Но дело даже не в изображенных на картине предметах: сами по себе они совершенно будничны. Дело – в умении Коро сделать так, чтобы пейзаж вызывал у зрителя ощущение умиротворения и спокойствия, чтобы наполненность светом и воздухом на какой-то момент рождала чувство благодатного растворения в природе. Чтобы от светлых гармоний зеленого, серебристого и охры перехватывало дыхание.
Кто хоть немного знаком с биографией Коро, знает, что пейзаж был для художника без преувеличения смыслом существования. «Моя единственная и неизменная цель, которой я намерен посвятить всю жизнь, – писать пейзажи», – говорил Коро. И еще он был уверен: «Человек не должен начинать карьеру художника, пока не почувствует в себе страстное влечение к природе».
В поисках натуры Коро много путешествовал: мы можем видеть на его картинах залитые слепящим солнцем города Италии, густые сумеречные леса центральной Франции, безмятежно спящие озёра Швейцарии. Но чтобы написать этот пейзаж, уезжать далеко Коро не пришлось: в окрестностях Парижа, в местности д'Авре, у его родителей, владельцев модного магазина одежды, имелась вилла, приобретённая по случаю у богатого парижского банкира. Когда стало окончательно ясно, что Камиль не хочет продолжать семейное дело и жаждет быть не торговцем сукном, а художником, его отец поступил великодушно. Он тогда в сердцах заявил Камилю «Я ничем не могу тебе помешать. Хочешь развлекаться – развлекайся!» и мог бы прогнать сына на вольные хлеба. Но вместо этого положил ему ежегодное содержание в полторы тысячи франков и разрешил оборудовать в мансарде загородного дома мастерскую.
Из окон мастерской Коро в Виль д'Авре был виден пруд. И еще – какие-то непричесанные заросли. Именно их Коро обессмертит.
Коро посчастливилось в том отношении, что его лирические пейзажи успели стать очень востребованными при его жизни. В 60-70-х годах XIX века все хотели приобрести Коро, в особенности почему-то в Новом свете. Тогда Коро нанял ассистентов, которые копировали его картины, а он лишь снабжал их своей подписью, так что проблема подлинности Коро – весьма актуальна. Французский искусствовед и хранитель Лувра Рене Юиг язвительно пошутил: «Коро написал 3 тысячи картин, 10 тысяч из которых были проданы в Соединенных Штатах».
@pic_history
#КамильКоро #Пейзаж #Романтизм
Кто хоть немного знаком с биографией Коро, знает, что пейзаж был для художника без преувеличения смыслом существования. «Моя единственная и неизменная цель, которой я намерен посвятить всю жизнь, – писать пейзажи», – говорил Коро. И еще он был уверен: «Человек не должен начинать карьеру художника, пока не почувствует в себе страстное влечение к природе».
В поисках натуры Коро много путешествовал: мы можем видеть на его картинах залитые слепящим солнцем города Италии, густые сумеречные леса центральной Франции, безмятежно спящие озёра Швейцарии. Но чтобы написать этот пейзаж, уезжать далеко Коро не пришлось: в окрестностях Парижа, в местности д'Авре, у его родителей, владельцев модного магазина одежды, имелась вилла, приобретённая по случаю у богатого парижского банкира. Когда стало окончательно ясно, что Камиль не хочет продолжать семейное дело и жаждет быть не торговцем сукном, а художником, его отец поступил великодушно. Он тогда в сердцах заявил Камилю «Я ничем не могу тебе помешать. Хочешь развлекаться – развлекайся!» и мог бы прогнать сына на вольные хлеба. Но вместо этого положил ему ежегодное содержание в полторы тысячи франков и разрешил оборудовать в мансарде загородного дома мастерскую.
Из окон мастерской Коро в Виль д'Авре был виден пруд. И еще – какие-то непричесанные заросли. Именно их Коро обессмертит.
Коро посчастливилось в том отношении, что его лирические пейзажи успели стать очень востребованными при его жизни. В 60-70-х годах XIX века все хотели приобрести Коро, в особенности почему-то в Новом свете. Тогда Коро нанял ассистентов, которые копировали его картины, а он лишь снабжал их своей подписью, так что проблема подлинности Коро – весьма актуальна. Французский искусствовед и хранитель Лувра Рене Юиг язвительно пошутил: «Коро написал 3 тысячи картин, 10 тысяч из которых были проданы в Соединенных Штатах».
@pic_history
#КамильКоро #Пейзаж #Романтизм
Искусство лечит. Иногда достаточно прогулки по музею или чтения хорошей книги, чтобы вернуть себе спокойствие и позитивный настрой.
А если этого не хватает, на помощь приходит арт-терапия и творческие психологические практики. Они помогают брать эмоции под контроль, проходить кризисы, справляться с выгоранием и понимать себя.
Писатель, арт-терапевт и нарративный практик Лана Золотар рассказывает о письменных и творческих практиках, мягком планировании и концепции slow life в канале «Арт, хаос и порядок»:
— Зачем вести дневник: 7 важных преимуществ письменных практик
— Как понять, что пора меняться
— Как перестать гореть на работе, когда все горит
— Как научиться слышать себя: 7 шагов к пониманию своих чувств и желаний
— Мягкая трансформация или отрезанная голова коровы, пожираемая мухами?
А еще Лана периодически делится бесплатными воркбуками и показывает арты.
Подписаться на канал
А если этого не хватает, на помощь приходит арт-терапия и творческие психологические практики. Они помогают брать эмоции под контроль, проходить кризисы, справляться с выгоранием и понимать себя.
Писатель, арт-терапевт и нарративный практик Лана Золотар рассказывает о письменных и творческих практиках, мягком планировании и концепции slow life в канале «Арт, хаос и порядок»:
— Зачем вести дневник: 7 важных преимуществ письменных практик
— Как понять, что пора меняться
— Как перестать гореть на работе, когда все горит
— Как научиться слышать себя: 7 шагов к пониманию своих чувств и желаний
— Мягкая трансформация или отрезанная голова коровы, пожираемая мухами?
А еще Лана периодически делится бесплатными воркбуками и показывает арты.
Подписаться на канал
Telegram
Арт, хаос и порядок | Лана Золотар
Как найти и создать себя. Быть собой и кайфовать в процессе. О творческом подходе к жизни и реализации потенциала. И про всякую красоту, конечно.
Писатель, издатель и нарративный арт-терапевт Лана Золотар — @lanazolotar
Писатель, издатель и нарративный арт-терапевт Лана Золотар — @lanazolotar
"Осень в провинции. Чаепитие"
1926 г.
Борис Михайлович Кустодиев
Государственная Третьяковская галерея.
Темами наиболее известных картин выдающегося русского художника Бориса Михайловича Кустодиева были ярмарки, городские и деревенские праздники, трактиры, толстые красавицы-купчихи, часто изображенные с добродушной иронией. А.Н. Бенуа писал: «Настоящий Кустодиев – это русская ярмарка, пестрятина, “глазастые” ситцы, варварская “драка красок”, русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями…» В соответствии с сюжетами отличительной чертой работ стали декоративность, нарочитая яркость, подчас грубость цветовых сочетаний. Этой манере Кустодиев остался верен и после революции, варьируя в поздних работах более ранние мотивы.
В картине «Осень в провинции» главное действующее лицо – осень, огненно-красная пора уходящего летнего зноя. В центр композиции помещен клен с яркой пылающей кроной, в прозрачном воздухе, кажется, витает аромат листьев, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. Старик наблюдает за игрой ребятишек, соседи что-то обсуждают через забор. На уютной террасе пьют чай две румяные купчихи. Кустодиев придает сцене характер романтичной идиллии, сочетающей черты реальности и мечты, создает идеал безмятежной провинциальной жизни на лоне природы. Он погружает зрителя в особое пространство небольшого городка, где маковки церквей и колокольни утопают в золотой листве, редко проезжают запряженные экипажи и свободно прохаживаются куры и гуси. У Кустодиева восприятие быта России особенное, уродливости и страху нет места в его полотнах, они наполнены радостью.
@pic_history
1926 г.
Борис Михайлович Кустодиев
Государственная Третьяковская галерея.
Темами наиболее известных картин выдающегося русского художника Бориса Михайловича Кустодиева были ярмарки, городские и деревенские праздники, трактиры, толстые красавицы-купчихи, часто изображенные с добродушной иронией. А.Н. Бенуа писал: «Настоящий Кустодиев – это русская ярмарка, пестрятина, “глазастые” ситцы, варварская “драка красок”, русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями…» В соответствии с сюжетами отличительной чертой работ стали декоративность, нарочитая яркость, подчас грубость цветовых сочетаний. Этой манере Кустодиев остался верен и после революции, варьируя в поздних работах более ранние мотивы.
В картине «Осень в провинции» главное действующее лицо – осень, огненно-красная пора уходящего летнего зноя. В центр композиции помещен клен с яркой пылающей кроной, в прозрачном воздухе, кажется, витает аромат листьев, арбуза и свежего хлеба из маленькой булочной. Старик наблюдает за игрой ребятишек, соседи что-то обсуждают через забор. На уютной террасе пьют чай две румяные купчихи. Кустодиев придает сцене характер романтичной идиллии, сочетающей черты реальности и мечты, создает идеал безмятежной провинциальной жизни на лоне природы. Он погружает зрителя в особое пространство небольшого городка, где маковки церквей и колокольни утопают в золотой листве, редко проезжают запряженные экипажи и свободно прохаживаются куры и гуси. У Кустодиева восприятие быта России особенное, уродливости и страху нет места в его полотнах, они наполнены радостью.
@pic_history
Пушкин в своей «Полтаве» написал об этом человеке так: «…Счастья баловень безродный, полудержавный властелин».
Сын конюха, пройдя сложный жизненный путь, стал сначала капралом, затем камердинером, а впоследствии — верным другом и помощником Петра I. После смерти своего венценосного покровителя он приобрел неограниченную власть, став фактическим правителем при императрице. Но, оказавшись жертвой дворцовых переворотов и придворных интриг, был отправлен молодым Петром II в ссылку.
Сын конюха, пройдя сложный жизненный путь, стал сначала капралом, затем камердинером, а впоследствии — верным другом и помощником Петра I. После смерти своего венценосного покровителя он приобрел неограниченную власть, став фактическим правителем при императрице. Но, оказавшись жертвой дворцовых переворотов и придворных интриг, был отправлен молодым Петром II в ссылку.
Какой же исторический деятель изображен на картине Василия Сурикова в тяжелые дни своей жизни?
Anonymous Quiz
82%
Князь Александр Меншиков с семьей в ссылке в захолустном городке Березове
6%
Судья Василий Кочубей прощается с детьми перед отправкой на допрос в село Борщаговка
12%
Князь Василий Голицын с семьей в ссылке в поселке Пинега после лишения боярства и имущества
Forwarded from новости искусства и культуры / art news
В феврале 2025 года Sotheby's откроет представительство в Саудовской Аравии, а 8 февраля состоится первый в стране аукцион Sotheby's под названием Origins («Истоки»). Аукционный дом разместится в башне Аль-Фейсалия, спроектированной Норманом Фостером, в столице Саудовской Аравии Эр-Рияде и проведет торги в соседнем историческом городе Дирия. На торгах будут представлены работы саудовских и международных художников, а также предметы роскоши.
Необходимость открытия представительства вызвана растущим количеством клиентов из этого региона: в 2019–2023 годах число покупателей отсюда выросло на 74%, а число участников торгов — на 125%. В прошлом году почти 50% саудовских покупателей были моложе сорока лет.
источник
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Герхард фон Кюгельген, Джованни Больдини, Йоханнес Верспронк — кто все эти незнакомцы?
Для большинства людей это всего лишь неизвестные иностранцы, и лишь в узких кругах — признанные художники 17-19 веков, картины которых так и остались в тени других мастеров.
Возможно они не родились под счастливой звездой или выбрали не то призвание, мы уже этого не узнаем. Однако просчитать собственное предназначение все еще в наших силах.
В этом поможет канал ПСИХОЛОГА И НУМЕРОЛОГА Катерины Ярицы. Нумерология — это не эзотерика, а раздел астрологии, который включает в себя действенные инструменты построения конкретных шагов для вашей трансформации. Нумерология поможет вам ответить на самые сложные вопросы, например:
- Как нумерология поможет раскрыть потенциал вашего ребенка.
- Почему ваша жизнь напоминает один и тот же сценарий?
- Почему вы притягиваете именно этих партнёров?
- Как правильно справляться со злостью во время конфликтов.
- Как научиться принимать себя: пример Опры Уинфри.
На эти и многие другие вопросы вы сможете получить ответы вместе с @klavaayarica — помогает стать художником собственного счастья. Присоединяйтесь!
Для большинства людей это всего лишь неизвестные иностранцы, и лишь в узких кругах — признанные художники 17-19 веков, картины которых так и остались в тени других мастеров.
Возможно они не родились под счастливой звездой или выбрали не то призвание, мы уже этого не узнаем. Однако просчитать собственное предназначение все еще в наших силах.
В этом поможет канал ПСИХОЛОГА И НУМЕРОЛОГА Катерины Ярицы. Нумерология — это не эзотерика, а раздел астрологии, который включает в себя действенные инструменты построения конкретных шагов для вашей трансформации. Нумерология поможет вам ответить на самые сложные вопросы, например:
- Как нумерология поможет раскрыть потенциал вашего ребенка.
- Почему ваша жизнь напоминает один и тот же сценарий?
- Почему вы притягиваете именно этих партнёров?
- Как правильно справляться со злостью во время конфликтов.
- Как научиться принимать себя: пример Опры Уинфри.
На эти и многие другие вопросы вы сможете получить ответы вместе с @klavaayarica — помогает стать художником собственного счастья. Присоединяйтесь!
"Автопортрет нахмурившийся"
1630 г.
Рембрандт Харменс ван Рейн
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
@pic_history
1630 г.
Рембрандт Харменс ван Рейн
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
@pic_history
Forwarded from новости искусства и культуры / art news
На фоне проходящей в Фонде Пино выставки арте повера Artprice посвятил отдельный материал анализу этого сегмента арт-рынка. Примерно 10 лет назад произведения работы ключевых представителей этого течения, таких как Джованни Ансельмо или Лучано Фабро, демонстрировали беспрецедентно высокие результаты на торгах. Тогда же монументальный «Ахром» Пьеро Мандзони был продан за рекордные $20 млн.
В период с 2014 по 2015 год более 70% художников движения обновили свои ценовые рекорды, которые держатся до сегодняшнего дня. С тех пор только Алигьеро Боэтти достиг нового аукционного рекорда с результатом в $8,8 млн два года назад. Ажиотаж во многом был вызван ожиданиями изменений в итальянском законодательстве. Новшества касались запрета вывоза топовых произведений из страны. Хотя с тех пор закон был смягчен, процесс получения разрешения на экспорт остается обременительным.
В результате шедевры арте повера все реже появляются на мировом рынке. В любом случае аналитики Artprice считают, что за последние 10 лет рынок арте повера заметно сдулся. Яркое тому доказательство — тот факт, что совсем недавно другой «Ахром» Мандзони ушел с молотка всего за $3,2 млн. В 2014 году за него точно заплатили бы вдвое больше.
источник
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
"Вакх и Ариадна"
1745 г.
Джованни Баттиста Тьеполо
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
«Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух.
Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии.
@pic_history
1745 г.
Джованни Баттиста Тьеполо
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
«Вакха и Ариадну» Джованни Баттиста Тьеполо создал, скорее всего, для украшения лестницы неизвестного венецианского дворца. На это указывает ныне утерянное письмо, которое художник написал некоему адресату в 1764 году, где владелец палаццо обозначен инициалами V. E. Картина, вероятно, была одной из четырёх работ (из них сохранились лишь три), каждая из которых символизировала некий природный элемент. «Вакх и Ариадна» представляют землю, «Триумф Амфитриты» (ныне находится в Галерее старых мастеров в Дрездене) – воду, а «Юнона и Луна» (Музей изящных искусств, Хьюстон) – воздух.
Местонахождение четвертой картины, на которой, скорее всего, был изображён Вулкан, бог огня, и его жена Венера, неизвестно. Представление о том, как могло выглядеть это полотно, даёт нам эскиз полоточной росписи для Королевского дворца в Мадриде, хранящийся в Художественном музее Филадельфии.
@pic_history
«Вакх и Ариадна» – иллюстрация эпизода древнего мифа, когда бог виноделия коронует смертную девушку, влюбившись в неё. Пара повстречалась на берегу острова Наксос, где Ариадну бросил возлюбленный – герой Тесей. Она стала женой Вакха, взошла на гору Олимп и обрела бессмертие. Художник изобразил бога едва сидящим на бочке и держащим сверкающий золотой венец, который позже станет созвездием Северная Корона. Внизу лежит один из двух ягуаров, везущих его колесницу. Сам олимпиец окружён гуляками с кувшинами вина и виноградными лозами, представляющими плодовитость земли, а пшеница в волосах Ариадны и тростник в её руке, символизируют землю.
В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана.
В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены.
Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны.
Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы.
Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер.
После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года.
@pic_history
#ДжованниТьеполо #МифологическаяСцена #Рококо
В 2014 году Национальная галерея в Вашингтоне начала реставрацию полотна, которая продолжалась четыре года. Исследование выявило на картине ранее неизвестные детали, утраченные после того, как в конце XVIII века её вывезли из дворца, для которого она была написана.
В частности, композиция (как и две другие дошедшие до нас картины этого цикла) содержит архитектурные мотивы, связывавшие её с первоначальным местоположением. Это изображения каменных волют (спиралевидные завитки на одном из которых сидит путти) в верхней трети полотна и длинношеих существ, похожих на грифонов, в нижних углах. Согласно найденным записям, работы были изъяты со своих исходных мест в 1798 году. После этого архитектурные детали на них утратили смысл и были закрашены.
Реставраторы сняли более поздний красочный слой, под которым обнаружились высокие вертикальные листья на левой и правой сторонах композиции. Инфракрасные снимки показали, что первоначально снопы были перевязаны золотыми лентами. Они, как и грифоны, вероятнее всего, были связующими фрагментами для всех четырёх картин серии. Сходные элементы были найдены при реставрации «Триумфа Амфитриты» несколько десятилетий назад. Полотно «Юнона и Луна» пока ещё не восстанавливалось, но инфракрасные и рентгеновские снимки показали, что на нём есть закрашенные грифоны.
Украшение в виде золотой ленты есть на ещё одной работе Тьеполо, «Нашествие змей» (1732 – 1735) из Галереи Академии в Венеции. Она, а также архивные документальные изображения и другие произведения художника дали реставраторам понять, как выглядели недостающие элементы.
Учёные также выявили, что во время работы Тьеполо вносил значительные изменения в композицию. Это свидетельствует о том, что «Вакх и Ариадна», вероятнее всего, были первой картиной серии. Рентген показал, что под грифоном и ягуаром в правом нижем углу скрываются изогнутые формы – возможно, с их помощью художник первоначально пытался включить произведение в окружающий интерьер.
После того, как «Вакха и Ариадну» сняли с первоначального места, картина находилась в частных коллекциях в Италии и Вене. В конце 1920-х годов её купили промышленник Уильям Роберт Тимкен и его жена Лилиан. В 1960 году они передали полотно Национальной галерее искусств в Вашингтоне. Обновлённое произведение вернулось в экспозицию 14 июня 2018 года.
@pic_history
#ДжованниТьеполо #МифологическаяСцена #Рококо
"Глубина"
1953 г.
Джексон Поллок
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
1953 г.
Джексон Поллок
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
Блог NATALY полон эстетики и эмоциональных рассказов! Журналист и писатель вещает про
• Киношедевры и интересные книги
• Культурные события
• Путешествия по миру и России
• Самые красивые и вкусные кафе, рестораны
• Косметику, которая точно работает
• И немного красивых фоточек с котиком
Рекомендуем заглянуть и ознакомиться! @nnliadova1
• Киношедевры и интересные книги
• Культурные события
• Путешествия по миру и России
• Самые красивые и вкусные кафе, рестораны
• Косметику, которая точно работает
• И немного красивых фоточек с котиком
Рекомендуем заглянуть и ознакомиться! @nnliadova1
Forwarded from новости искусства и культуры / art news
Вслед за открытием нового корпуса на Кадашёвской набережной музей занял Центральный павильон на ВДНХ с выставкой искусства XX–XXI веков.
Выставочный проект Государственной Третьяковской галереи под названием «ТретьяковкаНаВДНХ. Искусство XX–XXI веков», объявленный ранее и отложенный из-за проведения международной выставки-форума «Россия», откроется наконец для публики 21 ноября в одном из самых впечатляющих зданий комплекса.
Как сообщается в пресс-релизе, экспозиция в Центральном павильоне №1 будет связана с его историей, временем возникновения и произведениями советского периода. На выставке представят около 40 работ, создававшихся в золотые годы ВДНХ, то есть 1930–1960-е. Это скульптуры Веры Мухиной и Ивана Шадра, живопись Александра Дейнеки, Георгия Нисского, Аркадия Пластова и так далее. Дополнят их работы наших современников.
Отметим, что одним из критериев отбора произведений соцреалистов из фондов Третьяковки для этой выставки был их гигантский размер, затрудняющий экспонирование в музейных залах, зато идеальный для безбрежных пространств ВДНХ.
источник
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
"Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованиной Пачини и арапчонком"
1834 г.
Карл Павлович Брюллов
Музей Хиллвуд, Вашингтон.
@pic_history
1834 г.
Карл Павлович Брюллов
Музей Хиллвуд, Вашингтон.
@pic_history
Forwarded from новости искусства и культуры / art news
Итальянская полиция раскрыла крупномасштабную общеевропейскую сеть изготовителей подделок произведений искусства, занимавшуюся созданием работ Бэнкси, Энди Уорхола, Пабло Пикассо и других художников. В ходе расследования арестовано 38 человек в Италии, Испании, Франции и Бельгии. Подозреваемым предъявлены обвинения в сговоре с целью торговли крадеными товарами, подделки и незаконной продажи произведений искусства. По словам следователей, изъято более 2100 поддельных произведений искусства потенциальной рыночной стоимостью около €200 млн и обнаружено шесть мастерских по изготовлению работ, в том числе в Тоскане, Венеции, а также в разных странах Европы.
Расследование началось в 2023 году, когда полиция изъяла около двухсот фальшивых работ из коллекции бизнесмена в Пизе, включая копию рисунка Амедео Модильяни. Подделки распространялись через итальянские аукционные дома. Чтобы «отмыть» работы, преступники организовали две выставки Бэнкси с опубликованным каталогом на престижных площадках в Местре недалеко от Венеции и Кортоне в Тоскане.
источник
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
"Закрытые глаза"
1890 г.
Одилон Редон
Музей д’Орсе, Париж.
«Некоторые люди решительно хотят свести работу художника к изображению того, что он видит. Те, кто остаются в пределах этих узких рамок, ставят перед собой невысокую цель. Старые мастера доказали, что художник, выработавший собственный язык и заимствовавший у природы необходимые средства выражения, - обретает свободу и законное право черпать свои сюжеты из истории, из поэзии, из своего собственного воображения...», - говорил Одилон Редон. Он был ровесником большинства импрессионистов, ценил талант художников-революционеров, но искренне считал «потолок их искусства слишком низким» для себя. Потому что писать только то, что видишь глазами, - бессмысленно. Глаза – лишь один из способов видеть мир, причем самый простой.
@pic_history
1890 г.
Одилон Редон
Музей д’Орсе, Париж.
«Некоторые люди решительно хотят свести работу художника к изображению того, что он видит. Те, кто остаются в пределах этих узких рамок, ставят перед собой невысокую цель. Старые мастера доказали, что художник, выработавший собственный язык и заимствовавший у природы необходимые средства выражения, - обретает свободу и законное право черпать свои сюжеты из истории, из поэзии, из своего собственного воображения...», - говорил Одилон Редон. Он был ровесником большинства импрессионистов, ценил талант художников-революционеров, но искренне считал «потолок их искусства слишком низким» для себя. Потому что писать только то, что видишь глазами, - бессмысленно. Глаза – лишь один из способов видеть мир, причем самый простой.
@pic_history
Глаза – любимый физиологический символ Редона. Глаза сами по себе, плавающие в пространстве, глаз, парящий как воздушный шар, в небе, глаз-призрак, предстающий крошечным героям в замковой арке. Глаза разного размера у одержимых какой-то страстью героев. Трогательно созерцательный циклоп, панически испуганные глаза яйца, зажатого в подставке. Наконец, закрытые глаза. Ничего еще не видившие или уже насмотревшиеся? Уснувшие или еще не проснувшиеся?
У Одилона Редона несколько работ с таким названием. После двадцати черно-белых лет он начинает работать с маслом и пастелью – и переписывает, расцвечивает некоторые из собственных литографий. Живописный вариант «Закрытых глаз» хранится сейчас в Музее Орсе: тонкая полупрозрачная красочная поверхность, сквозь которую проступает плетение холста, сдержанная и почти не цветная. Мираж. Эта картина в точности повторяет литографию Редона и очень схожа по композиции с его же работой, которая хранится в Музее Ван Гога и которую в свое время купил у художника Тео Ван Гог. Наконец, еще одни «Закрытые глаза» находятся в частной коллекции. Взгляд, обращенный не на мир, а внутрь, к собственному сознанию, повторяется у Редона постоянно: он пишет так и Богоматерь, и Будду. Старых, огромных богов, посетивших видимый мир.
Образы, рожденные воображением, были для Редона так же реальны, как ветра и грозы, как штормы и солнечный свет – все то, что невозможно потрогать, но что можно явственно ощутить. Джон Ревалд писал о Редоне: «Редон жил в мире прекрасных и беспокойных грез, неотделимых от действительности. Поскольку они были для него реальностью, он не давал себе труда раскрывать их значение; он стремился лишь выразить их самыми чувственными красками, самыми сильными или самыми тонкими противопоставлениями черного и белого». Ни для мрачных, фантасмагорических нуаров, ни для ярких, шквальных цветных работ Редона нет однозначного толкования и не должно быть. Этот факт невероятно выводил из себя критиков, язвивших о том, что «глаз» на литографии Редона может быть оком Совести, оком Неопределенности или просто булавкой для галстука. Этот же факт невероятно раззадоривал поэтов символистского лагеря искать и формулировать значение образов в работах Редона.
Редон утверждал, что не вкладывал в картины определенного смысла, но и не возражал и даже ждал, что эти смыслы будет искать сам зритель. Он говорил: «Мои работы вдохновляют, но не обозначают сами себя. Они ничего не называют. Подобно музыке они переносят нас в мир многозначный и неопределенный».
@pic_history
#ОдилонРедон #Портрет #Символизм
У Одилона Редона несколько работ с таким названием. После двадцати черно-белых лет он начинает работать с маслом и пастелью – и переписывает, расцвечивает некоторые из собственных литографий. Живописный вариант «Закрытых глаз» хранится сейчас в Музее Орсе: тонкая полупрозрачная красочная поверхность, сквозь которую проступает плетение холста, сдержанная и почти не цветная. Мираж. Эта картина в точности повторяет литографию Редона и очень схожа по композиции с его же работой, которая хранится в Музее Ван Гога и которую в свое время купил у художника Тео Ван Гог. Наконец, еще одни «Закрытые глаза» находятся в частной коллекции. Взгляд, обращенный не на мир, а внутрь, к собственному сознанию, повторяется у Редона постоянно: он пишет так и Богоматерь, и Будду. Старых, огромных богов, посетивших видимый мир.
Образы, рожденные воображением, были для Редона так же реальны, как ветра и грозы, как штормы и солнечный свет – все то, что невозможно потрогать, но что можно явственно ощутить. Джон Ревалд писал о Редоне: «Редон жил в мире прекрасных и беспокойных грез, неотделимых от действительности. Поскольку они были для него реальностью, он не давал себе труда раскрывать их значение; он стремился лишь выразить их самыми чувственными красками, самыми сильными или самыми тонкими противопоставлениями черного и белого». Ни для мрачных, фантасмагорических нуаров, ни для ярких, шквальных цветных работ Редона нет однозначного толкования и не должно быть. Этот факт невероятно выводил из себя критиков, язвивших о том, что «глаз» на литографии Редона может быть оком Совести, оком Неопределенности или просто булавкой для галстука. Этот же факт невероятно раззадоривал поэтов символистского лагеря искать и формулировать значение образов в работах Редона.
Редон утверждал, что не вкладывал в картины определенного смысла, но и не возражал и даже ждал, что эти смыслы будет искать сам зритель. Он говорил: «Мои работы вдохновляют, но не обозначают сами себя. Они ничего не называют. Подобно музыке они переносят нас в мир многозначный и неопределенный».
@pic_history
#ОдилонРедон #Портрет #Символизм