Гордый грек, учившийся у Тициана в Венеции, покоривший Испанию, чуть было не попал на суд инквизиции за то, что не желал сбавлять цену за картину для Кафедрального собора.
После смерти Эль Греко его картины не вспоминали 300 лет. Первая выставка прошла в 1919 года и как писал критик Роджер Фрай, публика была «поражена электрическим током».
Наиболее скандальная картина «Снятие одежд с Христа» была заказана Эль Греко Кафедральным собором Толедо. Когда мастер озвучил цену за готовую работу, Капитул (совет духовных лиц) отказался платить. Не долго думая (а может, и долго, мы этого не знаем), Эль Греко обратился в суд. Суд постановил, что это шедевр и нужно заплатить сумму сполна. Тогда служители церкви усмотрели теологическую ошибку в сюжете. Мол, в момент снятия одежд с Христа Девы Марии и Марии Магдалины не было рядом. Тут уже художнику пригрозили инквизицией за вольное обращение с Евангелием, и он согласился исправить работу. Но в итоге, первый вариант картины сочли более удачным и несмотря на погрешности в сюжете, его все-таки можно повесить в Соборе. В цене наконец-то сошлись.
Увидеть эту картину вы можете в Художественном музее в Толедо.
После смерти Эль Греко его картины не вспоминали 300 лет. Первая выставка прошла в 1919 года и как писал критик Роджер Фрай, публика была «поражена электрическим током».
Наиболее скандальная картина «Снятие одежд с Христа» была заказана Эль Греко Кафедральным собором Толедо. Когда мастер озвучил цену за готовую работу, Капитул (совет духовных лиц) отказался платить. Не долго думая (а может, и долго, мы этого не знаем), Эль Греко обратился в суд. Суд постановил, что это шедевр и нужно заплатить сумму сполна. Тогда служители церкви усмотрели теологическую ошибку в сюжете. Мол, в момент снятия одежд с Христа Девы Марии и Марии Магдалины не было рядом. Тут уже художнику пригрозили инквизицией за вольное обращение с Евангелием, и он согласился исправить работу. Но в итоге, первый вариант картины сочли более удачным и несмотря на погрешности в сюжете, его все-таки можно повесить в Соборе. В цене наконец-то сошлись.
Увидеть эту картину вы можете в Художественном музее в Толедо.
Сегодня среда, а значит, Вы можете посетить Третьяковскую галерею на Крымском валу бесплатно и увидеть эту картину!
Марк Шагал один из самых знаменитых художников-выходцев из России. Художник прожил долгую и невероятную жизнь. Шагал был старшим из десяти детей в довольно-таки небогатой еврейской семье в Витебске. Своим талантом он покорил сначала Санкт-Петербург, затем Париж, а потом и весь мир.
Искусствоведы считают Шагала авангардистом. Сам Шагал говорил, что он изображает человека с его размышлениями, памятью, эмоциями, поэтому он и не может выглядеть реалистично.
На картине «Над городом» Шагал изобразил себя со своей любимой женой Беллой. Еще в юности цыганка нагадала ему, что он будет любить необыкновенную женщину. Шагал писал, что рядом с Беллой ощущал необыкновенный покой, невесомость, даже полет и думал, что в ее сердце скрыты сокровища.
@learn_painters
Марк Шагал один из самых знаменитых художников-выходцев из России. Художник прожил долгую и невероятную жизнь. Шагал был старшим из десяти детей в довольно-таки небогатой еврейской семье в Витебске. Своим талантом он покорил сначала Санкт-Петербург, затем Париж, а потом и весь мир.
Искусствоведы считают Шагала авангардистом. Сам Шагал говорил, что он изображает человека с его размышлениями, памятью, эмоциями, поэтому он и не может выглядеть реалистично.
На картине «Над городом» Шагал изобразил себя со своей любимой женой Беллой. Еще в юности цыганка нагадала ему, что он будет любить необыкновенную женщину. Шагал писал, что рядом с Беллой ощущал необыкновенный покой, невесомость, даже полет и думал, что в ее сердце скрыты сокровища.
@learn_painters
Ренуар один из родоначальников импрессионизма. Термин «импрессионисты» возник с легкой руки известного арт-критика после первой выставки "Анонимного товарищества артистов, живописцев, художников, скульпторов, графиков и проч.". Изначально Леруа употребил это слово в негативном значении. Публика совсем не приняла художников, которые не сочли нужным вырисовывать детали, а изображали предметы несколькими мазками, создавая впечатление (фр.impression).
Ренуар все-таки дожил до признания публики. Он творил до последних дней жизни, хотя после перелома руки у него начался ревматизм, и он рисовал, превозмогая сильнейшую боль. Ренуар говорил: «Боль проходит, а красота остается».
На картине «Две сестры» главный герой не прекрасные девушки, а свет. Ренуар старался достичь идеальной композиции и игры света. Посмотрите, насколько прекрасны блики солнца на деревьях, воде, лицах героинь и их шляпках.
Картина находится в Институте искусств в Чикаго.
@learn_painters
Ренуар все-таки дожил до признания публики. Он творил до последних дней жизни, хотя после перелома руки у него начался ревматизм, и он рисовал, превозмогая сильнейшую боль. Ренуар говорил: «Боль проходит, а красота остается».
На картине «Две сестры» главный герой не прекрасные девушки, а свет. Ренуар старался достичь идеальной композиции и игры света. Посмотрите, насколько прекрасны блики солнца на деревьях, воде, лицах героинь и их шляпках.
Картина находится в Институте искусств в Чикаго.
@learn_painters
Современники называли его лучшим художником Франции, ученики презрительно забыли, и в 21 веке, наконец, мы стали вновь заслуженно восхищаться его мастерством. Вильям Бугро – художник академической живописи. Он достиг невероятного мастерства в изображении прекрасного человеческого тела. В глазах его героев мы можем увидеть разнообразные чувства и эмоции.
Бугро принципы академического искусства, а вокруг уже начинали восторгаться импрессионизмом. Бугро так и не принял новое направление, он открыто критиковал его, пользуясь своим положением действительного члена Академии изящных искусств, чинил препятствия молодым художникам-импрессионистам. Но как он, работавший день и ночь, перекусывающий яйцами и водой, оттачивающий свою технику, мог принять живопись, в которой рисовать стало не нужно.
Одним из учеников Бугро был Анри Матисс. После его смерти Матисс жестко критиковал Бугро. Его обвинили в распутстве, погоне за наживой, предательстве идеалов искусства, растлении молодого поколения, так как художник изображал обнаженные тела. Потомки намеренно очерняли его, вероятно, боясь сравнения своих картин с полотнами этого мастера.
Картину «Молитва» можно увидеть только на картинке. Кто-то наслаждается ей в своей коллекции.
@learn_painters
Бугро принципы академического искусства, а вокруг уже начинали восторгаться импрессионизмом. Бугро так и не принял новое направление, он открыто критиковал его, пользуясь своим положением действительного члена Академии изящных искусств, чинил препятствия молодым художникам-импрессионистам. Но как он, работавший день и ночь, перекусывающий яйцами и водой, оттачивающий свою технику, мог принять живопись, в которой рисовать стало не нужно.
Одним из учеников Бугро был Анри Матисс. После его смерти Матисс жестко критиковал Бугро. Его обвинили в распутстве, погоне за наживой, предательстве идеалов искусства, растлении молодого поколения, так как художник изображал обнаженные тела. Потомки намеренно очерняли его, вероятно, боясь сравнения своих картин с полотнами этого мастера.
Картину «Молитва» можно увидеть только на картинке. Кто-то наслаждается ей в своей коллекции.
@learn_painters
Художник киммерийской школы (Крымской), продолжил традиции Айвазовского и в то же время гармонично творил в довоенное советское время. Ранние пейзажи Богаевского это неоромантика, неоклассицизм, символизм. Как и Айвазовский, Богаевский писал по памяти. Его пейзажи носят фантастический, иногда футуристический характер. В более позднем творчестве можно усмотреть нечто космическое и внепланетное.
«Корабли» одна из самых знаменитых и характерных работ художника. Он не изобразил ничего не существующего в реальном мире, но этот пейзаж передает нам сказочное настроение. Яркое солнце – светлое будущее, к которому плывет корабль. Работая над этой картиной, Богаевский был под сильным влиянием творчества французского классика-пейзажиста Клода Лоррена и его идеи освещения. Лоррен был первым классиком, который стремился изучить солнечный свет, понять, чем утреннее солнце отличается от вечернего. Техника Богаевского далека от классической: широкие мазки, линии-волны, четкие контуры. Он творил в духе прогрессивного 20 века и был смог успешно выставлять свои картины и в Советской России.
Увидеть картины «Корабли» вы можете в Русском музее, в Петербурге.
@learn_painters
«Корабли» одна из самых знаменитых и характерных работ художника. Он не изобразил ничего не существующего в реальном мире, но этот пейзаж передает нам сказочное настроение. Яркое солнце – светлое будущее, к которому плывет корабль. Работая над этой картиной, Богаевский был под сильным влиянием творчества французского классика-пейзажиста Клода Лоррена и его идеи освещения. Лоррен был первым классиком, который стремился изучить солнечный свет, понять, чем утреннее солнце отличается от вечернего. Техника Богаевского далека от классической: широкие мазки, линии-волны, четкие контуры. Он творил в духе прогрессивного 20 века и был смог успешно выставлять свои картины и в Советской России.
Увидеть картины «Корабли» вы можете в Русском музее, в Петербурге.
@learn_painters
Вы когда-нибудь слышали про магический реализм? Он перед Вами!
Майкл Паркес современный художник, «дитя цветов», хиппи. В 1970 гг в возрасте 24 лет он отправился в Индию со своей женой, чтобы найти источник всего сущего. Они путешествовали по Индии, Пакистану, Непалу и погружались в философию Востока.
Паркес не любит интерпретировать свои картины. Рисуя, он продолжает изучать свое подсознание. Это в какой-то степени медитация. И картины - это результат его размышлений, которые сложились под влиянием философии тибетского буддизма, египетской и греческой мифологии.
Часто Паркес изображает цирк. По его словам, игра человеческого сознания похожа на цирк, будучи высоко в небе — на канате или скале — сложно понять, находитесь ли вы на старте взлёта или падения.
Почти все работы Майкла Паркеса, как и эта, находятся в частных коллекциях.
@learn_painters
Майкл Паркес современный художник, «дитя цветов», хиппи. В 1970 гг в возрасте 24 лет он отправился в Индию со своей женой, чтобы найти источник всего сущего. Они путешествовали по Индии, Пакистану, Непалу и погружались в философию Востока.
Паркес не любит интерпретировать свои картины. Рисуя, он продолжает изучать свое подсознание. Это в какой-то степени медитация. И картины - это результат его размышлений, которые сложились под влиянием философии тибетского буддизма, египетской и греческой мифологии.
Часто Паркес изображает цирк. По его словам, игра человеческого сознания похожа на цирк, будучи высоко в небе — на канате или скале — сложно понять, находитесь ли вы на старте взлёта или падения.
Почти все работы Майкла Паркеса, как и эта, находятся в частных коллекциях.
@learn_painters
Чтобы полюбить Кандинского, нужно узнать его идею! Конечно, можно часами вглядываться в его линии, точки, непонятные фигуры, с умным видом говорить, что в этом что-то есть, но если вы не читали его лекций о живописи или не слышали ничего о них, то увы, вы притворяетесь!
Василий Кандинский один из основоположников абстрактной живописи. Он искренне верил, что живопись должна уйти от изображения реальных предметов, это использование ее потенциала впустую. Идеалом творческой деятельности для Кандинского была музыка 🎧. Его поражала ее способность передавать настроение и мысли композитора только звуками (речь именно о музыке, а не о песнях). И вот он, как храбрый рыцарь, стал изображать Нечто на холсте. Особое внимание он придавал композиции. Идеальная композиция в живописи – это, что называется, ни прибавить-ни убавить. Кандинский оставил много рисунков под названием «композиция», везде преследуя высшую цель, написать нечто совершенное, чтобы каждая точка, линия, форма и цвет были на своем месте.
У Кандинского было еще много интересных размышлений о форме и цвете ☺️ О них в других постах 😘
Эти выходные – последние, когда вы можете посетить выставку «Багатели» Василия Кандинского» в Пушкинском музее, в Москве. Поспешите! 🏃
@learn_painters
Василий Кандинский один из основоположников абстрактной живописи. Он искренне верил, что живопись должна уйти от изображения реальных предметов, это использование ее потенциала впустую. Идеалом творческой деятельности для Кандинского была музыка 🎧. Его поражала ее способность передавать настроение и мысли композитора только звуками (речь именно о музыке, а не о песнях). И вот он, как храбрый рыцарь, стал изображать Нечто на холсте. Особое внимание он придавал композиции. Идеальная композиция в живописи – это, что называется, ни прибавить-ни убавить. Кандинский оставил много рисунков под названием «композиция», везде преследуя высшую цель, написать нечто совершенное, чтобы каждая точка, линия, форма и цвет были на своем месте.
У Кандинского было еще много интересных размышлений о форме и цвете ☺️ О них в других постах 😘
Эти выходные – последние, когда вы можете посетить выставку «Багатели» Василия Кандинского» в Пушкинском музее, в Москве. Поспешите! 🏃
@learn_painters
Василий Кандинский «Композиция Ж. Одному голосу», 1916 @learn_painters
Художник, который всю жизнь оживлял мифы и легенды на своих полотнах. Уотерхаус творил в духе прерафаэлитов, хотя родился на сто лет позже этого течения. Прерафаэлиты мечтали вернуть искусства эпохи «до Рафаэля». Они считали, что писать нужно только с натуры 💃 и необходимо перестать слепо подражать классицизму. Их течение было оппозиционным Королевской Академии художеств. Примечательно, что спустя сто лет, Уотерхаус, прерафаэлит, был избран ее членом.
Картина «Пандора» - иллюстрация к мифу о женщине 💃, созданной на погибель людям богами Олимпа как орудие мести за то, что Прометей подарил им огонь 🔥. Пандора была создана невообразимо красивой и любопытной. В приданое ей был подарен ларец, который нельзя было открывать. «Я не буду открывать, только чуть-чуть приоткрою», - подумала Пандора и заглянула внутрь. Беды, несчастья и болезни роем вылетели из ларца и ужалили девушку 🐝. В испуге она захлопнула ларец, как влруг услышала голос из него: «Выпусти и меня. Я излечу твои раны». Пандора послушалась и выпустила из ларца Надежду. Так у людей появились болезни, несчастья, тяжелый труд и Надежда, чтобы они хоть как-то могли все это вынести.
Картина находится в частной коллекции.
@learn_painters
Картина «Пандора» - иллюстрация к мифу о женщине 💃, созданной на погибель людям богами Олимпа как орудие мести за то, что Прометей подарил им огонь 🔥. Пандора была создана невообразимо красивой и любопытной. В приданое ей был подарен ларец, который нельзя было открывать. «Я не буду открывать, только чуть-чуть приоткрою», - подумала Пандора и заглянула внутрь. Беды, несчастья и болезни роем вылетели из ларца и ужалили девушку 🐝. В испуге она захлопнула ларец, как влруг услышала голос из него: «Выпусти и меня. Я излечу твои раны». Пандора послушалась и выпустила из ларца Надежду. Так у людей появились болезни, несчастья, тяжелый труд и Надежда, чтобы они хоть как-то могли все это вынести.
Картина находится в частной коллекции.
@learn_painters
Джон Уотерхаус «Пандора, открывающая ларец», 1896 @learn_painters
Самый известный художник всех времен, для которого живопись была не основным видом деятельности. Леонардо сделал открытия в каждой из областей науки, существовавших в его время. Он оставил чертежи танков и самолетов, рисунки анатомического строения человека, заметки по астрономии, механике, музыкальные произведения и, конечно, шедевры живописи, у которых выстраиваются очереди в музеях.
Леонардо был первым художником, который позволил Мадонне и младенцу Христу улыбаться. Он был мастером композиции. Именно ему принадлежит теория о золотом сечении. Цветовая и световая гамма картины великолепно выстроена. По традиции Деву Марию всегда на всех картинах и иконах изображают в красно-синих одеждах. Синий символ Духа Святого, а красный – цвет царей и цариц. Иисус тянет ручку к цветку крестоцвета, символу распятия.
Название картины «Бенуа» восходит к фамилии одним из ее владельцев российской династии Бенуа. Позже картина была приобретена Эрмитажем, где Вы можете увидеть ее и сейчас. @learn_painters
Леонардо был первым художником, который позволил Мадонне и младенцу Христу улыбаться. Он был мастером композиции. Именно ему принадлежит теория о золотом сечении. Цветовая и световая гамма картины великолепно выстроена. По традиции Деву Марию всегда на всех картинах и иконах изображают в красно-синих одеждах. Синий символ Духа Святого, а красный – цвет царей и цариц. Иисус тянет ручку к цветку крестоцвета, символу распятия.
Название картины «Бенуа» восходит к фамилии одним из ее владельцев российской династии Бенуа. Позже картина была приобретена Эрмитажем, где Вы можете увидеть ее и сейчас. @learn_painters
А гиперреализма точно не было в 19 веке? Великолепные пейзажи Шишкина можно легко перепутать с фотографией.
Его называли «полуденный художник», так как на его картинах практически отсутствуют рассветы и закаты. Яркий солнечный свет пронизывает русский лес. Этот вид пейзажа считается наиболее сложным, так как отсутствует тень, но Шишкин прекрасно справлялся с этой задачей, будучи непревзойденным мастером.
Художник тянулся к рисованию с детства, за что родные прозвали его «мазилкой». Шишкин родился в семье купца, но его отец не сильно любил занятие коммерцией. Изрядную долю своего состояния он потратил на ведение археологических раскопок.
Картина «Корабельная роща» стала последним завершенным полотном Шишкина. Умер он за мольбертом, трудясь над новой картиной «Лесное царство».
Поразиться реалистичности пейзажа «Корабельная роща» Вы можете в Русском музее в Санкт-Петербурге.
@learn_painters
Его называли «полуденный художник», так как на его картинах практически отсутствуют рассветы и закаты. Яркий солнечный свет пронизывает русский лес. Этот вид пейзажа считается наиболее сложным, так как отсутствует тень, но Шишкин прекрасно справлялся с этой задачей, будучи непревзойденным мастером.
Художник тянулся к рисованию с детства, за что родные прозвали его «мазилкой». Шишкин родился в семье купца, но его отец не сильно любил занятие коммерцией. Изрядную долю своего состояния он потратил на ведение археологических раскопок.
Картина «Корабельная роща» стала последним завершенным полотном Шишкина. Умер он за мольбертом, трудясь над новой картиной «Лесное царство».
Поразиться реалистичности пейзажа «Корабельная роща» Вы можете в Русском музее в Санкт-Петербурге.
@learn_painters