадина, Астрахань.
@ArtGallery | #факт
😢27👍18💔1
Я как хирург в больнице. Все эти [этюды, эскизы, акварели], лежащие вокруг меня, — мои пациенты. И, прогуливаясь среди них, я замечаю наиболее нуждающихся во врачевании. Я выбираю какой-нибудь болезненно выглядящий экземпляр и говорю себе: «Подожди минутку, и я найду для тебя какое-нибудь снадобье». Некоторые нуждаются в большом количестве лекарств, а некоторым даже требуется тяжелая операция, чтобы прийти в себя. Посмотрите на вон тот, в углу. Я думаю, что он страдает от желтухи — но несомненно я найду для него лекарство.
Иохан Вейсенбрух. «Вид на берег моря с экипажем» (1891)
@ArtGallery | #цитата
Иохан Вейсенбрух. «Вид на берег моря с экипажем» (1891)
@ArtGallery | #цитата
👍30😁6
👍11
«Мальчик в голубом»
Томас Гейнсборо, 1770
Библиотека Хантингтона, Сан-Марино (США)
В оригинале картина Гейнсборо называется «Голубой мальчик» — из-за доминирующего цвета. Но чтобы избежать двусмысленности, по-русски его часто называют «Мальчиком в голубом».
Это портрет молодого Джонатана Баттелла. В то время в Британии была мода позировать в костюмах прошлого (XVII) века, как на портретах мэтров Рубенса и Ван Дейка.
Голубой атласный костюм и полная достоинства поза словно говорят об аристократизме. Но Баттелл был не дворянином, а сыном купца. Для либерала Гейнсборо благородство было связано не с происхождением, а с личностью человека.
Есть версия, что портрет был ответом президенту Королевской академии Джошуа Рейнольдсу. Тот утверждал, что на гармоничной картине свет и освещённые объекты должны передаваться тёплыми цветами, желтоватыми и красноватыми оттенками. А сине-зелёные тона нужно оставить для объектов в тени. «Голубой мальчик» бросает вызов этому постулату.
@ArtGallery | #разбор
Томас Гейнсборо, 1770
Библиотека Хантингтона, Сан-Марино (США)
В оригинале картина Гейнсборо называется «Голубой мальчик» — из-за доминирующего цвета. Но чтобы избежать двусмысленности, по-русски его часто называют «Мальчиком в голубом».
Это портрет молодого Джонатана Баттелла. В то время в Британии была мода позировать в костюмах прошлого (XVII) века, как на портретах мэтров Рубенса и Ван Дейка.
Голубой атласный костюм и полная достоинства поза словно говорят об аристократизме. Но Баттелл был не дворянином, а сыном купца. Для либерала Гейнсборо благородство было связано не с происхождением, а с личностью человека.
Есть версия, что портрет был ответом президенту Королевской академии Джошуа Рейнольдсу. Тот утверждал, что на гармоничной картине свет и освещённые объекты должны передаваться тёплыми цветами, желтоватыми и красноватыми оттенками. А сине-зелёные тона нужно оставить для объектов в тени. «Голубой мальчик» бросает вызов этому постулату.
@ArtGallery | #разбор
👍39😁1💔1