Архитектура Сингапура показывает диапазон влияний и стилей разных мест и периодов. Он варьируется от эклектичного стиля и гибридных форм колониального периода до современной архитектуры, включающей тенденции со всего мира.
Сингапур — это одно из самых самобытных и захватывающих явлений в современной архитектуре Юго-Восточной Азии.
Архитектура Сингапура берет свое начало во времена британского владычества. Это архитектура, которая была распространена в деловом центре города в период основания современного Сингапура в 1819 году.
В настоящее время в архитектуре страны представлены многие современные стили. Здесь главенствует брутализм (архитектурное направление 50-х годов прошлого века). Этот стиль присутствует во многих старых жилых, коммерческих и правительственных высотных зданиях.
С течением времени на смену брутализму пришли тенденции постмодернизма. В постройках правительственных, общественных и частных зданий применяется неоклассический стиль с использованием самых современных методов.
Сингапур бережно хранит наиболее ценные образцы старинной архитектуры: здание бывшего Парламента, Театр Виктории, Сингапурский Крикет-клуб, здание Верховного Суда и Муниципалитета, отель Fullerton и отель Raffles.
Другая отличительная особенность, которая характеризует самобытность и эффектность архитектуры – это присутствие в оформлении зданий и внутреннего интерьера изумительных по красоте и оригинальности водоемов, фонтанов и фонтанчиков. Зачастую с золотыми рыбками размером с карпа.
Здания на фото:
1. Republic Plaza — самое высокое здание Сингапура, наряду с OUB Centre и UOB Plaza— все по 280 метров ровно.
2. Golden Mile Complex
3. Дом оперы в Лай Чунь Юань, Сингапурском Чайнатауне.
4. Esplanade — Theatres on the Bay
5. Отель Marina Bay Sands в Сингапуре
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Сингапур — это одно из самых самобытных и захватывающих явлений в современной архитектуре Юго-Восточной Азии.
Архитектура Сингапура берет свое начало во времена британского владычества. Это архитектура, которая была распространена в деловом центре города в период основания современного Сингапура в 1819 году.
В настоящее время в архитектуре страны представлены многие современные стили. Здесь главенствует брутализм (архитектурное направление 50-х годов прошлого века). Этот стиль присутствует во многих старых жилых, коммерческих и правительственных высотных зданиях.
С течением времени на смену брутализму пришли тенденции постмодернизма. В постройках правительственных, общественных и частных зданий применяется неоклассический стиль с использованием самых современных методов.
Сингапур бережно хранит наиболее ценные образцы старинной архитектуры: здание бывшего Парламента, Театр Виктории, Сингапурский Крикет-клуб, здание Верховного Суда и Муниципалитета, отель Fullerton и отель Raffles.
Другая отличительная особенность, которая характеризует самобытность и эффектность архитектуры – это присутствие в оформлении зданий и внутреннего интерьера изумительных по красоте и оригинальности водоемов, фонтанов и фонтанчиков. Зачастую с золотыми рыбками размером с карпа.
Здания на фото:
1. Republic Plaza — самое высокое здание Сингапура, наряду с OUB Centre и UOB Plaza— все по 280 метров ровно.
2. Golden Mile Complex
3. Дом оперы в Лай Чунь Юань, Сингапурском Чайнатауне.
4. Esplanade — Theatres on the Bay
5. Отель Marina Bay Sands в Сингапуре
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Скульптура садов и парков. Направления скульптуры
основные направления садово-парковой скульптуры: монументальную, монументально-декоративную и декоративную. Монументальная скульптура рассчитана на массовую аудиторию и обладает крупными формами, в то время как декоративная предназначена для небольших пространств и тесно связана с окружающей природой. Особое внимание уделено выбору материалов, месту размещения и роли скульптуры в организации ландшафта. Также рассмотрены новые материалы и методы создания скульптур для садов и парков.
Подробнее можно ознакомиться:
https://telegra.ph/Skulptura-sadov-i-parkov-Napravleniya-skulptury-10-09
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
основные направления садово-парковой скульптуры: монументальную, монументально-декоративную и декоративную. Монументальная скульптура рассчитана на массовую аудиторию и обладает крупными формами, в то время как декоративная предназначена для небольших пространств и тесно связана с окружающей природой. Особое внимание уделено выбору материалов, месту размещения и роли скульптуры в организации ландшафта. Также рассмотрены новые материалы и методы создания скульптур для садов и парков.
Подробнее можно ознакомиться:
https://telegra.ph/Skulptura-sadov-i-parkov-Napravleniya-skulptury-10-09
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Telegraph
Скульптура садов и парков. Направления скульптуры.
В зависимости от предназначения выделяют несколько направлений скульптуры. Монументальная и монументально-декоративная скульптура адресуется к массам зрителей, поэтому размещается на главных площадках, аллеях или эспланадах парка, создавая благоприятные условия…
Читальный зал
Британский музей
Удивительной конструкции круглый зал с неоренессансной отделкой и крытым стеклянным куполом поражает своими размерами. Когда-то в стенах этого зала работали Карл Маркс, Владимир Ленин, Махатма Ганди, Герберт Уэллс и другие известные личности.
Здесь же снимал свой фильм «Шантаж» Альфред Хичкок, именно здесь разворачивался сюжет британского фильма ужасов «Ночь демона» 1957 года.
Сегодня войти в читальный зал могут только профессиональные исследователи.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Британский музей
Удивительной конструкции круглый зал с неоренессансной отделкой и крытым стеклянным куполом поражает своими размерами. Когда-то в стенах этого зала работали Карл Маркс, Владимир Ленин, Махатма Ганди, Герберт Уэллс и другие известные личности.
Здесь же снимал свой фильм «Шантаж» Альфред Хичкок, именно здесь разворачивался сюжет британского фильма ужасов «Ночь демона» 1957 года.
Сегодня войти в читальный зал могут только профессиональные исследователи.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Соусник.
Япония, начало XX века.
Керамика, глазурь, золотой лак
Это уникальный образец японской керамики начала XX века. Его высота составляет всего 5 см, что делает его небольшим, но очень изысканным предметом сервировки стола. Изделие выполнено в технике керамики с нанесением глазури, что придаёт поверхности характерный блеск и усиливает глубину цвета. Внутреннее пространство сосуда украшает изображение животного, что типично для декоративных элементов японской посуды тех времён.
Особого внимания заслуживает использование золотого лака для украшения соусника. Такая техника декорирования называется «клинцуги» или «кинцукурой» (金継ぎ), что дословно переводится как «золотое соединение». Эта традиция реставрации керамики с использованием лака, смешанного с порошком золота, серебра или платины, символизирует уважение к предмету и его истории. Применение золотого лака не только придаёт изделию уникальную художественную ценность, но и подчёркивает философию японского ваби-саби — признание красоты в несовершенстве и изменчивости.
Соусник из собрания Музея Востока представляет собой интересный пример синтеза эстетики и утилитарности в японской культуре, где даже простые предметы быта могут стать произведением искусства.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Япония, начало XX века.
Керамика, глазурь, золотой лак
Это уникальный образец японской керамики начала XX века. Его высота составляет всего 5 см, что делает его небольшим, но очень изысканным предметом сервировки стола. Изделие выполнено в технике керамики с нанесением глазури, что придаёт поверхности характерный блеск и усиливает глубину цвета. Внутреннее пространство сосуда украшает изображение животного, что типично для декоративных элементов японской посуды тех времён.
Особого внимания заслуживает использование золотого лака для украшения соусника. Такая техника декорирования называется «клинцуги» или «кинцукурой» (金継ぎ), что дословно переводится как «золотое соединение». Эта традиция реставрации керамики с использованием лака, смешанного с порошком золота, серебра или платины, символизирует уважение к предмету и его истории. Применение золотого лака не только придаёт изделию уникальную художественную ценность, но и подчёркивает философию японского ваби-саби — признание красоты в несовершенстве и изменчивости.
Соусник из собрания Музея Востока представляет собой интересный пример синтеза эстетики и утилитарности в японской культуре, где даже простые предметы быта могут стать произведением искусства.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
В лондонской галерее White Cube открылась персональная выставка Трейси Эмин, художницы, чьи работы всегда полны эмоций и противоречий. Ее творчество – это не только картины, но и открытый диалог с собой, процесс самовыражения через краску и холст. Эмин описывает свой подход так:
«Вот что происходит: я иду и пишу красным по всему холсту. Затем я рисую на нем кровать. Затем я рисую людей на кровати. Потом они мне не нравятся, поэтому я их закрашиваю. Затем я пишу синим по всему холсту. Потом мне не нравится, поэтому я переворачиваю холст. Потом я думаю: “Ух ты, это похоже на дом”, поэтому я рисую на нем дом. Ну, вы поняли. Я никогда не знаю, что буду рисовать, пока не начну рисовать».
Эти слова подчеркивают суть её творческого процесса: отсутствие строгого плана, доверие к интуиции и поиски смысла в хаосе. Каждый мазок — это шаг в неизвестность, каждая линия — это попытка поймать ускользающее ощущение. В этом есть нечто освобождающее — позволить себе ошибаться, закрашивать, начинать сначала, превращая разрозненные мысли и чувства в единое целое.
Её работы говорят о том, что искусство — это не всегда про красоту или совершенство, это ещё и про процесс поиска, внутреннюю борьбу и примирение с самим собой. Выставка в White Cube открывает перед зрителем не только картины, но и саму Эмин, её смелость делиться личным и уязвимым, превращая свои внутренние метания в произведения искусства.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
«Вот что происходит: я иду и пишу красным по всему холсту. Затем я рисую на нем кровать. Затем я рисую людей на кровати. Потом они мне не нравятся, поэтому я их закрашиваю. Затем я пишу синим по всему холсту. Потом мне не нравится, поэтому я переворачиваю холст. Потом я думаю: “Ух ты, это похоже на дом”, поэтому я рисую на нем дом. Ну, вы поняли. Я никогда не знаю, что буду рисовать, пока не начну рисовать».
Эти слова подчеркивают суть её творческого процесса: отсутствие строгого плана, доверие к интуиции и поиски смысла в хаосе. Каждый мазок — это шаг в неизвестность, каждая линия — это попытка поймать ускользающее ощущение. В этом есть нечто освобождающее — позволить себе ошибаться, закрашивать, начинать сначала, превращая разрозненные мысли и чувства в единое целое.
Её работы говорят о том, что искусство — это не всегда про красоту или совершенство, это ещё и про процесс поиска, внутреннюю борьбу и примирение с самим собой. Выставка в White Cube открывает перед зрителем не только картины, но и саму Эмин, её смелость делиться личным и уязвимым, превращая свои внутренние метания в произведения искусства.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Жозеф Дюкрё (1735–1802) был выдающимся французским портретистом, прославившимся как придворный художник при дворе Людовика XVI. Его талант и мастерство в передаче характера и индивидуальности моделей позволили ему завоевать признание среди аристократии, а за один из портретов самого короля художник даже получил баронский титул. Однако, несмотря на официальный успех, современная слава Дюкрё связана не столько с его парадными портретами, сколько с необычными и живыми автопортретами, которые существенно отличались от канонов своего времени.
Дюкрё экспериментировал с выражением эмоций и необычными позами, стремясь передать естественность и непосредственность. В своих автопортретах он изображал себя в непринужденных ситуациях: то улыбающимся, то с удивленно поднятыми бровями или даже смеющимся. В эпоху, когда портреты обычно были формальными и строгими, такие работы выглядели как вызов традициям, будто художник пытался сломать барьер между моделью и зрителем.
Сегодня можно сказать, что Жозеф Дюкрё, будь он жив в наши дни, стал бы настоящим мастером жанра селфи. Его способность находить необычные ракурсы и выражать эмоции делает автопортреты Дюкрё своего рода предшественниками современного искусства самовыражения. В эпоху соцсетей эти работы были бы по достоинству оценены, ведь они демонстрируют способность художника быть открытым, живым и настоящим перед объективом – качествами, которые высоко ценятся в культуре селфи.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Дюкрё экспериментировал с выражением эмоций и необычными позами, стремясь передать естественность и непосредственность. В своих автопортретах он изображал себя в непринужденных ситуациях: то улыбающимся, то с удивленно поднятыми бровями или даже смеющимся. В эпоху, когда портреты обычно были формальными и строгими, такие работы выглядели как вызов традициям, будто художник пытался сломать барьер между моделью и зрителем.
Сегодня можно сказать, что Жозеф Дюкрё, будь он жив в наши дни, стал бы настоящим мастером жанра селфи. Его способность находить необычные ракурсы и выражать эмоции делает автопортреты Дюкрё своего рода предшественниками современного искусства самовыражения. В эпоху соцсетей эти работы были бы по достоинству оценены, ведь они демонстрируют способность художника быть открытым, живым и настоящим перед объективом – качествами, которые высоко ценятся в культуре селфи.
#музей
🏛 @exponat | Культурные каналы✨