Ночные рынки на картинах Петруса ван Шенделя
Бельгийский художник Petrus Van Schendel (1806–1870) начал свою карьеру как портретный и жанровый художник, много работая над историческими и библейскими сюжетами. Однако, по прошествии нескольких лет, он разработал стиль, который сделал его одним из самых популярных романтических живописцев своего времени.
Мастерски выполненные ночные сцены, работ ван Schendel во многом обязаны традициям голландской живописи при свечах семнадцатого века.
Бельгийский художник Petrus Van Schendel (1806–1870) начал свою карьеру как портретный и жанровый художник, много работая над историческими и библейскими сюжетами. Однако, по прошествии нескольких лет, он разработал стиль, который сделал его одним из самых популярных романтических живописцев своего времени.
Мастерски выполненные ночные сцены, работ ван Schendel во многом обязаны традициям голландской живописи при свечах семнадцатого века.
"Наполеон Бонапарт на поле битвы при Эйлау", Антуан-Жан Гро
1807 (1808 гг. Масло на холсте, 521 x 784 см. Музей Лувр, Париж
Antoine-Jean Gros (1771-1835) — французский художник-академист предромантического периода.
Битва при Прейсиш-Эйлау — самая кровавая битва Войны четвёртой коалиции. Произошла 7–8 февраля 1807 года между французскими и российскими войсками на территории Восточной Пруссии.
Сражение носило упорный характер, потери с обеих сторон были значительными ( погибло и было ранено 25 000 человек - до одной трети от первоначальной численности армий). Однако явный победитель не выявился, и каждая из сторон из политических соображений была заинтересована в собственной трактовке события.
Итоги сражения, несмотря на последующий отход русских войск, явились их стратегическим успехом. Активные боевые действия прекратились до мая 1807 года.
На следующий день после битвы он осмотрел поле битвы и был поражен. «Если бы все короли на земле могли увидеть это зрелище», — сказал он, «они были бы менее жадными до войн и завоеваний». Это был момент, выбранный для появления в официальной программе конкурса Виван-Деноном, директором Музея Наполеона. Гро, который участвовал в конкурсе только потому, что его к этому подталкивал Виван-Денон, был выбран среди двадцати пяти других художников. Он получил 16 000 франков за картину, которая была выставлена в Салоне 1808 года.
Император, движущийся вправо, сидит на светло-гнедой лошади и окружен своим штабом; плащ и шляпа, которые он носил при Эйлау, были переданы Гро, который хранил их до своей смерти. Наполеон разговаривает с раненым литовцем, которого тронула гуманность победителя, и ему приписывают слова: «Цезарь даровал мне жизнь; я буду служить вам верой и правдой, как я служил Александру». Напротив Наполеона, на гарцующем коне, находится Мюрат, чьи эпические атаки превратили неопределенную битву в победу; Между Мюратом и Наполеоном можно увидеть маршала Бертье, маршала Бессьера и генерала Коленкура; молодого литовского солдата, который протягивает руки Наполеону, поддерживает барон Перси, главный хирург Великой армии.
1807 (1808 гг. Масло на холсте, 521 x 784 см. Музей Лувр, Париж
Antoine-Jean Gros (1771-1835) — французский художник-академист предромантического периода.
Битва при Прейсиш-Эйлау — самая кровавая битва Войны четвёртой коалиции. Произошла 7–8 февраля 1807 года между французскими и российскими войсками на территории Восточной Пруссии.
Сражение носило упорный характер, потери с обеих сторон были значительными ( погибло и было ранено 25 000 человек - до одной трети от первоначальной численности армий). Однако явный победитель не выявился, и каждая из сторон из политических соображений была заинтересована в собственной трактовке события.
Итоги сражения, несмотря на последующий отход русских войск, явились их стратегическим успехом. Активные боевые действия прекратились до мая 1807 года.
На следующий день после битвы он осмотрел поле битвы и был поражен. «Если бы все короли на земле могли увидеть это зрелище», — сказал он, «они были бы менее жадными до войн и завоеваний». Это был момент, выбранный для появления в официальной программе конкурса Виван-Деноном, директором Музея Наполеона. Гро, который участвовал в конкурсе только потому, что его к этому подталкивал Виван-Денон, был выбран среди двадцати пяти других художников. Он получил 16 000 франков за картину, которая была выставлена в Салоне 1808 года.
Император, движущийся вправо, сидит на светло-гнедой лошади и окружен своим штабом; плащ и шляпа, которые он носил при Эйлау, были переданы Гро, который хранил их до своей смерти. Наполеон разговаривает с раненым литовцем, которого тронула гуманность победителя, и ему приписывают слова: «Цезарь даровал мне жизнь; я буду служить вам верой и правдой, как я служил Александру». Напротив Наполеона, на гарцующем коне, находится Мюрат, чьи эпические атаки превратили неопределенную битву в победу; Между Мюратом и Наполеоном можно увидеть маршала Бертье, маршала Бессьера и генерала Коленкура; молодого литовского солдата, который протягивает руки Наполеону, поддерживает барон Перси, главный хирург Великой армии.
Бледный рассвет едва смог пробиться через дымку густого тумана, окутавшего землю. В сером окне различим силуэт просыпающегося города. Мир за стеклом лишён красок точно так же, как страдающая человеческая душа. Картина «Увядание» (Утро) написана немецким художником Габриэлем фон Максом в 1870-м году.
С постели девушка поднялась уже разбитой. Судя по тому, что рядом отсутствуют приметы, непременно сопутствующие длительной болезни, такие как микстуры, порошки или модные в XIX веке лекарственные облатки, слабость происходит вследствие душевных переживаний. Спустив ноги на мягкую прикроватную подставочку и придерживая голову рукой, барышня уже некоторое время сидит не шелохнувшись. Безвольная поза говорит о глубокой депрессии. В тяжёлом золотом балдахине больше света и жизни, чем в поникшей фигурке меланхоличной незнакомки.
Справа видна небрежно сброшенная вечером одежда: расшнурованный корсет и бирюзовое платье, отороченное широким кружевом. На узорчатом ковре лежит соскользнувшая со стула тонкая перчатка и одинокий бледно-розовый цветок. Бутон, состоящий из мелких соцветий, то ли осыпался сам, то ли был растоптан стоящими рядом туфлями. Волосы героини заплетены лентой, по тону совпадающей с вечерним нарядом. Серёжки инкрустированы «каплями» бирюзы. Согласно народным поверьям этот камень символизировал печаль и борьбу со злыми силами.
Сегодня работа хранится в Санкт-Петербурге в коллекции Государственного Эрмитажа.
С постели девушка поднялась уже разбитой. Судя по тому, что рядом отсутствуют приметы, непременно сопутствующие длительной болезни, такие как микстуры, порошки или модные в XIX веке лекарственные облатки, слабость происходит вследствие душевных переживаний. Спустив ноги на мягкую прикроватную подставочку и придерживая голову рукой, барышня уже некоторое время сидит не шелохнувшись. Безвольная поза говорит о глубокой депрессии. В тяжёлом золотом балдахине больше света и жизни, чем в поникшей фигурке меланхоличной незнакомки.
Справа видна небрежно сброшенная вечером одежда: расшнурованный корсет и бирюзовое платье, отороченное широким кружевом. На узорчатом ковре лежит соскользнувшая со стула тонкая перчатка и одинокий бледно-розовый цветок. Бутон, состоящий из мелких соцветий, то ли осыпался сам, то ли был растоптан стоящими рядом туфлями. Волосы героини заплетены лентой, по тону совпадающей с вечерним нарядом. Серёжки инкрустированы «каплями» бирюзы. Согласно народным поверьям этот камень символизировал печаль и борьбу со злыми силами.
Сегодня работа хранится в Санкт-Петербурге в коллекции Государственного Эрмитажа.
🔥2
Ответа жду: минута, которая кажется вечностью
Наверное, этот момент знаком каждому, кто хотя бы раз признавался кому-то в своих чувствах. Молодой парень и девушка стоят возле деревянной ограды. Он внимательно смотрит на неё и ждёт ответа, а она опустила глаза и задумчиво перебирает в руках травинку. Картина Михаила Филипповича Иванова так и называется – «Ответа жду». Художник написал её в 1900 году и, по-моему, очень точно поймал то самое мучительное ожидание, когда несколько секунд кажутся невероятно долгими.
Похоже, парень только что сказал девушке о своих чувствах и теперь пытается понять её реакцию. Он немного подался вперёд, лицо напряжено, а рука застыла в нерешительном жесте. Кажется, ещё немного – и он сам не выдержит этой паузы. Ведь отказ услышать страшно, но молчание порой оказывается ещё тяжелее.
А девушка отвечать не спешит. Она смущённо смотрит вниз и продолжает теребить травинку. Возможно, признание оказалось для неё неожиданным, а может быть, ей просто нужно разобраться в собственных чувствах. Иванов специально останавливает историю именно здесь, поэтому дальнейшее нам остаётся только додумывать.
Мне здесь ещё очень нравятся бытовые детали. Посмотрите на руки героев – крупные, натруженные. Несмотря на молодость, оба явно с детства привыкли к тяжёлому крестьянскому труду. При этом для встречи оба явно принарядились. На девушке красивый сарафан и цветастый платок, на молодом человеке – яркая кумачовая рубаха и белый кафтан. Возможно, дело происходит в воскресный или праздничный день.
Даже тяжёлые лапти и простые избы на заднем плане многое рассказывают об их жизни. Для крестьян такая обувь была совершенно привычной, а хорошие сапоги могли позволить себе далеко не все. Жизнь этих молодых людей, скорее всего, была наполнена ежедневным трудом, но сейчас всё это отошло на второй план. В эту минуту для него существует только её ответ, а для неё – решение, которое нужно принять.
А как вам кажется, что она скажет – ответит взаимностью или всё-таки откажет?
Наверное, этот момент знаком каждому, кто хотя бы раз признавался кому-то в своих чувствах. Молодой парень и девушка стоят возле деревянной ограды. Он внимательно смотрит на неё и ждёт ответа, а она опустила глаза и задумчиво перебирает в руках травинку. Картина Михаила Филипповича Иванова так и называется – «Ответа жду». Художник написал её в 1900 году и, по-моему, очень точно поймал то самое мучительное ожидание, когда несколько секунд кажутся невероятно долгими.
Похоже, парень только что сказал девушке о своих чувствах и теперь пытается понять её реакцию. Он немного подался вперёд, лицо напряжено, а рука застыла в нерешительном жесте. Кажется, ещё немного – и он сам не выдержит этой паузы. Ведь отказ услышать страшно, но молчание порой оказывается ещё тяжелее.
А девушка отвечать не спешит. Она смущённо смотрит вниз и продолжает теребить травинку. Возможно, признание оказалось для неё неожиданным, а может быть, ей просто нужно разобраться в собственных чувствах. Иванов специально останавливает историю именно здесь, поэтому дальнейшее нам остаётся только додумывать.
Мне здесь ещё очень нравятся бытовые детали. Посмотрите на руки героев – крупные, натруженные. Несмотря на молодость, оба явно с детства привыкли к тяжёлому крестьянскому труду. При этом для встречи оба явно принарядились. На девушке красивый сарафан и цветастый платок, на молодом человеке – яркая кумачовая рубаха и белый кафтан. Возможно, дело происходит в воскресный или праздничный день.
Даже тяжёлые лапти и простые избы на заднем плане многое рассказывают об их жизни. Для крестьян такая обувь была совершенно привычной, а хорошие сапоги могли позволить себе далеко не все. Жизнь этих молодых людей, скорее всего, была наполнена ежедневным трудом, но сейчас всё это отошло на второй план. В эту минуту для него существует только её ответ, а для неё – решение, которое нужно принять.
А как вам кажется, что она скажет – ответит взаимностью или всё-таки откажет?
🥰2🤔1
Склонившись над единственным бокалом, молодые люди тянут прохладный напиток через длинные соломинки, словно пытаясь продлить ускользающие минуты близости. Их опечаленные, опущенные взгляды выдают горечь скорого расставания, превращая паузу на террасе в тихую сцену прощания. Этот эпизод городской жизни в 1882 году запечатлел датский живописец Вильгельм Розенстанд на полотне «У входа в кафе».
Композиция строится вокруг интимного диалога героев, чья готовность делить один напиток на двоих красноречиво выдает глубокую привязанность — перед нами, несомненно, жених и невеста. Молодой военный в строгом темно-синем мундире и традиционной датской полевой шапочке с кисточкой бережно подался к своей спутнице. Её наряд, сочетающий плотный темный жакет, светлую юбку с ажурным фартуком и яркий красный головной платок, выписан с осязательной материальностью, подчеркивая сдержанное достоинство горожанок того времени.
Рядом с солдатом на деревянной скамье покоится дорожный узел, не оставляющий сомнений в причине их печали: юноша отправляется к месту службы, и влюбленным предстоит скорая разлука. Скромный букетик цветов у бокала, прислоненный к стулу изящный зонт и свежий выпуск местной газеты на соседнем столике создают иллюзию мирного повседневного уюта, который вот-вот будет прерван.
Вильгельм Розенстанд (1838–1915), воспитанник копенгагенской Королевской академии изящных искусств. Выбрав фоном знаменитое столичное кафе «A Porta», он намеренно приглушает уличный шум, концентрируя всё внимание на внутреннем мире героев. Отсекая салонную театральность, Розенстанд создает искреннее произведение, где обычная городская терраса становится последним убежищем для человеческой нежности перед лицом неизбежного расставания.
Сегодня картина хранится в Национальном Музее Швеции (Стокгольм).
Композиция строится вокруг интимного диалога героев, чья готовность делить один напиток на двоих красноречиво выдает глубокую привязанность — перед нами, несомненно, жених и невеста. Молодой военный в строгом темно-синем мундире и традиционной датской полевой шапочке с кисточкой бережно подался к своей спутнице. Её наряд, сочетающий плотный темный жакет, светлую юбку с ажурным фартуком и яркий красный головной платок, выписан с осязательной материальностью, подчеркивая сдержанное достоинство горожанок того времени.
Рядом с солдатом на деревянной скамье покоится дорожный узел, не оставляющий сомнений в причине их печали: юноша отправляется к месту службы, и влюбленным предстоит скорая разлука. Скромный букетик цветов у бокала, прислоненный к стулу изящный зонт и свежий выпуск местной газеты на соседнем столике создают иллюзию мирного повседневного уюта, который вот-вот будет прерван.
Вильгельм Розенстанд (1838–1915), воспитанник копенгагенской Королевской академии изящных искусств. Выбрав фоном знаменитое столичное кафе «A Porta», он намеренно приглушает уличный шум, концентрируя всё внимание на внутреннем мире героев. Отсекая салонную театральность, Розенстанд создает искреннее произведение, где обычная городская терраса становится последним убежищем для человеческой нежности перед лицом неизбежного расставания.
Сегодня картина хранится в Национальном Музее Швеции (Стокгольм).
👀3❤1
В тишине бедной комнаты разворачивается маленький, почти незаметный для постороннего глаза момент детской жизни. Здесь нет праздника и игры - лишь сосредоточенность и робкое желание выглядеть красиво, несмотря на окружающую простоту и нужду. На картине «Маленькая красавица» немецкой художницы Агаты Рёстель (1833-1917 гг.) запечатлён именно такой хрупкий и искренний эпизод повседневности.
В центре композиции — босоногая девочка, стоящая у грубого деревянного стола и расчёсывающая длинные светлые волосы. Её движения осторожны и серьёзны, будто это важный ритуал, требующий внимания и терпения. Детское лицо сосредоточено, во взгляде читается не кокетство, а внутренняя собранность - она словно учится быть взрослой, подражая увиденному когда-то образу женской красоты.
Скудная обстановка жилища подчёркивает небогатое происхождение героини: простая мебель, старая посуда, минимум вещей, потёртые поверхности. Здесь нет ни игрушек, ни украшений - только самые необходимые предметы быта. Однако именно эта бедность усиливает эмоциональное звучание сцены: стремление девочки к аккуратности и красоте выглядит особенно трогательно на фоне лишений, словно тихий протест против серости повседневной жизни.
Агата Рёстель жила и работал в Мюнхене во второй половине XIX века. Она создавала портреты и жанровые сцены, а её произведения, в том числе выполненные в технике пастели, отбирались для престижных выставок, таких как ежегодные показы в Мюнхенском стеклянном дворце.
В центре композиции — босоногая девочка, стоящая у грубого деревянного стола и расчёсывающая длинные светлые волосы. Её движения осторожны и серьёзны, будто это важный ритуал, требующий внимания и терпения. Детское лицо сосредоточено, во взгляде читается не кокетство, а внутренняя собранность - она словно учится быть взрослой, подражая увиденному когда-то образу женской красоты.
Скудная обстановка жилища подчёркивает небогатое происхождение героини: простая мебель, старая посуда, минимум вещей, потёртые поверхности. Здесь нет ни игрушек, ни украшений - только самые необходимые предметы быта. Однако именно эта бедность усиливает эмоциональное звучание сцены: стремление девочки к аккуратности и красоте выглядит особенно трогательно на фоне лишений, словно тихий протест против серости повседневной жизни.
Агата Рёстель жила и работал в Мюнхене во второй половине XIX века. Она создавала портреты и жанровые сцены, а её произведения, в том числе выполненные в технике пастели, отбирались для престижных выставок, таких как ежегодные показы в Мюнхенском стеклянном дворце.
"Ведьмы (Колдуньи)", Леонор Фини
1959 г. Масло на холсте. Частная коллекция
Леонор Фини (1907-1996) – одна из ярких представительниц мира искусства XX века. Аргентинка по месту рождения, итальянка по воспитанию и темпераменту, француженка по месту признания и расцвета художественного таланта. Ее творчество — а она была художником, дизайнером, иллюстратором и писательницей — не знало границ.
Картина "Ведьмы" была написана специально для мексиканской актрисы Марии Феликс.Она содержит множество витиеватых возможностей интерпретации и поэтому кажется волшебной - поскольку магия не соответствует действительности. нашим современным канонам причинности. Нерешительность, двусмысленность и конфликт становятся здесь динамичными и полезными ценностями, предполагающими тайные удовольствия.
1959 г. Масло на холсте. Частная коллекция
Леонор Фини (1907-1996) – одна из ярких представительниц мира искусства XX века. Аргентинка по месту рождения, итальянка по воспитанию и темпераменту, француженка по месту признания и расцвета художественного таланта. Ее творчество — а она была художником, дизайнером, иллюстратором и писательницей — не знало границ.
Картина "Ведьмы" была написана специально для мексиканской актрисы Марии Феликс.Она содержит множество витиеватых возможностей интерпретации и поэтому кажется волшебной - поскольку магия не соответствует действительности. нашим современным канонам причинности. Нерешительность, двусмысленность и конфликт становятся здесь динамичными и полезными ценностями, предполагающими тайные удовольствия.
👍3
«Закат над фьордом», Эйлерт Адельстин Норманн
1890–1899 гг. Масло на холсте, 120 x 90 см. Частная коллекция
Eilert Adelsteen Normann (1848–1918) — норвежский художник-пейзажист. Поступил в художественную академию Дюссельдорфа. Здесь он учился живописи в классах Освальда Ахенбаха и позднее — Ойгена Дюкера. Пейзаж «Закат над фьордом», как и многие другие его картины, стали новым способом восприятия уникальной норвежской природы во всей ее впечатляющей красоте.
Во многом благодаря его великолепным пейзажами норвежские фьорды стали популярным туристическим направлением.
1890–1899 гг. Масло на холсте, 120 x 90 см. Частная коллекция
Eilert Adelsteen Normann (1848–1918) — норвежский художник-пейзажист. Поступил в художественную академию Дюссельдорфа. Здесь он учился живописи в классах Освальда Ахенбаха и позднее — Ойгена Дюкера. Пейзаж «Закат над фьордом», как и многие другие его картины, стали новым способом восприятия уникальной норвежской природы во всей ее впечатляющей красоте.
Во многом благодаря его великолепным пейзажами норвежские фьорды стали популярным туристическим направлением.
👍2
Самая счастливая картина Репина... хотя художник ещё не знал, что ждёт эту семью впереди
Есть у Репина картина, возле которой мне хочется задержаться чуть дольше обычного. Во-первых, она написана в несвойственной ему манере - мне это напомнило импрессионизм. Во-вторых, сюжет здесь совсем простой, да и никаких драматических событий не происходит. Но трудно смотреть на этот солнечный семейный портрет и не думать о том, сколько испытаний выпадет на долю его героев в будущем.
Картина «На меже» была написана Ильёй Репиным в 1879 году. То лето художник проводил в Абрамцеве – знаменитом подмосковном имении Саввы Мамонтова, куда приезжали Поленов, Васнецов, Суриков и многие другие художники. Сам Репин называл Абрамцево «лучшей в мире дачей». Здесь и появилась эта очень тёплая сцена из жизни его собственной семьи.
По залитому солнцем лугу идёт жена художника Вера Алексеевна. Ей всего двадцать пять лет, над головой она держит кружевной зонтик. Впереди идут две дочери. Старшая Вера, восьмилетняя девочка в тёмно-синем платье и шляпке с розовым бантом, уверенно шагает по меже. Шестилетняя Надя остановилась возле цветов. А вдали можно разглядеть няню, которая несёт на руках маленького Юру.
Мне особенно нравится естественность этой сцены. Никто специально не позирует, и вся семья выглядит так, как могла выглядеть во время обычной летней прогулки. Незадолго до этого Репин побывал во Франции и внимательно присматривался к работам импрессионистов, что заметно и здесь. «На меже» даже сравнивают с «Маками» Клода Моне. Но если у французских импрессионистов человеческие фигуры часто становятся частью окружающего воздуха и света, то у Репина главными всё равно остаются люди.
Совсем иначе воспринимаешь эту картину, когда знаешь продолжение истории семьи. Через несколько лет отношения Репина и Веры Алексеевны начнут разрушаться. У супругов было четверо детей, но сохранить семью им не удалось. Репин был общительным, увлекающимся человеком, вокруг него постоянно находились ученицы, поклонницы и светские дамы. Вера Алексеевна тем временем занималась домом и детьми, и такая жизнь давалась ей тяжело. В 1887 году супруги расстались. А четвёртый ребёнок, дочь Татьяна, родилась уже через год после того лета, которое художник запечатлел на картине.
Непростыми оказались и судьбы детей. Старшая Вера, та самая девочка в синем платье, впоследствии стала актрисой Александринского театра, но из-за сложного характера так и не смогла прочно занять своё место в труппе. Надя много лет страдала тяжёлым нервным расстройством.
Юрий, которого на картине няня несёт на руках, пошёл по стопам отца и стал художником. Он выставлял свои работы и даже получил золотую медаль в Мюнхене, хотя сравнения со знаменитым отцом сопровождали его всю жизнь. Позже Юрий пережил смерть жены, сестры и самого Репина, тяжело переносил эти потери и всё больше обращался к религии. В 1954 году он выпал из окна. Что произошло в тот день – несчастный случай или сознательный шаг – так и осталось неизвестным.
Но летом 1879 года всего этого ещё нет. Молодая Вера идёт по солнечному лугу, дети собирают цветы, няня несёт маленького Юру, а Репин пишет свою семью в один из тех дней, когда будущее ещё невозможно предугадать. И, наверное, именно поэтому сегодня эта светлая картина воспринимается особенно пронзительно.
Есть у Репина картина, возле которой мне хочется задержаться чуть дольше обычного. Во-первых, она написана в несвойственной ему манере - мне это напомнило импрессионизм. Во-вторых, сюжет здесь совсем простой, да и никаких драматических событий не происходит. Но трудно смотреть на этот солнечный семейный портрет и не думать о том, сколько испытаний выпадет на долю его героев в будущем.
Картина «На меже» была написана Ильёй Репиным в 1879 году. То лето художник проводил в Абрамцеве – знаменитом подмосковном имении Саввы Мамонтова, куда приезжали Поленов, Васнецов, Суриков и многие другие художники. Сам Репин называл Абрамцево «лучшей в мире дачей». Здесь и появилась эта очень тёплая сцена из жизни его собственной семьи.
По залитому солнцем лугу идёт жена художника Вера Алексеевна. Ей всего двадцать пять лет, над головой она держит кружевной зонтик. Впереди идут две дочери. Старшая Вера, восьмилетняя девочка в тёмно-синем платье и шляпке с розовым бантом, уверенно шагает по меже. Шестилетняя Надя остановилась возле цветов. А вдали можно разглядеть няню, которая несёт на руках маленького Юру.
Мне особенно нравится естественность этой сцены. Никто специально не позирует, и вся семья выглядит так, как могла выглядеть во время обычной летней прогулки. Незадолго до этого Репин побывал во Франции и внимательно присматривался к работам импрессионистов, что заметно и здесь. «На меже» даже сравнивают с «Маками» Клода Моне. Но если у французских импрессионистов человеческие фигуры часто становятся частью окружающего воздуха и света, то у Репина главными всё равно остаются люди.
Совсем иначе воспринимаешь эту картину, когда знаешь продолжение истории семьи. Через несколько лет отношения Репина и Веры Алексеевны начнут разрушаться. У супругов было четверо детей, но сохранить семью им не удалось. Репин был общительным, увлекающимся человеком, вокруг него постоянно находились ученицы, поклонницы и светские дамы. Вера Алексеевна тем временем занималась домом и детьми, и такая жизнь давалась ей тяжело. В 1887 году супруги расстались. А четвёртый ребёнок, дочь Татьяна, родилась уже через год после того лета, которое художник запечатлел на картине.
Непростыми оказались и судьбы детей. Старшая Вера, та самая девочка в синем платье, впоследствии стала актрисой Александринского театра, но из-за сложного характера так и не смогла прочно занять своё место в труппе. Надя много лет страдала тяжёлым нервным расстройством.
Юрий, которого на картине няня несёт на руках, пошёл по стопам отца и стал художником. Он выставлял свои работы и даже получил золотую медаль в Мюнхене, хотя сравнения со знаменитым отцом сопровождали его всю жизнь. Позже Юрий пережил смерть жены, сестры и самого Репина, тяжело переносил эти потери и всё больше обращался к религии. В 1954 году он выпал из окна. Что произошло в тот день – несчастный случай или сознательный шаг – так и осталось неизвестным.
Но летом 1879 года всего этого ещё нет. Молодая Вера идёт по солнечному лугу, дети собирают цветы, няня несёт маленького Юру, а Репин пишет свою семью в один из тех дней, когда будущее ещё невозможно предугадать. И, наверное, именно поэтому сегодня эта светлая картина воспринимается особенно пронзительно.
🔥3
Они уже понимают, что могут не спастись
Огонь уже ворвался в комнату, и семья оказалась в ловушке. Мать пытается защитить детей, маленькая девочка прижимается к ней, а мужчина добрался до окна и зовёт на помощь. При этом совсем маленький ребёнок продолжает спокойно спать, ещё не понимая, что происходит вокруг. Этот момент художник Александр Антинья выбрал для картины «Пожар», написанной в 1850 году.
Полотно огромное – 262 × 282 см, а фигуры людей изображены практически в натуральную величину. Поэтому перед оригиналом зритель оказывается будто внутри этой комнаты, рядом с семьёй, окружённой огнём и дымом. Именно на этот эффект обращает внимание Музей изящных искусств Орлеана: размер картины усиливает ощущение присутствия и делает происходящее ещё страшнее.
Но Антинья писал не просто эффектную сцену пожара. Герои картины – обычная бедная рабочая семья, и это важно для понимания замысла художника. В 1840-е годы Антинья жил в бедном парижском квартале на острове Сен-Луи и всё чаще обращался к жизни городской бедноты. К концу десятилетия такие сюжеты заняли важное место в его творчестве.
И вот здесь мне особенно интересен выбор художника. Потому что в середине XIX века такие огромные полотна чаще посвящали историческим событиям, сражениям, королям и другим знаменитым людям. Антинья использовал тот же масштаб, но героями сделал простую рабочую семью. Их пожар для него оказался событием, достойным большой серьёзной живописи.
В этом чувствуется влияние Поля Делароша, у которого учился Антинья. Деларош прославился историческими картинами и умел выбирать самый напряжённый момент истории, когда развязка уже совсем близко. Антинья использовал похожий приём. Огонь уже проник в комнату, мужчина зовёт на помощь, мать пытается спасти детей, но мы ещё не знаем, чем всё закончится.
«Пожар» имел большой успех на Парижском салоне 1850–1851 годов и помог Антинья занять заметное место среди художников нового реалистического направления. В это время во французской живописи всё чаще появлялись современные сюжеты и люди из бедных слоёв общества. Художники начали показывать их жизнь, тяжёлый труд и бедность с той серьёзностью, которая раньше чаще предназначалась совсем другим героям.
У самой картины тоже интересная история. В 1851 году её приобрело французское государство. Позднее «Пожар» находился в Люксембургском музее, который в то время был главным французским музеем современного искусства, затем в Лувре, а в 1886 году полотно передали в Музей изящных искусств Орлеана. Там, в родном городе Александра Антинья, картина хранится и сегодня.
Огонь уже ворвался в комнату, и семья оказалась в ловушке. Мать пытается защитить детей, маленькая девочка прижимается к ней, а мужчина добрался до окна и зовёт на помощь. При этом совсем маленький ребёнок продолжает спокойно спать, ещё не понимая, что происходит вокруг. Этот момент художник Александр Антинья выбрал для картины «Пожар», написанной в 1850 году.
Полотно огромное – 262 × 282 см, а фигуры людей изображены практически в натуральную величину. Поэтому перед оригиналом зритель оказывается будто внутри этой комнаты, рядом с семьёй, окружённой огнём и дымом. Именно на этот эффект обращает внимание Музей изящных искусств Орлеана: размер картины усиливает ощущение присутствия и делает происходящее ещё страшнее.
Но Антинья писал не просто эффектную сцену пожара. Герои картины – обычная бедная рабочая семья, и это важно для понимания замысла художника. В 1840-е годы Антинья жил в бедном парижском квартале на острове Сен-Луи и всё чаще обращался к жизни городской бедноты. К концу десятилетия такие сюжеты заняли важное место в его творчестве.
И вот здесь мне особенно интересен выбор художника. Потому что в середине XIX века такие огромные полотна чаще посвящали историческим событиям, сражениям, королям и другим знаменитым людям. Антинья использовал тот же масштаб, но героями сделал простую рабочую семью. Их пожар для него оказался событием, достойным большой серьёзной живописи.
В этом чувствуется влияние Поля Делароша, у которого учился Антинья. Деларош прославился историческими картинами и умел выбирать самый напряжённый момент истории, когда развязка уже совсем близко. Антинья использовал похожий приём. Огонь уже проник в комнату, мужчина зовёт на помощь, мать пытается спасти детей, но мы ещё не знаем, чем всё закончится.
«Пожар» имел большой успех на Парижском салоне 1850–1851 годов и помог Антинья занять заметное место среди художников нового реалистического направления. В это время во французской живописи всё чаще появлялись современные сюжеты и люди из бедных слоёв общества. Художники начали показывать их жизнь, тяжёлый труд и бедность с той серьёзностью, которая раньше чаще предназначалась совсем другим героям.
У самой картины тоже интересная история. В 1851 году её приобрело французское государство. Позднее «Пожар» находился в Люксембургском музее, который в то время был главным французским музеем современного искусства, затем в Лувре, а в 1886 году полотно передали в Музей изящных искусств Орлеана. Там, в родном городе Александра Антинья, картина хранится и сегодня.
Стоя в душевой после пробежки, спортсменка готовится смыть усталость. Купальная шапочка обрамляет лицо с открытым взглядом, а фигура дышит естественной, живой силой. Картину «После кросса» ставшую классикой советской живописи, Александр Самохвалов написал в 1935 году, превратив спортивный сюжет в яркий образ своей эпохи.
Балансируя на одной ноге, девушка вытирается полотенцем. Пластика и композиционное решение художника отсылают к античным образцам, напоминая ожившую Венеру Милосскую. Девушка держится просто и уверенно, без тени жеманства или смущения. Из одежды на ней только тёмные плавки с розовой окантовкой, а её крепкая, спортивная фигура передана с удивительной телесной достоверностью.
Александр Самохвалов (1894–1971) во второй половине 1930-х годов был особенно увлечен темами физкультуры и спорта, видя в них воплощение гармоничного человека новой эпохи. Художник переосмысливал наследие классического искусства, перенося его идеалы в реалии советской действительности. Его герои — будь то метростроевки, парашютистки или бегуньи — всегда наделены монументальной силой и жизнеутверждающей энергией, точно отражающими дух своего времени.
В отличие от знаменитой «Девушки в футболке» (1932), для которой художнику позировала учительница его дочери Евгения Петровна Адамова, у картины «После кросса» (1935) нет одного задокументированного имени натурщицы. Александр Самохвалов создавал эту картину как обобщённый, собирательный образ новой советской женщины.
Сегодня полотно входит в постоянную экспозицию Государственного Русского музея.
Балансируя на одной ноге, девушка вытирается полотенцем. Пластика и композиционное решение художника отсылают к античным образцам, напоминая ожившую Венеру Милосскую. Девушка держится просто и уверенно, без тени жеманства или смущения. Из одежды на ней только тёмные плавки с розовой окантовкой, а её крепкая, спортивная фигура передана с удивительной телесной достоверностью.
Александр Самохвалов (1894–1971) во второй половине 1930-х годов был особенно увлечен темами физкультуры и спорта, видя в них воплощение гармоничного человека новой эпохи. Художник переосмысливал наследие классического искусства, перенося его идеалы в реалии советской действительности. Его герои — будь то метростроевки, парашютистки или бегуньи — всегда наделены монументальной силой и жизнеутверждающей энергией, точно отражающими дух своего времени.
В отличие от знаменитой «Девушки в футболке» (1932), для которой художнику позировала учительница его дочери Евгения Петровна Адамова, у картины «После кросса» (1935) нет одного задокументированного имени натурщицы. Александр Самохвалов создавал эту картину как обобщённый, собирательный образ новой советской женщины.
Сегодня полотно входит в постоянную экспозицию Государственного Русского музея.
👍2
В тишине бедной комнаты разворачивается маленький, почти незаметный для постороннего глаза момент детской жизни. Здесь нет праздника и игры - лишь сосредоточенность и робкое желание выглядеть красиво, несмотря на окружающую простоту и нужду. На картине «Маленькая красавица» немецкой художницы Агаты Рёстель (1833-1917 гг.) запечатлён именно такой хрупкий и искренний эпизод повседневности.
В центре композиции — босоногая девочка, стоящая у грубого деревянного стола и расчёсывающая длинные светлые волосы. Её движения осторожны и серьёзны, будто это важный ритуал, требующий внимания и терпения. Детское лицо сосредоточено, во взгляде читается не кокетство, а внутренняя собранность - она словно учится быть взрослой, подражая увиденному когда-то образу женской красоты.
Скудная обстановка жилища подчёркивает небогатое происхождение героини: простая мебель, старая посуда, минимум вещей, потёртые поверхности. Здесь нет ни игрушек, ни украшений - только самые необходимые предметы быта. Однако именно эта бедность усиливает эмоциональное звучание сцены: стремление девочки к аккуратности и красоте выглядит особенно трогательно на фоне лишений, словно тихий протест против серости повседневной жизни.
Агата Рёстель жила и работал в Мюнхене во второй половине XIX века. Она создавала портреты и жанровые сцены, а её произведения, в том числе выполненные в технике пастели, отбирались для престижных выставок, таких как ежегодные показы в Мюнхенском стеклянном дворце.
В центре композиции — босоногая девочка, стоящая у грубого деревянного стола и расчёсывающая длинные светлые волосы. Её движения осторожны и серьёзны, будто это важный ритуал, требующий внимания и терпения. Детское лицо сосредоточено, во взгляде читается не кокетство, а внутренняя собранность - она словно учится быть взрослой, подражая увиденному когда-то образу женской красоты.
Скудная обстановка жилища подчёркивает небогатое происхождение героини: простая мебель, старая посуда, минимум вещей, потёртые поверхности. Здесь нет ни игрушек, ни украшений - только самые необходимые предметы быта. Однако именно эта бедность усиливает эмоциональное звучание сцены: стремление девочки к аккуратности и красоте выглядит особенно трогательно на фоне лишений, словно тихий протест против серости повседневной жизни.
Агата Рёстель жила и работал в Мюнхене во второй половине XIX века. Она создавала портреты и жанровые сцены, а её произведения, в том числе выполненные в технике пастели, отбирались для престижных выставок, таких как ежегодные показы в Мюнхенском стеклянном дворце.
❤2
«Девушки на берегу Сены (лето)», Гюстав Курбе
1857 г. Холст, масло. Размер: 174 × 206 см. Малый дворец Пети-Пале, Париж, Франция
Картина французского художника была выставлена на выставке Парижского салона 15 июня 1857 года. «Девушки на берегу Сены», также известная как «Девушки у Сены» – это одна из шести картин, принятых жюри Парижского салона. Она выставлялась одновременно с тремя пейзажами Курбе и двумя портретами.
Картину «Девушки на берегу Сены (лето)» выкупил покровитель Курбе Этьен Бодри. Далее она перешла к родной сестру Бодри, которая подарила её государству в 1906 году. Сейчас она хранится в собрании Малого дворца.
1857 г. Холст, масло. Размер: 174 × 206 см. Малый дворец Пети-Пале, Париж, Франция
Картина французского художника была выставлена на выставке Парижского салона 15 июня 1857 года. «Девушки на берегу Сены», также известная как «Девушки у Сены» – это одна из шести картин, принятых жюри Парижского салона. Она выставлялась одновременно с тремя пейзажами Курбе и двумя портретами.
Картину «Девушки на берегу Сены (лето)» выкупил покровитель Курбе Этьен Бодри. Далее она перешла к родной сестру Бодри, которая подарила её государству в 1906 году. Сейчас она хранится в собрании Малого дворца.
❤1
Почему эта дама в красном платье не замечает собственного сына?
Сегодня хочу показать вам одну интересную работу Павла Федотова, в которой за забавной бытовой сценой скрывается довольно грустная история. Картина называется «Жена-модница» и была написана в 1849 году. Художник изобразил семейство, в котором после возвращения хозяйки из заграничного путешествия многое изменилось.
В центре комнаты стоит молодая женщина в роскошном красном платье, украшенном лентами, и белом берете. Она высоко подняла голову, курит папиросу и всем своим видом демонстрирует новые светские манеры. Дело в том, что недавно дама побывала за границей, пожила в Париже и вернулась домой совершенно другим человеком.
Федотов даже сочинил к этой картине небольшое стихотворение, в котором рассказал о произошедших с героиней переменах:
«Прежде барыней была
И примерною слыла,
В рынок с поваром ходила,
Огурцы, грибы солила
И огарки берегла.
Погуляла за границей
Да в Париже пожила -
Возвратилась светской львицей».
Раньше женщина занималась хозяйством, следила за домашними расходами и заботилась о семье. Теперь всё её внимание сосредоточено на модных нарядах и светских манерах. Она записывает понравившиеся фасоны в блокнот, а сейчас протягивает мужу кусочек красной ткани и требует приобрести такую же для нового платья. Супруг стоит рядом с шапкой в руках и терпеливо выслушивает её распоряжения. Судя по его виду, спорить с женой он даже не пытается.
Но посмотрите в правый угол картины. Там, среди разбросанных игрушек, сидит маленький мальчик и горько плачет. Кажется, ребёнок давно ждёт, когда кто-нибудь обратит на него внимание. Однако мать слишком увлечена разговором о нарядах, а отец занят требованиями супруги. И пока взрослые обсуждают очередную покупку, малыш остаётся один со своими переживаниями. Мне кажется, именно из-за этой детали вся сцена приобретает совершенно другой смысл.
Есть здесь и ещё один любопытный персонаж – темнокожий слуга в длинной жёлтой полосатой кандуре. По замыслу художника, хозяйка привезла его из Парижа в качестве необычной забавы. Теперь он повсюду сопровождает свою госпожу, внимательно следит за каждым её движением и готов исполнить любое поручение.
К сожалению, Федотов так и не закончил «Жену-модницу». В этот период его положение заметно ухудшилось. Если прежде критики восхищались наблюдательностью художника и его умением высмеивать человеческие слабости, то теперь некоторые начали обвинять его в чрезмерной злости по отношению к героям собственных картин.
Особенно резко о Федотове отзывался журнал «Москвитянин». Его произведения называли «временной живописью» и утверждали, что подобному искусству нет места в христианском обществе. Постепенно художник лишился заказов на картины, а цензурный комитет запретил выпускать для продажи гравюры с его картин.
Всё это тяжело сказалось на Федотове. Он болезненно переживал происходящее и всё больше разочаровывался в окружающем мире. Ему казалось, что человеческие пороки, которые он столько лет высмеивал, никуда не исчезают, а общество становится только хуже. И всё же художник продолжал работать. Иногда он рассказывал друзьям о новых замыслах, поражая их глубиной и необыкновенной силой своего воображения.
Возвращаясь к «Жене-моднице», мне нравится, как много Федотов сумел рассказать об этой семье через одну небольшую сцену. Здесь есть и насмешка над слепым увлечением заграничной модой, и растерянный муж, и маленький ребёнок, которому сейчас очень нужна материнская забота. И чем дольше рассматриваешь картину, тем меньше хочется смеяться над происходящим.
Сегодня хочу показать вам одну интересную работу Павла Федотова, в которой за забавной бытовой сценой скрывается довольно грустная история. Картина называется «Жена-модница» и была написана в 1849 году. Художник изобразил семейство, в котором после возвращения хозяйки из заграничного путешествия многое изменилось.
В центре комнаты стоит молодая женщина в роскошном красном платье, украшенном лентами, и белом берете. Она высоко подняла голову, курит папиросу и всем своим видом демонстрирует новые светские манеры. Дело в том, что недавно дама побывала за границей, пожила в Париже и вернулась домой совершенно другим человеком.
Федотов даже сочинил к этой картине небольшое стихотворение, в котором рассказал о произошедших с героиней переменах:
«Прежде барыней была
И примерною слыла,
В рынок с поваром ходила,
Огурцы, грибы солила
И огарки берегла.
Погуляла за границей
Да в Париже пожила -
Возвратилась светской львицей».
Раньше женщина занималась хозяйством, следила за домашними расходами и заботилась о семье. Теперь всё её внимание сосредоточено на модных нарядах и светских манерах. Она записывает понравившиеся фасоны в блокнот, а сейчас протягивает мужу кусочек красной ткани и требует приобрести такую же для нового платья. Супруг стоит рядом с шапкой в руках и терпеливо выслушивает её распоряжения. Судя по его виду, спорить с женой он даже не пытается.
Но посмотрите в правый угол картины. Там, среди разбросанных игрушек, сидит маленький мальчик и горько плачет. Кажется, ребёнок давно ждёт, когда кто-нибудь обратит на него внимание. Однако мать слишком увлечена разговором о нарядах, а отец занят требованиями супруги. И пока взрослые обсуждают очередную покупку, малыш остаётся один со своими переживаниями. Мне кажется, именно из-за этой детали вся сцена приобретает совершенно другой смысл.
Есть здесь и ещё один любопытный персонаж – темнокожий слуга в длинной жёлтой полосатой кандуре. По замыслу художника, хозяйка привезла его из Парижа в качестве необычной забавы. Теперь он повсюду сопровождает свою госпожу, внимательно следит за каждым её движением и готов исполнить любое поручение.
К сожалению, Федотов так и не закончил «Жену-модницу». В этот период его положение заметно ухудшилось. Если прежде критики восхищались наблюдательностью художника и его умением высмеивать человеческие слабости, то теперь некоторые начали обвинять его в чрезмерной злости по отношению к героям собственных картин.
Особенно резко о Федотове отзывался журнал «Москвитянин». Его произведения называли «временной живописью» и утверждали, что подобному искусству нет места в христианском обществе. Постепенно художник лишился заказов на картины, а цензурный комитет запретил выпускать для продажи гравюры с его картин.
Всё это тяжело сказалось на Федотове. Он болезненно переживал происходящее и всё больше разочаровывался в окружающем мире. Ему казалось, что человеческие пороки, которые он столько лет высмеивал, никуда не исчезают, а общество становится только хуже. И всё же художник продолжал работать. Иногда он рассказывал друзьям о новых замыслах, поражая их глубиной и необыкновенной силой своего воображения.
Возвращаясь к «Жене-моднице», мне нравится, как много Федотов сумел рассказать об этой семье через одну небольшую сцену. Здесь есть и насмешка над слепым увлечением заграничной модой, и растерянный муж, и маленький ребёнок, которому сейчас очень нужна материнская забота. И чем дольше рассматриваешь картину, тем меньше хочется смеяться над происходящим.
👏2
Девушка отчаянно уклоняется от объятий ослеплённого страстью Аполлона, опустившегося на колени и обнимающего Дафну за талию. Её тело изогнуто в предсмертном или спасительном порыве, а руки заслоняют лицо от взора преследователя. Картину «Аполлон и Дафна» французский живописец Теодор Шассерио написал в 1844–1845 годах.
Сюжет картины восходит к «Метаморфозам» Овидия и печальному мифу о безответной страсти. Оскорблённый гордыней Аполлона, бог любви Эрот поразил его золотой стрелой, внушающей слепую страсть, а в сердце нимфы Дафны пустил свинцовую стрелу, убивающую любое чувство. Преследуемая пылким юношей, истощённая бегством Дафна воззвала к своему отцу, речному богу Пенею, умоляя отнять у неё красоту, принёсшую столько страданий. В то самое мгновение, когда Аполлон уже настиг её, тело нимфы онемело и на глазах у поражённого влюблённого превратилось в лавровое дерево.
Композиция строится на драматическом контрасте мольбы и полного отторжения. Шассерио превращает погоню в тихий, почти застывший момент трансформации: ноги Дафны уже врастают в землю, прорастая корнями и обращаясь в лавровый ствол. Висящая на плече Аполлона лира и его сбившийся алый плащ подчёркивают тщетность божественного могущества: перед лицом непреклонной воли нимфы даже бог оказывается бессилен.
Теодор Шассерио (1819–1856) — интересная фигура во французском искусстве XIX века, ставшая мостом между строгим классицизмом Жана Огюста Доминика Энгра и бурной эмоциональностью Эжена Делакруа. Будучи любимым учеником Энгра, он унаследовал безупречность линии и пластику женского тела, однако наполнял свои мифологические сюжеты восточной экзотикой, тревожным светом и романтической меланхолией.
Картина хранится в Музее Лувра в Париже.
Сюжет картины восходит к «Метаморфозам» Овидия и печальному мифу о безответной страсти. Оскорблённый гордыней Аполлона, бог любви Эрот поразил его золотой стрелой, внушающей слепую страсть, а в сердце нимфы Дафны пустил свинцовую стрелу, убивающую любое чувство. Преследуемая пылким юношей, истощённая бегством Дафна воззвала к своему отцу, речному богу Пенею, умоляя отнять у неё красоту, принёсшую столько страданий. В то самое мгновение, когда Аполлон уже настиг её, тело нимфы онемело и на глазах у поражённого влюблённого превратилось в лавровое дерево.
Композиция строится на драматическом контрасте мольбы и полного отторжения. Шассерио превращает погоню в тихий, почти застывший момент трансформации: ноги Дафны уже врастают в землю, прорастая корнями и обращаясь в лавровый ствол. Висящая на плече Аполлона лира и его сбившийся алый плащ подчёркивают тщетность божественного могущества: перед лицом непреклонной воли нимфы даже бог оказывается бессилен.
Теодор Шассерио (1819–1856) — интересная фигура во французском искусстве XIX века, ставшая мостом между строгим классицизмом Жана Огюста Доминика Энгра и бурной эмоциональностью Эжена Делакруа. Будучи любимым учеником Энгра, он унаследовал безупречность линии и пластику женского тела, однако наполнял свои мифологические сюжеты восточной экзотикой, тревожным светом и романтической меланхолией.
Картина хранится в Музее Лувра в Париже.
❤2
Жена приехала
Интенсивное освоение целинных земель, начавшееся советским народом в середине 50-х годов прошлого века, явилось непростой задачей. Людям, занятым важным для страны трудом, требовались не только сильные и честные сподвижники, но и деятельная поддержка близких. Картина «Жена приехала» написана Ливием Щипачёвым в 1958-м году.
С железнодорожной станции по непролазной грязи, громыхая бортами, полуторка, наконец, добралась до рабочего посёлка. В пункте назначения машину с нетерпением ждали. Крепкий мужчина в грубых высоких сапогах бережно снял с подножки единственную пассажирку. Первые мгновения он не решается опустить женщину на землю. Слишком долго супруги были в разлуке, и теперь вся нерастраченная нежность проявилась в трепете молчаливых объятий.
Главный герой словно не может напитаться долгожданным теплом. Жена прячет заплаканное лицо, уткнувшись в шею мужа. Небесного цвета плащ как бы подчёркивает, что её приезд воспринимается обоими как нечто из разряда заоблачных мечтаний. За чудом воссоединения семьи наблюдает молоденький шофёр. Он собирался было выгрузить нехитрый багаж, но заворожённый разыгравшейся сценой, не желает мешать встрече двух истосковавшихся сердец.
Работа была представлена публике в 1960-м в рамках Первой Республиканской выставки «Советская Россия». Получив высокую оценку зрителей и критиков, её репродукции часто появлялись на страницах отечественных журналов.
Сегодня полотно хранится в коллекции Тюменского музейного комплекса им. Словцова.
Интенсивное освоение целинных земель, начавшееся советским народом в середине 50-х годов прошлого века, явилось непростой задачей. Людям, занятым важным для страны трудом, требовались не только сильные и честные сподвижники, но и деятельная поддержка близких. Картина «Жена приехала» написана Ливием Щипачёвым в 1958-м году.
С железнодорожной станции по непролазной грязи, громыхая бортами, полуторка, наконец, добралась до рабочего посёлка. В пункте назначения машину с нетерпением ждали. Крепкий мужчина в грубых высоких сапогах бережно снял с подножки единственную пассажирку. Первые мгновения он не решается опустить женщину на землю. Слишком долго супруги были в разлуке, и теперь вся нерастраченная нежность проявилась в трепете молчаливых объятий.
Главный герой словно не может напитаться долгожданным теплом. Жена прячет заплаканное лицо, уткнувшись в шею мужа. Небесного цвета плащ как бы подчёркивает, что её приезд воспринимается обоими как нечто из разряда заоблачных мечтаний. За чудом воссоединения семьи наблюдает молоденький шофёр. Он собирался было выгрузить нехитрый багаж, но заворожённый разыгравшейся сценой, не желает мешать встрече двух истосковавшихся сердец.
Работа была представлена публике в 1960-м в рамках Первой Республиканской выставки «Советская Россия». Получив высокую оценку зрителей и критиков, её репродукции часто появлялись на страницах отечественных журналов.
Сегодня полотно хранится в коллекции Тюменского музейного комплекса им. Словцова.
❤2🥰1👏1
Что за письмо так увлекло эту молодую девушку? Она внимательно вчитывается в строки, слегка приоткрыв рот, и, кажется, совершенно забыла обо всём вокруг. В 1876 году Илья Репин написал её портрет, который получил название «Читающая девушка». По некоторым сведениям, художнику позировала сестра его жены.
Девушка устроилась в мягком бордовом кресле с высокой спинкой. На ней простое чёрное платье с белым воротничком и манжетами, она почти без украшений. Зато какие у неё красивые волосы! Пышные золотисто-рыжие локоны подсвечены сзади и буквально сияют на фоне тёмной одежды. Благодаря этому свету портрет получился таким живым и тёплым.
Репин очень тонко передал выражение лица героини. Она полностью погружена в чтение, а её взгляд сосредоточен на большом листе бумаги, который она держит обеими руками. На коленях лежит вскрытый конверт. Интересно, от кого пришло это послание? Может быть, девушка получила долгожданные вести от близкого человека или узнала что-то совершенно неожиданное?
Сегодня «Читающая девушка» хранится в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан в Казани.
Девушка устроилась в мягком бордовом кресле с высокой спинкой. На ней простое чёрное платье с белым воротничком и манжетами, она почти без украшений. Зато какие у неё красивые волосы! Пышные золотисто-рыжие локоны подсвечены сзади и буквально сияют на фоне тёмной одежды. Благодаря этому свету портрет получился таким живым и тёплым.
Репин очень тонко передал выражение лица героини. Она полностью погружена в чтение, а её взгляд сосредоточен на большом листе бумаги, который она держит обеими руками. На коленях лежит вскрытый конверт. Интересно, от кого пришло это послание? Может быть, девушка получила долгожданные вести от близкого человека или узнала что-то совершенно неожиданное?
Сегодня «Читающая девушка» хранится в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан в Казани.
🥰2
"Зимний вечер в лесу", Арсений Иванович Мещерский
1884 г. Холст, масло, 47 х 39 см. Частная коллекция
Арсений Иванович Мещерский (1834–1902) — русский живописец, характерный мастер академического пейзажа второй половины XIX века. Часть биографии загадочного художника покрыта тайнами. А что и вовсе интересно - Арсений Иванович всегда считал себя «рисовальщиком» природы, а не живописцем, как принято.
Сын крестьянина был зачислен в Императорскую Академию художеств, где учился у Федора Бруни, Сократа Воробьева и Тимофея Неффа. В 1857 году он бросил Академию и переехал в Швейцарию (за свой счет или за счет мецената), чтобы совершенствовать свои живописные навыки, обучаясь у пейзажиста Александра Калама (1810-1864).
В 1879 году он заболел пневмонией, у него возникли осложнения, и он почти два месяца находился на грани смерти. Он выздоровел, но всю оставшуюся жизнь страдал от затрудненного дыхания, особенно зимой.
В середине ноября 1902 года газета «Новое время» (между рекламой мыла и перчаток) опубликовала некролог, в котором отмечалось, что «Арсений Мещерский, профессор пейзажной живописи, пользовавшийся когда-то большой популярностью...», умер от приступ «астмы».
Да революции картина "Зимний вечер в лесу" находилась в коллекции купца Людвига Крона, Санкт-Петербург. 6 июня 2018 года пейзаж был продан на аукционных торгах за £ 14 300. Имя нового владельца неизвестно.
1884 г. Холст, масло, 47 х 39 см. Частная коллекция
Арсений Иванович Мещерский (1834–1902) — русский живописец, характерный мастер академического пейзажа второй половины XIX века. Часть биографии загадочного художника покрыта тайнами. А что и вовсе интересно - Арсений Иванович всегда считал себя «рисовальщиком» природы, а не живописцем, как принято.
Сын крестьянина был зачислен в Императорскую Академию художеств, где учился у Федора Бруни, Сократа Воробьева и Тимофея Неффа. В 1857 году он бросил Академию и переехал в Швейцарию (за свой счет или за счет мецената), чтобы совершенствовать свои живописные навыки, обучаясь у пейзажиста Александра Калама (1810-1864).
В 1879 году он заболел пневмонией, у него возникли осложнения, и он почти два месяца находился на грани смерти. Он выздоровел, но всю оставшуюся жизнь страдал от затрудненного дыхания, особенно зимой.
В середине ноября 1902 года газета «Новое время» (между рекламой мыла и перчаток) опубликовала некролог, в котором отмечалось, что «Арсений Мещерский, профессор пейзажной живописи, пользовавшийся когда-то большой популярностью...», умер от приступ «астмы».
Да революции картина "Зимний вечер в лесу" находилась в коллекции купца Людвига Крона, Санкт-Петербург. 6 июня 2018 года пейзаж был продан на аукционных торгах за £ 14 300. Имя нового владельца неизвестно.
❤1
Одно неверное движение — и чайная церемония будет испорчена. Молодая девушка у накрытого стола уже нетерпеливо заносит руку над заварником, но бабушка у очага мгновенно пресекает эту попытку, давая юной внучке важный урок. Секрет прост: заварку заливают исключительно кипятком прямо с огня. На картине «В кипяток!» английский мастер Эдвин Томас Робертс запечатлел забавный и трогательный момент передачи опыта между двумя поколениями.
Сюжет картины отсылает к знаменитой английской чайной традиции, свято соблюдавшейся в викторианских домах: чайник с заваркой нужно заливать строго закипевшей водой. В центре композиции — эмоциональный и визуальный диалог двух женщин: юношеская пылкость, задорная улыбка и нетерпение молодой девушки сталкиваются с неторопливым опытом и сдержанной заботой старушки. Каждая деталь интерьера — от дымящегося очага и массивного кувшина на полу до хрустальной сахарницы и фарфоровых чашек — служит лишь фоном для этого мягкого, шутливого житейского урока.
Эдвин Томас Робертс (1840–1917) — мастер викторианской жанровой живописи, снискавший широкую популярность благодаря своим остроумным, искренним и поэтичным сценам из жизни простых английских семей. В эпоху, когда британское общество стремительно индустриализировалось, публика искала в живописи отдушину — идеализированный мир уюта, где сохраняются традиционные ценности, уважение к старшим и нехитрые радости очага.
Сегодня полотно периодически появляется на мировых аукционах живописи.
Сюжет картины отсылает к знаменитой английской чайной традиции, свято соблюдавшейся в викторианских домах: чайник с заваркой нужно заливать строго закипевшей водой. В центре композиции — эмоциональный и визуальный диалог двух женщин: юношеская пылкость, задорная улыбка и нетерпение молодой девушки сталкиваются с неторопливым опытом и сдержанной заботой старушки. Каждая деталь интерьера — от дымящегося очага и массивного кувшина на полу до хрустальной сахарницы и фарфоровых чашек — служит лишь фоном для этого мягкого, шутливого житейского урока.
Эдвин Томас Робертс (1840–1917) — мастер викторианской жанровой живописи, снискавший широкую популярность благодаря своим остроумным, искренним и поэтичным сценам из жизни простых английских семей. В эпоху, когда британское общество стремительно индустриализировалось, публика искала в живописи отдушину — идеализированный мир уюта, где сохраняются традиционные ценности, уважение к старшим и нехитрые радости очага.
Сегодня полотно периодически появляется на мировых аукционах живописи.
👍2