Хочу написать про эту картину, потому что красиво! Во-первых, цвета: красное и золото плюс контраст с темно-темно-синим. Это традиционно для Флорентийской живописи, да и для Венецианской тоже. В общем, популярное сочетание цветов в эпоху Возрождения. Это сочетание впечатляет и сейчас - классика вечна. Во-вторых, драпировки. Это не такие объемные складки, как напишет Тициан 60 лет спустя, это уже будет объемная живопись 3D. Андреа дель Кастаньо только примеряется к объему, у него есть перспектива, и самое главное эмоции. Богородица вопрошает что-то у неба.
Эта икона алтаря одной уже не существующих церквей Флоренции совсем не похожа на икону. Эпоха Андреа дель Кастаньо это мостик между готикой и Высоким Возрождением: между плоскими иконами, где у героев есть эмоции и жесты, и Мадоннами Леонардо да Винчи. При этом разница с Высоким Возрождением, когда Мадонны, Иисусы и святые спустились на землю и стали изображаться в образе современных людей, колоссальна. Эта Дева Мария никак не выглядит как просто женщина. Действие происходит в каком-то микрокосме, эти герои не простые смертные.
Церковь, для которой был написан этот алтарный образ, уже не существует. Но картина пережила ее. Сейчас “Успение Богоматери” кисти Андреа дель Кастаньо находится в Берлинской картинной галерее.
Эта икона алтаря одной уже не существующих церквей Флоренции совсем не похожа на икону. Эпоха Андреа дель Кастаньо это мостик между готикой и Высоким Возрождением: между плоскими иконами, где у героев есть эмоции и жесты, и Мадоннами Леонардо да Винчи. При этом разница с Высоким Возрождением, когда Мадонны, Иисусы и святые спустились на землю и стали изображаться в образе современных людей, колоссальна. Эта Дева Мария никак не выглядит как просто женщина. Действие происходит в каком-то микрокосме, эти герои не простые смертные.
Церковь, для которой был написан этот алтарный образ, уже не существует. Но картина пережила ее. Сейчас “Успение Богоматери” кисти Андреа дель Кастаньо находится в Берлинской картинной галерее.
Андреа дель Кастаньо “Успение Богоматери”, 1450 @art_painters
После революции импрессионистов, казалось бы, куда двигаться живописи дальше. Художники сказали решительное “Нет!” греческим богиням и стали писать то, что они видят своими глазами. Им даже стало наплевать на перспективу, законы света и тени, анатомию, композицию и сюжеты. В это время учится и работает Анри Матисс, пока никому не известный, но в будущем революционер живописи, хозяин цвета, предводитель “диких”.
И вот он встречает других молодых художников: Дерена и Вламинка. Вместе они отдыхают на море и обсуждают, куда должна двигаться живопись. Молодые умы захвачены цветом. “Краски должны взрываться от света”, “Реализм умер. Живопись только начинается”, “Картина должна перестать быть рабом реальности” - так рассуждает эта неутомимая тройка. Считается, что Матисс стал их неформальным лидером, но просто у него получалось лучше. Матисс постиг цвет. Через несколько десятков лет Кандинский в своих лекциях напишет, что “Матисс - это краска”, это вершина того, что художник может делать с цветом. Фовисты отрекаются от объема и контуров. Они пишут цветовыми пятнами. Эти пятна чистые, яркие, насыщенные светом.
Живопись Матисса проста. Эта неспроста. «Я мечтаю об уравновешенном искусстве, полном чистоты и спокойствия, искусстве без суетных и беспокойных сюжетов,… которое могло быть дать отдых уму,… как удобное кресло дает отдых усталому человеку», - так говорил художник. Больше всего в жизни он ценил покой, но достиг его только к 70 годам…. Об этом в следующих сериях :)
И вот он встречает других молодых художников: Дерена и Вламинка. Вместе они отдыхают на море и обсуждают, куда должна двигаться живопись. Молодые умы захвачены цветом. “Краски должны взрываться от света”, “Реализм умер. Живопись только начинается”, “Картина должна перестать быть рабом реальности” - так рассуждает эта неутомимая тройка. Считается, что Матисс стал их неформальным лидером, но просто у него получалось лучше. Матисс постиг цвет. Через несколько десятков лет Кандинский в своих лекциях напишет, что “Матисс - это краска”, это вершина того, что художник может делать с цветом. Фовисты отрекаются от объема и контуров. Они пишут цветовыми пятнами. Эти пятна чистые, яркие, насыщенные светом.
Живопись Матисса проста. Эта неспроста. «Я мечтаю об уравновешенном искусстве, полном чистоты и спокойствия, искусстве без суетных и беспокойных сюжетов,… которое могло быть дать отдых уму,… как удобное кресло дает отдых усталому человеку», - так говорил художник. Больше всего в жизни он ценил покой, но достиг его только к 70 годам…. Об этом в следующих сериях :)
Больше всего в жизни Анри Матисс ценил покой. Его брак, продлившийся 40 лет, был совсем неспокойным.
Анри Матисс познакомился со своей женой Амели Прайер на свадьбе друзей. Матисс был очарован Амели, точнее одним ее жестом, когда она подала ему руку, вставая из-за стола. Художники такие впечатлительные! Амели происходила из очень родовитой и обеспеченной семьи. Она была довольно высокомерна. Конечно, она любила Матисса, но их отношения были построены по схеме “муж добивается жены каждую секунду”. Матисс писал, что за всю жизнь его жена ни разу не посмотрела на него, а он не отводил от нее взгляда. В семейной жизни были постоянные скандалы. Не могла Амели быть матерью, женой, светом очей и музой одновременно. А художнику именно это и надо.
Матиссу нужна была своя Гала, которая бы положила бы свою жизнь к его ногам. И он ее встретил. Когда мэтру было 63 года, к нему пришла по объявлению о найме секретаря простая русская эмигрантка Лидия Делекторская. Матисс разглядел ее не сразу, она была совсем не в его вкусе. Лидия по натуре была человеком щепетильным. Работая секретарем Матисса, она обустраивала его жизнь и работу с максимальным комфортом. Не этого ли хотел стареющий художник! Наконец-то судьба привела к нему женщину, для которой он стал смыслом жизни, которая даже и не знала поначалу, что он суперзнаменитый художник. Через несколько лет Амели уже не могла терпеть Лидию в их доме и поставила вопрос ребром: либо она, либо Лидия. На секундочку, когда Матисс написал портрет жены в 1907 году, Лидия еще не родилась. Матисс сказал, что Лидия ему необходима. Состоялся развод.
Матисс и Лидия были вместе 22 года. Их отношения были чисто платоническими. Как писала Делекторская: она была светом его очей, а он - смыслом ее жизни”.
Анри Матисс познакомился со своей женой Амели Прайер на свадьбе друзей. Матисс был очарован Амели, точнее одним ее жестом, когда она подала ему руку, вставая из-за стола. Художники такие впечатлительные! Амели происходила из очень родовитой и обеспеченной семьи. Она была довольно высокомерна. Конечно, она любила Матисса, но их отношения были построены по схеме “муж добивается жены каждую секунду”. Матисс писал, что за всю жизнь его жена ни разу не посмотрела на него, а он не отводил от нее взгляда. В семейной жизни были постоянные скандалы. Не могла Амели быть матерью, женой, светом очей и музой одновременно. А художнику именно это и надо.
Матиссу нужна была своя Гала, которая бы положила бы свою жизнь к его ногам. И он ее встретил. Когда мэтру было 63 года, к нему пришла по объявлению о найме секретаря простая русская эмигрантка Лидия Делекторская. Матисс разглядел ее не сразу, она была совсем не в его вкусе. Лидия по натуре была человеком щепетильным. Работая секретарем Матисса, она обустраивала его жизнь и работу с максимальным комфортом. Не этого ли хотел стареющий художник! Наконец-то судьба привела к нему женщину, для которой он стал смыслом жизни, которая даже и не знала поначалу, что он суперзнаменитый художник. Через несколько лет Амели уже не могла терпеть Лидию в их доме и поставила вопрос ребром: либо она, либо Лидия. На секундочку, когда Матисс написал портрет жены в 1907 году, Лидия еще не родилась. Матисс сказал, что Лидия ему необходима. Состоялся развод.
Матисс и Лидия были вместе 22 года. Их отношения были чисто платоническими. Как писала Делекторская: она была светом его очей, а он - смыслом ее жизни”.
Анри Матисс “Мадам Матисс в красный мадрасском платке”, 1907 и «Портрет Лидии Делекторской», 1947
Можно ли представить, что крепостному крестьянину доведется писать портреты самых богатых барышень!
А бывает и так!
Василий Тропинин родился в семье крепостного крестьянина. Его отец получил вольную, но на семью она не распространялась. Отец старался дать образование своему сыну, все отмечали его художественные способности, но неволя! Барин решил, что кондитер ему нужен больше, чем художник, и отправил Ваську в Петербург учиться. Васька в Петербурге никак не мог просто ходить мимо Академии художеств и, конечно, стал тайком посещать занятия. Брат графа, увидев рисунки Тропинина, обалдел и уговорил хозяина юного дарования отдать его учиться в Академию художеств, что для графа было не бесплатно, между прочим.
Тропинин прогрессировал, писал своего барина с его семьей, параллельно получал заказы на портреты и ...прислуживал за барским столом и пек пирожные, даже будучи уже знаменитым художником.
Неволя накладывала свой отпечаток на жизнь художника. Обучение в Академии пришлось прервать, так как барин срочно потребовал своего крепостного расписывать церковь в своих владениях.
Спустя несколько лет Тропинин все-таки получит вольную. А спустя еще два года станет академиком той самой Академии художеств.
Свободный художник купил дом и обеспечивал свою жизнь, чтобы ни от кого не зависеть.
Мода на его портреты захватила Москву. Екатерина Карзинкина - жена одного из богатейших купцов Российской империи. Карзинкин торговал чаем и скупал недвижимость в Москве. Кстати, один из его домов находился прямо на Манежной площади.
А бывает и так!
Василий Тропинин родился в семье крепостного крестьянина. Его отец получил вольную, но на семью она не распространялась. Отец старался дать образование своему сыну, все отмечали его художественные способности, но неволя! Барин решил, что кондитер ему нужен больше, чем художник, и отправил Ваську в Петербург учиться. Васька в Петербурге никак не мог просто ходить мимо Академии художеств и, конечно, стал тайком посещать занятия. Брат графа, увидев рисунки Тропинина, обалдел и уговорил хозяина юного дарования отдать его учиться в Академию художеств, что для графа было не бесплатно, между прочим.
Тропинин прогрессировал, писал своего барина с его семьей, параллельно получал заказы на портреты и ...прислуживал за барским столом и пек пирожные, даже будучи уже знаменитым художником.
Неволя накладывала свой отпечаток на жизнь художника. Обучение в Академии пришлось прервать, так как барин срочно потребовал своего крепостного расписывать церковь в своих владениях.
Спустя несколько лет Тропинин все-таки получит вольную. А спустя еще два года станет академиком той самой Академии художеств.
Свободный художник купил дом и обеспечивал свою жизнь, чтобы ни от кого не зависеть.
Мода на его портреты захватила Москву. Екатерина Карзинкина - жена одного из богатейших купцов Российской империи. Карзинкин торговал чаем и скупал недвижимость в Москве. Кстати, один из его домов находился прямо на Манежной площади.
Василий Тропинин «Портрет Е.И. Карзинкиной», 1838 @art_painters
Май, май, май!! Поздравляю всех с 1 мая и желаю, чтобы погода у нас всегда была как на картинах шведского художника, мастера солнечного света Йохана Кроутена 🌞 @art_painters
В Пушкинском музее сейчас проходит выставка голландских мастеров. Рембрандт, Вермеер - эти фамилии мы все слышала не раз. Это художники Золотого века голландской живописи. Чтобы вы могли легко отличить это направление, расскажу вам его характерные черты.
1. Бытовой жанр
На картинах часто появляются сценки из повседневной жизни голландцев, причем они выглядят просто. В картине нет разыгранного сюжета. Все выглядит повседневно.
2. Люди профессий
Голландские мастера любили писать врачей, ученых, астрономов, корабельщиков и мореплавателей. В это время идет Ост-Индская кампания, поэтому на героях бывают элементы индийский нарядов.
3. Портреты
Простота = красота. Вспомните девушку с жемчужной сережкой Вермеера. Она не то ли девушка, а то ли видение, как у итальянцев, обычная, ненадуманная, простая, повседневная.
4. Игра света и тени
Особым мастером в этом плане был Рембрандт. Иногда кажется, что некоторые его герои (особенно герои мифов и святые) светятся.
5. Анатомическая точность
Голландские мастера посещали анатомические театры (морги), чтобы доподлинно знать, как устроено тело человека. Во всем приветствовался научный подход.
1. Рембрандт «Минерва». Крупная женщина, игра света, анатомическая точность. Все как любит Рембрандт.
2. Ян Ливенс «Мальчик в тюрбане». Как будто родной брат девушки с жемчужной сережкой. Кстати, ее первое название «Девушка в тюрбане».
3. Ян Вермеер «Девушка за вёрджинелом». Простота во всем, минимум деталей, никакого позирования.
1. Бытовой жанр
На картинах часто появляются сценки из повседневной жизни голландцев, причем они выглядят просто. В картине нет разыгранного сюжета. Все выглядит повседневно.
2. Люди профессий
Голландские мастера любили писать врачей, ученых, астрономов, корабельщиков и мореплавателей. В это время идет Ост-Индская кампания, поэтому на героях бывают элементы индийский нарядов.
3. Портреты
Простота = красота. Вспомните девушку с жемчужной сережкой Вермеера. Она не то ли девушка, а то ли видение, как у итальянцев, обычная, ненадуманная, простая, повседневная.
4. Игра света и тени
Особым мастером в этом плане был Рембрандт. Иногда кажется, что некоторые его герои (особенно герои мифов и святые) светятся.
5. Анатомическая точность
Голландские мастера посещали анатомические театры (морги), чтобы доподлинно знать, как устроено тело человека. Во всем приветствовался научный подход.
1. Рембрандт «Минерва». Крупная женщина, игра света, анатомическая точность. Все как любит Рембрандт.
2. Ян Ливенс «Мальчик в тюрбане». Как будто родной брат девушки с жемчужной сережкой. Кстати, ее первое название «Девушка в тюрбане».
3. Ян Вермеер «Девушка за вёрджинелом». Простота во всем, минимум деталей, никакого позирования.
Нет в живописи большего революционера, чем Караваджо. Он окончательно спустил святых с небес на землю и стал писать их как людей, порой настолько реалистично, что его святые сверкали грязными пятками. Но а как иначе, если они были босиком!
Жизнь Караваджо прошла в сплошных пьянках, дебошах, драках (в одной из которых он даже убил человека). Он сидел в тюрьме, сбегал и скитался, пока не умер при невыясненных обстоятельствах. Скорее всего, сработала итальянская вендетта.
Наследие Караваджо сложно переоценить. Его почитали Рембрандт, Рубенс, Веласкес. Первым Караваджо стал противопоставлять свет и тень, чтобы расставить акценты. Он стремился к полной реалистичности: изображая умершего, даже потребовал эксгумировать покойника и принести к нему в мастерскую. Неистовость, с которой он жил, может сравниться только с неистовостью его живописи.
На полотне «Неверие Св.Фомы» изображена евангельская сцена, когда Фома, отказавшийся верить рассказам о воскрешении Христа, смог убедиться в этом воочию.
«Пришел Иисус, когда двери были заперты, стал посреди них и сказал: мир вам! Потом говорит Фоме: подай перст твой сюда и посмотри руки Мои; подай руку твою и вложи в ребра Мои; и не будь неверующим, но верующим.»
Жизнь Караваджо прошла в сплошных пьянках, дебошах, драках (в одной из которых он даже убил человека). Он сидел в тюрьме, сбегал и скитался, пока не умер при невыясненных обстоятельствах. Скорее всего, сработала итальянская вендетта.
Наследие Караваджо сложно переоценить. Его почитали Рембрандт, Рубенс, Веласкес. Первым Караваджо стал противопоставлять свет и тень, чтобы расставить акценты. Он стремился к полной реалистичности: изображая умершего, даже потребовал эксгумировать покойника и принести к нему в мастерскую. Неистовость, с которой он жил, может сравниться только с неистовостью его живописи.
На полотне «Неверие Св.Фомы» изображена евангельская сцена, когда Фома, отказавшийся верить рассказам о воскрешении Христа, смог убедиться в этом воочию.
«Пришел Иисус, когда двери были заперты, стал посреди них и сказал: мир вам! Потом говорит Фоме: подай перст твой сюда и посмотри руки Мои; подай руку твою и вложи в ребра Мои; и не будь неверующим, но верующим.»
С великим праздником Победы! ⭐️
Сегодня особенно трудно выбрать одну картину, ведь война многоликая, а сама победа все равно со слезами на глазах. Так и в советской живописи много картин, которые рассказывают о жизни на войне, тяжелых боях, радости победы, потери любимых и близких.
9го мая - самая героическая подборка!
Всем мира и счастья! 🕊
1. А. Дейнеко «Оборона Севастополя»
2. Е. Моисеенко «Победа»
3. П. Мальцев «Штурм Сапун горы»
4. Кукрыниксы «Конец»
5. А. Горский «Без вести пропавший»
Сегодня особенно трудно выбрать одну картину, ведь война многоликая, а сама победа все равно со слезами на глазах. Так и в советской живописи много картин, которые рассказывают о жизни на войне, тяжелых боях, радости победы, потери любимых и близких.
9го мая - самая героическая подборка!
Всем мира и счастья! 🕊
1. А. Дейнеко «Оборона Севастополя»
2. Е. Моисеенко «Победа»
3. П. Мальцев «Штурм Сапун горы»
4. Кукрыниксы «Конец»
5. А. Горский «Без вести пропавший»