Паранормальные явления.
Дом призраков.
2022, Джозеф Винтер

Название ленты - исключительный ужас наших локализаторов, которые пытаются на кривой козе объехать рядом с известной франшизой. В оригинале лента называется «Deadstream», и это самостоятельное кино.

Кроме того, «Deadstream» представитель двух жанров — ужасы/комедия, который самодостаточен как жанровое кино без претензий на высокое. По сюжету, блогер Шон снимал пранки, потом его закенселили, спонсоры ушли и, чтобы вернуть популярность, герой идет в типичный дом с приведениями.

Лучшее в фильме - это подача: лента сделана как скринлайф (но не Бекмамбетовский) и от первого лица. Получается такое многообразное макьюментери. Главное, что фильм работает как комедия и в какой-то момент начинает пугать как ужасы, долго нагоняя саспенс и в нужный момент выстреливая. Потому это такая масштабная попытка привнести в жанр новое, а на поприще бесконечных сиквелов и слоубёрнеров, выглядит даже убедительно.

#incinema_movie

Меня зовут Бонд. Джеймс Бонд.

Дэниел Крейг собирается произнести знаменитую фразу в заключительной сцене фильма "Казино Рояль", Вилла Гаэта, озеро Комо, Италия, 2006 год.

#incinema_bts

​Величие, депрессия и Ларс Фон Триер.

Ларс Фон Триер известен как режиссёр, способный передать чувство депрессии. У него есть даже трилогия, названная зрителями "трилогией депрессии". Некоторые считают его циником или провокатором, и возможно, они даже правы, но всё не так просто. Картины и методы работы Триера действительно провокационны. Датский режиссер известен своей эксцентричностью и противоречивыми выходками, и мы знаем, откуда растут ноги - из его детства!

Триер снял свой первый фильм в 11 лет, и он назывался "Путешествие в Тыквенную Страну". Этот мультфильм, выполненный из картона и фломастеров, напоминает раннюю советскую мультипликацию и заслуживает просмотра. О детстве режиссера: однажды, как рассказывает Триер, его отец залез на витрину магазина одежды и весь день притворялся манекеном, пугая прохожих. Он проводил флешмобы задолго до того, как стало популярным это слово. Иначе говоря, с раннего детства Триер рос на комбинации гениальности и детской игры.

Он говорил, что ему нравится быть "человеком, которого все ненавидят", и он придерживался этой идеи. В фильме "Эпидемия" актёру пришлось говорить текст, стоя по шею в ледяной воде, чтобы добиться необходимого звучания. Триер постоянно играл на эмоциях актеров, как в случае с Бьорк в фильме "Танцующая в темноте".
Режиссер мог подойти к ней и сказать: “отлично, это была прекрасная сцена, ты хорошо справилась”, а уже через минуту говорить помощнице: “распусти слух на площадке, что Бьорк выглядит отвратительно, и что ей не стоило пробовать себя в амплуа актрисы такого тяжелого фильма, это посмешище”. Триер хотел, чтобы у актрисы были невероятные перепады эмоций, которые она не смогла бы сдержать.

Триер описывал процесс взаимодействия с актерами разными странными метафорами, сравнивая себя с поваром, а актёров с картофельной. Ведёт себя с актёрами Фон Триер также соответствующе: варит их как хочет, совсем не жалея. Например, Уиллему Дефо в «Антихристе» — надо было плакать в течение девяти дублей, просто потому что режиссёр не был доволен получившимися кадрами: “ты плохо плачешь”, говорил режиссер после каждого дубля. Более того, Фон Триер никогда не прислушивается к мнению актёров: их видение роли режиссёра не интересует, он просто выводит их на площадку и даёт указания, как и что делать здесь и сейчас. Этот элемент неожиданности и составляет суть его методов.

Как говорит Николь Кидман о съёмках “Догвилля”: “Тебе не разрешают говорить о фильме, репетиций нет, бывает, что он ничего не требует от актеров и даже с ними не разговаривает, делает вид, что просто не замечает.” Триер превращается в настоящего тирана на площадке. Вы приходите на съёмочную площадку, ожидая поддержки, но вас игнорируют, и вам приходится играть без репетиций.

Не хочется оправдывать режиссера, но какими бы странными методы Фон Триера не были, они приводили к результатам: многие актёры его фильмов получали награды за лучшие роли на мировых фестивалях и номинации на "Оскар". В общем, по дороге от любви до ненависти раскиданы призы за лучшие роли.

#incinema_author

Взрыв здания MI6. За кадром фильма "007: Координаты "Скайфолл"", 2012 год.

#incinema_bts

Бартон Финк
1991, Джоэл и Итан Коэны

Эталонный фильм братьев Коэн — сюрреализм, отвечающий духу 1991-го года, где параллельно творит Девид Линч, а через несколько лет на пьедестал выйдет Тарантино. Авторская, местами автобиографичная история о драматурге в творческом кризисе, которая, конечно, обернётся экшеном.

1941 год — молодой, но известный драматург, едет в Голливуд писать сценарий под заказ студии. Сценарий для фильма о боксе. Герой про бокс не знает ничего, да это и не надо… Селится писатель в дешёвом отеле, где кроме его собственных мыслей, постоянно отвлекают постояльцы, насекомые, служащие и тд. Но всё это, пока он не знакомится с Чарльзом из соседнего номера.

«Бартон Финк» — кино о творчестве и месте человека. О доме. Поэтому фильм очень близок по духу «квартирной трилогии» Романа Полански («Отвращение»,«Ребёнок Розмари», «Жилец»). Полански в 91 году возглавил жюри Каннского кинофестиваля и присудил картине главный приз.

#incinema_movie

Для снятия данной сцены из фильма "Сука любовь" 2000 года, режиссеру Алехандро Гонсалесу Иньярриту пришлось использовать девять камер одновременно, включая две на крышах и одну скрытую в мусорном баке.
Черный автомобиль был управляем водителем-каскадером, в то время как в другом автомобиле находилась аниматронная кукла, которой управляли дистанционно.

#incinema_bts

​"Зеркало" Тарковского, как большое стихотворение, написанное красками на холсте.

Тарковского всегда мало, поэтому хочется немного поговорить о том, как фильм "Зеркало" получился искренним и почему русский человек не принял его вовремя.

Сам литературный сценарий к фильму, а он в прямом смысле читается как книга, называется "Белый, белый день". Подготовка к написанию и реализация сценария "Белый, белый день" начинались задолго до появления картины "Зеркало". Литературный сценарий был написан сценаристом Александром Мишариным и режиссером Андреем Тарковским. С самого начала история создавалась как "исповедь" режиссера, и таково было первое название. Работа авторов заключалась в максимально правдоподобном и реалистичном рассказе о внутренних переживаниях Тарковского, связанных с его детством и взаимоотношениями его родителей.

Ознакомившись с заявкой на фильм, которая также находится в свободном доступе, можно выделить несколько нестандартных подходов к созданию сценария. Например, авторы задавали множество вопросов разным людям, вытекая из этого к определенной идеологической и смысловой составляющей фильма, к эмоциональности человека, где не всегда все спокойно. "Почему ты врёшь?", "Хочешь уехать?", "Почему ты не разговариваешь с матерью/сыном?", "Почему ты боишься высказаться?". Фильм должен был стать представлением о жизни, его полотном, рассказанным нелинейным образом и с использованием новаторского подхода к монтажу. В сценарной "анкете", то есть заявке на фильм, не говорилось о некотором обезличивании политического режима, лишь о психологическом анализе взаимоотношений между людьми, воспоминаниях и несбывшихся надеждах. Политический строй, тем не менее, затрагивался аккуратно, чтобы не спойлерить сцены, которые мы не будем разбирать.

В сценарии, как и в фильме, текст пронизан поэтическим мотивом, как в нарративной, так и в визуальной составляющей. Диалоги создавались посредством ответов на проведенные авторами интервью, поэтому их в фильме не так много. Реплики высекались из реальных разговоров людей долгим и выборочным методом. Тарковскому было важно, как формируется взгляд его матери, центрального персонажа в картине.

Хочется подчеркнуть, что фильм создавался буквально о жизни, через воспоминания событий, влияющих на её развитие. Поэтому все диалоги будто бы пронизаны жизнью, где герои не говорят напрямую и не пытаются "найти смысл", а ходят вокруг него, медленно приближаясь к более подходящему ответу на главный экзистенциальный вопрос. Этот ответ кроется в последней сцене, где главная героиня слышит вопрос о будущем зарождении самой жизни, "Ты хочешь мальчика или девочку?".

Главная особенность фильма не в его истории, а в способе её рассказа. Форма "Зеркала" по сути своей представляет собой литературное изложение мыслей и чувств: на эмоциональном уровне передано время, ты смотришь – будто читаешь книгу про невозвратимое детство не только автора, но и свое.

Без своего представления, которое ты совмещаешь с представлением автора, ты не сможешь воспринимать фильм. И главное, что помогло двинуть в сторону личного представления зрителя, это правильное понимание самого изложения истории. Фабула истории понятна и сейчас, не выглядит как что-то необычное и абстрактное, но тогда она не воспринималась большинством россиян. Искренность автора больше отпугивала, чем давала новый взгляд на свою жизнь. Человек не видел до этого, как художник говорит о своих травмах, счастливых моментах или прямо о событиях, выходящих на травму человека. Большая часть фильма рассказана через восприятие ребенка, всё происходящее, что он видит, выглядит так, будто ты рефлексируешь вместе с режиссёром, а слова, что ты слышишь в фильме, создают ощущение, что ты уже их слышал.

#incinema_author

​Дворец
2023, Роман Полански

Что произойдёт, если классик кинематографа снимет версию "Горько", только хуже и о богатых?

Мировая пресса не полюбила это кино. Начиная с Канн на него сыпятся рецензии со словами «ужасный», «дерьмовый», «безвкусный», «бездарный». И это не без причины – фильм действительно подкачал. После того как экран погас, оставляя зрителя в ожидании большего, режиссёр говорит — до свидания. По домам.

Новый фильм от автора "Пианиста", "Китайского квартала" и "Ребёнка Розмари" рассказывает о праздновании Нового года в роскошном швейцарском отеле. Старые европейцы, новые русские, нахальные американцы - все они богатые и эксцентричные, и они вместе провожают 1999 год и встречают XXI век.

Если углубляться в подробности, то фильм состоит из десятка сюжетных линий, которые практически не пересекаются. Сюжет объединяет только управляющий отелем — единственный приятный персонаж в фильме. Остальные герои зажравшиеся, полоумные, чёрствые или крайне тупые. Авторы их высмеивают мол, какое это высшее общество фальшивое! Проблема в том, что «простые работяги» отеля также не самые приятные.

В целом, это посредственный фильм категории «В», где 1,5 часа будут шутить про пердёж, отрыжку, пьянку и т.д. Где всё происходящее это абсурд, но не хороший. Это не абсурд Хармса или Ионеско. Это абсурд придуманный и пустой, который не может ни к чему привести и не приводит. Сам отель не «Замок» Кафки, а Le Palace, который кто-то вытащил из подвала и снял фильм о 1999 в 2023. И фильм делает плохим не то, что из него в российском прокате вырезали 2 минуты шуток про Путина, а то, что в 2023 году трудно удивить кого-либо попыткой абсурда или отрыжкой. Хотя, это может стать вашим новым guilty pleasure, которое «приятно» посмотреть одному 30 декабря.

Фильм оставляет чувство отчаяния, но не от посыла, а от того, что такой фильм родился. И всё это ещё и при участии Ежи Сколимовского, с которым сам Полански начинал свой путь в мир кино. Этот факт скорее предвещает апокалипсис, чем "проблему 2000", о которой кричат на протяжении половины фильма.

#incinema_movie

​Есть ли смысл в кинообразовании?

Если вы сверхконтактный человек, с огромным ресурсом к самодисциплине – нет, учитесь дома по книгам и фильмам. В остальных случаях добро пожаловать в профильные вузы. Но вы должны чётко понимать, зачем вы поступаете на желаемую специальность, не важно на какую. Правильный ответ здесь только один: знакомиться, знакомиться и ещё раз знакомиться.

Всему вы можете научиться самостоятельно: как держать и настраивать камеру, прописывать сцену, работать с микрофоном и записывающим оборудованием. Но это одиночество не даст вам связей и контактов.

Единственная причина, по которой стоит получать образование, многослойна. Предположим, вы сценарист. Всегда считали себя им, писали свои сценарии и складывали их в аккуратную папочку в комоде. А дальше что? Я скажу вам. В вузе вы находите себе команду и вместе её формируете. Вуз предоставляет вам технику и даже небольшие финансы. Вуз помогает отправить вашу работу на кинофестиваль. А продюсеры из вашей команды будут питчинговать её в дальнейшем.

Под вузом я имею в виду любое учреждение, где обучают: ВГИК, СПбГИКиТ, МШК, и так далее.

Да, вас там будут учить ремеслу и давать тумаков, чтобы вы всё сдавали в срок. Но если вы будете строго следовать программе, ходить на занятия «как на работу» и никого не узнаете, то будете сосать жопу при выпуске. Есть у вас диплом, нет у вас диплома - плевать, вы так и так никому не нужны и никто о вас не узнает.

Я убеждён, что интернет-каналы, чаты и группы менее эффективны. Вы не видите людей, не знаете их. А вуз, в каком-то смысле, как церковь, объединяет вас местом и идеей, и вы уже не незнакомцы.

Всегда будут уникумы, которым не нужно образование, они снимут фильм без команды, актёров и камеры и возьмут все номинации в Каннах. Но если вы уверены, что вы такой уникум, то вам однозначно нужно выйти в свет и прилюдно обосраться.

Выбирайте ответственно и подходите к работе серьёзно. Даже для зрителя кино не всегда это просто развлечение, а для нас, кинематографистов, и подавно.

#incinema_author

Подготовка к генеральному сражению близ деревни Ватерлоо, 1 июня 1815 года, картина в цвете.

#incinema_humor

​Застой. Общество и кино.

Просматривая наши предыдущие статьи, я обнаружил одну авторскую ошибку, где говорится, что после периода "малокартинья" в СССР сразу наступил застой. Однако важно отметить, что это утверждение упускает период оттепели, которая наступила вместе с Хрущевым, как в жизни людей, так и в кинематографе.

Почему мы не упомянули о данном значимом эпизоде советской истории? Этот вопрос комплексный и интересный.

Когда речь заходит о любимых советских фильмах, на ум сразу приходят такие произведения, как "Любовь и голуби", "Ирония судьбы", "Гараж", "Служебный роман". Список длинный, и у каждого свой. Однако, важно отметить, что существуют фильмы эпохи застоя, снятые с 1968(69) по конец 1980-х.

Застой - это эпоха Брежнева, наступившая после правления Хрущева. Ослабление "гаек" привело к Пражской весне, и партия решила вернуться к прежнему. Однако в стране уже не было Сталина и культа личности, а люди вдохнули свободы. Страна погрузилась в анабиоз.

Это было самое стабильное время! Люди стабильно работали пятнадцать лет на одной должности и получали лишь минорные повышения. Страна застыла.

Я не буду рассказывать вам о экономическом кризисе, который с горем пополам устраняли новые месторождения нефти, или о массовой и безликой застройке страны однотипными панельками. Вы прочитаете об этом на других ресурсах. Интереснее кинематографический аспект.

Самые известные фильмы того времени остались в памяти и сердцах зрителей. Это имеет социальное и культурное объяснение. Зрители этих фильмов составляли подавляющую часть демографии России. Те, кто родился в 60-70-е годы, обгоняют только поколение 90-х. Для них просмотр этих фильмов был так же естественен, как для современных подростков фильмы Marvel. У этого поколения не было особого выбора, так как перестройка случилась позже, и зарубежные фильмы массово появились только потом. Эти фильмы полюбили люди, они влияли на вкус нового поколения в 90-е.

Культурная ценность этих фильмов заключается в их высоком качестве. Да, больше не встречается экспериментаторов вроде Дзиги Ветрова и Сергея Эйзенштейна, как в 20-е годы. Однако 2 из 3 премий Оскар СССР были вручены именно за этот период.

Художникам больше не приходилось выискивать в фильмах врага, пропало соревнование между лучшим и идеальным, исчезла натужность и фальш соцреализма.

Все эти фильмы рассказывают о людях, их повседневных проблемах. Они близки сердцу зрителя, мы видим в героях отражение самих себя, не обращая внимания на лозунги и империализм.

Великие художники всегда были с нами, и ни цензура, ни войны, ни репрессии не смогли подавить их творческий порыв. Однако снимать фильмы для масс, которые действительно задевали за живое в СССР, начали далеко не сразу.

#incinema_author

Сказка 
2022, Александр Сокуров 

Смотреть «Сказку» это как читать сложную, толстую, тягомотную книгу. Но очень умную. И когда дочитываешь последнюю страницу — не хочешь закрыть и убрать, а хочешь постараться осмыслить. 

Мы знаем, что фильм в России не получит прокатное удостоверение. Почему? — очевидно. Но при этом, это ни капли не политическое кино. Это фильм о культуре и социальных качествах этой культуры. Важно отметить — культуры христианской. Пересказывать все оммажи не стоит, но из очевидных отсылок мы видим Данте, видим Сервантеса, Фауста, слышим Вагнера, в конце концов видим Христа. И это создаёт такую цельную картину нашей культуры, что хочется посмотреть снова.

И оригинальность визуального ряда — уникальное решение, по сложности и разноплановости с которым можно отдалённо сравнить некоторые работы Шванкмайера, но совсем в другой плоскости. Необходимо знать, что для ленты, Александр Николаевич Сокуров посмотрел абсолютно всю хронику с основными персонажами.

А как бонус, мы знаем, что после фильма можно сразу посмотреть обсуждение с режиссёром, чувствую себя причастным к чему-то воистину большому. 

#incinema_movie

​Чужое лицо
1966, Хироси Тэсигахара

Послевоенный период дал толчок Новым волнам кинематографа. Франция, Германия, Англия. Но есть страна, на которую как будто обращают меньше внимания- Япония.

Японская империя потерпела крах во Второй Мировой войне. Япония стала первой и единственной жертвой ядерного оружия. 

Пропаганда внутри страны до войны рассказывала гражданам о величии империи, о долге и чести. Неспроста старый японский флаг с расходящимися лучами считается в азиатских странах символом оскорбительным и преступным, наравне со свастикой Нацистской Германии. Япония властвовала над всеми соседями, устраивала геноциды, вырезала города и села. Это лишь малая часть преступлений, что не преподносились рядовым гражданам.

Такое имперское сознание довольно болезненно переносит сокрушительный крах системы. Японцам прививали с молоком матери, что они привилегированная нация со своим особым путём, они владыки над всем японским морем и имеют право устанавливать порядки в Океании. На деле оказалось нет. Нашлась рыба покрупнее.

Это не кризис самосознания- это коллапс.
Стало стыдно быть японцем. Японец = оккупант и насильник. И найти новое лицо для нации представилось интересной задачей для художников того времени.

Акира Куросава идёт по пути переосмысления зарубежной классики в декорациях истории своей страны. Работает над «Идиотом» Достоевского, над Шекспиром, и встраивает классические сюжеты в свою культуру.

Кэндзи Мидзогути снимает картины по технике план-эпизод, который не балует зрителя сложной операторской работой, а актёра заставляет играть в неизменной мизансцене на протяжении сцены. И тоже в сеттинге средневековой Японии.

К 60-м сформировались гиганты кинематографа, которых признавало мировое сообщество, но не соотечественники. Они не отвечали на те вопросы, что общество поднимало. Фильмы были оторваны от реальности и времени.
И в этот момент появляется новая волна. Спрос породил предложение.

Особенно въелся мне в память фильм Хироси Тэсигахары «Чужое лицо», выпущенный в 66 году. Главный герой на производстве получает страшные ожоги, ему стыдно ходить без бинтов, ведь он буквально лишился лица. И один врач предлагает решение по новейшим технологиям.

После войны США ввозят в страну технологии и помогают восстановить экономику страны. США даруют стране новое лицо. Безопасное и дружелюбное. Но приживётся ли оно к японцам? На эту тему и размышляет режиссёр.

Главный герой олицетворяет собой всю нацию, что в один момент потеряла старую, привычную и уверенную жизнь. Маска делает его привлекательнее для окружающих, но она меняет его суть, извращает её.

Как пережить потрясение от краха твоего мира? Нужно ли продолжать гнуть свою линию или претвориться кем-то ещё? Останешься ли ты самим собой, решив надеть на себя чужое лицо? Над всеми эти вопросами, я предлагаю вам поразмышлять вместе с этим прекрасным фильмом.

#incinema_movie

Россия в глазах Дерека Меддингса.
«Золотой Глаз», 1995

К сожалению, эта работа является последней работой легендарного модельера и художника по спецэффектам Дерека Меддингса.

Он создавал спецэффекты практически для каждого фильма о Джеймсе Бонде, начиная с «Живи и дай умереть» в 1973 году. Среди голливудских фильмов, над которыми он работал были «Супермен» Ричарда Доннера и «Бэтмен» Тима Бёртона.

#incinema_bts