"Едоки гороха"
1620-е
Жорж де Латур
Берлинская картинная галерея.
В 1975-м году в одном из провинциальных швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины. На одной из них изображалась колоритная старуха в сером платье и белом платке. На другой – пожилой мужчина в красной одежде и с деревянным посохом. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен.
@pic_history
1620-е
Жорж де Латур
Берлинская картинная галерея.
В 1975-м году в одном из провинциальных швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины. На одной из них изображалась колоритная старуха в сером платье и белом платке. На другой – пожилой мужчина в красной одежде и с деревянным посохом. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен.
@pic_history
Сразу же предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного?
Ответ пришел из Нанси – административной столицы округа Лотарингия. В их городском музее, действительно, имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Обнаружить подлинник и установить авторство – в мире искусства и то, и другое является крупными удачами. Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.
По всей вероятности, мы видим на картине странствующих нищих – на это может указывать посох старика и другие детали облика героев: ветхая одежда, грязные ногти, засаленный, давно не знавший стирки платок на шее старухи. Если это предположение верно, то, скорее всего, миска гороха получена героями в качестве подаяния. Старики берут горох горстями, серьёзно и сосредоточено, как будто выполняют важное дело, однако не без удовольствия – обратите внимание на отсутствующий взгляд старухи или на лоснящиеся жирным блеском губы её спутника.
Проводились параллели между картиной «Едоки гороха» и одиночными портретами старика и старухи, представленными сейчас в Музее изящных искусств Сан-Франциско. Скорее всего, это парные работы, но даже объединение их вместе ничего бы не прибавило к смыслу: старик и старуха из Сан-Франциско выглядят отдельными заготовками к сюжетным картинам, к каким-нибудь неизвестным многофигурным жанровым композициям, в то время как берлинские «Едоки гороха» – законченное произведение, шедевр. Вот только в чём смысл, в чем суть художественного месседжа Латура?
Искусствоведы справедливо сомневаются, что «Едоки гороха» Латура – обыкновенная жанровая сцена. Как известно, жанровые сцены бывают двух основных типов: первый можно назвать сатирическим или юмористическим, второй – драматическим. В любом случае, жанр в живописи подразумевает выраженную авторскую оценку, осуждение или сочувствие. Но в «Едоках гороха» нет ни смешного, ни патетического. Де Латур смотрит на своих героев без осуждения и без жалости. Он кажется беспристрастным, как судебный пристав. Недаром художник и скульптор Андре Лот назвал де Латура «первым французским сюрреалистом». Его «Едоки гороха» – это, скорее, беспощадное размышление о бедности и старости, лишённое даже намека на дешёвые сантименты.
@pic_history
#ЖоржДеЛатур #Барокко
Ответ пришел из Нанси – административной столицы округа Лотарингия. В их городском музее, действительно, имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Обнаружить подлинник и установить авторство – в мире искусства и то, и другое является крупными удачами. Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.
По всей вероятности, мы видим на картине странствующих нищих – на это может указывать посох старика и другие детали облика героев: ветхая одежда, грязные ногти, засаленный, давно не знавший стирки платок на шее старухи. Если это предположение верно, то, скорее всего, миска гороха получена героями в качестве подаяния. Старики берут горох горстями, серьёзно и сосредоточено, как будто выполняют важное дело, однако не без удовольствия – обратите внимание на отсутствующий взгляд старухи или на лоснящиеся жирным блеском губы её спутника.
Проводились параллели между картиной «Едоки гороха» и одиночными портретами старика и старухи, представленными сейчас в Музее изящных искусств Сан-Франциско. Скорее всего, это парные работы, но даже объединение их вместе ничего бы не прибавило к смыслу: старик и старуха из Сан-Франциско выглядят отдельными заготовками к сюжетным картинам, к каким-нибудь неизвестным многофигурным жанровым композициям, в то время как берлинские «Едоки гороха» – законченное произведение, шедевр. Вот только в чём смысл, в чем суть художественного месседжа Латура?
Искусствоведы справедливо сомневаются, что «Едоки гороха» Латура – обыкновенная жанровая сцена. Как известно, жанровые сцены бывают двух основных типов: первый можно назвать сатирическим или юмористическим, второй – драматическим. В любом случае, жанр в живописи подразумевает выраженную авторскую оценку, осуждение или сочувствие. Но в «Едоках гороха» нет ни смешного, ни патетического. Де Латур смотрит на своих героев без осуждения и без жалости. Он кажется беспристрастным, как судебный пристав. Недаром художник и скульптор Андре Лот назвал де Латура «первым французским сюрреалистом». Его «Едоки гороха» – это, скорее, беспощадное размышление о бедности и старости, лишённое даже намека на дешёвые сантименты.
@pic_history
#ЖоржДеЛатур #Барокко
"Дом среди роз"
1925 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
"Возможно, именно цветам я обязан тем, что стал художником."
@pic_history
1925 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
"Возможно, именно цветам я обязан тем, что стал художником."
@pic_history
Тайна небрежной реставрации
В 1960 году, иллюстратор комиксов Дональд Трахте из Вермонта купил за 900 долларов картину у своего соседа, художника Нормана Роквелла. Эта картина по названию «Покидая отчий дом» была показана на обложке журнала Saturday Evening Post в 1954 году.
После того, как Трахте умер в 2005 году в возрасте 89 лет, его семейные и художественные эксперты не могли понять, почему у картины в доме Трахте было так много отличий от ее снимка на обложке Saturday Evening Post.
Сначала эксперты предположили, что картина хранилась в плохих условиях и была небрежно реставрирована. Но в конце концов они поняли, что картину не восстанавливали. Убедившись, что они имеют дело с подделкой, взрослые сыновья Трахте решили обыскать мастерскую своего отца. Один из мужчин заметил дырку в деревянной обшивке комнаты. Они разобрали фальшивую стену и обнаружили потайную комнату с подлинной картиной Роквелла.
Теперь считается, что Трахте подделал картину около 1973 года во время развода. Оригинал был продан на аукционе за $ 15,4 млн в 2006 году.
В 1960 году, иллюстратор комиксов Дональд Трахте из Вермонта купил за 900 долларов картину у своего соседа, художника Нормана Роквелла. Эта картина по названию «Покидая отчий дом» была показана на обложке журнала Saturday Evening Post в 1954 году.
После того, как Трахте умер в 2005 году в возрасте 89 лет, его семейные и художественные эксперты не могли понять, почему у картины в доме Трахте было так много отличий от ее снимка на обложке Saturday Evening Post.
Сначала эксперты предположили, что картина хранилась в плохих условиях и была небрежно реставрирована. Но в конце концов они поняли, что картину не восстанавливали. Убедившись, что они имеют дело с подделкой, взрослые сыновья Трахте решили обыскать мастерскую своего отца. Один из мужчин заметил дырку в деревянной обшивке комнаты. Они разобрали фальшивую стену и обнаружили потайную комнату с подлинной картиной Роквелла.
Теперь считается, что Трахте подделал картину около 1973 года во время развода. Оригинал был продан на аукционе за $ 15,4 млн в 2006 году.
«Как старики поют, так молодая дудка и играет»
1670 г.
Ян Стен
Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага.
«Как старики поют, так молодая дудка и играет» – дословный перевод голландской пословицы «Soo d'ouden songen, soo pepen de jongen». Наиболее точно ей соответствуют русские поговорки «Яблоко от яблони недалеко падает» и «Дурной пример заразителен».
@pic_history
1670 г.
Ян Стен
Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага.
«Как старики поют, так молодая дудка и играет» – дословный перевод голландской пословицы «Soo d'ouden songen, soo pepen de jongen». Наиболее точно ей соответствуют русские поговорки «Яблоко от яблони недалеко падает» и «Дурной пример заразителен».
@pic_history
Ян Стен, решив проиллюстрировать эту пословицу в конце 1660-х, позаимствовал идею трёх поколений у своего фламандского предшественника Якоба Йорданса, который написал аналогичную сцену тридцатью годами ранее. Голландец также адаптировал некоторые детали с работы коллеги, например, мать с ребёнком на руках, волынщика и поющую бабушку с пенсне на носу. Скорее всего, он видел гравюру по картине Йорданса. Однако если у того персонажи вокруг стола всё же выглядят пристойными, то у Стена семейство явно распутное.
В центре застолья находится мать с младенцем на руках. Слева от неё боком сидит смеющийся старик в головном уборе, который отцы обычно надевали на крещение своих детей. Но ребёнок слишком взрослый, чтобы быть недавно крещённым, а мужчина не в том возрасте, чтобы быть новоявленным отцом. Здесь художник показывает некий извращённый мир, о чём также свидетельствует поведение родителей.
Взрослые без зазрения совести передают свои плохие привычки детям. Томно развалившаяся дама с полураскрытым декольте ждёт, пока стоящий юноша вновь наполнит ей бокал. Жаровня с углями под её ногами содержит сексуальный подтекст. Мужчина справа учит маленького сына курить, заходясь от хохота. То, что Стен высмеял в этом персонаже себя, делает сцену ещё более комичной. Сидящий на жёрдочке попугай в левом верхнем углу намекает, что дети повторяют всё, что видят и слышат.
В обеих картинах дополнительным персонажем является собака. Но если у Йорданса пёс, навострив уши, внимательно слушает пение семьи, но значение животного на полотне Яна Стена не до конца понятно. Его внимание сосредоточено не на людях, а на чём-то вне сцены.
Как и его фламандский предшественник, голландец также включил поговорку в повествование. На его картине фраза написана на листе, который держит в руке бабушка.
@pic_history
#ЯнСтен #Барокко
В центре застолья находится мать с младенцем на руках. Слева от неё боком сидит смеющийся старик в головном уборе, который отцы обычно надевали на крещение своих детей. Но ребёнок слишком взрослый, чтобы быть недавно крещённым, а мужчина не в том возрасте, чтобы быть новоявленным отцом. Здесь художник показывает некий извращённый мир, о чём также свидетельствует поведение родителей.
Взрослые без зазрения совести передают свои плохие привычки детям. Томно развалившаяся дама с полураскрытым декольте ждёт, пока стоящий юноша вновь наполнит ей бокал. Жаровня с углями под её ногами содержит сексуальный подтекст. Мужчина справа учит маленького сына курить, заходясь от хохота. То, что Стен высмеял в этом персонаже себя, делает сцену ещё более комичной. Сидящий на жёрдочке попугай в левом верхнем углу намекает, что дети повторяют всё, что видят и слышат.
В обеих картинах дополнительным персонажем является собака. Но если у Йорданса пёс, навострив уши, внимательно слушает пение семьи, но значение животного на полотне Яна Стена не до конца понятно. Его внимание сосредоточено не на людях, а на чём-то вне сцены.
Как и его фламандский предшественник, голландец также включил поговорку в повествование. На его картине фраза написана на листе, который держит в руке бабушка.
@pic_history
#ЯнСтен #Барокко
"Бурное море"
1868 г.
Иван Константинович Айвазовский
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
1868 г.
Иван Константинович Айвазовский
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
Как выглядели в реальной жизни женщины со знаменитых портретов? Адель-Блох Бауэр.
До недавнего времени «Золотую Адель», называли «венской Моной Лизой» или символом Австрии, а толпы туристов стремились в Венскую Галерею только затем, чтобы увидеть своими глазами прекрасную картину, переливающуюся золотом.
Портрет Адель-Блох Бауэр Густав Климт написал в 1907 году, на тот момент ей было 26 лет. Портрет был заказан ее мужем, «сахарным королем» Европы, Фердинандом Бауэром.
В замужестве Адель развлекала себя тем, что собирала пышные культурные вечера, где были поэты, художники и весь цвет светского общества Вены. Именно там она и познакомилась с художником. Густав Климт был модным и востребованным мастером, новатором, не желавшим придерживаться традиций прошлого в своем искусстве.
Пожеланием мужа было, чтобы портрет просуществовал несколько веков. Было ясно, что картина станет не только превосходным вложением капитала, но и чем-то особенным. Климт написал около ста эскизов и закончил работу за четыре года.
@pic_history
До недавнего времени «Золотую Адель», называли «венской Моной Лизой» или символом Австрии, а толпы туристов стремились в Венскую Галерею только затем, чтобы увидеть своими глазами прекрасную картину, переливающуюся золотом.
Портрет Адель-Блох Бауэр Густав Климт написал в 1907 году, на тот момент ей было 26 лет. Портрет был заказан ее мужем, «сахарным королем» Европы, Фердинандом Бауэром.
В замужестве Адель развлекала себя тем, что собирала пышные культурные вечера, где были поэты, художники и весь цвет светского общества Вены. Именно там она и познакомилась с художником. Густав Климт был модным и востребованным мастером, новатором, не желавшим придерживаться традиций прошлого в своем искусстве.
Пожеланием мужа было, чтобы портрет просуществовал несколько веков. Было ясно, что картина станет не только превосходным вложением капитала, но и чем-то особенным. Климт написал около ста эскизов и закончил работу за четыре года.
@pic_history
Кто автор картины «Да здравствует жизнь!»?
Anonymous Quiz
17%
Наталья Гончарова
19%
Анри Руссо
64%
Фрида Кало
"Мир Кристины"
1948 г.
Эндрю Уайет
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Эндрю Уайета никак не назовешь автором одного шлягера. Он был чрезвычайно плодовитым художником. Он работал как одержимый. Он сделал весомый вклад в историю американской живописи, в известной степени он история американской живописи и есть.
И все же есть в его послужном списке картина, которая стоит особняком, несколько возвышаясь над всем остальным. Как «Yesterday» в творчестве «The Beatles» или «Гражданин Кейн» в фильмографии Орсона Уэллса.
@pic_history
1948 г.
Эндрю Уайет
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Эндрю Уайета никак не назовешь автором одного шлягера. Он был чрезвычайно плодовитым художником. Он работал как одержимый. Он сделал весомый вклад в историю американской живописи, в известной степени он история американской живописи и есть.
И все же есть в его послужном списке картина, которая стоит особняком, несколько возвышаясь над всем остальным. Как «Yesterday» в творчестве «The Beatles» или «Гражданин Кейн» в фильмографии Орсона Уэллса.
@pic_history
Небо, девушка, поле. Летний ветер играет с выбившейся из прически прядью – на первый взгляд, «Мир Кристины» может показаться пасторалью. Но приглядевшись внимательнее, вы, конечно, заметите, что худоба героини – болезненна, а в ее позе угадывается отнюдь не буколическое напряжение.
Это – Кристина Олсон, соседка художника по летнему дому в штате Мэн. Кристина страдала от последствий полиомиелита и была частично парализована. Будучи то ли слишком скромной, то ли слишком гордой для того, чтобы просить кого-то толкать инвалидное кресло, она передвигалась по окрестностям самостоятельно. Обманчиво идиллический мир Кристины, на самом деле, полон страдания и несгибаемой воли. Эндрю Уайета не зря сравнивают с лучшими американскими романистами двадцатого века. Он раньше Сэлинджера понял, что если есть рожь, должна быть и пропасть.
Когда Уайет работал над «Миром Кристины», его роман с акварелью практически сошел на нет. Эндрю сделал выбор в пользу темперных красок, неспешной, почти медитативной техники, которая помогала обуздать порывистый темперамент, располагала к проникновению в суть вещей. Биограф Уайета Ричард Меримен однажды сказал: «Обманчиво гладкий покров темперы был для него как крышка на котле, из которого рвутся эмоции».
Уайет не торопился – поле и постройки вдали он писал в течение четырех месяцев. И все это время боролся с искушением обойтись без Кристины: виртуоз недосказанностей, он хотел, чтобы драма едва угадывалась за благостным пейзажем. «Нужно было обойтись вообще без девушки, - скажет он позднее, - слишком много сюжета».
К слову, «девушке» к тому времени исполнилось 55, и в образе Кристины Уайету позировала его жена Бетси.
Впервые картина «Мир Кристины» была выставлена в нью-йоркской Macbeth Gallery в 1948 году. Публика и критики встретили ее прохладно. В конце концов, полотно купил директор Музея современного искусства Альфред Барр. Один из самых узнаваемых живописных шедевров в истории человечества обошелся ему в 1800 долларов.
Прошли десятилетия, прежде чем «Мир Кристины» в англоязычной прессе стали поминать в соседстве с определением «iconic», своеобразные «цитаты» из нее появились в книгах Стивена Кинга и фильмах Роберта Земекиса, а само полотно превратилось в универсальную метафору долгой и тернистой дороги домой.
@pic_history
#ЭндрюУайет
Это – Кристина Олсон, соседка художника по летнему дому в штате Мэн. Кристина страдала от последствий полиомиелита и была частично парализована. Будучи то ли слишком скромной, то ли слишком гордой для того, чтобы просить кого-то толкать инвалидное кресло, она передвигалась по окрестностям самостоятельно. Обманчиво идиллический мир Кристины, на самом деле, полон страдания и несгибаемой воли. Эндрю Уайета не зря сравнивают с лучшими американскими романистами двадцатого века. Он раньше Сэлинджера понял, что если есть рожь, должна быть и пропасть.
Когда Уайет работал над «Миром Кристины», его роман с акварелью практически сошел на нет. Эндрю сделал выбор в пользу темперных красок, неспешной, почти медитативной техники, которая помогала обуздать порывистый темперамент, располагала к проникновению в суть вещей. Биограф Уайета Ричард Меримен однажды сказал: «Обманчиво гладкий покров темперы был для него как крышка на котле, из которого рвутся эмоции».
Уайет не торопился – поле и постройки вдали он писал в течение четырех месяцев. И все это время боролся с искушением обойтись без Кристины: виртуоз недосказанностей, он хотел, чтобы драма едва угадывалась за благостным пейзажем. «Нужно было обойтись вообще без девушки, - скажет он позднее, - слишком много сюжета».
К слову, «девушке» к тому времени исполнилось 55, и в образе Кристины Уайету позировала его жена Бетси.
Впервые картина «Мир Кристины» была выставлена в нью-йоркской Macbeth Gallery в 1948 году. Публика и критики встретили ее прохладно. В конце концов, полотно купил директор Музея современного искусства Альфред Барр. Один из самых узнаваемых живописных шедевров в истории человечества обошелся ему в 1800 долларов.
Прошли десятилетия, прежде чем «Мир Кристины» в англоязычной прессе стали поминать в соседстве с определением «iconic», своеобразные «цитаты» из нее появились в книгах Стивена Кинга и фильмах Роберта Земекиса, а само полотно превратилось в универсальную метафору долгой и тернистой дороги домой.
@pic_history
#ЭндрюУайет
"Яркие глаза. Портрет Ефимии "Эффи" Грей"
1877 г.
Джон Эверетт Милле
Абердинская художественная галерея, Эбердин.
@pic_history
1877 г.
Джон Эверетт Милле
Абердинская художественная галерея, Эбердин.
@pic_history