Василий Суриков “Взятие снежного городка”, 1891 @art_painters
Климт и женщины - это тема на несколько книг. В начале 20 века богема исповедовала свободную любовь. Женщины были вправе говорить “да” не одному мужчине, а многим, и старым, и молодым, да и связи с женщинами и семьи втроем были не редкостью. Секс это утоление физической потребности, любовь - это высокое вечное, которое к животным телодвижениям отношения не имеет.
Рискну предположить, что Густаву Климту были близки эти взгляды. Он спал практически с каждой своей натурщицей. Дамы высшего света, портреты которых он выполнял на заказ, так же оказывались у него в постели, ну и общаться с проститутками он не гнушался. О его невероятном темпераменте ходили легенды. По слухам Климт стал отцом от 14 до 40 детей. В то же время на протяжении почти всей жизни он не отлипал от одной женщины, Эмилии Флёге, с которой, скорее всего, отношения были чисто платоническими.
На картине “Золотая рыбка” изображена не она. Это Красная Хильда, Хильда Рот, известная в то время натурщица. Климт нарисовал ее в такой...интересной позе после того, как его роспись большого зала Венского университета забраковали как слишком эротичную. Изначально эту картину Климт назвал “Моим критикам”, указав таким образом довольно привлекательное место, куда им и дорога.
Рискну предположить, что Густаву Климту были близки эти взгляды. Он спал практически с каждой своей натурщицей. Дамы высшего света, портреты которых он выполнял на заказ, так же оказывались у него в постели, ну и общаться с проститутками он не гнушался. О его невероятном темпераменте ходили легенды. По слухам Климт стал отцом от 14 до 40 детей. В то же время на протяжении почти всей жизни он не отлипал от одной женщины, Эмилии Флёге, с которой, скорее всего, отношения были чисто платоническими.
На картине “Золотая рыбка” изображена не она. Это Красная Хильда, Хильда Рот, известная в то время натурщица. Климт нарисовал ее в такой...интересной позе после того, как его роспись большого зала Венского университета забраковали как слишком эротичную. Изначально эту картину Климт назвал “Моим критикам”, указав таким образом довольно привлекательное место, куда им и дорога.
“С тобой я несчастна, но без тебя не будет счастья”, - писала Фрида Кало о своем муже. Диего Ривера был на 20 лет старше и на 100 кг тяжелее. Мать Фриды назвала их союз браком слона и голубки. На свадьбе Диего напился, подрался, сломал мизинец своему обидчику и в довершении стрелял из пистолета. В дополнении к своему взрывному характеру Ривера не был верным мужем. Постоянные романы с ассистентками, моделями, натурщицами. Спустя несколько лет брака Диего предпочел жить отдельно в своей студии. Все это рвало душу бедной Фриды. Последней каплей стала измена Диего с ее родной сестрой. Прогремел развод.
Портрет “Две Фриды” написан сразу после развода. Если знать язык Фриды Кало, то мы можем прочитать ее послание.
В национальном платье Фрида изобразила себя такой, какой ее любил Диего, в европейском платье отвергнутая Фрида. Сердца обеих обнажены. По символике Кало это означает боль, их сердца болят, причем сердце отвергнутой Фриды разбито. Правая Фрида держит в руках портрет Диего, именно этот облик питает оба сердца: мы видим, как по тоненькой вене кровь бежит от портрета к сердцу Фриды. Разбитое сердце кровоточит, живительная сила Диего утекает от отвергнутой Фриды, она пытается остановить кровь зажимом, но кровь все течет. Фриде грозит смерть, жить без Диего для нее невозможно. Неудивительно, что спустя год после развода Диего и Фрида снова поженились. Как писала Фрида: “ В своей жизни я пережила два тяжелых несчастных случая. Первый, когда в меня врезался трамвай, второй - Диего”.
Портрет “Две Фриды” написан сразу после развода. Если знать язык Фриды Кало, то мы можем прочитать ее послание.
В национальном платье Фрида изобразила себя такой, какой ее любил Диего, в европейском платье отвергнутая Фрида. Сердца обеих обнажены. По символике Кало это означает боль, их сердца болят, причем сердце отвергнутой Фриды разбито. Правая Фрида держит в руках портрет Диего, именно этот облик питает оба сердца: мы видим, как по тоненькой вене кровь бежит от портрета к сердцу Фриды. Разбитое сердце кровоточит, живительная сила Диего утекает от отвергнутой Фриды, она пытается остановить кровь зажимом, но кровь все течет. Фриде грозит смерть, жить без Диего для нее невозможно. Неудивительно, что спустя год после развода Диего и Фрида снова поженились. Как писала Фрида: “ В своей жизни я пережила два тяжелых несчастных случая. Первый, когда в меня врезался трамвай, второй - Диего”.
С праздником, дорогие защитники! ❤️
Поговорим сегодня о российском художнике, нашем современнике Игоре Башмакове. Так случилось, что половину своей художественной жизни Башмаков писал пейзажи и натюрморты, и настоящий перелом случился, когда в 2002 году он следил за новостями про захват заложников на мюзикле “Норд-Ост”. Именно в момент, когда Башмаков увидел на экране взгляд одного из спецназовцев, он вдруг понял, что писать нужно не натюрморты и пейзажи, а этих людей, которые рискуют своими жизнями ради других.
С 2002 года Башмаков написал более 100 картин на военную тематику. Все солдаты, изображенные на них, реальные. Художник много общается с военными, расспрашивает их о пережитом. О создании картины “Возвращение” почитаем слова самого Игоря Башмакова: «Однажды ребята рассказали, как в Чечне они остановились на привал у разрушенного дома. Среди них был боец, который от природы хорошо рисовал. Он осколком кирпича нарисовал на стене свою жену и маленького ребёнка. Так вышло, что обратно с задания группа возвращалась через тот же населённый пункт. И вот что удивительно: вся стена того дома была испещрена следами от пуль, за исключением лиц женщины и ребёнка. Солдат, привалившись к стене, где были изображены его близкие, впервые за долгие месяцы уснул спокойным сном — он расслабился, словно на время вернулся домой. Я назвал эту картину „Возвращение“.
Поговорим сегодня о российском художнике, нашем современнике Игоре Башмакове. Так случилось, что половину своей художественной жизни Башмаков писал пейзажи и натюрморты, и настоящий перелом случился, когда в 2002 году он следил за новостями про захват заложников на мюзикле “Норд-Ост”. Именно в момент, когда Башмаков увидел на экране взгляд одного из спецназовцев, он вдруг понял, что писать нужно не натюрморты и пейзажи, а этих людей, которые рискуют своими жизнями ради других.
С 2002 года Башмаков написал более 100 картин на военную тематику. Все солдаты, изображенные на них, реальные. Художник много общается с военными, расспрашивает их о пережитом. О создании картины “Возвращение” почитаем слова самого Игоря Башмакова: «Однажды ребята рассказали, как в Чечне они остановились на привал у разрушенного дома. Среди них был боец, который от природы хорошо рисовал. Он осколком кирпича нарисовал на стене свою жену и маленького ребёнка. Так вышло, что обратно с задания группа возвращалась через тот же населённый пункт. И вот что удивительно: вся стена того дома была испещрена следами от пуль, за исключением лиц женщины и ребёнка. Солдат, привалившись к стене, где были изображены его близкие, впервые за долгие месяцы уснул спокойным сном — он расслабился, словно на время вернулся домой. Я назвал эту картину „Возвращение“.
Картина-шедевр, что делает ее такой?
Можно читать бесчиленные описания и анализы этой работы, где написано, что эта картина дышит жизнью, в глазах маленькой Веры мы видим, как ей не хочется сидеть и позировать, а хочется побежать на улицу и играть на летне-осеннем солнце, но, честно говоря, так и не понять, в чем собственно шедевр.
Да, все так, картина живая, не заезженная, свежая, и, действительно, шедевром ее делает именно это. Но чтобы нам с вами это понять, нужно немного отстранится от самой картины Серова и посмотреть шире, какие картины писали в то время в России, в мире, что происходило в мире живописи.
Импрессионизм. В 1872 году в Париже произошла первая выставка независимых художников, которые представили на ней свои революционные картины. Они сказали “нет” греческим богиням, нимфам, прорисованным волосам и правильным пропорциям, они сказали “да” - героям современной жизни. К 1887 году, году написания картины “Девочка с персиками” импрессионизм еще не прижился, он активно отвоевывал себе право на жизнь.
Что происходило в русской живописи - социальные картины передвижников: “Тройка” с замученными крестьянскими детьми, “Неравный брак”, - или классические портреты Брюллова, сказочные сюжеты Васнецова. И тут - глоток свежего воздуха - “Девочка с персиками”, простая, в комнате, залитой солнцем, в естественной позе, как будто и не было никакого позирования.
Можно читать бесчиленные описания и анализы этой работы, где написано, что эта картина дышит жизнью, в глазах маленькой Веры мы видим, как ей не хочется сидеть и позировать, а хочется побежать на улицу и играть на летне-осеннем солнце, но, честно говоря, так и не понять, в чем собственно шедевр.
Да, все так, картина живая, не заезженная, свежая, и, действительно, шедевром ее делает именно это. Но чтобы нам с вами это понять, нужно немного отстранится от самой картины Серова и посмотреть шире, какие картины писали в то время в России, в мире, что происходило в мире живописи.
Импрессионизм. В 1872 году в Париже произошла первая выставка независимых художников, которые представили на ней свои революционные картины. Они сказали “нет” греческим богиням, нимфам, прорисованным волосам и правильным пропорциям, они сказали “да” - героям современной жизни. К 1887 году, году написания картины “Девочка с персиками” импрессионизм еще не прижился, он активно отвоевывал себе право на жизнь.
Что происходило в русской живописи - социальные картины передвижников: “Тройка” с замученными крестьянскими детьми, “Неравный брак”, - или классические портреты Брюллова, сказочные сюжеты Васнецова. И тут - глоток свежего воздуха - “Девочка с персиками”, простая, в комнате, залитой солнцем, в естественной позе, как будто и не было никакого позирования.
Валентин Серов “Девочка с персиками”, 1887 @art_painters
Делакруа вызывает интерес не только своим творчеством, но и происхождением. Официально он родился в семье Шарля Делакруа, министра иностранных дел дореволюционной Франции. Но, как твердил народ, Эжен был сыном всесильного Талейрана, а некоторые поговаривали, что его отец - сам Наполеон. Кто был его отцом, нам могла бы сказать только его мать. Но она этого не сделала.😜 Картина «Свобода, ведущая народ», возможно, самая известная работа Делакруа. Вызывает некоторое недоумение, почему же она голая в такой совсем неподходящей для этого обстановк Потому что она 1. Богиня, бесстрашная и самоотверженная. 2. Свободная, т.е.не носит корсет. И в-третьих, господа, ну это же французы 😄! Она ведет народ, и за ее спиной мы видим все классы: рабочего в берете, буржуа в цилиндре (в этом образе Делакруа изобразил себя), парнишку- студента Политеха слева в странном головном уборе, держащего камень, он представляет собой интеллигенцию. Считается, что лицо самой Свободы – это лицо знаменитой парижской революционерки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата и убила 9 гвардейцев. Перед ней, полуголый, лежит ее убитый брат. Будем надеяться его только раздели😒 Революция не шутка! Над всеми развевается триколор, символ национальной идеи Франции: свобода-синий, равенство-белый, братство-красный. Увидеть эту картину вы сможете в Лувре.
Левитан считается самым блестящим русским пейзажистом.
Он перенёс прелести русской природы на холст. Но этот художник не был первым: его учителя Саврасов и Поленов тоже писали родные места (до них существовал итальянский пейзаж). Левитан превзошёл своих учителей. Точно и не понять почему. 🤷♀️ Композиция пейзажей более завершённая, вода более глубокая, настроение более тонкое. Это все на субъективном уровне. Сам Левитан говорил так: «Я не понимаю себя вне живописи. Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью».
Конечно, ещё есть гений русских пейзажей Шишкин. Все мы знаем его мишек утром в сосновом бору. Шишкин и Левитан разные по характеру. На пейзажах Шишкина солнце всегда в зените, это масштабные просторы. Левитан любил тихие места, чаще время его картин это закаты и сумерки. Чуткий человек писал чуткие картины. Кстати, чувства Шишкина тоже были всегда в зените. Однажды, он, находясь на обучении в Германии, ввязался в пьяную драку с 12 немцами. И вышел победителем 💪 Русский богатырь 😜
Он перенёс прелести русской природы на холст. Но этот художник не был первым: его учителя Саврасов и Поленов тоже писали родные места (до них существовал итальянский пейзаж). Левитан превзошёл своих учителей. Точно и не понять почему. 🤷♀️ Композиция пейзажей более завершённая, вода более глубокая, настроение более тонкое. Это все на субъективном уровне. Сам Левитан говорил так: «Я не понимаю себя вне живописи. Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью».
Конечно, ещё есть гений русских пейзажей Шишкин. Все мы знаем его мишек утром в сосновом бору. Шишкин и Левитан разные по характеру. На пейзажах Шишкина солнце всегда в зените, это масштабные просторы. Левитан любил тихие места, чаще время его картин это закаты и сумерки. Чуткий человек писал чуткие картины. Кстати, чувства Шишкина тоже были всегда в зените. Однажды, он, находясь на обучении в Германии, ввязался в пьяную драку с 12 немцами. И вышел победителем 💪 Русский богатырь 😜
В понедельник замахнемся на шедевр!
Часто можно встретить статьи, которые раскрывают “тайну Моны Лизы”. Чем всех пленяет этот портрет на протяжении веков? Давайте будем предполагать.
“Мона Лиза” покорила публику сразу. Современники да Винчи, которые видели этот портрет, отмечали, что это лучший образец портрета, что художник мастерски изобразил человека: глаза блестят, ресницы как настоящие, цвет лица как у живой. Одним словом, у современников было впечатление, что портрет написан “как фотография”. К моменту написания картины Леонардо достиг пика своего мастерства. Изображение анатомических особенностей уже не было для него какой-либо задачей. И...подбираемся ко второму моменту...он мог позволить себе заняться душой портрета. Да Винчи попытался изобразить одухотворенную женщину. Тут надо отметить, что под одухотворенностью понималось во времена Возрождения. Это не умная, набожная, благочестивая, думающая или еще какая-нибудь женщина. В период Возрождения человек воспевался как подобие Бога. Соответственно, изображая Мону Лизу, Леонардо да Винчи стремился изобразить не подлинный характер этой женщины, а одухотворенного человека в общем, цельное существо подобное Творцу. Похоже, что ему это удалось, и теперь каждый, кто хочет найти в Джоконде какие-то человеческие черты характера, находит их: она и святая, и распутница с кокетливой улыбкой, и собеседник, и мать, и прекрасная возлюбленная. Каждый видит в ней то, что хочет, потому что она как сверхчеловек, подобие Творца. В ней есть все.
И третий пункт - улыбка. Во времена да Винчи художники не писали портреты улыбающихся людей, в принципе. В основном потому, что не умели. Ведь рисовать зубы - это сложно. Да Винчи увлекался анатомией настолько, что решил замахнуться на улыбку. Поэтому современники были сражены вдвойне. Они просто не видели улыбающихся портретов.
Часто можно встретить статьи, которые раскрывают “тайну Моны Лизы”. Чем всех пленяет этот портрет на протяжении веков? Давайте будем предполагать.
“Мона Лиза” покорила публику сразу. Современники да Винчи, которые видели этот портрет, отмечали, что это лучший образец портрета, что художник мастерски изобразил человека: глаза блестят, ресницы как настоящие, цвет лица как у живой. Одним словом, у современников было впечатление, что портрет написан “как фотография”. К моменту написания картины Леонардо достиг пика своего мастерства. Изображение анатомических особенностей уже не было для него какой-либо задачей. И...подбираемся ко второму моменту...он мог позволить себе заняться душой портрета. Да Винчи попытался изобразить одухотворенную женщину. Тут надо отметить, что под одухотворенностью понималось во времена Возрождения. Это не умная, набожная, благочестивая, думающая или еще какая-нибудь женщина. В период Возрождения человек воспевался как подобие Бога. Соответственно, изображая Мону Лизу, Леонардо да Винчи стремился изобразить не подлинный характер этой женщины, а одухотворенного человека в общем, цельное существо подобное Творцу. Похоже, что ему это удалось, и теперь каждый, кто хочет найти в Джоконде какие-то человеческие черты характера, находит их: она и святая, и распутница с кокетливой улыбкой, и собеседник, и мать, и прекрасная возлюбленная. Каждый видит в ней то, что хочет, потому что она как сверхчеловек, подобие Творца. В ней есть все.
И третий пункт - улыбка. Во времена да Винчи художники не писали портреты улыбающихся людей, в принципе. В основном потому, что не умели. Ведь рисовать зубы - это сложно. Да Винчи увлекался анатомией настолько, что решил замахнуться на улыбку. Поэтому современники были сражены вдвойне. Они просто не видели улыбающихся портретов.
В самый главный день весны хочу порадовать прекрасную половину моих читателей рассказом о поцелуе. Но и не забываю, что мой канал читают и мужчины, поэтому в этом рассказе будет немного о войне.
Картина “Поцелуй” самое известное и дорогое произведение Франческо Айеца, итальянского художника, представителя романтизма. Тема поцелуя пленяла Франческо всю жизнь, он написал много картин с изображением этого прекрасного момента. Айец стремился изобразить поцелуй любви и страсти, писал Ромео и Джульетту. Их любовь это и духовная, вечная связь и очень сильное физическое притяжение. Такой же поцелуй соединяет и эту парочку.
Теперь о войне. Как я уже говорила, Франческо часто писал поцелуи, и этой картины существует три версии. Перед нами - поздняя. На ней художник добавил белый платок на лестнице и ярко-зеленую подкладку пальто мужчины. Теперь загадка! Зеленый-красный-белый и синий-красный-белый. Что зашифровал Айец? Причем зашифровал неспроста, за такое могли и арестовать. Перед нами не просто поцелуй, это союз Пьемонта с Францией против Австрии за свободу Италии.
Картина “Поцелуй” самое известное и дорогое произведение Франческо Айеца, итальянского художника, представителя романтизма. Тема поцелуя пленяла Франческо всю жизнь, он написал много картин с изображением этого прекрасного момента. Айец стремился изобразить поцелуй любви и страсти, писал Ромео и Джульетту. Их любовь это и духовная, вечная связь и очень сильное физическое притяжение. Такой же поцелуй соединяет и эту парочку.
Теперь о войне. Как я уже говорила, Франческо часто писал поцелуи, и этой картины существует три версии. Перед нами - поздняя. На ней художник добавил белый платок на лестнице и ярко-зеленую подкладку пальто мужчины. Теперь загадка! Зеленый-красный-белый и синий-красный-белый. Что зашифровал Айец? Причем зашифровал неспроста, за такое могли и арестовать. Перед нами не просто поцелуй, это союз Пьемонта с Францией против Австрии за свободу Италии.
Посмотрим еще одну жемчужину академизма. Этот стиль подвергся настоящему гонению с приходом импрессионизма. Академистов ругали за отсутствие жизни в их полотнах. Какое отношение гонение христиан в 4 веке в Риме имеет к жизни Парижа в 19? Да никакое! Но парижская Академия изящных искусств считала иначе: живопись должна говорить о высоком, великом и вечном и, конечно, с точки зрения техники и пропорций все должно быть безупречно.
Поль Деларош писал исторические сюжеты и портреты. Он умел сбалансировать уровень драмы, сюжеты его картин трагичны, но не вышибают слезу. Техника, как говорится, на грани фантастики: переливы воды, свет от лица мученицы, безупречные кисти рук. Пусть далеко от жизни, но как красиво 😺
Для написания этой картины Деларош вдохновился темой гонения христиан при императоре Диоклетиане с 303 по 313гг. Императорскими указами было предписано разрушить все церкви, отобрать и сжечь книги, всех христиан, независимо от ранга, пытать до признания императора как Бога или убить. Во время гонений христиане не отрицали свою веру, не скрывали книг, вели себя очень открыто, что привело к смерти тысяч. Нередко на судах римские чиновники подсказывали им «правильные» уклончивые ответы (ни нашим, ни вашим), но большинство христиан отвечали прямо, предпочитая страдать за свою веру и, видимо, таким образом давали христианству еще больший толчок к укреплению и распространению.
А эту картину Вы можете увидеть в Эрмитаже в Петербурге.
Поль Деларош писал исторические сюжеты и портреты. Он умел сбалансировать уровень драмы, сюжеты его картин трагичны, но не вышибают слезу. Техника, как говорится, на грани фантастики: переливы воды, свет от лица мученицы, безупречные кисти рук. Пусть далеко от жизни, но как красиво 😺
Для написания этой картины Деларош вдохновился темой гонения христиан при императоре Диоклетиане с 303 по 313гг. Императорскими указами было предписано разрушить все церкви, отобрать и сжечь книги, всех христиан, независимо от ранга, пытать до признания императора как Бога или убить. Во время гонений христиане не отрицали свою веру, не скрывали книг, вели себя очень открыто, что привело к смерти тысяч. Нередко на судах римские чиновники подсказывали им «правильные» уклончивые ответы (ни нашим, ни вашим), но большинство христиан отвечали прямо, предпочитая страдать за свою веру и, видимо, таким образом давали христианству еще больший толчок к укреплению и распространению.
А эту картину Вы можете увидеть в Эрмитаже в Петербурге.
Поль Деларош «Христианская мученица времен Диоклетиана в Тибре», 1852 @art_painters
...Задыхаясь, я крикнула: "Шутка
Всё, что было. Уйдешь, я умру."
Улыбнулся спокойно и жутко
И сказал мне: "Не стой на ветру"
Давайте сравним портреты разных художников, на которых изображена одна и та же женщина. Хороший художник улавливает не только черты лица своей модели, но и ее характер.
Анна Ахматова была поразительной женщиной. Насколько нужно было будоражить остротой своего ума, глубиной мысли, чтобы разные художники хотели потратить как минимум несколько часов и увековечить твой образ.
Эти портреты очень разные по стилям, но, по-моему, нельзя сказать, что на них изображены разные люди. Все художники увидели Ахматова такой, какой она была: прямой, несгибаемой, глубокой. Никто их них не изобразил ее улыбающейся. Такое единодушие говорит о том, что эти художники были достаточно талантливы, чтобы уловить и перенести на бумагу ее характер. Портреты Ахматовой различаются тем, что каждый художник привносил частицу чебя в свою работу.
Рисунки Модильяни глубокие, пронизаны какой-то болью, хотя написаны во время их страстного романа. Портрет работы Натана Альтмана дерзкий, амбициозный и тонкий, как сам автор. Работа Тырсы, как великого графика и педагога, безупречна технически. Зинаида Серебрякова изобразила наиболее нежную и женственную Ахматову себе под стать, а на работе Петрова-Водкина, того же года, что и портрет Серебряковой, поэтесса выглядит как минимум на 10 лет старше, решительная, как революционер, каким был в живописи сам художник.
Всё, что было. Уйдешь, я умру."
Улыбнулся спокойно и жутко
И сказал мне: "Не стой на ветру"
Давайте сравним портреты разных художников, на которых изображена одна и та же женщина. Хороший художник улавливает не только черты лица своей модели, но и ее характер.
Анна Ахматова была поразительной женщиной. Насколько нужно было будоражить остротой своего ума, глубиной мысли, чтобы разные художники хотели потратить как минимум несколько часов и увековечить твой образ.
Эти портреты очень разные по стилям, но, по-моему, нельзя сказать, что на них изображены разные люди. Все художники увидели Ахматова такой, какой она была: прямой, несгибаемой, глубокой. Никто их них не изобразил ее улыбающейся. Такое единодушие говорит о том, что эти художники были достаточно талантливы, чтобы уловить и перенести на бумагу ее характер. Портреты Ахматовой различаются тем, что каждый художник привносил частицу чебя в свою работу.
Рисунки Модильяни глубокие, пронизаны какой-то болью, хотя написаны во время их страстного романа. Портрет работы Натана Альтмана дерзкий, амбициозный и тонкий, как сам автор. Работа Тырсы, как великого графика и педагога, безупречна технически. Зинаида Серебрякова изобразила наиболее нежную и женственную Ахматову себе под стать, а на работе Петрова-Водкина, того же года, что и портрет Серебряковой, поэтесса выглядит как минимум на 10 лет старше, решительная, как революционер, каким был в живописи сам художник.