Мне очень близко то, как Ксения Гусева и Надежда Плунгян работают с переосмыслением советской живописи — аккуратно, без редукции к канону и без навязывания «единственно верной» интерпретации. Выставка «Волга. Москва. Нева. Саратовские символисты в Москве и Ленинграде. 1920–1940-е» для меня — как раз из этой логики: попытка показать советское искусство как сложный, внутренне неоднородный процесс.

Мне показалось особенно важным, что здесь сознательно уводят разговор о саратовской школе от привычного фокуса на рубеже XIX–XX веков, на «Голубой розе» и Борисове-Мусатове. Выставка настаивает на другом: символистская линия не обрывается после революции, а продолжает существовать и трансформироваться в 1920–1940-е годы, вступая в диалог с авангардом, монументальными проектами и поисками новой живописной формы. Это история не исчезновения, а адаптации и внутренней эволюции.

Очень точно работает и пространство. Экспозиция размещена в Павильон «Рабочий и колхозница», и кураторская идея превратить его в подобие парохода мне кажется исключительно удачной. Ты буквально идёшь по выставке как по маршруту — Волга, Москва, Нева, — и это движение считывается не только как география, но и как метафора художественной миграции: из Саратова в столичные художественные центры.
Хронология выстроена последовательно и убедительно. От лирических, созерцательных волжских пейзажей учеников Петра Уткина — к напряжённым авангардным экспериментам начала 1920-х в саратовских СВОМАС под руководством Валентина Юстицкого. Затем — к объединению «Четыре искусства» и фигуре Алексея Карева, чьё педагогическое влияние на ленинградских художников 1930–1950-х здесь показано особенно наглядно. Сквозной линией проходят работы Павла Кузнецова, Кузьмы Петрова-Водкина, Мартироса Сарьяна, Петра Уткина, Александра Матвеева — художников, которые после революции не только продолжили работать, но и выстроили собственные педагогические системы, существенно расширив географию своего влияния.

При этом, глядя на экспозицию, особенно остро ощущаешь: даже внутри 1920–1940-х годов нет никакого стилевого единства. Напротив, перед тобой разворачивается подлинное многообразие художественных языков — от символистской медитативности до авангардной резкости и более «умеренных» форм позднего советского модернизма. Для меня это, пожалуй, один из главных эффектов выставки: советская живопись здесь предстаёт не как монолит, а как поле постоянных внутренних различий и поисков.

В то же время, как историку, мне немного не хватило дополнительного контекста — прежде всего исторического и общекультурного. Хотелось бы чуть более явных связок с политическими и институциональными изменениями эпохи, с трансформациями художественной инфраструктуры, с тем, как именно менялись условия работы художников в 1920–1930-е годы и как это влияло на их выборы. Экспозиция отлично работает на уровне визуального и стилистического анализа, но местами оставляет зрителя один на один с произведениями, предполагая уже подготовленное знание эпохи.

Тем не менее, именно эта выставка для меня — важное напоминание о том, насколько продуктивным может быть разговор о советском искусстве, если отказаться от жёстких схем и смотреть на него как на живой, неоднородный и внутренне противоречивый процесс.