Букингемский дворец готовится открыть для публики удивительную выставку, на которой будут представлены ранее невиданные рисунки великих мастеров эпохи Возрождения.
В центре внимания — редкие эскизы, созданные гениями искусства, такими как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Тициан. Всего будет выставлено 30 рисунков, и многие из них покажут широкой публике впервые.
Эти произведения искусства, несмотря на свой скромный формат, обладают огромной ценностью, так как многие из них являются подготовительными набросками для значимых проектов — картин, гравюр и скульптур. Каждый штрих, каждая линия на этих рисунках несет в себе отпечаток мысли и творчества мастера, который стоял у истоков величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
Одной из главных жемчужин выставки станет работа Рафаэля «Три грации», датированная около 1517–1518 годов (1 картинка). Это этюд, изображающий одну и ту же модель в трех разных позах. Он был создан для фрески «Свадебный пир Амура и Психеи», которая украшает виллу Фарнезина в Риме. Набросок передает живость и изящество движений, что стало характерной чертой работ великого мастера.
Впервые в Великобритании будет представлен меловой этюд страуса (2 картинка), приписываемый Тициану. Этот рисунок особенно интересен тем, что предполагает наблюдение художника за живым страусом, что в XVI веке было невероятной редкостью. Возможно, Тициан увидел эту экзотическую птицу где-то в Венеции, что нашло отражение в его искусстве.
Не менее впечатляющим экспонатом станет уникальный рисунок Леонардо да Винчи — «Изучение костюма для маски» (3 картинка). Этот набросок был создан ближе к концу его карьеры, когда Леонардо работал при французском дворе короля Франциска I. Художник создавал праздничные костюмы, и этот эскиз является квинтэссенцией его таланта и знания человеческой анатомии, а также его умения сочетать искусство и науку.
Самая старая работа на выставке — редкий сохранившийся эскиз Фра Анджелико, выдающегося мастера раннего Возрождения (4 картинка). Этот рисунок бюста, вероятно, был создан в рамках подготовки к фрескам, которые художник писал для часовни папы Николая V в Ватикане.
Каждая из представленных работ — это не только произведение искусства, но и окно в прошлое, через которое можно заглянуть в мир Возрождения и ощутить дух той эпохи.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
В центре внимания — редкие эскизы, созданные гениями искусства, такими как Леонардо да Винчи, Рафаэль и Тициан. Всего будет выставлено 30 рисунков, и многие из них покажут широкой публике впервые.
Эти произведения искусства, несмотря на свой скромный формат, обладают огромной ценностью, так как многие из них являются подготовительными набросками для значимых проектов — картин, гравюр и скульптур. Каждый штрих, каждая линия на этих рисунках несет в себе отпечаток мысли и творчества мастера, который стоял у истоков величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
Одной из главных жемчужин выставки станет работа Рафаэля «Три грации», датированная около 1517–1518 годов (1 картинка). Это этюд, изображающий одну и ту же модель в трех разных позах. Он был создан для фрески «Свадебный пир Амура и Психеи», которая украшает виллу Фарнезина в Риме. Набросок передает живость и изящество движений, что стало характерной чертой работ великого мастера.
Впервые в Великобритании будет представлен меловой этюд страуса (2 картинка), приписываемый Тициану. Этот рисунок особенно интересен тем, что предполагает наблюдение художника за живым страусом, что в XVI веке было невероятной редкостью. Возможно, Тициан увидел эту экзотическую птицу где-то в Венеции, что нашло отражение в его искусстве.
Не менее впечатляющим экспонатом станет уникальный рисунок Леонардо да Винчи — «Изучение костюма для маски» (3 картинка). Этот набросок был создан ближе к концу его карьеры, когда Леонардо работал при французском дворе короля Франциска I. Художник создавал праздничные костюмы, и этот эскиз является квинтэссенцией его таланта и знания человеческой анатомии, а также его умения сочетать искусство и науку.
Самая старая работа на выставке — редкий сохранившийся эскиз Фра Анджелико, выдающегося мастера раннего Возрождения (4 картинка). Этот рисунок бюста, вероятно, был создан в рамках подготовки к фрескам, которые художник писал для часовни папы Николая V в Ватикане.
Каждая из представленных работ — это не только произведение искусства, но и окно в прошлое, через которое можно заглянуть в мир Возрождения и ощутить дух той эпохи.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Валери Хэммонд в своей новой работе предлагает современное прочтение мифа о Дафне, древнегреческой нимфе, чей трагический путь был предопределен её связью с природой и неутолимой жаждой свободы. Дафна, потомок речных богов, воплощает собой дух дикой природы, свободы и независимости. Её страсть к охоте и одиночеству была настолько велика, что она отвергла любовь Аполлона, стремящегося покорить её сердце.
Миф о Дафне известен своим драматизмом: в попытке спастись от преследования Аполлона, она взывает к своему отцу, который, желая спасти её от нежеланной участи, превращает дочь в лавровое дерево. Этот метаморфоз, уход от преследования через слияние с природой, превращает Дафну в символ того, как мощь природы способна как защищать, так и увековечивать существа, что стремятся к единению с ней.
Художественная практика Хэммонд, пронизанная глубоким интересом к природе и сюрреализму, выводит этот древний миф на новый уровень восприятия. В своих работах она создает образы, которые переплетают реальные элементы природы с аллюзиями на мифологические мотивы. Хэммонд исследует тему трансформации, где природа выступает одновременно и спасителем, и носителем памяти. Подобно тому, как Дафна становится деревом, её сущность запечатлена в природной форме, так и Хэммонд использует природу как средство передачи внутреннего мира своих персонажей.
Через эту метаморфозу Хэммонд передаёт сложные отношения человека с природой: борьбу, слияние, и неизбежное преобразование. Её работы, насыщенные деталями и символами, приглашают зрителя задуматься о тонкой грани между человеческим и природным, реальным и воображаемым. Словно возрождая Дафну на своих холстах, Хэммонд воплощает миф в новой визуальной форме, предлагая нам увидеть его с иной, современной точки зрения.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Миф о Дафне известен своим драматизмом: в попытке спастись от преследования Аполлона, она взывает к своему отцу, который, желая спасти её от нежеланной участи, превращает дочь в лавровое дерево. Этот метаморфоз, уход от преследования через слияние с природой, превращает Дафну в символ того, как мощь природы способна как защищать, так и увековечивать существа, что стремятся к единению с ней.
Художественная практика Хэммонд, пронизанная глубоким интересом к природе и сюрреализму, выводит этот древний миф на новый уровень восприятия. В своих работах она создает образы, которые переплетают реальные элементы природы с аллюзиями на мифологические мотивы. Хэммонд исследует тему трансформации, где природа выступает одновременно и спасителем, и носителем памяти. Подобно тому, как Дафна становится деревом, её сущность запечатлена в природной форме, так и Хэммонд использует природу как средство передачи внутреннего мира своих персонажей.
Через эту метаморфозу Хэммонд передаёт сложные отношения человека с природой: борьбу, слияние, и неизбежное преобразование. Её работы, насыщенные деталями и символами, приглашают зрителя задуматься о тонкой грани между человеческим и природным, реальным и воображаемым. Словно возрождая Дафну на своих холстах, Хэммонд воплощает миф в новой визуальной форме, предлагая нам увидеть его с иной, современной точки зрения.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
В мире реставрации случаются истории, которые оставляют зрителей в недоумении и вызывают бурю эмоций. И как-то так вышло, что Испания вновь оказалась в центре внимания. Случай, произошедший в старинной базилике Эрмита-де-Нуэстра-Сеньора-дель-Мирон в городе Сория, наглядно показал, что иногда попытки сохранить культурное наследие могут привести к самым неожиданным и, мягко говоря, неоднозначным результатам.
Всё началось с того, что местные реставраторы взялись за обновление лепнины и ангельских образов в этой базилике, построенной в 1725 году. Казалось бы, благое дело, но конечный результат вызвал шок у многих. Обновленные херувимы выглядели так, словно их создателями стали не опытные мастера, а герои известного телевизионного шоу – Равшан и Джамшут. Впрочем, почему-то подобные ассоциации возникают у многих при взгляде на подобные "шедевры".
Реакция общественности не заставила себя ждать. В сети поднялась волна возмущения, люди сравнивали новых ангелочков с чем угодно, но только не с оригинальными произведениями искусства. Воспринималось это так, будто над культурным наследием страны попросту надругались. Даже глава ассоциации реставраторов Испании, Франсиско Мануэль Эспехо, не сдержался и назвал произошедшее "нападением" на культуру.
В ответ на это местная епархия поспешила оправдаться, заявив, что ангелочки, мол, не являются культурным наследием, а значит, никакого преступления в их реставрации нет. Однако тут же всплывает очевидное несоответствие: ведь сам храм признан ЮНЕСКО объектом культурного наследия, и интерьер храма также входит в этот статус. Значит, и к ним должно быть отношение соответствующее.
Но епархия на этом не остановилась. Они заявили, что "все разрешения на работы у мастеров были", и что, мол, "кому-то нравится, кому-то – нет". Фактически они сказали: "Не нравится? Ну и что?". Однако замять скандал так просто не удалось. Общественное мнение оказалось слишком возмущенным, чтобы это удалось сделать без последствий.
Эта история поднимает важный вопрос: когда дело касается культурного наследия, не может быть места для принципа "и так сойдет". Ведь одно неудачное вмешательство может нанести непоправимый ущерб тому, что веками считалось шедевром. И кто знает, может, следующий раз, когда очередные "реставраторы" решат приняться за дело, они подумают дважды, прежде чем снова позволить себе подобную "чертовщину".
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Всё началось с того, что местные реставраторы взялись за обновление лепнины и ангельских образов в этой базилике, построенной в 1725 году. Казалось бы, благое дело, но конечный результат вызвал шок у многих. Обновленные херувимы выглядели так, словно их создателями стали не опытные мастера, а герои известного телевизионного шоу – Равшан и Джамшут. Впрочем, почему-то подобные ассоциации возникают у многих при взгляде на подобные "шедевры".
Реакция общественности не заставила себя ждать. В сети поднялась волна возмущения, люди сравнивали новых ангелочков с чем угодно, но только не с оригинальными произведениями искусства. Воспринималось это так, будто над культурным наследием страны попросту надругались. Даже глава ассоциации реставраторов Испании, Франсиско Мануэль Эспехо, не сдержался и назвал произошедшее "нападением" на культуру.
В ответ на это местная епархия поспешила оправдаться, заявив, что ангелочки, мол, не являются культурным наследием, а значит, никакого преступления в их реставрации нет. Однако тут же всплывает очевидное несоответствие: ведь сам храм признан ЮНЕСКО объектом культурного наследия, и интерьер храма также входит в этот статус. Значит, и к ним должно быть отношение соответствующее.
Но епархия на этом не остановилась. Они заявили, что "все разрешения на работы у мастеров были", и что, мол, "кому-то нравится, кому-то – нет". Фактически они сказали: "Не нравится? Ну и что?". Однако замять скандал так просто не удалось. Общественное мнение оказалось слишком возмущенным, чтобы это удалось сделать без последствий.
Эта история поднимает важный вопрос: когда дело касается культурного наследия, не может быть места для принципа "и так сойдет". Ведь одно неудачное вмешательство может нанести непоправимый ущерб тому, что веками считалось шедевром. И кто знает, может, следующий раз, когда очередные "реставраторы" решат приняться за дело, они подумают дважды, прежде чем снова позволить себе подобную "чертовщину".
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Арибаллос в форме ежа, изображенный на фотографии, представляет собой интересный и редкий артефакт, относящийся к Птолемеевскому периоду Египта (VI-V века до н. э.). Такие флаконы для духов, сделанные в виде ежа, стали популярными в этот период и, вероятно, были созданы в греческой колонии Наукратис, а также в регионе Западной Дельты.
Еж, как символ, занимал особое место в культуре Древнего Египта задолго до этого периода. Уже с 3-го тысячелетия до н. э. изображения ежей часто встречались на кораблях и в виде статуэток. Их шипы, напоминающие доспехи, символизировали защиту, что делало ежа важным символом в египетской иконографии. Также еж был связан с богами солнца, что добавляло ему священного статуса.
Косметические контейнеры в форме ежа отражают уникальное сочетание египетских и греческих традиций. В древности духи и косметика играли важную роль в жизни как мужчин, так и женщин, и такие сосуды служили не только практическими целями, но и являлись предметами роскоши и символами статуса. Удивительная форма таких артефактов добавляла элемент искусства и мифологии в повседневную жизнь их владельцев.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Еж, как символ, занимал особое место в культуре Древнего Египта задолго до этого периода. Уже с 3-го тысячелетия до н. э. изображения ежей часто встречались на кораблях и в виде статуэток. Их шипы, напоминающие доспехи, символизировали защиту, что делало ежа важным символом в египетской иконографии. Также еж был связан с богами солнца, что добавляло ему священного статуса.
Косметические контейнеры в форме ежа отражают уникальное сочетание египетских и греческих традиций. В древности духи и косметика играли важную роль в жизни как мужчин, так и женщин, и такие сосуды служили не только практическими целями, но и являлись предметами роскоши и символами статуса. Удивительная форма таких артефактов добавляла элемент искусства и мифологии в повседневную жизнь их владельцев.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Марк Цукерберг и зелёная Присцилла: Скульптура, которая взорвала Интернет
Недавно Марк Цукерберг удивил мир очередным нестандартным шагом. Он заказал у знаменитого художника Дэниела Аршама скульптуру своей жены Присциллы Чан. И хотя такое событие могло бы пройти незамеченным, произведение искусства вызвало бурю эмоций, едва появившись на публике. Скульптуру уже сравнивают со Статуей Свободы, но стоит ли проводить такие параллели?
Аршам – мастер создания уникальных, зачастую парадоксальных композиций. Его работы известны своим необычным сочетанием прошлого и настоящего, где современные предметы предстают как древние артефакты. Скульптура Присциллы Чан не стала исключением. Аршам снова предложил зрителю переосмыслить своё восприятие времени и пространства.
На вопрос журналистки Гейл Кинг о том, как возникла идея этой работы, Цукерберг ответил: «Я просто пытаюсь поддерживать постоянный поток творческих проектов. Я шутил, говорил, что надо сделать её скульптуру в течение многих лет, и когда появилась возможность поработать с Аршамом, я, наконец, сделал это!»
Реакция на скульптуру в Instagram была разной. Кто-то критиковал её как гротескное изображение, другие же восхищались мастерством Аршама. Один из комментаторов саркастически заметил: «Это самое миллиардерское творение, которое когда-либо было сделано». Однако, несмотря на полярные мнения, эта работа привлекла внимание и вновь подчеркнула статус Марка Цукерберга не только как гения в мире технологий, но и как человека, стремящегося к самовыражению через искусство.
Присцилла Чан, с которой Цукерберг познакомился в Гарварде в 2003 году, остаётся его спутницей и соратницей на протяжении многих лет. Будучи филантропом и педиатром, она вместе с мужем воспитывает троих дочерей и активно участвует в благотворительных проектах. Скульптура, выполненная Аршамом, стала символом их многолетнего союза, творчества и стремления к вечному.
Эта работа вновь заставляет нас задуматься, где проходит грань между искусством и поклонением современным идолам. А может быть, это очередное подтверждение того, что искусство продолжает оставаться зеркалом общества, в котором живёт его создатель?
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Недавно Марк Цукерберг удивил мир очередным нестандартным шагом. Он заказал у знаменитого художника Дэниела Аршама скульптуру своей жены Присциллы Чан. И хотя такое событие могло бы пройти незамеченным, произведение искусства вызвало бурю эмоций, едва появившись на публике. Скульптуру уже сравнивают со Статуей Свободы, но стоит ли проводить такие параллели?
Аршам – мастер создания уникальных, зачастую парадоксальных композиций. Его работы известны своим необычным сочетанием прошлого и настоящего, где современные предметы предстают как древние артефакты. Скульптура Присциллы Чан не стала исключением. Аршам снова предложил зрителю переосмыслить своё восприятие времени и пространства.
На вопрос журналистки Гейл Кинг о том, как возникла идея этой работы, Цукерберг ответил: «Я просто пытаюсь поддерживать постоянный поток творческих проектов. Я шутил, говорил, что надо сделать её скульптуру в течение многих лет, и когда появилась возможность поработать с Аршамом, я, наконец, сделал это!»
Реакция на скульптуру в Instagram была разной. Кто-то критиковал её как гротескное изображение, другие же восхищались мастерством Аршама. Один из комментаторов саркастически заметил: «Это самое миллиардерское творение, которое когда-либо было сделано». Однако, несмотря на полярные мнения, эта работа привлекла внимание и вновь подчеркнула статус Марка Цукерберга не только как гения в мире технологий, но и как человека, стремящегося к самовыражению через искусство.
Присцилла Чан, с которой Цукерберг познакомился в Гарварде в 2003 году, остаётся его спутницей и соратницей на протяжении многих лет. Будучи филантропом и педиатром, она вместе с мужем воспитывает троих дочерей и активно участвует в благотворительных проектах. Скульптура, выполненная Аршамом, стала символом их многолетнего союза, творчества и стремления к вечному.
Эта работа вновь заставляет нас задуматься, где проходит грань между искусством и поклонением современным идолам. А может быть, это очередное подтверждение того, что искусство продолжает оставаться зеркалом общества, в котором живёт его создатель?
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Скрипка
1970–1989
Размер 73x40x30 см
ГМИИ им. А.С. Пушкина
Французский и американский художник, скульптор и коллекционер Арман родился в Ницце. Отец Армана, испанский художник-любитель, держал антикварную лавку, и мальчик рос в ее полумузейном пространстве, где соседствовали старинные вещи, подержанная мебель и чердачная рухлядь.
В 1956 году состоялась его первая персональная выставка в Париже, а с 1958 года художник стал подписывать свои работы псевдонимом Арман. С конца 1950-х годов Арман отходит от живописи и скульптуры в традиционном понимании и обращается к объектам, в особенности ready-made в стиле Марселя Дюшана. Так появляются «аккумуляции» — собрания одинаковых бытовых предметов, которым Арман придавал разные, часто абстрактные формы. Он говорил: «Множество объектов, собранных вместе, меняют свою идентичность и эмоциональный заряд». Он набивал плексигласовые прозрачные контейнеры всяческим мусором и утилем, по существу, показывая зрителю «отходы цивилизации». Свою первую серию он назвал «Мусорный бак».
Спустя несколько лет Арман увлекся противоположным «аккумуляции» действом — разрушением: он ломал, распиливал, жег, взрывал. Так появились серии «Гнев объектов», «Сожженные объекты» и др. Затем он приступал к «ассамбляжам-реконструкциям», собирая из частей расчлененных им предметов новые композиции, к примеру в стиле неокубизма.
Семь лет жизни Арман потратил на монумент «Долговременная парковка» для Фонда современного искусства Картье в Жуи-ан-Жоза — это 20-метровая башня из 60 автомашин, залитых в бетон. На площади перед парижским вокзалом Сен-Лазар установлены две необычные работы Армана — колонна из нескольких десятков циферблатов, нагроможденных друг на друга, а также «Вечная камера хранения»: гора сложенных чемоданов, символ беспрерывного движения.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
1970–1989
Размер 73x40x30 см
ГМИИ им. А.С. Пушкина
Французский и американский художник, скульптор и коллекционер Арман родился в Ницце. Отец Армана, испанский художник-любитель, держал антикварную лавку, и мальчик рос в ее полумузейном пространстве, где соседствовали старинные вещи, подержанная мебель и чердачная рухлядь.
В 1956 году состоялась его первая персональная выставка в Париже, а с 1958 года художник стал подписывать свои работы псевдонимом Арман. С конца 1950-х годов Арман отходит от живописи и скульптуры в традиционном понимании и обращается к объектам, в особенности ready-made в стиле Марселя Дюшана. Так появляются «аккумуляции» — собрания одинаковых бытовых предметов, которым Арман придавал разные, часто абстрактные формы. Он говорил: «Множество объектов, собранных вместе, меняют свою идентичность и эмоциональный заряд». Он набивал плексигласовые прозрачные контейнеры всяческим мусором и утилем, по существу, показывая зрителю «отходы цивилизации». Свою первую серию он назвал «Мусорный бак».
Спустя несколько лет Арман увлекся противоположным «аккумуляции» действом — разрушением: он ломал, распиливал, жег, взрывал. Так появились серии «Гнев объектов», «Сожженные объекты» и др. Затем он приступал к «ассамбляжам-реконструкциям», собирая из частей расчлененных им предметов новые композиции, к примеру в стиле неокубизма.
Семь лет жизни Арман потратил на монумент «Долговременная парковка» для Фонда современного искусства Картье в Жуи-ан-Жоза — это 20-метровая башня из 60 автомашин, залитых в бетон. На площади перед парижским вокзалом Сен-Лазар установлены две необычные работы Армана — колонна из нескольких десятков циферблатов, нагроможденных друг на друга, а также «Вечная камера хранения»: гора сложенных чемоданов, символ беспрерывного движения.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Керамический горшок в форме совы. Китай, империя Западная Хань. III–II вв. до н. э.
Этот керамический горшок, созданный в форме совы, представляет собой уникальный артефакт эпохи Западной Хань (206 г. до н. э. – 9 г. н. э.), которая считается одним из самых значимых периодов в истории Китая. Временной промежуток III–II вв. до н. э. характеризуется высоким уровнем развития искусства и ремесел, особенно в области керамики.
Символика и значение
Форма совы в китайской культуре несет особую символику. В древнем Китае сова часто ассоциировалась с мудростью, долгожительством и защитой от злых духов. Этот керамический сосуд, вероятно, был создан не только для практического использования, но и как оберег, который должен был защищать своего владельца.
Особенности изготовления
Изготовление керамических изделий в период Западной Хань достигло высокого уровня мастерства. Этот горшок, несмотря на простоту его формы и декора, отражает высокие технические навыки мастеров того времени. Форма совы выполнена с минималистичными деталями, что указывает на стремление к стилизации и символизму, характерному для этого периода.
Функциональное назначение
Сосуды подобного типа могли использоваться для хранения продуктов, воды или ритуальных веществ. Однако его форма также говорит о возможной ритуальной или символической функции. Такие предметы могли использоваться в религиозных обрядах или как погребальные дары, что было распространено в культуре Хань.
Этот керамический горшок в форме совы является не только произведением искусства, но и важным культурным артефактом, который дает нам представление о духовной и материальной жизни древнего Китая. Простота и символичность формы делают его значимым объектом изучения, а также ценным экспонатом, представляющим эпоху Западной Хань.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨
Этот керамический горшок, созданный в форме совы, представляет собой уникальный артефакт эпохи Западной Хань (206 г. до н. э. – 9 г. н. э.), которая считается одним из самых значимых периодов в истории Китая. Временной промежуток III–II вв. до н. э. характеризуется высоким уровнем развития искусства и ремесел, особенно в области керамики.
Символика и значение
Форма совы в китайской культуре несет особую символику. В древнем Китае сова часто ассоциировалась с мудростью, долгожительством и защитой от злых духов. Этот керамический сосуд, вероятно, был создан не только для практического использования, но и как оберег, который должен был защищать своего владельца.
Особенности изготовления
Изготовление керамических изделий в период Западной Хань достигло высокого уровня мастерства. Этот горшок, несмотря на простоту его формы и декора, отражает высокие технические навыки мастеров того времени. Форма совы выполнена с минималистичными деталями, что указывает на стремление к стилизации и символизму, характерному для этого периода.
Функциональное назначение
Сосуды подобного типа могли использоваться для хранения продуктов, воды или ритуальных веществ. Однако его форма также говорит о возможной ритуальной или символической функции. Такие предметы могли использоваться в религиозных обрядах или как погребальные дары, что было распространено в культуре Хань.
Этот керамический горшок в форме совы является не только произведением искусства, но и важным культурным артефактом, который дает нам представление о духовной и материальной жизни древнего Китая. Простота и символичность формы делают его значимым объектом изучения, а также ценным экспонатом, представляющим эпоху Западной Хань.
🏛 @exponat | Культурные каналы✨