Бюро крутые, сам бы написал, но бэклог текстов длиннющий скопился. Насыщенный сутью и позитивом альбом

https://xn--r1a.website/music0107/14346

Энн Хэтэуэй поет песни Чарли, Джека Антоноффа и Твигс в саундтреке к фильму А24 «Мать Мария». С поправкой на небольшую перепродюсированность звучит очень хорошо — 25 минут дарк-попа с узнаваемыми сонграйтерскими приемами про тьму, сохранение сакральной невинности и кровь.

В последние годы у нас было несколько примеров в кино, где пробовали создать поп-звезд («Вокс люкс» и «Ловушка», например). По части музыки «Мать Мария» лучшая из них, просто потому что это не сторонний взгляд на индустрию, а цельный материал от ключевых звезд нашего времени. Причем все трое продолжают держать одну ногу на территории независимой сцены. Получился плотный и альтушный EP на стиле и пафосе. Саундтрек «Грозового перевала» интереснее, смелее и богаче, но и эмоции покрывает другие.

Только за это режиссеру Дэвиду Лоури («История призрака», «Зеленый рыцарь») отдам должное. Вне фильма слушается отлично, надеюсь, что и история не подведет и перфомансы будут яркими. Кстати, последние вдохновлены туром Reputation Свифт, так что интересный синтез миров произойдет.

«Мать Мария» вышла на прошлой неделе в США, вполне может доехать до РФ, но в цифре, вероятно, появится быстрее. Судя по всему, это последний поп-материал от Чарли в ближайшее время, т.к. она сейчас рассказывает, что танцпол мертв, поэтому пишет рок-альбом. Ренессанс жанра давно произошел, но впереди, кажется, мейнстримный пик + Свифт наверняка теперь тоже что-то запишет с гитарами (давным давно жду).

Mother Mary: Greatest Hits

Spotify • Apple • VK

Поэтесса и востребованная инди-звездочка Арло Паркс (работала с Бейонсе) словила свой Everything But The Girl момент. Она впервые ушла от живых инструментов и решила изучить, как там люди рейвятся — начала тусить по полдня в клубах и диджеить. Но вместо бурной записи с техно-треками по 7 минут она записала стильное даунтемпо, которому прощаешь провис по хитовости за четкое понимание собственной сути.

Каждый альбом Арло кардинально меняет звучание, но сохраняет свою врожденную нежность и умиротворение. Ее песни всегда очень теплые, независимо от того, сочиняет она в джазовом лаунже или на танцполе. Ambiguous Desire ярче других релизов раскрывает ее метод: здесь глубокие биты (пришлось даже убавить силу басов в наушниках), но бьются они не с удвоенной частотой сердца, а скорее погружают в транс. При этом окружающие звуки сделаны и сотканы так изящно, что порой хочется присвоить жанровый тэг «софисти-поп» — украшательства здесь много. Очень ждал от Ambiguous Desire таких же мощных песен, как синглы 2SIDED и Heaven, но главное здесь все же вайб.

Вот слушаешь Арло и не думаешь ни о каком культурном следе — она пишет хорошие маленькие альбомы для ежедневной жизни. Но на третьем полноформатнике точно уже можно сказать, что Паркс чувствует тренды. Ее первый (и лучший) альбом Collapsed In Sunbeams звучит современно за счет живого камерного звука, который подчеркивает поэтику артистки. На My Soft Machine цельного характера нет, но зато Арло показала, что неплохо умеет в разные востребованные стили и это тоже сегодня важно. Теперь она идет по следам всех, кого затянуло в клубы, и сумела показать свой взгляд на эту культуру. В отличие от Tame Impala ее попытка не выглядит как туризм, а показывает личное осмысление.

Arlo Parks — Ambiguous Desire

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

Сооснователь Chvrches Мартин Доэрти и лайв-ударник группы Джонатан Скотт собрали проект The Leaving. И сразу могу сказать, что он окажется в моем топе года.

Ultimate Buzz это концентрация эйфорической альтернативы. Всего 8 песен, и каждая на своем месте: иногда это немножко дэнс-панк или индастриал, порой синт-поп или поп-рок. Но треки крепко держатся вместе и принадлежат одному миру. В каждом есть электрогитара, и ее соло-партиям отведено центральное место, вокруг же — плотное электронное сплетение из множества синтов, в том числе кричащих и колючих. Звук прямиком из праймовой инди-музыки нулевых, которая играла на саундтреках. Сюрреалистичный визуальный стиль с дымкой, слегка поминающий choke enough, тоже заряжен на родное узнавание. Но едва ли это ностальгическая музыка — скорее та, по которой я сильно соскучился и готов взять с собой в будущее.

Проект возник в период, когда Лорен Мэйберри и Иен Кук взяли год на сольную деятельность, так что Доэрти и Скотту тоже пришлось что-то думать. Впервые за долгое время они оказались предоставлены сами себе. Кроме того, Мартин пережил смерть отца, а Джонатан просто говорит, что жизнь у него разваливалась. Они вдвоем и так много работали вместе, но сейчас впервые дали волю своей химии. В результате вышел эмоциональный альбом про одиночество и преодоление чувства изоляции, заряженный катарсисом.

Нельзя не сказать и про вокал Доэрти. В Chvrches он поет редко и зачастую нежные песни, тут у него главная роль. И пускай Мартин не самый харизматичный фронтмен, к его голосу мы давно привыкли. Сейчас он наконец-то смог развить свой диапазон — и в нем оказалось много энергии, которая соответствует разным настроениям.

Дуэт сумел мощно отстроиться от Chvrches. У них нет студийного лоска, звук часто (в хорошем смысле) перегружен кучей инструментальных дорожек, а покрываемые эмоции совсем другие. Но танцевальности и витальности в их проекте не меньше, просто если основная группа это хедлайнер фестиваля, то The Leaving — крутейший разогрев с громадным потенциалом.

Параллельно Доэрти пушит пятый альбом Chvrches, называя его самым бесстрашным (он почти готов). Но и новый проект не называет сайдом. Судя по всему, одним альбомом дело не ограничится — для обоих проект стал отдушиной. Они записали много материала, и уже собирают новые идеи.

The Leaving — Ultimate Buzz

Spotify • Apple • YouTube

Если хотите понять, как звучит актуальный инди-рок на западе последние годы, включайте второй альбом Friko. Базовый и аскетичный, но в то же время вычурный и экспрессивный.

Something Worth Waiting For записали буквально за две недели под руководством большого продюсера Джона Конглтона. Он делает простую вещь — позволяет группам звучать так, как они должны, это видно по The Murder Capital, Shame и Wallows. Friko он помог сделать музыку более живой.

С первых же минут альбома понимаешь, кто перед тобой находится — энергичные парни, которые любят музыку погромче и без всего лишнего. Шумные кульминации шумят, от барочных баллад не хочешь ничего свыше клавишных переборов (магия), а в 3-минутных песнях чувствуется постоянная микродинамика.

Все аранжировки написал фронтмен Нико Капетан, он же забирает внимание своим нервным и эмоционирующим каждую секунду вокалом. И все же альбом ощущается компанейским — иногда хочется кричать вместе с кем-то, как в практически костровой акустике Seven Degrees, а зачастую просто видишь перед собой друзей в одной комнате. Есть в нем что-то душевное между аккордами, плотная связь и синергия, тотально неуловимая. Именно она заставила меня послушать альбом 4 раза. Первый релиз я так и не дослушал.

Квартет молодых парней исполнил мечту и начал зарабатывать деньги на музыке, и отчего-то все хочет куда-то на чем-то сбежать, будь то поезд, воздушный шар или же велик. Но, кажется, это не тоска по дому, а тяга к постоянному приключению и зов дороги.

Friko — Something Worth Waiting For

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

Обожаю The Maine, каждый их альбом прописывается в моей годовой ротации. Но это не та группа, про которую всегда интересно говорить. Они построили себе бренд, спокойно живут, делают бизнес, часто выпускают релизы, каждый раз они отличаются достаточно заметно друг от друга. И все же они сильно между собой похожи.

Сейчас вышел уже десятый их LP. По замыслу он должен быть мечтательным и эфемерным. Иногда это заметно: заглавная песня Joy Next Door настоящий дрип-поп, вокал в Palms растворяется в бэкграунде, да и в целом инструменты звучат мягче. Но в то же время это все те же The Maine с легкими и давно знакомыми песнями.

Самое интересное в Joy Next Door скрывается внутри. Тема альбома — привыкание к спокойной жизни и выгорание от нее. У фронтмена Джон О'Каллахана есть жена и дети, группа, которая уже давно заработала свой статус и не переживает новых взлетов. Все драмы вроде бы кончились, но какая-то часть тоскует по ним, потому что они-то и делали жизнь интересной. В такой обстановке он учится ценить спокойствие, находить легкость (в том числе через звук) — и влюбляться заново в одного и того же человека.

Новый альбом вышел не таким уж сильным, но все равно симпатичный. Для знакомства с группой рекомендую поп-панковый American Candy (2015), надрывной и оркестровый You Are OK (2019) и эклектичный одноименник (2023). На месте группа никогда не стояла и продолжает куда-то идти, но хочется побольше музыкальных амбиций и забыть про гиммики из 2017-го.

The Maine — Joy Next Door

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

Текст про второй альбом Kneecap не влез в пост, пришлось оформить в статью.

https://telegra.ph/KNEECAP--FENIAN-05-05

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

«Basement уже вернулись?», — стабильно раз в год задавался я вопросом на протяжении 8 лет. Слишком сильно я полюбил их прошлый альбом Beside Myself — классический и прямой поп-панк, который я не «перерос» благодаря эмоциональному ядру и экзистенциальным вопросам. Сегодня Basement наконец-то вернулись — как же мне их не хватало.

От пятого альбома группы я ждал пару простых вещей: настоявшиеся на опыте припевы и незамысловатые высокие риффы. Все это на месте, как и вечно юношеский вокал Эндрю Фишера. Но группа пошла чуть дальше и расширила палитру с помощью продюсера Джона Конглтона (спасибо ему еще раз за новых Friko). Здесь есть жирная бас-гитара, которая особенно выигрышно звучит на контрасте с драйвовым корусом Pick Up The Pieces, игры с темпом в Deadweight, будто бы сшитая из ранней и поздней эпох заглавная песня, ну и красивые полуакустические песни для баланса. Опять скажу, что Конглтон позволяет группам звучать так, как они должны звучать в своем естественном виде, и для Basement это особенно справедливо. Вроде ничего хитрого, но динамика так грамотно построена, что слушать каждую песню просто здорово.

Альбом подается как возвращение к началу десятых, когда Basement были рядом с эмокором, но здесь никто не кричит и переживания не такие оглушающие (хотя Фишер и надрывается порой). Если товарищи по сцене Citizen без устали ищут выход своей энергии в новых звучаниях, то Basement продолжают быть «голой» группой из пяти человек, которым больше ничего не нужно.

WIRED продолжает их интроспективную историю, которую хочется слушать одному в наушниках. Ничего не говорю про их лайвы, там другое — студийный же вариант они как будто пишут для тех людей, которые когда-то ходили на концерты и сейчас вспоминают о том, как это было круто. На концерты я и в 2018-м ходил, и сейчас хожу, но вот неуловимая тоска по чему-то, чего даже назвать порой не можешь, всегда казалась родной. И WIRED тоже кажется родным.

Группа пережила уже второй хиатус, и второй раз они набрали популярность, ничего для этого не делая. В первый раз они пропустили момент, когда их альбом Colourmeinkindness (2012) стал коммерческим успехом, потому что фронтмен захотел отучиться на преподавателя и полтора года работал в школе. Второй раз случился пару лет назад: у них завирусилась песня Covet (с того же альбома) и привела новую кровь. Сейчас у Basement 2,5 млн слушателей, и концертные тусовки с Turnstile. После 8-летнего перерыва.

Фанатам Militarie Gun точно зайдет.

Basement — WIRED

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

I'm going back to 505

Тори Эймос напомнила про такой редкий сейчас жанр, как фортепианные альбомы. Причем клавиши в них вовсе не означают только слезливые баллады или скуку. Восемнадцатый полноформатник великой артистки это артефакт прошедшей эпохи, который не стесняется быть несовременным. In Times of Dragons избыточен (76 минут), буквален в образах (демократия против тирании) и сумбурен (Эймос добавляла песни до последнего момента). Но fuck it — ей можно.

Самое главное — за пять лет перерыва от «серьезного» материала Тори набрала много отличных разных песен. Зловещая Shush, в которой напряженная мелодия говорит лучше слов, не отпускает все 6 минут, рокерская Gasoline Girls дает энергии, обнадеживающая Stronger Together становится абсолютным хитом. Мои любимые песни тут Veins и Song of Sorrow — величественные композиции с мощным эмоциональным выхлопом.

Когда видишь альбом почти на полтора часа, чаще всего хочется держаться от него подальше. Эймос отрабатывает хронометраж и вознаграждает сбалансированным треклистом и концертной атмосферой. Альбом от начала до конца было бы интересно услышать вживую: большинство песен записаны с грохочущим басом и ударной установкой. Унылыми тут с натяжкой можно назвать пару треков, да и то на общем фоне, где навалено много динамики и кульминационных моментов.

В прошлом году Тори выпускала детскую книгу и музыкальный компаньон. In Times of Dragons это сказка для взрослых, где драконы-миллиардеры захватили власть, но их можно свергнуть объединенной человечностью. В основу сюжета легко размышление Эймос о своей жизни: что если бы в молодости она вышла не за звукоинженера Марка Хоули, а за одного из богатых («у меня были варианты», — говорит она). Был бы отстой, что сказать, но в мире все равно остались бы бунтари, которых оставалось бы лишь отыскать.

Одна из таких бунтарей Наташья Хоули — настоящая дочь Эймос. Именно для нее, думаю, Тори в первую очередь и записала альбом с месседжем, что судьба не определена заранее и тревоги, приходящие в возрастом, это нормально. Вместе с этим она как будто сама говорит себе, что дочь уже выросла (ей 25, и она учится на юриста) и признает равной себе, родителю. К тому же Наташья приняла участие в написании трех песен и записала для них бэк-вокал. Это знание меняет восприятие альбома и делает его еще более трогательным.

Tori Amos — In Times Of Dragons

Spotify • Apple • VK

Все дороги ведут в электропоп для женского трио MUNA. Девять лет назад они записали крутой дебют, после чего пытались изменить формулу: добавляли американу и фолк, с переменным успехом играли с песенными формулами. Теперь же они вернулись к началу, но с более зрелым майндсетом. Если коротко: не так хитово, но все равно хорошо.

Не знаю, в какой момент MUNA стали большой группой, а не просто местным альт-поп проектом с лейбла Фиби Бриджерс. Dancing On The Wall весь наэлектризован энергией ночного клуба, где важны не припевы (они есть, но им нужно время, чтобы улечься), а постоянные динамика и движение. Такого они еще не делали — всегда балансировали между сонграйтерскими песнями и яркими вспышками. Сейчас, когда фронтвумен Кэти Гэвин выпустила очень сонграйтерский сольник, группа записала свой самый танцевальный альбом, который можно целиком сыграть на фестивале.

Это все еще музыка от девушек для девушек, про радость быть собой, влюбленности, но теперь с упором на личные границы. Одни песни как раз уделены интрижкам, а другие — их некрологам, где описаны причины смерти вроде иллюзорных ожиданий партнера, собственной неспособности на длительные отношения. Короче, жизнь MUNA происходит на танцполе, в барах, клубах, а после них пока только обыденность и ничего веселого. Да и не все вечеринки стоят того — появилось небольшое ощущение пустоты от статусных и дурацких мероприятий. В моменте им еще хорошо, но какой-то опоры под ногами явно не хватает.

Возможно, из-за этого альбом ощущается переходным, как Saves The World в 2019-м, который следовал после феерии дебютника и не смог найти новый язык. Зато третий одноименный релиз был концентрированным и полным идей. В следующий раз, на пятом альбоме, думаю, будет какой-то скачок вперед, а пока что просто порядочная музыка. Понравилась больше, чем некоторые другие представители жанра в этом году.

Ультимативного хита в этот раз нет, но песня So What с автотюновым рефреном запала довольно глубоко. Грустный дэнс.

MUNA — Dancing On The Wall

Spotify • Apple • Bandcamp • VK

Посмотрел «Мать Марию» с Энн Хэтэуэй. Про песни от Чарли, Джека А. и Твигс писал тут.

Самое важное тут скорректировать ожидания. Это в меньшей степени фильм о поп-звезде и в большей — про отношения двух бывших лучших подруг. Просто одна из них мировая артистка, а вторая всю жизнь делала платья для выступлений подруги.

Весь фильм, по сути, это большой театральный диалог, который разбавляется музыкальными номерами, причем довольно спокойными, не то чтобы зрелищными, но реалистичными и довольно стильными. Безумной хореографии нет, за исключением одной сцены — точно поймете, когда увидите. В остальном тут муд скорее как у медитативного Рефна в «Неоновом демоне».

Индустрия с ее бешеным графиком работы и давлением тоже есть, но дана фоном и в общих чертах. Зато фильм точно даст понять, почему платья так важны для выступлений и медийного образа в целом. Оригинальные песни не эксплуатируются, что очень хорошо. Первые минуты еще кажется, будто включил какой-то клип, но дальше музыкальные дропы используются уместно. У моей фаворитки из саундтрека Cut Ties даже не засветили мощнейшую концовку, где Энн Хэтэуэй кричит.

Если любите абстрактное кино с неприкрытыми метафорами (весь второй час героини только ими и общаются), то получите много удовольствия. Режиссер Дэвид Лоури здорово вплетает сюрреализм и мистику, при этом история остается ногами на земле. Просто по ходу фильма она трансформируется из бытовой в поэтическую.

На «Кинопоиске» рейтинг 5.4, так что думайте, нужен ли вам нишевый экспириенс. Я фильм полюбил и, возможно, занесу в личный топ года.

От пятого альбома тима ищет свет простая мысль: такими и должны быть песни про любовь. Она лечит и спасает, но не избавляет от горя и слез, не выправляет мир, да и вообще найти и сохранить ее трудно. Зато когда она с тобой — это счастье вопреки всему, с которым больше не приходится пить.

«белый альбом» это самый базовый и минималистичный альбом Тимы, но только в сравнении с его же работами. В полчаса укладываются: вестерновая тема, радио-поп, шансон, дэнс-панк, джазовые зарисовки... Куча жанров и элементов умудряются звучать монолитно и не перегружать восприятие. Простым альбом кажется благодаря акустической гитаре, фортепиано, живой ударной установке (битов вообще нет) — основные инструменты, вокруг которых наслаивается все остальное. Да и сонграйтинг стал в хорошем смысле более предсказуемым: этот альбом не хочет впечатлять, как его предшественники, а выкладывает самого себя перед слушателем. Ненавижу слово честный, но оно тут к месту.

Особенно после провокационного, дерзкого и комплексного по всем фронтам «небоскреба, ч.1» разница кажется колоссальной. Порой нужно возвращаться к голому написанию песен на классических инструментах, чтобы оценить настоящие способности и суть за формой. Тима ищет свет и без своей фирменной сказочности, и без плевков в лицо, и без выкрученной театральности остается самобытным талантом. Забавно, что обложка альбома не белая — такая уже есть у «зеркала», которой, кажется, и противопоставлена эта вроде бы пленочная фотография. Ценю, когда после множества надетых масок артист не боится показать себя и показаться обычным человеком.

Пускай это альбом о любви, едва ли он счастливый. Слушаешь песню с рефреном «это просто любовь» и уже думаешь, какая она бесхитростная, а потом чувствуешь горечь — рефрен оказывается скорее аффирмацией, которая стремится зафиксировать ушедшие моменты и грезы. Далеко не всегда любовь кажется заслуженной — часто она просто есть, и все становится неважным. Здесь же строки явно выстраданные и лишенные привычной сладости, но и с надеждой, что «чаще в горе, чем в радости» все же изменится.

Вдобавок к альбому обязательно нужно слушать все прошлогодние синглы. Некоторые с легкостью могли бы войти в альбом, но, видимо, уже и так смогли зажить самостоятельно. Жду парный релиз осенью — или когда для него настанет подходящее время.

тима ищет свет — белый альбом

Spotify • Apple • Yandex • VK

10 лет назад вышел один из важнейших альбомов в моей жизни. Отчасти потому, что мой самый первый опубликованный в соцсетях текст — про пятый альбом The Kills.

Ash & Ice лучше других поздних альбомов проекта показывает зрелость и вес прошедших лет. Элисон Моссхарт и Джейми Хинс попали в дух времени с истеричным Midnight Boom в 2008-м, закрепили коммерческий успех с дорожно-пыльным Blood Pressures в 2011-м и поняли, что продолжать этот путь неинтересно. Именно в 2016-м у них получилось найти новую идентичность: они стали DIY-группой, которая гордится тем, что всю музыку написали два человека за копейки. Как The Kills звучат живьем, так они и звучат на этой записи, не пытаясь скрыться за продюсерскими ухищрениями или богатыми аранжировками.

Вот эта аутентичность и делает Ash & Ice лучшим альбомом дуэта. Не то чтобы они до или после пытались быть кем-то другим, но здесь самопальность выкручена на полную. Напряжение и динамику прежде всего передает электрогитара Хинса, которая по ходу песен становится нервнее и агрессивнее. В принципе, только с ней и одиноким, разочарованным вокалом Моссхарт альбом вышел бы выдающимся. Но здесь есть драм-машина и другие звуковые слои, и они не пытаются создать иллюзию чего-то дорогого.

Из аналогов на ум приходят дебютник the xx и ранние Arab Strap, где ты прямо слышишь, что каждый звук, местами небрежно и неровно, сделан руками музыкантов. Пятый альбом The Kills дает похожее ощущение, но его отличает то, что руки дуэта уже давно были намозолены. Они идеально знают свои способности, на опыте могут воссоздать звук из головы с помощью компьютера и аналоговых примочек. И самое главное — Элисон и Джейми давным давно знают друг друга и пишут песни вместе, вместе поют и работают на одни эмоции. Полная творческая синергия.

Еще у дуэта есть багаж, который делает песни такими болезненными и точными. В интервью они рассказывали про то, что не чувствовали себя частью индустрии, что им всегда нужно зарабатывать на жизнь и заботиться о себе самостоятельно без страховки и стабильной зарплаты. Перед записью альбома Элисон ушла в ретрит для писательниц (она также много рисует), а Джейми поехал по Транссибирской магистрали, так что песня Siberian Night, похоже, напитана тоской бесконечных пространств и глубоких сибирских ночей. В такой трип Хинс поехал после 5-6 операций на руке, из-за чего ему заново нужно было учиться играть на гитаре.

За 10 лет только больше понял, насколько это уникальный альбом.

The Kills — Ash & Ice

Spotify • Apple • Bandcamp • Yandex • VK