Впрочем, многие воспринимали «ню рейв» всерьез, и не только журналисты и слушатели. Хороший пример группы, которая со звериной подростковой серьезностью действительно пыталась _быть_ ню рейвом — Hadouken! (с восклицательным знаком; это название приемчика из игры Street Fighter). Смотрится забавно, но что-то в этом есть.
https://www.youtube.com/watch?v=XCRztB9SXpM

Если телеграм в пятницу вечером читают так же, как фейсбук, то я опоздал, и все-таки: в этот день 20 лет назад вышел «Earthling» (или, если по феншую, «EART HL I NG») — самый мощный, динамичный и агрессивный альбом Дэвида Боуи. Первый за 23 года, который он спродюсировал сам (вместе с партнером по Tin Machine Ривсом Гэбрилсом). Может быть, ему надоел звуковой диктат продюсера — на предыдущем «Outside», где он начал всерьез экспериментировать с электронным звучанием, Брайан Ино, например, не дал ему использовать гитару, как тот хотел. Замысел был такой: нарезать гитарных рифов, засэмплировать их и играть партии с клавиш. На «Earthling» Боуи реализовал задуманное. Здесь он также оживил (и превратил в хит with a little help from Nine Inch Nails) отложенную при Ино на полку (хотя написанную вместе с ним) песню «I’m Afraid Of Americans». Так или иначе, начиная с этой записи Боуи все продюсировал сам. Вот только последующие альбомы вызывали уже ощущение депеш мод — выпускает новые, и слава богу. «Blackstar», конечно, стоит особняком, но смерть Боуи это вовсе не то, о чем я хотел поговорить, я хотел поговорить о самом крутом, без оглядки на обстоятельства, альбоме позднего Дэвида Боуи.

Хотя тут, конечно, есть разные мнения. Одни посчитали, что дедушка (ему как раз только стукнуло 50) заигрался в техно. Другие (и я, конечно, в их числе) думают, что «Earthling», закрывающий условную «электронную трилогию», это последний альбом, когда Дэвид Боуи воспринимался как актуальный современный музыкант. Если на «Black Tie White Noise» и «Outside» он, можно сказать, тренировался, то здесь просто взял да и превратил индастриал и драм-н-бейс в мейнстрим. Энтузиазму, с которым он бросился на новые тренды и переварил их, можно только аплодировать. За это, в том числе, мы его и любим.

Это касается не только содержания, но и формы. Тут же Дэвид Боуи стал первым известным музыкантом, выпустившим сингл в виде файла для скачивания онлайн — это была песня «Telling Lies» (1997 год, напомню).

Эти и другие технологические новшества никак не отменяют глубоко личный характер альбома. Рассказывая о нем журналу Q, Боуи едва ли не впервые всерьез высказался о своем отношении к религии: «Думаю, общее между всеми этими песнями — моя постоянная потребность метаться между атеизмом и определенным гностицизмом. Я все время нахожусь между этими двумя вещами, потому что они многое значат в моей жизни. Церковь никоим образом не присутствует ни в моем творчестве, ни в моих мыслях. У меня нет никакой эмпатии по отношению к организованной религии. Что мне нужно, так это найти баланс, в духовном смысле, между тем тем, как я живу, и тем, как я умру. И этот период времени — от сегодняшнего дня до моего ухода — это единственная вещь, которая меня зачаровывает».

Ах ты черт, все-таки о смерти получается. Впрочем, как сказал его другой долговременный друг, коллега и продюсер Тони Висконти, «его смерть не отличалась от его жизни». Судя по альбому «Blackstar», Дэвид Боуи баланс в итоге нашел. RIP, Starboy, и спасибо за «Earthling» — еще один большой подарок мировой музыке.

https://www.youtube.com/watch?v=J3GYLP_oJFc

Я обещал, что не буду слишком сильно докучать обновлениями в этом канале (то есть, это даже его selling point), но месячный перерыв это слишком. Стыдно сказать, пропустил 25-летний юбилей «Selected Ambient Works 85–92», например. Сегодня ничего такого великого не случилось, зато 20 лет назад, 3 марта 1997 года, вышел наиболее инновационный и самый провальный альбом U2 «Pop». Вещь, на самом деле, любопытная.

Ожидание:
Девяностые прошли для U2 под знаком переосмысления своего звучания. Начали за здравие: первые эксперименты на записанном в Берлине на фоне объединения Германии триумфальном «Achtung Baby» (1991) и в меру электронное звучание на «Zooropa» (1993), который хоть и был принят некоторыми поклонниками настороженно, получил Grammy в категории «лучший альтернативный альбом». Через пару лет U2 стали готовить публику к логическому и амбициозному завершению этой условной трилогии. В качестве продюсеров рекрутировали Flood (как и на «Zooropa») + модного шотландского электронщика Howie B. Свой вклад в альбом последний описывал так: «I gave the band a direct line into club culture and freestyle DJing». В многочисленных интервью музыканты охотно рассуждали про re-invention своего саунда; говорили про лупы, сэмплы, драм-машины, секвенсоры и скретчи. Гитару Эджа пропускали через многочисленные эффекты, бас-гитару сделали похожей на синтезаторный басс, все по феншую. Завели в 1997 году специальный сайт, транслирующий все предстоящие концерты онлайн. На выходе все ждали если и не рейв, то как минимум рок-музыку будущего. В подтверждение амбиций шесть песен с альбома (рекорд для U2) были выпущены в виде синглов .

Реальность:
Если кто-то из отъявленных фанатов U2 сумеет вспомнить названия всех шести, то разве что благодаря тому, что все они были впоследствии перезаписаны. Сегодня ни одну из них группа на концертах не исполняет. Был там и вполне себе выдающийся хит с говорящим названием «Discotheque» и роскошным гитарным риффом, но самоироничным U2 изображающим Village People слушатель сказал «не верю», а главное — они и сами не поверили в этот перезапуск. Что-то сразу пошло не так: мегаломанский гастрольный тур PopMart был запланирован заранее еще на конец 1996 года, но окончание записи альбома несколько раз откладывалось (сильно залипли на стадии студийного сведения и мастеринга треков, потом Эдж будет жалеть об этом:«если запись никак не получается смикшировать, значит с ней что-то не так»). U2 не успели толком все отрепетировать и на премьере в Лас-Вегасе сбились на середине песни «Staring at the Sun» и переиграли ее заново. Турне сопровождалось техническими накладками: в Осло группа не сумела эффектно выйти на сцену из раскрывающегося гигантского лимона, потому что он не раскрылся. Из-за отсутствия достаточного количества спонсоров средняя мировая цена на билет была $50 (во время Zoo TV Tour — $25). В центральных штатах США многие концерты не были распроданы. Фильм о студийных сессиях записи «Pop», показанный на ABC, получил самые низкие рейтинги среди неполитических программ в истории телеканала. Продажи альбома в США были соответствующие, хуже выступил в свое время только дебютный «Boy». Характерный отзыв журналиста: «U2 and techno don't mix any better than U2 and irony». Есть какая-то закономерность в том, что декларируемый стеб над консумеризмом и поп-культурой, заложенный в концепцию альбома и турне, вылился в некоторый провал.

Все, конечно, относительно. Понятно, что тысячи групп мечтали бы быть столь же «неуспешны». В конце-концов, на стадионе в итальянском Реджо-нель-Эмилия был установлен рекорд того времени по количеству людей на сольном концерте: 150000. Или вот Элвису Костелло альбом понравился. Но для U2 это был провальный год, и впоследствии они просто сделали вид, что такого альбома не существует — в этом году они отмечают другой юбилей: 30-летие «Joshua Tree».

U2 попытались примолодиться и подчинить себе современные тренды, но обломались. Вместо того, чтобы (как Дэвид Боуи месяцем раньше) смело шагнуть в будущее, они увязли в компромиссах между традиционными ценностями и чем-то новомодным. На следующе

м «All That You Can't Leave Behind» группа послушно вернулась к Брайану Ино и своему классическому звучанию. Впрочем, все это не значит, что альбом «Pop» — плохой. Можно политкорректно назвать его «самым недооцененным у U2».

https://www.youtube.com/watch?v=p2AjpPNDe-8

Сегодня исполняется 10 лет альбому LCD Soundsystem «Sound Of Silver». В названии, помимо прочего, заложен намек на «серебряную медаль»: вечно ироничный Джеймс Мерфи предполагал, что после успеха дебютного альбома второй для многих будет уже не таким классным. В интервью для FACT он говорил: «на мой взгляд Sound Of Silver лучше первого, и спустя 20 лет так будут считать все, кто вообще вспомнят об этих альбомах... Но сейчас эта запись обречена быть лишь второй лучшей».

В общем, Мерфи немного опасался «синдрома второго альбома». Как оказалось — напрасно. «Sound Of Silver» наперебой хвалили Pitchfork, Rolling Stone, Mixmag и Guardian + была номинация на Grammy в категории «лучший электронный альбом».

Вокруг LCD Soundsystem в нулевых вообще сложился удивительно единодушный консенсус всеобщего обожания, которое в англоязычной публицистике принято обозначать устойчивым словосочетанием «critically acclaimed». То есть, того рода обожания, которое не особо конвертируется в прибыль — по крайней мере, в 2007-ом Мерфи утверждал, что их турне из-за огромного количества оборудования и персонала являются убыточными. Такая ситуация была характерна как для LCD Soundsystem в частности, так и для основанного Джеймсом Мерфи лейбла DFA в целом: «все нас любят, но мы продаем не так много пластинок». Ты выпускаешь одну из главных записей десятилетия, но она не делает тебя богатым — это и есть культовый статус. Сегодня это у нас называют «рокизмом»: ты популярен не среди миллиарда мух, который не может ошибаться, а среди искушенных в музыке людей (и доволен этим).

Нельзя сказать, что Мерфи бедствовал — для этого он слишком много работал, в том числе и в коммерческих проектах. Например, за полгода до «Sound Of Silver» он под вывеской LCD Soundsystem выпустил альбом «45:33», деньги на который выдала компания Nike. Точнее, она выдала деньги на идеальный микс для бега. В официальном заявлении утверждалось, что композиция была refined после нескольких тестов на беговой дорожке. Позже в интервью Мерфи признался что это был пиздеж и что вообще-то он в принципе не бегает, зато благодаря Nike позволил себе сделать свой собственный вариант легендарного экспериментального альбома Мануэля Геттшинга «E2-E4». На основе фрагмента из «45:33» появилась вошедшая в «Sound Of Silver» песня «Someone Great» — одна из центральных в творчестве LCD Soundsystem.

C великими песнями на «Sound Of Silver» вообще все в порядке. Тут и программный хит «North American Scum» (многие считают его продолжением «Daft Punk Is Playing at My House»), и краутрок-шедевр «All My Friends» (ностальгическая тема про взросление, Мерфи исполнилось 37), и гимн любимому городу «New York, I Love You but You're Bringing Me Down» (это вообще очень нью-йоркский альбом, к слову). Но, в отличие от дебюта, это не сборник ударных dance-punk треков, а именно что цельное полнометражное произведение — относительная редкость для танцевальной музыки.

На «Sound Of Silver» на 100% воплощен фирменный для LCD Soundsystem дух старой школы. Тут слово Питчфорку: «[Мерфи] одержим аналоговым звучанием и отвращением к софту, что отражено на Sound of Silver. Будучи крайне далеким от компрессированной, высокочастотной и перепродюсированной парадигмы, охватившей электронную музыку в последнее десятилетие, Sound Of Silver звучит глубоко, широко и полнокровно».

Итого: идеальнейший танцевально-рокерский гибрид и по-настоящему зрелый альбом, который разошелся на многочисленные цитаты, ремиксы и музыкальные заимствования. Instant, так сказать, classic — шедевр, который вопреки опасениям Мерфи, был признан сразу же. Он и нулевые были созданы друг для друга.

[так, кажись я нащупал предел в 4 тысячи знаков для поста в Телеграме, так что окончание и ссылка — ниже]

Прошлогоднее же воссоединение LCD Soundsystem вызывает противоречивые чувства. С одной стороны, они наконец-то получают огромные гонорары за выступления на топовых фестивалях в статусе легенд, а многие поклонники — дополнительный шанс сказать «I was there». С другой, на 2017-ый запланирован четвертый альбом, и очень не хочется, чтобы он смазал безупречную историю, которая, казалось бы, так красиво завершилась в 2011-ом (посмотрите документальный фильм «Shut Up and Play the Hits» про их последний концерт, если не видели). Сомневаться это нормально, как показывает опыт Джеймса Мерфи.

https://www.youtube.com/watch?v=4kPyjUMmCL4

В продолжение темы DFA Records: в этом месяце также исполняется 15 лет песне The Rapture «House Of Jealous Lovers». Сейчас это классика, а вот пять лет назад инфа про десятилетие данного хита застала всех врасплох.

По сути, лейбл DFA был основан ради выпуска этого сингла. Сначала было только название, под которым Джеймс Мерфи и Тим Годсуорси (Goldsworthy, прости господи) несколько лет организовывали вечеринки в Нью-Йорке и занимались продакшеном в студии на Манхеттене. Они были увлечены идеей поженить инди-рокерскую и танцевальную сцены в городе. И в 1999-ом им попалась молодая группа The Rapture, которая только переехала в Нью-Йорк из родного Сан-Франциско через Сиэтл.

The Rapture успели выпустить альбом «Mirror» и играли агрессивный экспериментальный пост-панк (сегодня тот дебют в их творчестве как отрезанный ломоть, хотя есть diehard-фанаты, которые только ранних The Rapture и признают). Но дуэт The DFA поманил их печеньками — в частности, предложил записываться на своей дорогущей студии — и стал потихоньку обращать в свою веру. Сначала Мерфи спродюсировал для группы EP «Out Of The Races and Onto The Tracks» (его фирменный бит слышен в первом же треке), вышедший на Sub Pop. А затем настало время «House Of Jealous Lovers».

Джеймс Мерфи исповедовал своеобразный подход к работе в студии: The Rapture записывали трек, а дальше он отодвигал музыкантов в сторону и занимался тотальной переработкой записи на свой лад. Затем ставил им результат, они долго спорили и все меняли, пока не находили компромисс (на который в те аналоговые времена мог уйти год). И вот однажды в 2001-ом году Мерфи просто не стал спорить. Он уговорил The Rapture записать что-нибудь танцевальное, убрал из записи почти весь рок, заставил все инструменты звучать как ритм-секцию, добавил дикой перкуссии вроде пресловутого cowbell и заявил, что ничего больше менять не будет. Вжух, и готов один из ключевых хитов нулевых!

На самом деле, не так быстро. The Rapture и лейбл Sub Pop категорически отказались выпускать получившийся трек. Тогда Мерфи пошел с этой записью к другу-единомышленнику с менеджерскими задатками Джонатану Галкину (тот был в восторге) и предложил на троих вместе с Тимом основать лейбл DFA. Что и было сделано в сентябре 2011-го. После этого сингл «House Of Jealous Lovers» еще полгода пролежал на полке, пока наконец в марте-2012 DFA Records не отпечатали пластинку тиражом 20000 экземпляров. Песня, ради которой был создан лейбл, стала лишь четвертым релизом (вслед за первыми синглами The Juan MacLean и, собственно, LCD Soundsystem). Распространяли его исключительно через диджейские магазины. Это сработало: тираж был распродан полностью, The Rapture стали звучать на дискотеках, в моду входил dance punk.

Мейнстримовый успех настиг «House Of Jealous Lovers» только через год, когда сингл был перезаписан под альбом The Rapture «Echoes». Именно эту radio-friendly версию большинство людей и знает. Но я все-таки предлагаю послушать оригинал.

https://www.youtube.com/watch?v=wvtSF6JYln8

В этот день 20 лет назад вышел «Elegantly Wasted» — не самый великий альбом INXS, но последнее творение великого рок-фронтмена старой формации Майкла Хатченса. Через полгода он совершит самоубийство, и это ужасно грустная история, так что давайте лучше о любопытном факте, который похож на городскую легенду, но подтверждается в официальной автобиографии «INXS: Story to Story».

На церемонии BRIT Awards 1996 года Хатченс вручал награду за «лучшее видео». Победили Oasis со своим «Wonderwall». Расцеловавшись с Хатченсом и получив из его рук статуэтку, Ноэль Галлахер взял да и сказал: «Has-beens should not be presenting awards to gonna-be's» (примерно «устаревшие музыканты не должны вручать награду перспективным»). Молодые Галлахеры вообще славились провокационными высказываниям, одно пожелание смерти от СПИДа вокалисту Blur Деймону Элбарну чего стоит. Но Майкла это задело за живое. А может и не только это. Говорят, за сценой другой Галлахер — Лиам — оскорбил телеведущую Полу Йэйтс, подружку Хатченса, и тот в ответ якобы швырнул в Галлахера огнетушителем.

Так или иначе, Хатченс ответил Галлахерам в песне «Elegantly Wasted». В ее припеве, как это часто бывает, поверх друг друга для усиления наложены несколько вокальных партий. В половине поется, как и положено, «ah, elegantly wasted» («элегантно обхуяченный», речь в песне идет о жизни селебрити и о том, как ее изображает желтая пресса). А в другой половине, на тот же лад — «I’m better than Oasis» («я лучше чем Оазис»). Это, на самом деле, легко услышать. Самое смешное, что остальные участники группы узнали, что это им не показалось, уже после выхода альбома.

https://www.youtube.com/watch?v=aYTSkPi6v8w

И о фамилии Gahan. Споры по этому поводу не утихают по сей день (just google it). Так как же ее правильно произносить?

Если вас волнует мнение самого Дэйва (и англичан в целом), то надо говорить «Гаан», как в слове «gone». Такое написание и доминирует в рунете.

О чем же тут спорить? Дело в том, что это ирландская фамилия, которая в оригинале произносится «Гахáн» («Ga-haan»), прям вот с отчетливым «а» и ударением на второй протяжный слог. И, например, американские журналисты пользуются именно ирландским произношением.

То есть, главное — не называть его «Гэхэн», как упорно делает русский Rolling Stone (который мне друг, но истина дороже).

10 лет пролетели незаметно: 16 апреля 2007 года вышел сингл «Thou Shalt Always Kill» — невероятно мощный дебют лондонского дуэта Dan le Sac vs Scroobius Pip и сатирическая нравственная проповедь на тему современной англоцентричной культуры. При всем уважении к убойному звуковому ряду битмейкера Dan le Sac, без понимания текста рэпера и поэта Scroobius Pip здесь ловить нечего, так что на всякий случай кидаю его следующим постом. Рандомный факт: журнал New Musical Express не обиделся на строчку «Thou shalt not read NME», написав в ответ: «Scroobius Pip, you’ve just written the Track Of The Year. Thou shalt buy this song and listen to it every day until the Sun swallows the Earth». Все так

https://www.youtube.com/watch?v=CWrMGXwhFLk

Месяц ничего не постил. Из важного пропустил только четвертьвековой юбилей альбома Beastie Boys «Check Your Head». С другой стороны, он был всего лишь разогревом перед «Ill Communication», лучше о нем через два года поговорим, хехе. Зато сегодня наконец обнаружил свою публикацию в мартовско-апрельском номере журнала L'Officiel Voyage:

«Пять альбомов, через которые лучше всего раскрывается история современного Берлина, воображаемая и реальная»

Из-за особенностей формата (приоритет бумажному изданию — так все еще бывает!) в интернете это никто не заметит, так дай хоть сюда помещу. 5 раз по 400 знаков в духе канала «Ретромания».

Сначала там идет соответствующий обзор книг от Лизы Биргер, который, в общем-то, многим будет полезней моего музыкального списка. Хотя жаль, что мимо книжного пролетели «Берлинский блюз» Свена Регенера и «Забыться в звуке. Берлин, техно и easyJet» Тобиаса Раппа. Но в этом и проблема с бумажными публикациями: приходится максимально ужиматься. Хорошо, что есть Telegram, в котором я обязательно еще напишу про альбом Дэвида Боуи «Heroes» подробней (в октябре — 40 лет)

http://lofficielvoyage.ru/style/stolitsa_mira_berlin/

Сегодня мир празднует 20-летие альбома Radiohead «OK Computer». На самом деле, первый релиз был 21 мая 1997 года, а виниловая пластинка в Великобритании вышла 16 июня, но какая разница. Это лишь показывает, насколько условными являются подобные датировки, когда альбом выпускается примерно 60 раз только в первый год — выбирай дату на вкус

Radiohead выбрали 23 июня. Именно сегодня вышло юбилейное переиздание «OKNOTOK Computer» с кучей неизданных треков, которое все приличные поклонники Radiohead к этому моменту уже должны были пару раз послушать (например, в Apple Music). Плюс, сегодня они первый раз за 14 лет выступят на главном фестивале Европы Glastonbury — не факт, что сыграют «OK Computer» целиком, но в любом случае это будет великий концерт и историческое событие.

Обычно, готовя подобный пост, я ищу какую-то любопытную информацию по сусекам, но про этот юбилей написано столько, что добавить тут нечего (самый крутой материал вышел еще в марте у Pitchfork http://pitchfork.com/features/ok-computer-at-20/10040-the-radiohead-prophesies-how-ok-computer-predicted-the-future/). Так что просто поясню, как смотреть сегодняшний концерт. Radiohead начнут в 21:30 по Лондону, то есть в 23:30 по Москве, а показывать это будут каналы BBC Four и BBC Two. Надо зарегистрироваться [например здесь http://www.bbc.co.uk/bbcfour] и зайти с помощью VPN из Великобритании. Почтовый индекс для регистрации можно добыть себе нагуглив «random british postcode».

С вас 500 долларов

Сегодня 20 лет исполняется «This Is Hardcore» — великому альбому Pulp, похоронившему брит-поп. Любим мы его в том числе и за клип на одноименную песню. Видео, стилизованное под таблоидные фото послевоенного Голливуда — явная вершина творчества клипмейкера и рекламщика Дуга Никола, который все свои награды и номинации получил почему-то не за это, а за работы для Стинга, Aerosmith и New Kids On The Block. Бывает
https://www.youtube.com/watch?v=JXbLyi5wgeg

Yandex Music: https://music.yandex.ru/album/3771
Apple Music: https://itunes.apple.com/ru/album/this-is-hardcore-deluxe-edition/183051863

Сегодня исполняется пять лет «Currents» — центральному альбому в творчестве Tame Impala, который вывел их на вершину мировой музыкальной пирамиды. Хотя, почему «их»? Многие по инерции воспринимают Tame Impala как группу. На концертах это действительно так (в прошлогоднем турне роль группы на сцене играли соотечественники-австралийцы Pond), но в студии Кевину Паркеру товарищи не нужны — здесь он все старается делать сам.

Тему одиночества Паркер практиковал и воспевал с самого начала — вспомнить хотя бы программный гимн «Solitude Is Bliss» или название второго альбома «Lonerism». К моменту записи третьего к этому добавилась личная драма — разрыв отношений с французской артисткой Мелоди Прошет (Мelody's Echo Chamber). Так что получившийся альбом вполне справедливо относят к числу ярчайших break up произведений.

Сольный подход на «Currents» достиг своего максимума: здесь нет вообще ни одного контрибьютора (раньше все-таки были), только мастеринг делал Грег Калби, а все песни написал, на всех инструментах сыграл, спел, спродюсировал и смикшировал человек-оркестр Кевин Паркер. Для масштабной поп-музыки случай довольно уникальный.

С чисто музыкальной точки зрения здесь было понятно что: миграция фирменного психоделик/стоунер-рока в сторону более легкомысленных и местами танцевальных вещей вроде синти-попа и диско. По признанию Паркера, он понял, что психоделическим можно сделать любой жанр, под влиянием грибов, кокаина и песни Bee Gees «Staying Alive».

Spotify
Apple Music
Яндекс Музыка

Сегодня мир отмечает 40-летие второго и последнего альбома Joy Division «Closer», ставшего посмертным для Яна Кертиса, который повесился ровно за два месяца до его выхода.

Лучшее, что можно по этому поводу сделать, это а) купить соответствующее переиздание пластинки на crystal clear виниле б) присоединиться к listening party в твиттер-аккаунте, который ведет Тим Берджес (The Charlatans): в 10 PM BST, то есть в полночь по Москве/Петербургу, все кому надо начнут слушать альбом, а один из основателей Joy Division и New Order Питер Хук будет комментировать

Spotify
Apple Music
Яндекс Музыка

Сегодня исполняется 30 лет альбому Pantera «Cowboys From Hell» (1990, ATCO Records / Warner). Для многих история одной из главных групп второй волны thrash-металла началась с узнаваемого риффа одноименной песни. Да что уж там, сами Pantera считают этот альбом своим истинным дебютом. Но так-то он уже пятый в их дискографии, а четыре предыдущих из нее были фактически вычеркнуты. Вы не найдете их в Apple Music или Spotify, а после 1990-го года Pantera никогда не играла эти песни живьем. Оно и понятно. Брутальный образ и саунд поздней «Пантеры», который был сформирован как раз на «Cowboys From Hell», довольно комично контрастирует с курьезной обложкой первого альбом «Metal Magic» (1983), глэм-хитами вроде «All Over Tonight» (1984) и джудаспристовским фальцетом Фила Ансельмо на переходной пластинке «Power Metal» (1988). Если у большинства метал-рокеров трушными считаются ранние «независимые» альбомы, то классическая Pantera берет свой отсчет с первого релиза на мейджор-лейбле

Spotify
Apple Music
Яндекс Музыка

🎂 40 лет: Siouxsie and the Banshees «Kaleidoscope» (1980, Polydor)

К 1980 году Siouxsie and the Banshees благодаря первым двум альбомам уже были весьма авторитетной пост-панк-группой (характерная деталь: во время турне 1979 года Роберт Смит исполнял роль их концертного гитариста, и так проникся совместными выступлениями, что, по собственному признанию, решил двигать The Cure в этом же направлении), но на «Kaleidoscope», что называется, переизобрели себя и вышли за рамки жанра. Началась золотая эпоха The Banshees. С 1980 по 1982 они записали песни, предсказавшие развитие инди-музыки лет так на 15 вперед.

Этот период совпадает со временем, когда им посчастливилось иметь в составе Джона Макгиоха. Гитариста буквально переманили из группы Magazine перед записью «Kaleidoscope»— настолько стремительно, что из-за контрактных обязательств он отсутствует в клипе «Happy House» (зато там уже есть новый барабанщик Баджи; он пробудет с группой до конца). Это особенно обидно, учитывая, что он, по сути, и придумал открывающую альбом песню, сыграв легендарное вступление на первой же совместной репетиции. Этот рифф впоследствии послужит основой множества треков (из самых известных: Cappella «U Got 2 Know», Mindless Self Indulgence «Bitches», the Weeknd «House of Balloons»).

Сьюзи Сью называла Макгиоха своим самым любимым гитаристом всех времен («я могла сказать “хочу, чтобы это звучало как падающая с обрыва лошадь”, и он играл именно так»), а после смерти Макгиоха в 2004-м Баджи говорил: «Не хочу обидеть других гитаристов, с которыми мы работали, но никто не мог сравниться с Джоном».

Влияние Джона Макгиоха на последующие поколения рок-гитаристов подчеркивали Стив Альбини, Джонни Марр (The Smiths), Эд О'Брайен и Джонни Гринвуд (Radiohead) и многие другие. До него на первом плане всегда стояли исполнители виртуозных гитарных соляков, тогда как ритм-гитара была чем-то второстепенным вроде баса. Рокерская логика вообще мало применима к Макгиоху, потому что он добивался именно что нерокенрольного звучания, мастерски используя технику арпеджио и эффекты вроде фленджера. Оценить его вклад, так сказать, аудиовизуально можно в клипе «Israel» (хотя там все хороши) — этот сингл вышел уже после альбома, отдельным номером.

Впрочем, дело тут не только в Макгиохе, конечно. Все же авторами большинства песен «Kaleidoscope» значатся Сьюзи Сью и басист Стивен Северин. Сьюзи вышла на новый уровень: после турне-1979 врач прописал ей отпуск, который она потратила на изучение, опять же, гитары, в результате чего стала писать не только тексты, но и музыку. Кроме того, The Banshees впервые стали использовать клавиши, синтезаторы и драм-машины (так появился, например, готический гимн «Red Light»). Ну и Баджи, тоже не очень похожий на типичного рок-барабанщика. Самым успешным радиохитом стала песня «Christine» о девушке с диссоциативным расстройством личности — протаскивание подобной тематики в поп-чарты также является характерной обновленных The Banshees.

Главным альбомом The Banshees-2, как называла это Сьюзи, традиционно считается пластинка 1981 года «Juju», а «Kaleidoscope» — вроде как разминка, начало экспериментов. И в этом смысле он, несмотря на упомянутые хиты, представляется вещью несколько недооцененной.

Spotify
Apple Music
Яндекс Музыка

🎂 10 лет: Mujuice — Downshifting (2011, Восход)

https://youtu.be/AYTD1WYPyK0

В конце октября 2010 года Дима Устинов (тогда — моднейший московский диджей Дима Японец) интригующе написал у себя в фейсбуке: «Я послушал новый альбом Муджуса и мне кажется, что это будет культовый альбом следующей пятилетки».

Сейчас кажется очевидным, а тогда прозвучало как вызов. Рома Литвинов после альбома Superqueer уже очень даже котировался, но все еще именно как электронщик, невидимый синтезаторный боец. Через полтора месяца в этой роли он выступал в Ренне на уважаемом московской хипстерской общественностью фестивале Transмusicales, где от России также были заявлены Eat My Beat Mr Lensky (помните этот диджейский проект Саши Лестюхина и Сергея Голикова, которые много позже создадут Рабицу, Poima и «Всадники ЖКХ»?), а также куча журналистов и промоутеров. Роман хоть и был приветлив, держался довольно отстраненно от тусовки и постоянно выбегал из бара на улицу, чтобы слушать в плеере Pixies (казалось, неочевидный выбор). По сути, Mujuice тогда разогревал на отдельной камерной сцене Stromae (кстати, где сейчас этот сенсационный бельгиец?)

25 февраля 2011 года «Афиша» выложила два главных будущих хита «Милый друг» и «Выздоравливай скорей!» и устами Александра Горбачева провозгласила: «Афиша представляет премьеру двух песен с лучшего русского альбома года. А может, и не только русского. А может, и не только года».

Неудивительно, что 19 марта 2011 года, в день выхода Downshifting, к клубу «Солянка», где проходила презентация, вытянулась натурально километровая очередь.

И хотя мало кто помнит сам концерт, все ожидания оправдались: у поколения нулевых появилась своя «Группа крови» (© Афиша). Роман не похож на Виктора ни голосом, ни поэзией, ни саундом, однако неуловимым образом он выдал похожий вайб, задел тот же нерв и предвосхитил воскрешение Цоя в массовом сознании в десятых годах.

Неуловимость — едва ли не главная характеристика песенного творчества Муджуса. Как объяснить, почему Downshifting действительно стал главным русским альбомом десятилетия? Артемий Троицкий, издавший его на своем саблейбле СОЮЗа, формулировал так: «У нас как-то сложилось, что вся публика делилась на два лагеря - любителей русского рока и клубную молодежь. Рома Муджус первый человек, который перекинул убедительный мостик между двумя этими культурами». Пусть исходный посыл бумерским образом притянут за уши, это похоже на правду.

С тех пор каждую весну мы поем «после марта пришел февраль», так уж повелось. Лично меня больше всего восхитила деталь о съемках этого клипа: «После того, как запись закончилась, я записал результат на VHS-кассету и закопал ее на пару дней в землю. Все это отразилось на картинке, получились довольно забавные эффекты»

Spotify
Apple Music
Bandcamp

🎂 20 лет: Manic Street Preachers — Know Your Enemy (Epic, 2001)

https://youtu.be/-uwacLOnyKA

Благодаря помпезному и нафаршированному радиохитами альбому «This Is My Truth Tell Me Yours» Manic Street Preachers обрели миллионы новых поклонников, но при этом крепко разочаровали многих олдскульных фанатов. В этом контексте Know Your Enemy можно было рассматривать как возвращение старых злых MSP — причем не только в музыкальном смысле, но и в идеологическом

Вернулись на отличненько: презентация альбома прошла в театре Карла Маркса в Гаване в присутствии Фиделя Кастро (это был первый концерт западной рок-группы на Кубе). Незадолго до этого, в самом начале года, вышел сингл The Masses Against The Classes — ударный левацкий панк-номер, который, увы, не был включен в альбом (только в японское и австралийское издание), зато стал первой песней, возглавившей британский хит-парад в 21 веке (что сейчас кажется удивительным)

Сам 75-минутный альбом получился эклектичным. Как подметили Pitchfork, MSP здесь попытались «написать протестную песню примерно в каждом жанре». The Guardian засчитали влияния Beach Boys, Sonic Youth, Joy Division, New Order, Jesus and Mary Chain и R.E.M.

Басист Ники Уайр, оставшийся за идеолога и автора текстов после смерти Ричи Эдвардса, здесь внезапно спел (Wattsville Blues). Фронтмен Джеймс Дин Брэдфилд, напротив, впервые сам написал себе текст: Ocean Spray посвящен его маме, умершей от рака (Ocean Spray это название популярного бренда напитков; клюквенный он приносил ей в больницу), и это пожалуй единственный откровенный поп-хит на альбоме, хоть и печальный.

В целом же грубоватый и неровный Know Your Enemy вполне способен отпугнуть неофита, очарованного This Is My Truth Tell Me Yours, и подарить надежду человеку, когда-то влюбившемуся в Generation Terrorists. Что и произошло.

Спустя 15 лет, правда, Шон Мур (барабанщик и брат-соавтор Джеймса Дина Брэдфилда) рассказал, что на самом деле этот набор песен был создан для двух концептуально разных альбомов, но Epic не согласились выпускать их одновременно. Такой трюк они потом все-таки провернули на Columbia, выпустив в 2012-2013 фолк-роковый Rewind the Film и «обычный» Futurology с полугодичным промежутком.

Сам Мур в связи с этим находит альбом strange и confusing. Пусть так, но записывали ли Manic Street Preachers с тех пор нечто более крутое? Тут есть о чем поспорить

Spotify
Apple