​​Вот как не надо самоизолироваться. Показывает Полански.

Резня / Carnage
2011, Роман Полански

Ох уж эти дети. Они постоянно шкодничают, хулиганят и дерутся, особенно мальчики. Вот и две супружеские пары из ленты польско-французского классика ощутили на себе всю тяжесть родительской ноши. Сын Нэнси (Кейт Уинслет) и А́лана (Кристоф Вальц) выбил палкой два зуба сыну Пенелопы (Джоди Фостер) и Майкла (Джон Си Райли). Семейные пары по такому случаю решают мирным путем урегулировать инцидент, но оказавшись в пространстве одной квартиры, что-то начинает идти не так. Это, собственно, вся завязка.

На первый взгляд, в фильме с таким названием нас непременно ждет море кровищи, торчащих кишок и всего такого, но не торопитесь с выводами. Это далеко не о кровавых брызгах и расчленении, совсем нет. Это скорее психологическая мясорубка, нарастающая резня нервных клеток персонажей. И это сразу первый большой плюс фильма — стандартный ярлычок снят, приятная неожиданность с самого начала... спектакля. Да, это скорее даже не фильм, а камерный спектакль на четыре персоны. И так оно есть — картина снята по нашумевшей пьесе французской актрисы и драматурга Ясмин Реза "Бог резни".

На протяжении чуть более 70 минут мы наблюдаем, как четверо вроде бы интеллигентных и добропорядочных человека верхнего класса скидывают маску напускной учтивости. По сути весь фильм — это плавное снижение вежливости в комнате, медленная потеря самообладания и, черт возьми, на это жутко любопытно смотреть. Этакая высшая форма вербального действа, когда сталкиваются мировоззрения, взгляды, моральные ориентиры. В какой-то момент сама причина встречи становится маловажной, и герои с ветерком устремляются в пучину собственных противоречий: между парами, между гендерами, между идеологиями и.т.д. Конфликт в его первозданном виде.

Роман Полански ясно выстраивает постановку кадра для каждой из частей фильма, показывая происходящее развитие беседы. Он уделяет большое внимание голосовой и эмоциональной модуляции диалога и языку тела. Сначала пары сидят и стоят вместе, везде вдвоем. Постепенно кто-то из пар начинает передвигаться самостоятельно, и бац, наружу всплывают уже личные проблемы внутри семей. Союзники и противники то и дело меняются местами, разъединяясь окончательно к концу фильма, как бы намекая на всюду правящий Закон Джунглей, где каждый за себя.

Конечно, в этом фильме решает шикарный актерский ансамбль. Актеры великолепны, заслуживают оваций. Каждый из них раскрывается по ходу развития событий с совершенно другой стороны, демонстрируя своё, простите за клише, истинное лицо. Так выглядит изумительная актерская игра и высочайший уровень драматургии. Мой личный респект Вальцу, его герой поверяет — он самый циничный, по-хаусовски саркастичный, но зато прямой и до хамства откровенный персонаж.

"Резня" — это уморительное кино, которое при всей своей минималистичности действий, заставляет смотреть себя внимательно и не отрываясь. Рекомендую.

«О, я смотрю, вы оживились, проблевавшись!»

8,4/10

#incinema_movie

Молчание ягнят. Сладострастная смерть Сальвадора Дали.

На постере к фильму «Молчание ягнят» изображено лицо Джуди Фостер, рот которой закрывает бабочка Бражник — мертвая голова (лат. sphingidae). Но если в реальной жизни на спинке насекомого слегка угадываются очертания человеческого лица, то на афише мы видим череп, сотканный из женщин. В буквальном смысле. Потому что это фотография Филиппа Халсмана и Сальвадора Дали. на которой изображены семь обнаженных женщин, поставленных в определённые позы.

Оба художника любили тему смерти, поэтому еще за 40 лет до выхода киноленты затеяли большую серию Dali Atomicus из 28 снимков. И «Сладострастная смерть» (лат. Voluptas Mors) была первой фотографией в ней. Главная задача заключалась в том, чтобы обнаженные женщины не смотрелись эротично.

В самом фильме преступник помещал куколку бабочки в рот своих жертв, что символизировало его перерождение в женщину, подобно метаморфозе насекомого, перерождающегося из гусеницы в бабочку.

#incinema_posterday
#incinema_painting

​Одержимость vs Черный лебедь. Чем они похожи. Акт 1.

Всем привет! Сегодня решил рассказать сразу о двух крутейших кинолентах, которые вы наверняка смотрели. Если же нет, то настоятельно рекомендую сделать это. В частности, я хочу остановиться на сценарных аналогиях двух кинокартин. Предупреждаю сразу, что это будет продолжительная тема, длительностью в несколько дней. И сегодня первая часть о сходствах завязок двух фильмов. Погнали.

Оба фильма рассказывают о молодых людях, стремящихся к совершенству в своей творческой стихии. Эндрю практикуется на ударных, а Нина активно готовится ко главной роли в балетной постановке. Мы погружаемся за кулисы миров, которые большинство из нас никогда не увидят. Оба фильма также имели маленькие бюджеты, но очень добротные сценарии, которым строго следовали. Итог: Оскар за блестящую актерскую игру и там, и там. Но что самое важное, так это то, что оба фильма повествуют о стремлении артистов к величию через страдания и лишения.

Какими художественными приемами, методами и деталями пользуются авторы, рассказывая об одержимости двух героев?

Акт 1. Завязка. Желание. Драматический вопрос.

Каждая история начинается с завязки, то есть с поворотного момента, когда герой осознает, что хочет что-то изменить, что у него появляется цель. В "Одержимости" ("Whiplash" или букв. ремень кнута) завязка происходит на первой страницы сценария, во время встречи с мастером. После нее главный герой мечтает только о попадании в лучшую студию в Шаффере. В "Черном лебеде" ("Black Swan") она формулируется немного позже, с объявления о том, что в этом году будет ставиться "Лебединое озеро". Это одна из важнейших постановок, о главной роли в которой и начинает грезить Нина.

С мотивировками персонажей пока все понятно. Но в чем их причина, или лучше — природа? Об этом авторы нам рассказывают, помещая героев в пространство собственных квартир и сталкивая с родителями. Мама Нины окружает дочь плюшевыми игрушками, не давая ей по-настоящему повзрослеть. Для Эндрю главной причиной служит отец, несостоявшийся писатель. Для обоих героев их родители отождествляют заурядность, которой они сами ужасно боятся. А если есть страх, значит есть желание. Желание его перебороть. Именно по такой траектории решают двигаться Эндрю и Нина. И тут в дело вступают менторы.

Наставники главных героев имеют абсолютную власть. Они занимают высшее положение внутри фильма, и что самое главное — ставят героям задачи. Они бросают им вызов. Таким образом, менторы ставят перед персонажами драматические вопросы:

▫️Будет ли Эндрю в состоянии заставить играть себя еще быстрее, сможет ли они приблизиться к мечте?
▫️Будет ли Нина в состоянии перестать волноваться, сбросит ли она всю детскость и сможет ли предстать перед нами в образе Черного лебедя?

В конце первого акта, как бы решаясь на первые шаги, герои совершают нехарактерные для себя действия. Эндрю приглашает девушку на свидание, а Нина идет к Бреннану, чтобы уговорить его дать ей роль. Герои достигают первых побед, но они еще не знают, что это была самая легкая часть. Впереди их ждет настоящая жесть. Антракт.

Как вам такой формат? Стоит ли продолжать тему и выпускать следующие части? Отпишитесь еще в чате, кто что думает о фильмах.

#incinema_analysis

ps публикация имеет иностранный первоисточник, здесь её вольный краткий перевод.

Угадаете фильм по постеру?

Давненько у нас не было этой рубрики. Исправляюсь. Что можно сказать о фильме, альтернативный постер которого вы сейчас видите? Что этот фильм тоже состоит из вопросов. Вопросов у зрителей, вопросов ко зрителям. Герои (или герой) картины по сюжету тоже постоянно вопрошают. Наверняка, и сами авторы задавались вопросами сотни раз, пока создавали фильм. Эта кинолента, возможно, не лучшая работа режиссёра, но точно основополагающая. Она определила ключевые темы и задала ключевые вопросы, на которые автор пытается дать ответы в своих работах. Но пока что, честно говоря, ответов не прибавляется, а наоборот — у нас лишь множатся вопросы.

#incinema_vote

​Как насчет хоррор-вестерна этим вечерочком? Согласен, самое то!

Костяной томагавк / Bone Tomahawk
2015, С. Крэйг Залер

Я посмотрел этот фильм вчера после того, как о нем упомянул в одном из своих обзоров небезызвестный в России видеоблогер. И, с одной стороны, я был приятно удивлен, фильм мне понравился. А с другой, немного раздосадован, потому что я ни разу не натыкался на эту любопытную (как минимум!) картину за 5 лет с момента ее выхода. Что-ж, тем, может, и лучше. Эта колоритная картина на стыке ковбойского роуд-мув и слэшера о каннибалах навряд ли позволит вам оторваться от экрана в течение двух часов. Но обо всем по порядку.

Перед нами предстает небольшой городок "Светлые надежды" на Диком Западе конца 19-го века. В нем все как положено: в местных салунах с фирменными дверями в стиле "batwing doors" наливают вискарь, а усатый шериф является беспрекословным авторитетом. Но тихой и размеренной жизни приходит конец, когда городишко подвергается дерзкому ночному набегу. Несколько горожан убиты, помощник шерифа, заключенный и местная врач захвачены в плен, а город шокирован. Выясняется, что произошедшее — дело рук троглодитов, индейского племени-каннибалов, о котором даже в кругах ассимилированных индейцев говорить не принято.

Все. После этого, строго говоря, не происходит больше ничего, кроме трехдневной экспедиции сурового шерифа (Курт Рассел), его старика-помощника (Ричард Дженкинс), бывалого охотника (Мэттью Фокс) и ковбоя-супруга похищенной женщины (Патрик Уилсон), который недавно сломал ногу и на вряд ли будет полезен в случае встречи с таинственными индейцами из племени пещерных людей. Его боль мы в какой-то момент начинаем ощущать на себе. Режиссёр по-хорошему повернут реализмом — в декорациях, в сценах насилия, в диалогах, в актерской игре. Я не попросту отметил каждого актера. Возможно, не каждое имя на слух узнаваемо, но это крепкий мужской актерский состав, который отлично вписался в эпоху.

Стоит предупредить, что это не трэш, от слова "совсем", хотя пара-тройка эпизодов реально ужасает. В остальное же время мы наблюдаем за хорошо переданной атмосферой местности и исторического периода. Болтовня некоторых персонажей отдаленно напоминает тарантиновские диалоги ни о чем, но в "Костяном томагавке" они носят утилитарный характер, прекрасно раскрывая характеры героев. Им начинаешь сопереживать с первых минут, возникает желание подробнее узнать историю каждого. Похвала режиссеру, для дебютной картина это очень круто.

Упоминание Тарантино тоже не пустое, ведь какое имя мы сейчас вспоминаем, думая о вестернах? Конечно, Квентина, это его территория: "Джанго освобожденный", "Омерзительная восьмерка". Решение Залера зайти на это поле рискованное, велики были шансы скатиться в фарс, но нет. На выходе мы получили добротную и брутальную картину о мужчинах, готовых дать отпор чужакам, забравшимся к ним домой, и пустить скупую мужскую слезу, смотря на любимую умирающую лошадь. Это элегантная картина максимально самостоятельна, она избегает соблазна ненужной стилизации, пугая не за счет кровавой бутафорской атрибутики, а посредством искусно переданного гнетущего ожидания смерти.

Что по итогу? Тут требуется оговориться, что фильм не для слабонервных, но просмотра однозначно достоин. "Костяной томагавк" — это не просто вестерн с элементами кровавого фильма ужасов. Это затягивающее и тревожное кино, в котором страх возвращается к своему девственному состоянию: ко страху неизвестности. Мы, как и герои, постепенно, по-хичковски, взращиваем в себе тревогу по мере приближения к месту обитания пещерных людей. Мы не знаем, что там будет, но ждем только смерти. Ведь Дикий Запад назвался диким когда-то не просто так.

7,7/10

#incinema_movie

"Мой фильм готов, его осталось только снять“

— говорил когда-то французский режиссёр Рене Клер. "И докрасить", — добавят теперь современные авторы.

На Пикабу есть большой подробный пост о цвете в кино с уклоном в технические моменты. Суть его в том, что сначала фильмы совсем не такие, какими мы их видим на экране. Детали — в вышеуказанной ссылке, а пока — вот вам видео, где ламповая домашняя съёмка превращается в хоррор чудесами цветокоррекции. Я лично фильм этот не смотрел, но интересно взглянуть на то, как создаётся атмосфера ужастиков.

#incinema_details

Иди и смотри. Гиперреализм и шок.

Основа любого фильма — это конфликт. Он подразумевает изменение героя по ходу фильма. Обычно это касается его ценностей, установок, убеждений, поведения, реже — его физического облика. Как, например, в фильме "Загадочная история Бенджамина Баттона". Но это скорее исключение, так как в упомянутом фильме оно заложено в основу сюжета.

Однако, в киноленте Элеме Климова "Иди и смотри" мы видим, как веселый и жизнерадостный юный парнишка, став свидетелем и участником страшной войны, всего за два дня на наших глазах превращается в глубокого седого старика. Эта метаморфоза в сочетании с гиперреалистическим подходом к изображению создает неизгладимый и шокирующий эффект, делая "Иди и смотри", пожалуй, самым жутким и ошеломляющим фильмом о войне из всех когда-либо снятых в истории. Он вызывает неподдельный страх.

Фильм до сих пор служит в качестве ориентира современным режиссерам — от Стивена Спилберга ("Спасти рядового Райана") до Кристофера Нолана ("Дюнкерк").

#incinema_details

​Почему "Меланхолия" Ларса фон Триера такая красивая?

Меланхолия / Melancholia
2011, Ларс фон Триер

Пока я готовился к написанию этого поста, то понял, что нет никакого смысла рассказывать об этом фильме в духе классической рецензии, которые я регулярно здесь публикую. Его нет по той простой причине, что а) об этом фильме много чего уже написано, снято и сказано б) велика вероятность, что пост получится запредельно огромным и толком ни о чем. Поэтому я просто решил написать несколько абзацев об утилитарной важности красоты этого фильма, которая существует тут наравне с эстетической важностью. А вы уже сами решайте, смотреть кино или нет. Впрочем, как и всегда.

Скажу сразу, что это мой любимый фильм Ларса фон Триера. В этом плане я мало чем отличаюсь от большинства. Во-первых, "Меланхолия" визуально более располагающая к себе, во-вторых, в смысловом плане она для рядового зрителя безусловно попроще и менее шокирующая, чем другие картины режиссёра. Даже тех, которые выходили после нее, например, того же массового (но не менее авторского) "Дома, который построил Джек". Своей доступностью "Меланхолия", конечно, привлекает. Но глупо полагать, что датчанин старался снять фильм покрасивше, ради забитых залов попкорновыми зрителями. Отнюдь.

Как я уже сказал, "Меланхолия" — это красивый фильм-опера с восьмиминутным прологом. Он красив визуально, он красив содержательно. Сюжет о том, что наша планета погибает от огромной голубой планеты "Меланхолия" настолько романтичный и прекрасный, что диву даешься во время просмотра. Удивляешься, потому что ленту снял режиссер, в свое время реально узаконивший пренебрежение общепринятыми правилами съемки кино: говнистый монтаж, отсутствие нормального выставленного света, профессиональных актеров, закадровой музыки и спецэффектов. Подробнее об этом авангардном движении, которое создал Триер, читайте в интернетах. Поэтому сначала вся эта эстетическая вылизанность "Меланхолии" изумляет. Но потом все становится на свои места.

Пышность и нарочитая красивость фильма — очередной радикальный прием датского художественного террориста. И хоть Триер отплевывался от снятой картины, называл ее девчачьей или диснеевской сказочкой, сетовал, что фильму не хватило провокативности (а у него без нее совсем никак), тем не менее он получил удовольствие от съемок. Он испытывал странную потребность в фильме, который ему не будет нравится, но во время съемок которого он получит истинное удовольствие. Почему? Потому что по итогу он добился чего хотел: Триер снова снял фильм о себе любимом и снял совершенно нетоскливый фильм о тоске. И это правда фильм о любви человека и меланхолии.

В фильме все завязано на двойственности: два акта, принципиально отличающиеся друг от друга методами съемки; две героини-сестры, крайние противоположности друг другу и две планеты, которые вот-вот столкнутся. "Меланхолия" заставляет зрителя эмоцировать прежде всего визуальными приемами: досконально выверенными мизансценами, картинными пейзажами, чередой очевидных референсов к живописи, в первую очередь, прерафаэлитам, и другим нарочно эстетизированным кадрам. Но надо понимать, что все это ничто иное как поэтизация расколотого состояния автора — идея для фильма ему пришла во время сеанса психотерапии при лечении депрессии.

Так или иначе, если вы хотите начать знакомство с датским режиссером, то советую начинать с этой картины. Да, она очень личная, она про затяжную депрессию автора, Она вторая в "депрессивном цикле" автора, и логично стоит после "Антихриста". Но все это нюансы, о которых может и не надо вам знать. В конце концов, это ведь и просто красивый фильм о конце света с лежащей "ню" Кирстен Данст на берегу водоема в призрачном свете планеты Меланхолии.

9,2/10

#incinema_movie

Я: в этот раз не будет большой рецензии, только пару абзацев о фильме.
Тоже я: шесть абзацев и три с половиной тысячи знаков текста. Сорян)

Как вам "Меланхолия" Ларса фон Триера?

​Это альтернативный постер к фильму Кристофера Нолана "Помни".

Большая часть проголосовавших поняли, что речь идет о фильме этого британо-американского режиссёра. Только вот с самим фильмом большинство ошиблись, проголосовав за "Начало". Некоторые сходства между фильмами, конечно, имеются, — в первую очередь, это фирменная игра со временем режиссёра. На ней я подробно останавливался в публикации про "Дюнкерк". В "Начале" время и его течение меняется в зависимости от уровня сна. А в "Помни" махинации со временем лежат в основе фильма: фабула (события в хронологической последовательности) и сюжет (ряд выстроенных событий в худ.произведении) расходятся, так как одна из сюжетных линий имеет инверсионную структуру, то есть движется в обратном направлении.

Короче говоря, во всех своих фильмах Нолан путает и сбивает с толку зрителя. Но полароидная фотография на постере отсылает нас все-таки к его второй полнометражной картине "Помни" (лат. Memento). В фильме фотография — это и своеобразный инструмент запоминания для героя, и некое материальное воплощение его сломанной памяти, стирающей (или заталкивающей вглубь) воспоминания.

Сам режиссер так объяснял смысл картины: "Весь фильм — это взгляд внутрь: в личную реальность человека, в его жизнь; взгляд в то, с чем вынужден постоянно бороться человек: сам с собой и, конечно, с окружающей реальностью тоже. Кроме того, это взгляд на жизнь и мысли человека, чьё восприятие реальности и чей способ жизни полностью отличается от общепринятого. И я очень надеюсь, что мы поможем задуматься над собственным подходом к жизни. «Помни» — это взгляд внутрь, но это также и возможность взглянуть на мир глазами другого человека".

На пикабу, кстати, есть удобочитаемый анализ содержательной стороны картины. Но не забывайте, хорошее кино никогда не выдает всех своих секретов.

#incinema_details — интересные детали из фильмов, которые вы могли пропустить.
#incinema_movie — малоизвестные картины, которые вы могли пропустить.
#incinema_bts — то, что осталось за кадром, или как снимались любимые фильмы.
#incinema_compilation — небольшие подборки любопытных кинолент.
#incinema_posterday — крутые альтернативные постеры фильмов.
#incinema_painting — живопись и кино, режиссёры цитируют художников.
#incinema_vote — угадываем и делимся мнением.
#incinema_analysis — подробный анализ фильма или его отдельной частности.

Рэпчик, Джанго, Тарантино.

Квентин Тарантино не стал привлекать для «Джанго освобожденного» композитора, а просто собрал саундтрек из своих любимых композиций. Особенность, правда, в том, что это, пожалуй, самый эклектичный в плане музыки фильм режиссера. Мелодии из спагетти-вестернов (в том числе из «Джанго» Серджио Корбуччи) здесь соседствуют с фолк-роком 1970-х годов, а классика Бетховена и Верди — со свежим хип-хопом Рика Росса и RZA. Последнее кажется несколько спорным — рэп вроде бы не очень сочетается с антуражем середины XIX века. Но Тарантино таким образом хотел подчеркнуть связь того времени и современности.

И это далеко не все оценили. Например, Эннио Морриконе заявлял, что никогда не станет работать с режиссером, который так возмутительно относится к музыке в кино. Однако он погорячился. Уже для «Омерзительной восьмерки», всего лишь спустя пару лет, именно Морриконе сочинил саундтрек, первый, кстати, в фильмографии Тарантино. Великий композитор получил за эту работу «Оскар».

#incinema_bts

Влияние цвета в кино на зрителя. Часть 3.

Продолжаем серию постов, посвященных цвету в кино и тому, как он психологически и эмоционально влияет на зрителя. В 1-ой части кратко разобрали смысловые окраски основных оттенков, 2-ая часть была посвящена вспомогательной функции цвета, когда он подсказывает место действия в сложном повествовании. Сегодня рассмотрим как цвет в кинематографе помогает развитию сюжета и грамотно расставляет акценты.

В фильме «Драйв» превалирует оранжевая гамма. Но когда когда герой Райана Гослинга жестоко расправляется с противником прямо на глазах героини, кадр с ней окрашивается в синие оттенки, что символизирует её охлаждение к нему, что она не будет относиться к нему как прежде уже никогда. А герой остается в оранжевом цвете, дверь лифта закрывается, разделяя персонажей.

В картине «Побег из Шоушенка» тюрьма и все события, происходящие на ее территории, окрашены в пыльно-серые и синие цвета, а вот кадры на воле — яркие, сочные и жизнерадостные. Так создатели подчеркнули, насколько сильно отличаются друг от друга эти два мира.

А помните, какие яркие и красочные первые две части «Гарри Поттера»? Частично это связано с манерой съемки Криса Коламбуса, но произошло это еще и потому, что в них Гарри еще совсем ребенок. Кстати, такой же прием использован, когда нам показывают детские воспоминания профессора Снейпа, где мы видим Лили, маму Гарри. И чем мрачнее становится история, тем меньше ярких оттенков остается в повествовании — последние картины становятся темными и по содержанию, и по цветовому наполнению. Особенно это заметно в трагических сценах и битвах.

#incinema_details

А в сериале «Во все тяжкие» есть один незаметный, но любопытный цветовой прием в момент произношения Уолтером своей известной фразы «Я и есть опасность». Обратите внимание на его одежду. В начале диалога Уолтер сидит рядом с супругой в красной рубашке — хоть он и злится, но перед нами все еще тот самый учитель химии. Но потом он начинает выходить из себя, снимает рубашку, остается в темно-бордовой футболке, произносит свою коронную фразу — и перед нами уже будто другой человек, уверенный и куда более злой. Произошел внутренний коренной перелом и перевоплощение Уолтера в наркобарона.

Друзья, если хотите поделиться мнением, предложить новость или просто что-нибудь написать, то @kinoiskusstvo_bot к вашим услугам.

#incinema_details