В самый главный день весны хочу порадовать прекрасную половину моих читателей рассказом о поцелуе. Но и не забываю, что мой канал читают и мужчины, поэтому в этом рассказе будет немного о войне.
Картина “Поцелуй” самое известное и дорогое произведение Франческо Айеца, итальянского художника, представителя романтизма. Тема поцелуя пленяла Франческо всю жизнь, он написал много картин с изображением этого прекрасного момента. Айец стремился изобразить поцелуй любви и страсти, писал Ромео и Джульетту. Их любовь это и духовная, вечная связь и очень сильное физическое притяжение. Такой же поцелуй соединяет и эту парочку.
Теперь о войне. Как я уже говорила, Франческо часто писал поцелуи, и этой картины существует три версии. Перед нами - поздняя. На ней художник добавил белый платок на лестнице и ярко-зеленую подкладку пальто мужчины. Теперь загадка! Зеленый-красный-белый и синий-красный-белый. Что зашифровал Айец? Причем зашифровал неспроста, за такое могли и арестовать. Перед нами не просто поцелуй, это союз Пьемонта с Францией против Австрии за свободу Италии.
Картина “Поцелуй” самое известное и дорогое произведение Франческо Айеца, итальянского художника, представителя романтизма. Тема поцелуя пленяла Франческо всю жизнь, он написал много картин с изображением этого прекрасного момента. Айец стремился изобразить поцелуй любви и страсти, писал Ромео и Джульетту. Их любовь это и духовная, вечная связь и очень сильное физическое притяжение. Такой же поцелуй соединяет и эту парочку.
Теперь о войне. Как я уже говорила, Франческо часто писал поцелуи, и этой картины существует три версии. Перед нами - поздняя. На ней художник добавил белый платок на лестнице и ярко-зеленую подкладку пальто мужчины. Теперь загадка! Зеленый-красный-белый и синий-красный-белый. Что зашифровал Айец? Причем зашифровал неспроста, за такое могли и арестовать. Перед нами не просто поцелуй, это союз Пьемонта с Францией против Австрии за свободу Италии.
Посмотрим еще одну жемчужину академизма. Этот стиль подвергся настоящему гонению с приходом импрессионизма. Академистов ругали за отсутствие жизни в их полотнах. Какое отношение гонение христиан в 4 веке в Риме имеет к жизни Парижа в 19? Да никакое! Но парижская Академия изящных искусств считала иначе: живопись должна говорить о высоком, великом и вечном и, конечно, с точки зрения техники и пропорций все должно быть безупречно.
Поль Деларош писал исторические сюжеты и портреты. Он умел сбалансировать уровень драмы, сюжеты его картин трагичны, но не вышибают слезу. Техника, как говорится, на грани фантастики: переливы воды, свет от лица мученицы, безупречные кисти рук. Пусть далеко от жизни, но как красиво 😺
Для написания этой картины Деларош вдохновился темой гонения христиан при императоре Диоклетиане с 303 по 313гг. Императорскими указами было предписано разрушить все церкви, отобрать и сжечь книги, всех христиан, независимо от ранга, пытать до признания императора как Бога или убить. Во время гонений христиане не отрицали свою веру, не скрывали книг, вели себя очень открыто, что привело к смерти тысяч. Нередко на судах римские чиновники подсказывали им «правильные» уклончивые ответы (ни нашим, ни вашим), но большинство христиан отвечали прямо, предпочитая страдать за свою веру и, видимо, таким образом давали христианству еще больший толчок к укреплению и распространению.
А эту картину Вы можете увидеть в Эрмитаже в Петербурге.
Поль Деларош писал исторические сюжеты и портреты. Он умел сбалансировать уровень драмы, сюжеты его картин трагичны, но не вышибают слезу. Техника, как говорится, на грани фантастики: переливы воды, свет от лица мученицы, безупречные кисти рук. Пусть далеко от жизни, но как красиво 😺
Для написания этой картины Деларош вдохновился темой гонения христиан при императоре Диоклетиане с 303 по 313гг. Императорскими указами было предписано разрушить все церкви, отобрать и сжечь книги, всех христиан, независимо от ранга, пытать до признания императора как Бога или убить. Во время гонений христиане не отрицали свою веру, не скрывали книг, вели себя очень открыто, что привело к смерти тысяч. Нередко на судах римские чиновники подсказывали им «правильные» уклончивые ответы (ни нашим, ни вашим), но большинство христиан отвечали прямо, предпочитая страдать за свою веру и, видимо, таким образом давали христианству еще больший толчок к укреплению и распространению.
А эту картину Вы можете увидеть в Эрмитаже в Петербурге.
Поль Деларош «Христианская мученица времен Диоклетиана в Тибре», 1852 @art_painters
...Задыхаясь, я крикнула: "Шутка
Всё, что было. Уйдешь, я умру."
Улыбнулся спокойно и жутко
И сказал мне: "Не стой на ветру"
Давайте сравним портреты разных художников, на которых изображена одна и та же женщина. Хороший художник улавливает не только черты лица своей модели, но и ее характер.
Анна Ахматова была поразительной женщиной. Насколько нужно было будоражить остротой своего ума, глубиной мысли, чтобы разные художники хотели потратить как минимум несколько часов и увековечить твой образ.
Эти портреты очень разные по стилям, но, по-моему, нельзя сказать, что на них изображены разные люди. Все художники увидели Ахматова такой, какой она была: прямой, несгибаемой, глубокой. Никто их них не изобразил ее улыбающейся. Такое единодушие говорит о том, что эти художники были достаточно талантливы, чтобы уловить и перенести на бумагу ее характер. Портреты Ахматовой различаются тем, что каждый художник привносил частицу чебя в свою работу.
Рисунки Модильяни глубокие, пронизаны какой-то болью, хотя написаны во время их страстного романа. Портрет работы Натана Альтмана дерзкий, амбициозный и тонкий, как сам автор. Работа Тырсы, как великого графика и педагога, безупречна технически. Зинаида Серебрякова изобразила наиболее нежную и женственную Ахматову себе под стать, а на работе Петрова-Водкина, того же года, что и портрет Серебряковой, поэтесса выглядит как минимум на 10 лет старше, решительная, как революционер, каким был в живописи сам художник.
Всё, что было. Уйдешь, я умру."
Улыбнулся спокойно и жутко
И сказал мне: "Не стой на ветру"
Давайте сравним портреты разных художников, на которых изображена одна и та же женщина. Хороший художник улавливает не только черты лица своей модели, но и ее характер.
Анна Ахматова была поразительной женщиной. Насколько нужно было будоражить остротой своего ума, глубиной мысли, чтобы разные художники хотели потратить как минимум несколько часов и увековечить твой образ.
Эти портреты очень разные по стилям, но, по-моему, нельзя сказать, что на них изображены разные люди. Все художники увидели Ахматова такой, какой она была: прямой, несгибаемой, глубокой. Никто их них не изобразил ее улыбающейся. Такое единодушие говорит о том, что эти художники были достаточно талантливы, чтобы уловить и перенести на бумагу ее характер. Портреты Ахматовой различаются тем, что каждый художник привносил частицу чебя в свою работу.
Рисунки Модильяни глубокие, пронизаны какой-то болью, хотя написаны во время их страстного романа. Портрет работы Натана Альтмана дерзкий, амбициозный и тонкий, как сам автор. Работа Тырсы, как великого графика и педагога, безупречна технически. Зинаида Серебрякова изобразила наиболее нежную и женственную Ахматову себе под стать, а на работе Петрова-Водкина, того же года, что и портрет Серебряковой, поэтесса выглядит как минимум на 10 лет старше, решительная, как революционер, каким был в живописи сам художник.
Скандальная дива, светская львица, художник ар-деко. Она заламывала за свои работы 50 тысяч франков ($20 тыс современном эквиваленте). Названия ее картин - “Обнаженная на фоне яхт”, “Автопортрет в зеленом бугатти”, “Курорт Санкт-Мориц” - сами говорят о ее образе жизни. Будучи замужем, Тамара крутила бесконечные романы с мужчинами и женщинами. Несмотря на то, что мужа она явно любила и всеми правдами и неправдами вырвала его из рук большевиков после революции, он не выдержал похождений жены и бросил ее. Единственную дочь Лемпицка отдала на воспитание матери, устав выдавать ее за свою младшую сестру. Материнство и семья это было совсем не про нее.
Романы, страсть, секс, любовь - это ее. Даже в 76 лет у нее был любовник вдвое моложе. Ей нужно было сиять и звездить. Покорив Париж, Тамара Лемпицка сказала, что украсила этот город не меньше, чем Эйфелева башня.
Портреты кисти Лемпицки хотели все. Только она могла писать женщин таких пластичных, с сияющей кожей, томным взглядом. Ее сексуальный темперамент изливался на все, что она делала, и на живопись в первую очередь. Картины Тамары Лемпицки дышат сексом.
Романы, страсть, секс, любовь - это ее. Даже в 76 лет у нее был любовник вдвое моложе. Ей нужно было сиять и звездить. Покорив Париж, Тамара Лемпицка сказала, что украсила этот город не меньше, чем Эйфелева башня.
Портреты кисти Лемпицки хотели все. Только она могла писать женщин таких пластичных, с сияющей кожей, томным взглядом. Ее сексуальный темперамент изливался на все, что она делала, и на живопись в первую очередь. Картины Тамары Лемпицки дышат сексом.
Сегодня невозможно не упомянуть о трагедии в Кемерово. Соболезную родственникам погибших и пострадавших! Желаю скорейшего выздоровления жертвам ужасного пожара
Символом скорби в христианской традиции всегда была Дева Мария. Какое горе может быть ужаснее, чем увидеть смерть своего ребенка. Богоматерь, склонившаяся над телом Христа, - традиционный сюжет для художников Европы всех веков. Этот сюжет называется Пьета - оплакивание Христа Девой Марией.
Одно из наиболее красивых и сильных изображений этой сцены - скульптура Микеланджело в соборе Святого Петра в Ватикане, главной католической базилики мира. Микеланджело, в первую очередь, считал себя скульптором, несмотря на то, что именно он подарил нам роспись Сикстинской капеллы. Он дал камню пластику. До него все повторяли античные скульптуры. Микеланджело ценил античность, но брал ее за основу, а не копировал. Пьета в Ватикане знаковое творение для всего искусства: Мастер добавил тяжелые драпировки, безукоризненно просчитал композицию - Мадонна с Христом вписывается в правильный треугольник, фигура симметрична и статична (основание треугольника прочно ставит фигуры на землю). И, конечно же, то, в чем Микеланджело был революционером - это чувства. Он вдохнул жизнь в камень. У его героев мы видим переживания. Это не просто голые красавцы и красавицы.
Микеланджело создал огромное количество скульптур, многие из них остались незавершенными, но лишь на этой Пьете он оставил свое имя.
Символом скорби в христианской традиции всегда была Дева Мария. Какое горе может быть ужаснее, чем увидеть смерть своего ребенка. Богоматерь, склонившаяся над телом Христа, - традиционный сюжет для художников Европы всех веков. Этот сюжет называется Пьета - оплакивание Христа Девой Марией.
Одно из наиболее красивых и сильных изображений этой сцены - скульптура Микеланджело в соборе Святого Петра в Ватикане, главной католической базилики мира. Микеланджело, в первую очередь, считал себя скульптором, несмотря на то, что именно он подарил нам роспись Сикстинской капеллы. Он дал камню пластику. До него все повторяли античные скульптуры. Микеланджело ценил античность, но брал ее за основу, а не копировал. Пьета в Ватикане знаковое творение для всего искусства: Мастер добавил тяжелые драпировки, безукоризненно просчитал композицию - Мадонна с Христом вписывается в правильный треугольник, фигура симметрична и статична (основание треугольника прочно ставит фигуры на землю). И, конечно же, то, в чем Микеланджело был революционером - это чувства. Он вдохнул жизнь в камень. У его героев мы видим переживания. Это не просто голые красавцы и красавицы.
Микеланджело создал огромное количество скульптур, многие из них остались незавершенными, но лишь на этой Пьете он оставил свое имя.
Василий Верещагин серия “Трилогия казней”, 1880е
Художник, который всю жизнь писал войну. Зачем? Чтобы ее никогда не было!
Василий Верещагин побывал наа трех войнах, видел собственными глазами восстания в Самарканде, путешествовал по США, Кубе, Европе, Индии, Тибету, Японии. Везде он писал то, как люди убивают других людей. Везде этого хватало.
Верещагин стал первым художником-баталистом (художником, который пишет военные сцены), который показал войну так, как она есть: со страхом, кровью, трупами и слезами. На его картинах нет блеска орденов, красоты эполет, восхваления национальной славы. Он писал смерть и страдания людей.
Серия картин “Трилогия казней” была написана Верещагиным в разгар споров о смертной казни в России. В 1881 году был убит царь Александр II. Либерально настроенная часть общества требовала помиловать убийц. Все же они были повешены, но это была последняя публичная казнь. Споры продолжались и в последующие годы: в христианской стране должны признавать только Божий суд и чтить заповедь “Не убий”. В это горячее время Верещагин пишет трилогию картин о казнях у разных народов в разные времена: “Распятие на кресте у римлян”, “Подавление индийского восстания англичанами”, “Казнь заговорщиков в России”. Надо сказать, что англичане вообще были изобретательны. А талант художника настолько силен, что спокойно невозможно смотреть на это полотно.
Сейчас вы можете увидеть две картины из серии своими глазами на выставке в Третьяковской галерее. Поспешите!
Художник, который всю жизнь писал войну. Зачем? Чтобы ее никогда не было!
Василий Верещагин побывал наа трех войнах, видел собственными глазами восстания в Самарканде, путешествовал по США, Кубе, Европе, Индии, Тибету, Японии. Везде он писал то, как люди убивают других людей. Везде этого хватало.
Верещагин стал первым художником-баталистом (художником, который пишет военные сцены), который показал войну так, как она есть: со страхом, кровью, трупами и слезами. На его картинах нет блеска орденов, красоты эполет, восхваления национальной славы. Он писал смерть и страдания людей.
Серия картин “Трилогия казней” была написана Верещагиным в разгар споров о смертной казни в России. В 1881 году был убит царь Александр II. Либерально настроенная часть общества требовала помиловать убийц. Все же они были повешены, но это была последняя публичная казнь. Споры продолжались и в последующие годы: в христианской стране должны признавать только Божий суд и чтить заповедь “Не убий”. В это горячее время Верещагин пишет трилогию картин о казнях у разных народов в разные времена: “Распятие на кресте у римлян”, “Подавление индийского восстания англичанами”, “Казнь заговорщиков в России”. Надо сказать, что англичане вообще были изобретательны. А талант художника настолько силен, что спокойно невозможно смотреть на это полотно.
Сейчас вы можете увидеть две картины из серии своими глазами на выставке в Третьяковской галерее. Поспешите!
Отец фантастического реализма и 28 детей. Его творческие поиски не укладывались ни в какие течения, поэтому он создал свое. Фантастический реализм это как будто сюрреализм, но вместо “сюр” мистика, магия и религия. Картины выглядят странно, но если в случае с сюрреализмом изображено “то чаво не может быть”, то в фантастическом реализме сюжеты выглядят как то, что могло бы быть в жизни, если бы ожили все сказки, легенды, мистические предания, и во всем глубинный христианский смысл. Во всяком случае, у Фукса есть христианский смысл, у более современных последователей фантастического реализма необязательно.
Сегодня мне хочется разобрать не магическое полотно, а портрет жены Фукса Евы-Кристины. С женами у мэтра история загадочная. На его официальном сайте написано, что у него было 7 жен и несметное количество любовниц, хотя официально жена у него была одна, Ева-Кристина, были они в браке 30 лет, и она родила ему четырех детей. Окончив школу, Ева приехала к Эрнсту, которому было уже 30 лет, выразить свое почтение и показать свои рисунки. Огонь любви и страсти воспылал, и через год Ева родила первого ребенка, потом второго, и в 1962 году они поженились. Именно в этом году Фукс нарисовал свою Еву-Кристину. Этот портрет очень похож на картину Леонардо да Винчи “Спаситель мира”, где изображен Иисус Христос в голубом одеянии, он благославляет нас таким же жестом, как Ева, только на ее безымянном пальце кольца. Обручальное? Сзади Евы ее написано ее имя, как как на иконах. Что хотел сказать нам Фукс? Что Ева его спаситель? Или что она святая?
Пара Фукс всегда была яркой изюминкой богемной хроники. Ева художник, дизайнер, автор детской книги, ювелир, но в своих интервью она подчеркивала, что незаменимая часть ее жизни - это ее муж Эрнст Фукс и его «древнее мастерство смешанной техники, берущее начало от иконописи».
Сегодня мне хочется разобрать не магическое полотно, а портрет жены Фукса Евы-Кристины. С женами у мэтра история загадочная. На его официальном сайте написано, что у него было 7 жен и несметное количество любовниц, хотя официально жена у него была одна, Ева-Кристина, были они в браке 30 лет, и она родила ему четырех детей. Окончив школу, Ева приехала к Эрнсту, которому было уже 30 лет, выразить свое почтение и показать свои рисунки. Огонь любви и страсти воспылал, и через год Ева родила первого ребенка, потом второго, и в 1962 году они поженились. Именно в этом году Фукс нарисовал свою Еву-Кристину. Этот портрет очень похож на картину Леонардо да Винчи “Спаситель мира”, где изображен Иисус Христос в голубом одеянии, он благославляет нас таким же жестом, как Ева, только на ее безымянном пальце кольца. Обручальное? Сзади Евы ее написано ее имя, как как на иконах. Что хотел сказать нам Фукс? Что Ева его спаситель? Или что она святая?
Пара Фукс всегда была яркой изюминкой богемной хроники. Ева художник, дизайнер, автор детской книги, ювелир, но в своих интервью она подчеркивала, что незаменимая часть ее жизни - это ее муж Эрнст Фукс и его «древнее мастерство смешанной техники, берущее начало от иконописи».